10/02/2025 - El director gallego reflexiona sobre su cuarto largometraje, una exploración metacinematográfica de la obra de Shakespeare que entronca con varios de los intereses previos de su cine

(© Camilo Oviedo)

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ficha de la película], Lois Patiño, se ha presentado este año en la sección Harbour del Festival de Róterdam. Ariel toma su personaje titular, y mucho más, de la obra de William Shakespeare La tempestad, ambientada en una isla. La película se aleja de las obras anteriores del director, pero reúne muchas de sus preocupaciones previas. Hablamos con Patiño sobre la colaboración, la interpolación y la interacción entre ficción y realidad.

Cineuropa: Originalmente, concebiste esta película con el director argentino Matías Piñeiro. Habíais hecho un corto juntos, Sycorax. ¿Cómo evolucionó el proyecto desde los inicios?
Lois Patiño: Nuestra idea principal era este largometraje. Hicimos Sycorax para practicar la construcción de un lenguaje cinematográfico conjunto, ya que veníamos de dos estilos diferentes, casi opuestos. La irrupción de la pandemia y otros plazos que teníamos impidieron que Matías pudiese participar [en Ariel].

Habíamos buscado un lugar donde convergieran nuestros intereses, y lo encontramos en La tempestad. Es la obra de Shakespeare en la que la naturaleza está más presente: existe una espiritualidad de los elementos naturales. Estaba el teatro y mi interés por el paisaje, la contemplación y la espiritualidad. La idea principal era hacer una adaptación libre de La tempestad desde la perspectiva de Ariel. A partir de ahí, fue evolucionando.

La película se ramifica para explorar otras obras de Shakespeare. ¿Qué os llevó a ampliar el enfoque del proyecto?
Teníamos la idea de construir una metanarrativa, una doble relación entre realidad y ficción, pero yo quería ampliarlo aún más, incorporando la idea de que estamos en las islas de diferentes personajes de Shakespeare, y también de otros dramaturgos, como Pirandello. Una idea fundamental que aporté fueron los problemas existenciales de los personajes que saben que lo son.

Quería recontextualizar a Shakespeare. Las autoridades en esta película solo hablan con palabras de Shakespeare. A veces alguien pregunta algo y la respuesta es un completo disparate. Introduje el humor del teatro absurdo y mezclé a Shakespeare con otras ideas teatrales. Por ejemplo, hay un personaje de Samuel Beckett en una de las islas.

Este impulso deconstructivo es interesante, ya que has colocado a una actriz argentina, Agustina Muñoz, en el centro de la película. La deconstrucción metatextual en el cine argentino contemporáneo es cada vez más visible a nivel internacional.
No lo había pensado, pero es cierto. Está claro que Matías me influyó, consciente e inconscientemente. También me encanta el trabajo de Mariano Llinás. Aquí el texto está fragmentado y entendemos que hay muchas obras que se desarrollan en paralelo. Pensé en La fábrica de nada [+lee también:
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ficha de la película], de Pedro Pinho. Él también trabaja con actores no profesionales. Tenía la esperanza de que tres ancianas en un supermercado interpretando Otelo pudiera funcionar. Y si no lo hacen bien, el concepto de la película es aceptarlo.

¿Qué os llevó a rodar en las Azores?
Necesitábamos la presencia del viento y el movimiento de la vegetación. En medio del Atlántico, el clima cambia casi cada hora, por lo que hay muchas tormentas y nubes, y luego sol. Esto dificultó el rodaje, pero nos aportó esa poderosa forma de la naturaleza. También me interesaba llevar la lengua de Shakespeare al portugués, una lengua minoritaria: trasladarla de la lengua dominante a algo distinto.

La película parece onírica, y tus trabajos anteriores exigen un compromiso activo por parte del espectador. El tramo central de Samsara es un ejemplo de ello, con luces intermitentes que invitan al espectador a cerrar los ojos. ¿Qué experiencia esperas crear con esta película?
He pensado mucho en esta idea de la experiencia; es una de las cosas que más me interesan. Costa da morte [+lee también:
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ficha de la película] es una experiencia con el espacio y el tiempo. Todo está rodado a distancia, pero oímos el sonido muy de cerca. En Lúa [+lee también:
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entrevista: Lois Patiño
ficha de la película], exploré la idea del tiempo. Todo el mundo está paralizado durante la película. Ariel no profundiza tanto en el trabajo con los elementos del cine. Mi deseo era trabajar en esta doble experiencia de realidad y ficción, y explorar la forma en que se mezclan. Para mí, no es tan radical o esencial como trabajar con la materia del tiempo y el espacio, o la luz y el sonido, pero creo que es una idea conceptualmente interesante para explorar y experimentar.

(Traducción del inglés)