10/02/2025 - Il regista galiziano riflette sul suo quarto lungometraggio, un'esplorazione metacinematografica del teatro di Shakespeare che mette insieme molte delle sue preoccupazioni precedenti

(© Camilo Oviedo)

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scheda film] Lois Patiño, è stato presentato nella sezione Harbour dell'IFFR. Ariel trae il suo personaggio principale, e molto altro, dall'opera teatrale di William Shakespeare La Tempesta, ambientata in un'isola. Il film si discosta dalle opere precedenti del regista, ma mette insieme molte delle sue preoccupazioni precedenti. Abbiamo parlato con Patiño di collaborazione, interpolazione e interazione tra finzione e realtà.

Cineuropa: Lei ha originariamente concepito questo film con il regista argentino Matías Piñeiro. Avevate già realizzato un cortometraggio insieme, Sycorax. Come si è evoluto questo progetto da quegli inizi?
Lois Patiño: La nostra idea principale era questo lungometraggio. Abbiamo realizzato Sycorax per esercitarci a costruire insieme un linguaggio cinematografico appropriato, dato che venivamo da due stili diversi, quasi opposti. Ma con la pandemia e le altre scadenze che avevamo, Matias non ha poi potuto partecipare al lungometraggio.

Abbiamo cercato un luogo in cui i nostri interessi potessero convergere e lo abbiamo trovato ne La tempesta. È l'opera di Shakespeare in cui la natura è più presente: c'è la spiritualità degli elementi naturali. Quindi c'era il teatro e il mio interesse per il paesaggio, la contemplazione e la spiritualità. L'idea principale era quella di realizzare un libero adattamento della Tempesta dalla prospettiva di Ariel. Da lì è cresciuta.

Da lì, il film si dirama per esplorare altre opere di Shakespeare. Cosa vi ha spinto ad ampliare il focus del progetto?
Avevamo l'idea di fare una meta-narrazione, una doppia relazione tra realtà e finzione. Ma volevo espandere ulteriormente l'idea di trovarci sulle isole di diversi personaggi di Shakespeare e anche di altri drammaturghi, come Pirandello. Una grossa idea che ho introdotto è stata quella dei problemi esistenziali dei personaggi che sanno di essere tali.

Volevo ricontestualizzare Shakespeare. Le autorità in questo film parlano solo con parole di Shakespeare. A volte qualcuno chiede qualcosa e la risposta è completamente senza senso. Ho inserito l'umorismo del teatro dell'assurdo e ho mescolato Shakespeare con altre idee teatrali. C'è un personaggio di Beckett su una delle isole.

Questo impulso decostruttivo è interessante, visto che avete portato un'attrice argentina, Agustina Muñoz, al centro del film. La decostruzione metatestuale nel cinema argentino contemporaneo è sempre più visibile a livello internazionale.
Non ci avevo pensato, ma è vero. Sono stato influenzato, consciamente e inconsciamente, da Matías. Amo il lavoro di Mariano Llinás. Il testo qui è frammentato, e si capisce che ci sono molti drammi che si svolgono in parallelo. Ho pensato a The Nothing Factory [+leggi anche:
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intervista: Pedro Pinho
scheda film] di Pedro Pinho. Anche lui lavora con attori non professionisti. Speravo, ad esempio, che tre donne anziane in un supermercato che recitavano Otello potessero funzionare. E se non lo fanno bene, il concetto del film è accettarlo.

Cosa l'ha spinta a girare alle Azzorre?
Avevamo bisogno della presenza del vento, perché la vegetazione doveva muoversi. Nel mezzo dell'Oceano Atlantico il clima cambia quasi ogni ora, quindi ci sono molte tempeste e nuvole, e poi il sole. Questo ha reso le riprese difficili, ma ci ha dato questa potente forma della natura. Mi interessava anche portare la lingua di Shakespeare in portoghese, una lingua minoritaria: passare dalla lingua dominante a qualcosa di diverso.

Il film sembra onirico e i suoi lavori precedenti richiedono un impegno attivo da parte dello spettatore. Il punto centrale di Samsara ne è un esempio, con luci lampeggianti che invitano lo spettatore a chiudere gli occhi. Che esperienza intende offrire  con questo film?
Ho pensato molto all'idea di esperienza; è una delle cose che mi interessano di più. Coast of Death [+leggi anche:
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intervista: Lois Patiño
scheda film] è un'esperienza con lo spazio e il tempo. Tutto è girato a distanza, ma sentiamo il suono molto da vicino. In Red Moon Tide [+leggi anche:
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intervista: Lois Patiño
scheda film] ho esplorato l'idea del tempo. Tutti sono paralizzati per tutto il film. Ariel non va così in profondità nel lavorare con gli elementi del cinema. Ma il mio desiderio era di lavorare su questa doppia esperienza di realtà e finzione e di esplorare il modo in cui si mescolano. Per me non è così radicale o essenziale come lavorare con la materia del tempo e dello spazio, o della luce e del suono, ma penso che sia un'idea concettualmente interessante da esplorare e sperimentare.

(Tradotto dall'inglese)