Mantícora trata un tema tabú en la sociedad, y reflexiona sobre la necesidad de ser amado que todo el mundo experimenta, incluidos los monstruos. Perturba y emociona.

Cuarto film del director Carlos Vermut, el film es impecable en la construcción de sus personajes, sus diálogos y en su progresión dramática. Con un tono naturalista y unas interpretaciones notables, Vermut hace avanzar su trama sin prisa, dejando que el espectador se posicione. El film plantea una love story que choca contra el rechazo social de las oscuras perversiones de la mente humana. Esa aproximación a un tema tabú en nuestra sociedad, conecta de alguna manera el film con Tras el Cristal (1986) de Agustí Villaronga.

Ahí es donde Mantícora es dura. El monstruo es humano. Lucha por no ser monstruo, quiere ser amado y necesita amar. El espectador se incomoda ante su imposibilidad por empatizar con el protagonista, cuando en el fondo entiende su sufrimiento. El film tensa la cuerda al máximo sin romperla, y consigue momentos muy incómodos, a la vez que verosímiles y coherentes con toda la trama.

La película plantea un molesto dilema moral al espectador (por qué condenar a alguien que no ha hecho nada malo en el mundo real) aprovechando la supuesta libertad que ofrece la realidad virtual. Pero más allá de posicionamientos morales, es un film honesto, notable y confirma (por si alguien tenía alguna duda) la filmografía de Carlos Vermut como una de las más estimulantes del cine español actual.

El Páramo practica el relato atmosférico, el terror cocido a fuego lento, pero no despega.

Ambientada en el siglo XIX, localización sombría con un diseño de producción muy cuidado. Una magnífica fotografía y brillantes interpretaciones (a destacar el niño Asier Flores). Con una paleta de colores muy marcada y un ritmo pausado, el film desprovecha un arranque prometedor, que va perdiendo interés conforme avanza la trama.

O le sobra metraje o le faltan ideas. El resultado es que se hace predecible, lenta y reiterativa, sobretodo en su tramo final.

Bombshell es cine de consumo rápido. Elegimos un tema que está en la agenda mediática. Buscamos un director que no nos cueste una fortuna y nos haga una película con buen ritmo. Llenamos el póster con 3 actrices con solvencia en taquilla y un "villano" que maquillamos para que se parezca al personaje real (Y nos nominen al Oscar al mejor maquillaje). Se añade una buena promoción y Voila! tenemos un film no excesivamente caro que se coloca en el escaparate de los Oscars. Y el año que viene , ya veremos...

En realidad no es una mala película. El tono medio documental me parece acertado, aunque hay cosas inexplicables (era necesario romper la cuarta pared?). La actuaciones son correctas y el film se deja ver, más como vehículo de denuncia vinculado al #metoo que como obra cinematográfica destacable.

Top Gun: Maverick da lo que promete. Es el paradigma del Blockbuster made in Hollywood: entertaiment palomitero.

Es interesante como Tom Cruise (productor y estrella absoluta del film) construye un film autoconsciente a partir del film original, jugando con sus mismos ingredientes (adrenalina+testosterona), incorporando la nostalgia (más de 3 décadas después) y consigue un producto que funciona como un trueno en su público objetivo.

No plantea alternativa o relevo (como otros revivals de films ochenteros: Indiana Jones, Star Wars), ni tiene ningún interés en actualizar una mirada de género (que sigue anclada en los ochenta). Utiliza inteligentemente todos sus recursos: aparición estelar de Val Kilmer, emulación del estilo visual que Tony Scott supo dotar al film inicial, utilización máxima de tecnología y ópticas del cine de acción que evita al máximo el CGI para ganar en espectacularidad. Su trama es totalmente accesoria, construida ad-hoc para potenciar la presencia de la super-star Tom Cruise y la adrenalina de las escenas de acción.

Interesante como el film ha conseguido conectar automáticamente con los fans del film original y cumplir sobradamente sus objetivos de blockbuster palomitero a nivel planetario, con ingredientes tan obvios, y (hay que reconocerlo) ejecución técnica impecable.

Pablo Berger, responsable de maravillas como Abracadabra (2017), Blancanieves (2012) o Torremolinos 73 (2003), plasma su amor por el cine y su buen hacer en esta obra maestra que es Robot Dreams, adaptando el cómic homónimo de Sara varón.

Una película de animación que nada tiene que envidiar a Pixar, en tanto funciona como propuesta colorista y entretenida para público infantil sin renunciar a capas adultas o referencias cinéfilas que enriquecen la propuesta.

Decía Hitchcock que las películas deberían poder seguirse sin los diálogos, y el film juega fuerte en este sentido. 90 minutos de animación simple sin diálogos y puesta en escena funcional, que se centra en presentarnos en encuentro/desencuentro entre un perro y un robot.

El film ignora cuestiones accesorias (porqué solo hay animales?, que tipo de vida llevan? Trabajan? Por qué los robots son autoconscientes? etc…) para centrarse en la emoción. La relación entre el perro y el robot, ilustra temas como la soledad, la amistad, el amor, el azar o la fragilidad de las relaciones.

Uno de los grandes aciertos de la película es situar la acción en ese gran plató en el imaginario popular que es la ciudad de Nueva York (su director vivió allá 10 años), concretamente en los años 80. Agregando una capa de encanto vintage y referencias a la cultura pop que le vienen muy bien a robot Dreams. Mención aparte es la cuidadísima selección musical (magistral la utilización recurrente del September de Earth Wind and Fire!).

El film plantea una cuidadosa ambigüedad de género a sus personajes, lo cual universaliza mucho más su mensaje sobre el amor y las relaciones. Sin ser totalmente comedia, conserva en todo momento un tono vitalista y consigue tocar la fibra al espectador.

Estamos ante uno de los mejores films de animación de los últimos tiempos, que ojalá tenga un buen recorrido comercial. Bravo!