En territorios como México y el resto de América Latina, la animación japonesa—o anime—comenzó a ganar popularidad con títulos tempranos como Astroboy o Heidi en los 60 y algunos otros en los 70. Pero su consolidación como fenómeno cultural llegaría hasta los 90 con los ya clásicos como Dragon Ball o Los Caballeros del Zodíaco, técnicamente de los 80 pero importados a este lado del Pacífico durante la década siguiente. Es por esta razón que existen varios animes de los 80 que son auténticas joyas, pero que han pasado relativamente desapercibidos.

La animación japonesa de la actualidad tiene alcances inimaginables—sólo hace falta ver la sensación que es Demon Slayer para comprobarlo—, pero eso no quiere decir que los títulos del pasado no merezcan el mismo reconocimiento. Todo lo contrario. Por ello, aquí seleccionamos para ti algunos animes de los 80 que quizá no has visto, pero que ningún fan se debe perder.

Vampire Princess Miyu (1988)

Basado en un manga de horror de Narumi Kakinouchi y Toshiki Hirano, y adaptada en una OVA (Original Video Animation)—lo que hoy llamaríamos una miniserie—, Vampire Princess Miyu trata sobre una mujer, mitad humana y mitad demonio, dedicada a usar sus poderes para cazar a los “Shinma”, seres de una dimensión demoníaca que se alimentan de almas humanas.

El elemento vampírico podrá remitir a Hellsing, pero esta historia tiene más en común con otras producciones. Es como una versión oscura del subgénero de las magical girls (piensa en Sakura Card Captors), con el elemento demoníaco de Demon Slayer y personajes marginados como en InuYasha. La serie tendría un reboot en 1997.

The Super Dimension Century Orguss (1984-1985)

Con títulos como Mazinger Z o Mobile Suit Gundam en su canon, el subgénero mecha—de ciencia ficción, acción y combates con robots gigantes y sus pilotos como protagonistas—es uno cuya evolución es más interesante dentro de todo el anime. Y uno de los más olvidados es The Super Dimension Century Orguss (que forma una trilogía antológica conocida como Super Dimension, junto Super Dimension Fortress Macross y Super Dimension Cavalry Southern Cross).

Esta serie se sitúa en el año 2062, el mundo está en guerra por un elevador espacial, y más peligrosas que las armas químicas o nucleares son las bombas dimensionales. Cuando una misión falla y es abortada, el impulsivo piloto Kei Katsuragi decide armar una bomba dimensional de cualquier forma, con repercusiones catastróficas. La explosión lo conduce a otro mundo devastado en el futuro, donde es asistido por una civilización nómada que transforma su nave en el mecha Orguss.

Ojos de gato (1983-1985)

Adaptada del manga homónimo de Tsukasa Hojo, Ojos de gato (también conocida como Cat’s Eye) es la historia de tres hermanas—Rui, Hitomi y Ai—que, de día, administran una cafetería. Sin embargo, por las noches, son ladronas de arte que roban obras del pintor Michael Heinz, quien es su padre, con la esperanza de resolver su desaparición años atrás. Las cosas se complican, sin embargo, cuando el detective a cargo de perseguirlas resulta ser el novio de Hitomi.

Imagina algo en la línea de Lupin III, también con elementos de acción y crimen, aquí aderezada con un componente familiar y romántico. Aunque el anime no fue tan conocido en este lado del Pacífico, sí que fue famoso gracias a la popularidad del manga, uno de los más exitosos en la historia del semanario Shōnen Jump. Tan es así que la serie ya tuvo un remake animado en 2025.

El puño de la Estrella del Norte (1984-1987)

Antes de los hombres absurdamente musculosos de JoJo’s Bizarre Adventure y de las peleas cómicamente desequilibradas de Saitama en One-Punch Man, estaba Kenshiro, el protagonista de El puño de la Estrella del Norte, algo así como Mad Max pero con combates en vez de pistolas. Un guerrero en un mundo devastado tras una Tercera Guerra Mundial que, con su letal estilo de artes marciales que ataca los puntos vitales, imparte violentas muertes a quienes depredan a los inocentes que buscan agua y una vida digna. 

Y cuando decimos violentas, es que lo son en grado absurdo, inmortalizadas en calidad de meme bajo el diálogo en japonés “omae wa mou shindeiru”. La serie original fue gigante en su momento, sobre todo en Japón, pero la franquicia creció tanto con secuelas, reboots e incluso adaptaciones en live action, que la original ha quedado algo olvidada. Tendrá, de hecho, un remake en 2026.

Mobile Suit Zeta Gundam (1985-1986)

Junto con Mazinger Z, Mobile Suit Gundam es uno de los títulos fundamentales del subgénero mecha, que se ha extendido por una larga franquicia de secuelas y spin-offs durante décadas. La paradoja es que el anime original fue cancelado luego de sólo 43 episodios, y no sería resucitado sino hasta los 80, con la popularidad de los juguetes o modelos construibles basados en la serie. La primera secuela sería Mobile Suit Zeta Gundam.

Aunque sólo duró 50 episodios, esta serie es considerada por los fans de Gundam no sólo como una de sus mejores entregas, sino también como una de las que definirían lo que vendría tanto para la franquicia como para todo el subgénero, presentando personajes más complejos, un tono más pesimista y un conflicto bélico para nada simplista. Es bien conocido que animes posteriores como Evangelion no serían lo que son sin Gundam, pero a su vez, esta franquicia no se habría convertido en lo que es sin Zeta.

Robotech (1985)

Aunque también relativamente popular dentro del subgénero—aunque su seguimiento es más de culto—, Robotech entra dentro de territorio complicado al hablar de anime, puesto que se trata de una coproducción entre Japón y Estados Unidos (donde fue el primer anime televisado), con sus eventuales secuelas y spin-offs más atribuidas a este último. De hecho, sus orígenes se rastrean hasta la mencionada trilogía Super Dimension, pues en parte adapta tanto Super Dimension Fortress Macross como Super Dimension Cavalry Southern Cross.

La trama abarca cuatro décadas y comienza cuando una fortaleza espacial alienígena se estrella en la Tierra, lo que conduce a un salto tecnológico para la humanidad y su guerra con una civilización extraterrestre. Sin embargo, sus genes estadounidenses trajeron una sensibilidad tanto bélica como romántica, lo que le da ciertos aires de Top Gun más que de Mazinger Z o de Gundam.

“Cumbres borrascosas” (“Wuthering Heights”), enésima adaptación del clásico literario, ahora dirigida por Emerald Fennell (Hermosa venganza), promete momentos de tensión sexual desbordante entre sus protagonistas, Margot Robbie y Jacob Elordi. Y cumple… a secas. La realidad es que la película despliega escenas de erotismo y cachondez apenas comparables a las de Cincuenta sombras de Grey, por poner un punto de comparación conocido.

Es decir que si entras a esta función esperando romance de lo más picante, quizá te parezca un poquito tibia. Si te faltó calor, acá seleccionamos otras siete películas más eróticas y cachondas que “Cumbres borrascosas”. Y ojo: esto no necesariamente quiere decir que sus escenas sean explícitas, sino que son películas que encuentran sensualidad en sugerencias más interesantes que la masa de pan.

1. Desafiantes (2024)

De la filmografía de Luca Guadagnino podríamos sacar varios títulos para este listado, pero para este caso, nos conformamos con una: Desafiantes (Challengers), un drama de romance y comedia en el que las fronteras entre la amistad, el deseo y la rivalidad—tanto deportiva como afectiva—fluctúan en un fascinante triángulo conformado por Zendaya, Josh O’Connor y Mike Faist.

Nunca un deporte de pelota había sido una alegoría tan efectiva para los ires y venires del amor y el erotismo, pero Guadagnino la utiliza para máximo efecto aquí, construyendo una tensión que crece hasta volverse insoportable. Es como Wimbledon pero considerablemente menos tibia.

2. Cómplices del engaño (2023)

Esta película del director Richard Linklater, inspirada en una increíble historia real, sigue a Glen Powell como un tímido profesor de psicología con otro interesante trabajo: hacerse pasar por sicario para ayudar a la policía de Nueva Orleans a atrapar criminales. Sin embargo, cruza una línea cuando una hermosa mujer (Adria Arjona) lo busca para asesinar a su marido abusador. Aunque rechaza hacerlo, su vínculo con esta mujer crece, y su acto como el carismático criminal se vuelve cada vez más real.

Cómplices del engaño (Hit Man) es una película sumamente erótica no sólo porque tenga escenas íntimas—y claro, ayuda que los protagonistas son extremadamente guapos—, sino porque se trata de un juego de transgresión, tanto de identidades como de leyes. Es, en resumidas cuentas, sexi por divertirse con lo prohibido.

3. Bella de día (1968)

Hablando del tema, no podemos dejar fuera de la conversación a Luis Buñuel, cuyas imágenes surrealistas y tramas transgresoras, siempre han sido tan críticas del status quo como polémicas en su momento (y ahí están los ejemplos de Los olvidados o de Viridiana, por citar sólo un par).

Bella de día (Belle de Jour), protagonizada por el ícono francés Catherine Deneuve, trata sobre una joven mujer en un matrimonio frígido, a pesar de que tiene amor. La curiosidad la lleva a trabajar en un burdel durante el día, donde consigue algo de liberación sexual. Buñuel plantea una película donde una mujer es capaz de experimentar sus fantasías sin ser narrativamente castigada por ello.

4. Buena suerte, Leo Grande (2022)

Un vicio común de la sexualidad en pantalla es que las personas hegemónicamente bellas y, sobre todo, jóvenes, parecen ser las únicas susceptibles de desear y ser deseadas. Buena suerte, Leo Grande (Good Luck to You, Leo Grande) es una película que subvierte lo segundo, por lo menos.

Aquí seguimos a una mujer viuda (Emma Thompson) que, a sus 60 años, quiere disfrutar de su sexualidad de manera plena, algo que nunca consiguió durante su matrimonio. Con ayuda de un trabajador sexual llamado Leo Grande (Daryl McCormack), se dispone a disfrutar de una noche de autodescubrimiento y de placer, en una película que demuestra que, a veces, lo más sexy es ser vulnerables y abiertos en el erotismo.

5. Orgullo y seducción (2022)

En ningún lado dice que las películas cargadas de erotismo y cachondeo tengan que ser heteronormativas. Para desmentir esa expectativa, checa Orgullo y seducción (Fire Island), que en esencia es una reinterpretación contemporánea, queer y cómica de Orgullo y prejuicio.

Al igual que su material de origen, la película explora también temas como clase y prejuicios, pero dentro de la comunidad gay y en una isla durante unas vacaciones de verano. O sea: mucha carne, la dosis exacta de sudor y poca ropa para una tensión sexual constante.

6. El amante de Lady Chatterley (2022)

¿Queremos algo más directo y/o también inspirado en la literatura? Una buena opción es El amante de Lady Chatterley (Lady Chatterley’s Lover), novela de 1928 escrita por D. H. Lawrence que trata sobre el amorío entre una mujer casada de clase alta y el guardacaza de su propiedad.

La novela fue vetada en varios países en su momento debido a la explicitud de su contenido sexual, lo que ya te dará una idea de qué esperar. Ha tenido varias adaptaciones a lo largo de los años, pero nosotros recomendaríamos la de 2022, protagonizada por Emma Corrin.

7. Deseando amar (2000)

No, en esta película no hay nada de sexo, y estamos conscientes de ello. Sin embargo, el aclamado clásico Deseando amar (In the Mood for Love), del director Wong Kar-wai, entiende algo muy importante: que, a veces, es mucho más erótico el deseo no consumado, la añoranza por el tacto del cariño, que su propia consumación.

La película se sitúa en Hong Kong durante los 60 y sigue a un hombre (Tony Leung) y una mujer (Maggie Cheung), vecinos que se vuelven amigos cuando descubren que sus respectivos cónyuges les están siendo infieles entre sí. Este refugio de su infelicidad pronto se convierte en un deseo insoportable al que se niegan a sucumbir. Pero entre las miradas furtivas, la cámara lenta y la cadencia de los movimientos que ésta otorga, Wong Kar-wai encuentra erotismo hasta en el humo del cigarro.

El gusto es algo completamente subjetivo. El criterio sobre lo que es “bueno” o “malo”, lo que nos gusta o no, suele venir conformado por vivencias, contextos y emociones personales. A veces, puede haber consensos. Pero en muchas otras, las pasiones son álgidas y polarizadas, sin puntos medios.

Cumbres borrascosas de Emerald Fennell es una de las más recientes adiciones a este peculiar canon, pero existen cientos de películas de esas que amas u odias, sin medias tintas. Acá seleccionamos ocho para que formes tu propia opinión.

1. “Cumbres borrascosas” (2026)

A punta de prácticamente blanquear y diluir la novela homónima de Emily Brontë, Emerald Fennell (Hermosa venganza) pasa directamente al canon de “las amas o las odias” con su versión de “Cumbres borrascosas” (“Wuthering Heights”, así, con comillas).

Es una de esas películas que no sólo no entienden el punto del material que adaptan, sino que se alejan tanto que podrían ser otra cosa totalmente diferente. Sin embargo, la película de Fennell hace algo extraordinariamente bien: proveer desbordante caramelo visual en los vestuarios, paisajes preciosamente fotografiados y dos estrellas (Margot Robbie y Jacob Elordi) en constantes escenas de pasión bajo la lluvia. Es algo más para los fans de Cincuenta sombras de Grey que de la fidelidad literaria.

2. Watchmen (2009)

“Películas que amas u odias” es un calificativo que podría aplicarse perfectamente a casi toda la filmografía de Zack Snyder, un director cuya afinidad—o necedad—por la cámara lenta y la recreación precisa y fiel de viñetas de cómic con afanes de fanservice, nunca ha sido del agrado universal.

Sin embargo, Watchmen es particularmente señalada no sólo por los puntos anteriores, sino también por las licencias creativas que toma. Su adaptación es fidedigna hasta que ya no lo es, optando por no abrazar los aspectos más absurdos de la creación de Alan Moore. En su defensa, eran tiempos en los que el cine de superhéroes todavía no se atrevía tanto a estirar los límites de la credibilidad. Los fans de su iconografía realista la adoran. Quienes necesitaban un poquito más de extravagancia, han encontrado algo de refugio en la eventual serie secuela del cómic, Watchmen de HBO.

3. Diamantes en bruto (2019)

El cine de los hermanos Safdie (tanto en conjunto con Good Time, como por separado con Marty Supremo o The Smashing Machine) se distingue por sus protagonistas antipáticos, moralmente cuestionables, atrapados en situaciones estresantes representadas visualmente por un ritmo frenético en la cámara y la edición.

En otras palabras, son películas que prácticamente suplican por tu rechazo, y podemos entender si lo consiguen. Pero al mismo tiempo, son producciones apasionantes, magistralmente realizadas y el morbo no nos permite dejar de mirar, incluso si particularmente en Diamantes en bruto (Uncut Gems) encontramos a uno de los protagonistas más deleznables en la filmografía de ambos hermanos Safdie.

4. Clímax (2018)

Otro cineasta particularmente incómodo en sus narrativas y formas de filmar es Gaspar Noé, quien a menudo confronta al espectador con situaciones extremas como en Irreversible o incluso en sus propuestas más conservadoras, como Vórtex.

Clímax es otra de esas películas que amas u odias por lo radical de su experiencia sensorial y emotiva. En ella, un grupo de bailarines celebra el final de sus ensayos con una fiesta, pero alguien ha puesto algo en el ponche. Lo que sigue es una experiencia alucinante—para los personajes y para nosotros como espectadores—, un demencial delirio colectiva de angustia y decadencia humana que, incluso si amas la película, dudamos que disfrutes hacerlo muy seguido.

5. Nacho Libre (2006)

Con Napoleón Dinamita, el director Jared Hess y su coguionista—y esposa—, Jerusha Hess, dejaron manifiesta una sensibilidad por el humor inexpresivo muy singular, y que en definitiva no fue del agrado de todos: donde algunos encontraron risas a carcajadas, otros sólo encontraron cringe.

Incluso siendo un poco más accesible—y mejor abrazada en México dada su trama sobre un sacerdote (Jack Black) que es luchador por las noches—, Nacho Libre padece de lo mismo: un sentido del humor que sólo unos cuantos han podido saborear y abrazar. Es algo que sucede mucho con el cine de culto, a fin de cuentas: es amado por los iniciados, y no siempre le va a gustar al resto.

6. Asteroid City (2023)

Otro cineasta con cuya filmografía podríamos llenar este listado, es Wes Anderson. Sobre todo, con la parte posterior de la misma, que además de reafirmar su ya conocido lenguaje visual, propone narrativas cada vez más densas. Sus fans de largo tiempo suelen amar sus propuestas más maduras, pero difícilmente serán un buen punto de entrada para los neófitos.

Sin embargo, una de las películas polarizantes incluso entre sus acólitos ha sido Asteroid City, película que comienza como lo que parece ser la historia de un pequeño pueblo estadounidense que tiene un encuentro con vida extraterrestre. Ya entrados en la trama, sin embargo, el asunto se convierte en un tratado autorreferencial sobre el arte como vía para hacer sentido de la existencia. Muy Wes Anderson, pues. No te culpamos si no te gusta.

7. Terrifier 2: Payaso siniestro (2022)

Si somos justos, lo que vamos a decir sobre Terrifier 2 puede aplicarse, por extensión, a mucho del cine splatter, es decir, películas que priorizan la representación extremadamente gráfica y sangrienta de la violencia extrema sobre todo lo demás.

Y sí, comenzando con la primera entrega, esta saga parece más un ejercicio morboso y gratuito de desmembramientos y sangre a chorros. Un poco en la segunda y sobre todo en la tercera parte, el director y guionista Damien Leone parece haber implementado una trama más compleja y un intento de mitología para complejizar el asunto. Pero que no quede duda: todo el presupuesto está en el maquillaje y efectos especiales, descuidando un poco más cuestiones como la fotografía y las actuaciones.

8. Avengers: Endgame (2019)

Una vez más, es algo que podría decirse sobre cualquier entrega del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Sin embargo, Avengers: Endgame es la culminación de todo lo que unos aman y otros odian de la franquicia: el fanservice gratuito que requiere toneladas de tarea para poder entenderlo en primer lugar.

Endgame es la conclusión de una narrativa que abarca una veintena de películas hasta este punto. Es decir: disfrutarla está reservado a los entendidos y a los fans dedicados. E incluso así, los espectadores un poco más críticos se encontrarán con más caramelo visual que narrativa sustanciosa.

Vamos a ser claros: el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) es una de las franquicias más extensas del cine y la televisión en la actualidad, con alrededor de una cuarentena de películas y una veintena de series desde su lanzamiento en 2008 con Iron Man. Ponerse al día con todo puede ser una tarea demandante, por decir lo menos. Como resultado, después de todos esos años, ya se ha desarrollado una “fatiga de Marvel” que es especialmente marcada con las series, pues requieren una inversión de varias horas.

Sin embargo, hay producciones dentro de esta franquicia que pueden resultar muy disfrutables y que valen esa inversión de tiempo. A continuación seleccionamos seis series del UCM que valen la pena… incluso si ya estás harto de Marvel.

6. Daredevil: Born Again (2025-actualidad)

El tejemaneje de las “guerras del streaming” tuvo sus víctimas en la cancelación de varias series producidas por la entonces Marvel Television—más al respecto en breve—, lo que significó un abrupto final para una de las series de televisión basadas en cómics más aclamadas de la historia: Daredevil, originalmente estrenada en Netflix. Sin embargo, quedaba claro que los creativos de Marvel Studios bajo Kevin Feige entendían la popularidad de la serie protagonizada por Charlie Cox y Vincent D’Onofrio, lo suficiente como para recuperar tantos elementos como fuera posible de la vieja producción para la “resurrección” del personaje en el UCM.

Luego de cameos de sus personajes en series producciones como Hawkeye, She-Hulk y Spider-Man: Sin camino a casa, el “Hombre sin miedo” y Wilson Fisk debutaron oficialmente en el UCM con Daredevil: Born Again, que no era exactamente un reboot pero tampoco una secuela en estricto sentido de la serie anterior. La producción representa a Daredevil bajo la estética estándar de la franquicia, para bien y para mal, pero con suficiente de lo primero para que siga resultando interesante en su narrativa sobre Matt Murdock debatiéndose entre los preceptos de la ley y de la justicia por propia mano. La serie tendrá su segunda temporada en 2026.

5. Moon Knight (2022)

Algo que puede resultar refrescante hoy en día con las series de superhéroes, es que no necesite toneladas de películas o series como “tarea” para poder seguir la historia. La miniserie Moon Knight es uno de esos inusuales casos dentro del UCM, pues su narrativa no depende de ninguna otra entrega de la franquicia (aunque puedes complementar con Doctor Strange y Eternals para familiarizarte con el lado místico de la saga, si así lo prefieres).

La trama sigue a un mercenario (Oscar Isaac) con trastorno de identidad disociativo que se ve implicado en un complejo misterio que involucra magia y dioses egipcios. Isaac es un deleite interpretando a personalidades distintas en un mismo cuerpo, mientras que la serie fue aclamada por traer un tono más oscuro a la franquicia, no muy diferente a lo que hizo Deadpool & Wolverine más adelante.

4. Loki (2021-2023)

Tom Hiddleston fue una de las estrellas inesperadamente más populares en las etapas iniciales del UCM gracias a su papel como el Dios del engaño y hermano adoptivo de Thor (Chris Hemsworth). Fue tal su éxito en el papel que, en el largo plazo, sería protagonista de su propia serie.

Contrario al caso anterior, Loki sí es una serie que requiere cierto contexto previo, sobre todo de Avengers: Endgame, dado que los viajes en el tiempo de los protagonistas resultan en qle el Dios del engaño escape a una dimensión paralela para salvar su vida, donde cruzará caminos con la Autoridad de Variación Temporal (TVA, por sus siglas en inglés) para lidiar con el caos de las líneas temporales. Es una historia fascinante por sí sola, pero dado que tendrá repercusiones directas en Avengers: Doomsday, quizá quieras verla antes de la película.

3. Wonder Man (2026)

Comenzando con Echo (también conectada a Hawkeye y Daredevil) en 2024, Marvel Studios comenzó a lanzar ciertas series bajo el sello de “Marvel Spotlight”, para marcar aquellas producciones que cuentan historias relativamente contenidas, sin depender de otras entregas. Wonder Man es otra de esas series, y es por mucho la más interesante de las dos que van hasta ahora bajo el sello.

La trama sigue a un hombre (Yahya Abdul-Mateen II) que intenta hacer su carrera como actor, salvo por la pequeña complicación de que tiene superpoderes, característica que debe mantener en secreto para trabajar en Hollywood. Sin mayores conexiones al resto de la franquicia (salvo Iron Man 3 y Shang-Chi, aunque tampoco es estrictamente necesario verlas), la serie es una divertida exploración de un personaje de Marvel no tan conocido popularmente, pero que es fundamental en las páginas de los cómics.

2. WandaVision (2021)

No te vamos a mentir, WandaVision es otra serie que sí requiere algo de tarea—particularmente las películas previas de Avengers y Capitán América: Civil War, por lo menos—. Sin embargo, la inversión de tiempo vale la pena, pues esta es una de las series mejor ejecutadas en la era de Marvel Studios.

Si no la has visto, no vamos a entrar en spoilers, sólo diremos que el dispositivo narrativo de emular series clásicas de diversas épocas—desde Hechizada hasta Modern Family—para ir desenvolviendo su propio misterio como si fuese una serie de televisión, es una de las mejores cosas que ha hecho la franquicia entera. Ya después, si quieres, puedes ver las repercusiones en Doctor Strange en el multiverso de la locura y en la serie secuela VisionQuest.

1. Daredevil (2015-2018)

Sí, lo sabemos: técnicamente, esta fue una producción de la era de Marvel Television con Netflix, antes de la reestructura que canceló todo y puso las futuras producciones bajo el paraguas de Marvel Studios. Sin embargo, esta serie y sus contemporáneas—Jessica Jones, Luke Cage y The Defenders—han sido integradas de forma retroactiva a la continuidad de la franquicia, lo que las convierte en parte del UCM.

Dicho lo anterior, Daredevil es la mejor entre las series del UCM que valen la pena, y sigue siendo el estándar dorado al que todas las otras aspiran en la actualidad. Intrigas y dramas cuidadosamente construidos, ambiciosas coreografías de combates callejeros—sangrientos y realistas—y personajes fascinantes brindan un vistazo a lo que ocurre en los rincones del Universo Marvel mientras Iron Man y demás héroes combaten alienígenas y demonios. Y, honestamente, esto es mucho más interesante.

Puede que el cambio de tono en Born Again sea brusco—y no del agrado de todos—, pero nos gusta pensar que el espíritu de esta serie se mantiene vivo con dicho revival y un casting igual de perfecto. Pero las tres temporadas de la serie original siguen siendo de lo mejor que ha dado la televisión basada en superhéroes.

A veces se gana, y a veces se pierde. O, a veces, nunca se gana—o por lo menos, no aún—. Tal es el caso de varias actrices que pasaron a la historia de su arte o que gozan de prestigio y popularidad en la actualidad y que, sin embargo, nunca ganaron un Oscar, considerado el galardón más “importante” del cine en este lado del charco.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que el Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por sus siglas en inglés) de Hollywood suele ser una competencia de opinión pública y popularidad, más que de habilidad artística (lo que sea que eso signifique). Por ello, seleccionamos aquí a 10 actrices que nunca ganaron un Oscar, pero eso no las hace menos merecedoras de nuestra admiración.

1. Amy Adams

La “reina sin corona” de los Oscar en nuestra era. Amy Adams ha sido nominada como Mejor actriz principal y/o de reparto en un gran total de seis ocasiones, comenzando en 2006 con Junebug, y siendo El Vicepresidente: Más allá del poder (Vice) la más reciente, en 2019.

Con su talento y calidad, sabemos que el momento llegará tarde o temprano, aunque se le ha extrañado en las últimas temporadas de premios. Aquí iremos más lejos y diremos que su actuación en Canina (Nightbitch) era digna de la nominación al Oscar (aunque, al menos, aspiró al Globo de Oro en 2024).

2. Glenn Close

Glenn Close tiene la impactante distinción de estar empatada en el quinto puesto como una de las actrices con más nominaciones al Oscar, pero es la única en ese Top 5 que no lo ha ganado ni una sola vez. Es decir: ya le toca. Casi podríamos perdonarle su participación en la polémica Hillbilly, una elegía rural (Hillbilly Elegy), donde comparte créditos con Amy Adams. Casi.

Close obtuvo su primera de ocho nominaciones al Oscar por El mundo según Garp (The World According to Garp), de 1982. Pero diríamos que la última vez por la que realmente merecía llevarse el premio fue por La buena esposa (The Wife), aunque tampoco podemos quejarnos por la victoria de Olivia Colman ese año.

3. Angela Bassett

A pesar de una ilustre carrera que incluye desde aclamados y sutiles dramas hasta sagas como Misión: Imposible, la legendaria actriz Angela Bassett sólo ha sido nominada al Oscar en dos ocasiones. La primera fue en 1994 por su protagónico en la biopic Tina. La segunda y última vino casi 30 años después… por Pantera Negra: Wakanda por siempre (Black Panther: Wakanda Forever), como actriz de reparto.

No es una película terrible por la cual estar nominada, pero ha habido muchas otras en su filmografía que hubieran ese reconocimiento. Por ejemplo, Malcolm X de Spike Lee (otro cineasta que, inexplicablemente, nunca ha ganado el Oscar a Mejor dirección).

4. Marlene Dietrich

Con una carrera tan legendaria en la pantalla como fuera de ella—fue una notable activista en contra de los nazis—, la alemana Marlene Dietrich revolucionó el cine—y las representaciones de la feminidad en él—a lo largo de siete décadas, notablemente, durante sus colaboraciones con el director Josef von Sternberg.

Dietrich se volvería legendaria con su emblemático papel como artista de cabaret en El ángel azul (semilla del arquetipo de la femme fatal). Sin embargo, sería nominada al Oscar una sola vez en su carrera por Marruecos, de 1930.

5. Barbara Stanwyck

Hablando de femme fatales, no podemos dejar de hablar sobre Barbara Stanwyck, cuya ilustre filmografía fue reconocida con cuatro nominaciones al Oscar a Mejor actriz (principal en todas ellas) en un lapso de 11 años. Sin embargo, nunca ganó uno, pero sí recibió un Oscar honorario en 1982.

El papel por el que más la recordamos es, claro, el clásico noir de Billy Wylder, Pacto de sangre (Double Indemnity), en el que interpreta a una mujer que accede a un complot de un agente de seguros (Fred MacMurray) para matar a su esposo y cobrar la indemnización.

6. Isabelle Huppert

Podría parecer extraño que una de las actrices más formidables que ha dado Europa no haya ganado nunca el llamado “gran premio del cine”. Sin embargo, esto puede explicarse de dos formas: Isabelle Huppert ha desarrollado la mayor parte de su carrera en el viejo continente (coleccionando premios de festivales y nominaciones al César como si estuvieran en oferta), y es inusual que la Academia de Hollywood nomine a películas en idiomas diferentes al inglés en categorías actorales.

La única nominación de Huppert al Oscar fue por la polémica Elle: abuso y seducción, del igualmente polémico Paul Verhoeven. Pero si la AMPAS dejara de mirarse el ombligo un poco, sería evidente que la actriz podría haber sido nominada por infinidad de títulos (La pianista, por ejemplo).

7. Thelma Ritter

Después de Glenn Close y Amy Adams en el top de actrices más nominadas al Oscar sin victorias, encontramos a la fabulosa Thelma Ritter, que aspiró al premio en seis ocasiones.

Más recordada como una genial actriz de personaje (siendo Ventana indiscreta de Hitchcock una de sus películas más populares), fue nominada por última vez como Mejor actriz de reparto por El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz). Notablemente, fue de las pocas personas que no ganó premio por La malvada (All About Eve), película que barrió con gran parte de las estatuillas a las que estuvo nominada.

8. Helena Bonham Carter

Con la filmografía que tiene, es increíble que Helena Bonham Carter sólo haya sido nominada al Oscar en dos ocasiones, siendo la primera Las alas de la paloma (The Wings of the Dove), y la segunda varios años más tarde como actriz de reparto en El discurso del rey (The King’s Speech).

Y vamos, se entiende: es una actriz que tiende hacia las extravagancias que le permite el cine de género, a menudo ninguneado por la Academia. En ese mar de papeles, podemos pensar en decenas por los que merece pasar a la historia como una de las grandes. Pero si se trata de los estándares de la Academia, Las sufragistas (Suffragette) también podría haberle merecido una nominación.

9. Natalie Wood

Uno de los trágicos casos donde sobró talento, pero faltó vida. Natalie Wood falleció en un incidente que no ha sido del todo esclarecido a la fecha (explorado en el documental Natalie Wood: Aquello que persiste), pero mientras estuvo viva, iluminó la pantalla con su presencia en películas como Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause) y Amor sin barreras (West Side Story).

En vida, Wood fue nominada al Oscar en tres ocasiones y dos de ellas como principal, siendo la más notable Esplendor en la hierba (Splendor in the Grass), de Elia Kazan. Quizá, con más tiempo, habría sido reconocida con el premio, pero murió en 1981.

10. Toni Collette

Otra gigante viva con una carrera que, para mentes más abiertas, ya estaría repleta de galardones. Al momento de la redacción, la australiana Toni Collette ha sido nominada a un gran total de 112 premios diferentes. ¿Pero al Oscar? Una sola vez en el 2000, como Mejor actriz de reparto por El sexto sentido (The Sixth Sense).

Ni siquiera por sus fabulosos roles en Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine) o Un gran chico (About a Boy), los tipos de películas populares entre los votantes de la AMPAS. Si tan solo abrieran un poco el panorama, la habrían nominado por El legado del diablo (Hereditary), quizá el papel de su vida. Si Ellen Burstyn fue nominada por El exorcista, ¿por qué no?

La canadiense Rachel McAdams es una actriz increíblemente versátil y aclamada. Ha sido nominada al Oscar por películas como En primera plana (Spotlight) e incluso su protagónico en el thriller de terror Vuelo nocturno (Red Eye) es muy bien recordado. Sin embargo, una de sus mejores facetas es, indiscutiblemente, como actriz de comedia.

Bien dicen que, por la precisión requerida, es mucho más difícil hacer reír que llorar, pero McAdams brilla en el humor. Es algo que ya se sabía pero que a menudo se ignora, pero que ¡Ayuda! (Send Help) de Sam Raimi sólo ayuda a confirmar. Si no nos crees, descubre esta y otras seis películas de Rachel McAdams que demuestran su talento para la comedia.

¡Ayuda! (2026)

La saga de Posesión infernal (Evil Dead) es el exponente más conocido del peculiar humor que marca la filmografía de Sam Raimi, que a la vez puede ser tan bobo como perverso, tan caricaturesco como violento. Se requiere un talento muy peculiar para ejecutarlo con éxito, pero en ¡Ayuda!, Rachel McAdams deja más que claro que entendió la tarea.

La trama ve a una oficinista que, luego de un accidente aéreo, resulta ser la única sobreviviente junto a su odioso nuevo y privilegiado jefe (Dylan O’Brien), quien la desprecia y le ha negado un ascenso. La inversión de sus dinámicas de poder requiere sensibilidad para una comedia más convencional, pero conforme las cosas comienzan a salirse de control, McAdams entrega una actuación deliciosamente demencial.

Chicas pesadas (2004)

El papel que lanzó a Rachel McAdams al estrellato (en el mismo año que Diario de una pasión) fue el de la icónica e insoportable “abeja reina”, Regina George, en Chicas pesadas (Mean Girls), personaje que roba escena incluso a la protagonista, Cady (Lindsay Lohan).

Aunque es una comedia juvenil en una línea similar—aunque menos ácida—que la de Jóvenes asesinos (Heathers), bien podríamos decir que esta película vive y muere por lo divertidas que son sus antagonistas, “las plásticas”, lideradas por Regina y complementadas por Karen (Amanda Seyfried) y Gretchen (Lacey Chabert). McAdams camina la delgada línea entre dar vida a una chica odiosa y hacer que amemos odiarla… con mucha risa en el proceso.

Los cazanovias (2005)

Este es un papel menos cómico de McAdams, si somos sinceros, pues mucho del humor de Los cazanovias (Wedding Crashers) recae tanto en la premisa—dos solteros (Owen Wilson y Vince Vaughn) que se cuelan en bodas para seducir mujeres—como en el contrapunto a la pareja principal, con Vaughn e Isla Fisher presentando los momentos más demenciales de la película, más en el tono jocoso de Virgen a los 40.

Rachel McAdams funge como un interés romántico más convencional para Wilson, pero incluso si su personaje es más contenido, también requiere a la actriz balancear la dosis correcta de sensibilidad romántica con los aspectos más absurdos de la premisa.

Un despertar glorioso (2010)

Durante los años siguientes de su carrera, la actriz se dedicaría a explorar diversos géneros, desde el thriller político (Los secretos del poder) al misterio y la acción (Sherlock Holmes). Su regreso a la comedia vendría con Un despertar glorioso (Morning Glory).

En ella, interpreta a una joven y entusiasta productora de televisión contratada para levantar un programa de variedades matutino en decadencia, para lo que tiene la idea de contratar a un veterano periodista (Harrison Ford) como copresentador junto a la otrora estrella del programa (Diane Keaton). Muy en el espíritu corporativo de La propuesta (The Proposal), pero con McAdams fungiendo como el frustrado pivote entre los egos de Ford y Keaton, formidable combinación para la comedia.

Noche de juegos (2018)

Después de seguir brillando en toda clase de papeles (y de ser nominada al Oscar como Mejor actriz de reparto por En primera plana), McAdams volvió a un papel de comedia, ahora un poco más ácida, en la comedia criminal Noche de juegos (Game Night), junto a Jason Bateman.

El par interpreta a una pareja sumamente competitiva y que gusta de los juegos de mesa, aunque la cosa se pone más tensa cuando una amistad en común (Kyle Chandler) los invita a ellos y a otros amigos los invita a un juego de misterio interactivo… que resulta ser un crimen de verdad. Como una versión más extrema de ¡Te atrapé! (Tag), en la que la pareja cae cada vez más en las reglas del mundo criminal, cuyas consecuencias son tan letales como perversamente divertidas.

Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga (2020)

En lo que respecta a la comedia, seguirle el paso a alguien como Will Ferrell (Elf, el duende) no es poca cosa, pero eso es exactamente lo que hace Rachel McAdams en Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga (Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga).

Abrazando por completo el tono paródico de la premisa, el par interpreta a dos amigos islanedes, extravagantes músicos fracasados, que repentinamente tienen la oportunidad de sus vidas: representar a su país en el famosísimo concurso Eurovisión. Imagina a Ferrell en una película como Notas perfectas (Pitch Perfect) y es más o menos lo que verás aquí, con McAdams igualando el nivel de ridiculez y extravagancia, en algo que podría describirse como la versión musical de Deslizando a la gloria (Blades of Glory).

Artísticamente conocido como Bad Bunny, el puertorriqueño Benito Antonio Martínez Ocasio es uno de los artistas musicales más populares de nuestra época, con un rol importante en la popularización mundial del reguetón y el trap latino. Muestra de su fama e impacto es que haya sido elegido para encabezar el show del medio tiempo en el Super Bowl LX, en 2026.

Más allá de la música—y de sus numerosos premios por ello—, Martínez Ocasio también ha tenido algunos roles en cine y televisión, sin contar su carrera ocasional como luchador de la WWE. Aquí las rankeamos de la peor a la mejor, para que conozcas otra faceta de la estrella latina.

6. Tren bala (2022)

No es la mejor película de David Leitch, especialista en escenas de riesgo convertido en director, que ha rendido mejores resultados en títulos como John Wick o Atómica (Atomic Blonde). Sin embargo, Tren bala (Bullet Train) sigue siendo una frenética y ácida comedia de acción desbordante de humor y violencia, gracias a su genial premisa sobre cinco asesinos a sueldo que coinciden en un viaje en tren y descubren que sus misiones no son mutuamente excluyentes.

Bad Bunny aparece aquí como The Wolf, un asesino mexicano en busca de venganza contra otra de sus rivales en el tren (Zazie Beetz), pero que acaba cruzando caminos con el protagonista (Brad Pitt). La escena—como el tiempo de Martínez Ocasio en la película—es corta pero efectiva, y demuestra un talento poco conocido del artista, pues ejecutar una coreografía de acción en una película de Leitch tampoco es poca cosa.

5. Narcos: México (2018-2021)

Junto con su predecesora, Narcos, la serie Narcos: México dramatiza el ascenso del narcotráfico en América Latina a través de varias de sus figuras prominentes en ambos lados de la ley y en diversas facciones del mundo criminal. La serie incluso ve a varias estrellas latinas y mexicanas en el elenco, como Pedro Pascal, Noé Hernández, Tessa Ía y Diego Calva, por mencionar sólo algunas.

Aunque no es, ni remotamente, un rol protagónico, Bad Bunny tiene un papel recurrente en la tercera temporada como Everardo Arturo “Kitty” Páez, un “narcojunior” de Tijuana. Los narcojuniors eran jóvenes adinerados del norte del país, reclutados por el narcotráfico por su facilidad para cruzar legalmente la frontera con Estados Unidos sin aparentar nexos criminales. Aunque la participación de Bad Bunny es relativamente breve, en la realidad Páez fue un brazo importante para el cártel Arellano Félix.

4. Saturday Night Live (1975-actualidad)

Entre que ha lanzado las carreras de infinidad de artistas y ha tenido a tantos más como invitados, es difícil destacar entre las participaciones de invitados al show nocturno de comedia Saturday Night Live.

Sin embargo, Bad Bunny ya podría clasificarse como un veterano, tanto por contar con múltiples participaciones como invitado musical, pero también como comediante en sketches musicales de la temporada 46, la de 2021. Repitió en las temporadas 49 y 50 del show, pero su participación más importante ha sido como anfitrión del estreno para la temporada 51, en 2025. En su monólogo de inicio, que comenzó en inglés, Bad Bunny abordó la polémica por su selección para el show del medio tiempo del Super Bowl, antes de hablar en español brevemente. Es de los pocos artistas invitados que han integrado el español al monólogo inicial del programa, precedido por Desi Arnaz (y por Marcello Hernández, como parte del elenco regular).

3. Happy Gilmore 2 (2025)

Puede que Happy Gilmore 2 esté lejos de ser una de esas secuelas a la altura de su original, considerada una de las mejores películas de Adam Sandler. Sin embargo, tiene sus momentos, y un factor determinante en mantener la gracia es Bad Bunny.

En la película, Benito interpreta a Oscar, un empleado de restaurante que se queda sin trabajo y termina como el caddie de Happy (Sandler), demostrando un inusual talento para el deporte. El actor y cantante luce aquí una inesperada vis cómica, mezclando la personalidad humilde del personaje con un divertido humor físico que levanta una película que de otra forma sólo sería regular.

2. Cassandro (2023)

Compartiendo escena ni más ni menos que con Gael García Bernal, Bad Bunny tiene un papel breve en Cassandro, biopic sobre el luchador Saúl Armendáriz que, a pesar de ser homosexual, logró hacer una exitosa carrera en la lucha libre como el exótico personaje titular.

Martínez Ocasio interpreta a Felipe, un interés romántico de Saúl, durante un par de escenas en la película. Sin embargo, son cruciales para la narrativa, que evalúa la construcción de masculinidad en México y en específico en el mundo de la lucha libre, donde el protagonista desafía las convenciones por medio de su personaje,

1. Atrapado robando (2025)

Con Atrapado robando (Caught Stealing), Benito Antonio Martínez Ocasio ya puede presumir de haber sido dirigido por Darren Aronofsky, en una película que, además, se aleja de su ya conocido tono miserabilista de La ballena o la clásica Réquiem por un sueño. Situada en Nueva York en los 90, la trama sigue a un joven (Austin Butler) cuya vida es puesta de cabeza cuando varios gánsters comienzan a perseguirlo, a raíz de que acepta cuidar al gato de un vecino.

Bad Bunny tiene otro papel secundario aquí, como un criminal puertorriqueño que tortura al protagonista para encontrar una llave codiciada. Aquí lo vemos en un extremo opuesto del espectro, como un mafioso en apariencia cortés, pero que impone con su presencia y que puede ponerse extremadamente violento en un parpadeo.

El cliché alrededor del día de San Valentín, o Día de los enamorados, es que las parejas lo pasan en una cita romántica. Algunos odian la fecha, otros lo cuestionan con justas razones. ¿Qué hay de quienes no aspiran a un amor romántico idealizado, o encuentran más satisfactorias otras formas de amor, como el de las amistades? Es por ello que muchos, sobre todo mujeres, observan Galentine’s Day (juego de palabras con el Día de San Valentín en inglés, Valentine’s Day), adaptado al español como “Día de las amigas”.

El término nación en el episodio 16 de la segunda temporada de Parks and Recreation, y se ha convertido en una de esas instancias donde la cultura popular influye en la vida cotidiana. Si prefieres observar el Día de las amigas este 13 de febrero, aquí te recomendamos algunas películas perfectas para Galentine’s Day.

Damas en guerra (2011)

Si se trata del Día de las amigas, probablemente la comedia Damas en guerra (Bridesmaids) fue de las primeras que se vino a tu mente. Ya un clásico de la comedia, es una película que se ríe, pero también celebra, la amistad entre mujeres.

La película sigue a una mujer (Kristen Wiig) que, muy a pesar de su caótica vida, debe ser la dama de honor para su amiga de toda la vida (Maya Rudolph), al tiempo que una nueva amiga de ésta (Rose Byrne) intenta robarle el puesto. Una opción divertidísima gracias a sus peripecias y a un elenco de geniales comediantes que también incluye a Ellie Kemper, Melissa McCarthy y Rebel Wilson, que inspiró a muchas otras películas (algunas en esta lista), pero que no ha sido realmente igualada por ninguna.

Cindy la regia (2020)

Para darle un giro local al Galentine’s Day, tenemos que incluir esta querida comedia mexicana. Basada en la tira cómica homónima firmada por Ricardo Cucamonga, Cindy la regia es la historia de la regiomontana homónima (Cassandra Sánchez Navarro) que, al retractarse de su compromiso matrimonial, decide huir a la Ciudad de México.

Situada en el contexto mexicano, la película presenta una historia sobre una joven mujer que se descubre fuera de su privilegio y de las expectativas impuestas por quienes le rodean, para abrirse su propio camino y formar nuevas amistades. A medio camino entre Ni idea (Clueless) y temas como los de Frances Ha.

Notas perfectas (2012)

Otra película ideal para una noche de chicas es Notas perfectas (Pitch Perfect), gran comedia musical sobre jóvenes mujeres que no tienen nada en común en la escuela, excepto por el fenomenal talento para el canto a capella que las une, y que las impulsará a buscar juntas nuevas fronteras para el club de canto.

Con Anna Kendrick, Brittany Snow y Rebel Wilson (otra vez), es otra película que celebra la amistad y la capacidad de hacer un lado las diferencias para trabajar juntas hacia un objetivo común. Historia que sería continuada no en una, sino dos secuelas.

Ni idea (1995)

Un clásico de las comedias juveniles que ya se ha convertido en una favorita de las noches de películas, y que además es todo un ícono de la cultura pop que da para infinidad de citas—y que ha influenciado a incontables producciones de su tipo—.

Películas como Se dice de mí (Easy A) con Emma Stone no serían lo que son sin Ni idea (Clueless), y es que Alicia Silverstone como Cher es una infravaloradísima actriz de comedia (y dato curioso, ambas actrices están en Bugonia). Hay risas garantizadas en esta historia de frivolidades y romances adolescentes, cuya iconicidad ha sido rivalizada por muy pocas películas. Pero hay excepciones…

Chicas pesadas (2004)

Si Ni idea le habló a la generación X, Chicas pesadas (Mean Girls) hizo lo propio para los millennials, que estaban alcanzando la edad de sus protagonistas en plenos dosmiles. Y esta comedia, escrita por la genial Tina Fey, es menos una feel good movie y más un comentario sobre la tóxica cultura del bullying, específicamente entre chicas adolescentes de los Estados Unidos.

Lo cual no significa que no sea una opción divertidísima para Galentine’s Day, sobre todo a punta de su increíble elenco (con Rachel McAdams robando escena como la perversa “abeja reina”, Regina George). Otra opción—un tanto actualizada—es el remake musical de 2024. También nos gusta, pero nos quedamos con la emblemática original.

Thelma & Louise (1991)

Escrita por Callie Khouri, Thelma & Louise no sólo es una maravillosa película centrada en la amistad femenina, es una de las mejores road movies que se han hecho, y punto (además de una gigante en la filmografía temprana de Ridley Scott, junto a Alien o Blade Runner).

Susan Sarandon y Geena Davis, icónicas, interpretan a dos amigas que planean un fin de semana juntas, lejos de sus parejas, plan que cambia radicalmente cuando una asesina a un hombre en defensa propia y deben darse a la fuga. Una película que deconstruye las falacias de la libertad para las mujeres, y que está en el firmamento de las grandes road movies junto a Bonnie y Clyde.

Viaje de chicas (2017)

He aquí algo más o menos a medio camino entre la road movie Thelma y Louise, y la comedia de Damas en guerra. La divertida Viaje de chicas (Girls Trip), como su título sugiere, sigue a un grupo de cuatro amigas de toda la vida (Regina Hall, Jada Pinkett Smith, Queen Latifah y Tiffany Haddish) que ya casi no se ven, por lo que aprovechan la primera oportunidad que tienen para viajar juntas a un festival en Nueva Orleans.

Durante el viaje, sin embargo, no sólo saldrán a flote sus lados más salvajes, sino también los conflictos que ocultan y les duelen. Otra gran celebración de la amistad y sus altibajos perfecta para ver en el Día de las amigas.

El Día de San Valentín, comúnmente conocido como el Día del Amor y la Amistad, celebra uno de los lados más bellos de la experiencia humana, y suele ser una fecha para tener un plan romántico. Pero no siempre es así para todos: así como hay enamorados, existen quienes prefieren pasarla solos, sea por un corazón roto o por pura alergia espontánea a Cupido y sus cursilerías.

Si es tu caso, has llegado al lugar correcto. Si odias el Día del Amor y quieres pasarlo disfrutando de tu soltería, abrazando tu lado más cínico y grinch o simplemente burlándote de la melosidad que te rodea, seleccionamos para ti estas películas para ver en San Valentín.

Deseando amar (2000)

Una de las películas sobre el amor más aclamadas y queridas de la historia—y una de las favoritas de quien escribe esto—es, paradójicamente, una en la que las cosas no sólo no salen bien, sino que confronta con un hecho incómodo: a veces, la añoranza y la idea de alguien es más apasionante que la consumación del deseo. Una historia más en los terrenos de frustrante melancolía de Happy Together que de la esperanzadora Chungking Express, ambas del mismo director, Wong Kar-Wai.

Deseando amar (In the Mood for Love) se sitúa en el Hong Kong de los años 60 y es la historia de un hombre y una mujer (Tony Leung y Maggie Cheung, insoportablemente atractivos), vecinos que coinciden y establecen un vínculo por la mutua infidelidad de sus respectivas parejas. La responsabilidad, las apariencias y la integridad moral se interponen en su evidente deseo y los condenan al triste final: a veces, simplemente no puede ser. Pero por lo menos, todos se ven insufriblemente bellos con el corazón roto.

La langosta (2015)

Yorgos Lanthimos antes de su “Emma Stone era” (ya en su cuarta colaboración con Bugonia) solía ser más provocativo con los argumentos de sus películas. En La langosta (The Lobster), por ejemplo, plantea una distopía fundamentada en el amor romántico pero en su forma más consumista y performativa.

¿Por qué distopía? Porque bajo las leyes de este mundo, todos los solteros deben tener pareja. Por lo tanto, quienes aún no tienen una, son encerrados en un hotel donde deberán encontrar a su “otra mitad” antes de que pasen 45 días. De lo contrario, serán convertidos en animales. Mejor nadota.

Midsommar: El terror no espera la noche (2019)

Como El hombre de mimbre pero para quienes buscan catarsis por una mala relación romántica. El folk horror de Midsommar comienza con una joven mujer (Florence Pugh) que, durante una profunda depresión, viaja a la Suecia rural con su distanciado novio (Jack Reynor), mientras su relación está contra las cuerdas.

En este rincón del mundo donde nunca se pone el sol, la pareja y sus amigos comienzan a perder su lazo con la realidad conforme las tradiciones del pueblo desafían sus nociones de amor, pareja y responsabilidad. El asunto puede resultar ácidamente divertido si compartes el sentido del humor de Ari Aster, también director de El legado del diablo (Hereditary).

Acompañante perfecta (2025)

Una película perfecta para ver en San Valentín y desmontar dos de las tendencias más escalofriantes en nuestra retorcida concepción de los vínculos románticos: la inteligencia artificial, las trad wives (subcultura de internet que promueve valores tradicionales entre las mujeres) y, sobre todo, el discurso conservador y misógino que se esconde detrás de ambas cosas.

Acompañante perfecta (Companion) comienza con una joven mujer (Sophie Turner) que acompaña a su novio (Jack Quaid) a un fin de semana fuera de la ciudad con sus amigos, lo que viene con una serie de terribles revelaciones sobre la naturaleza de su relación con él… y de sí misma. No revelaremos más para quienes no la hayan visto, sólo digamos que se trata de otro desmontaje del tipo de masculinidad de quienes vieron Ex-Máquina o Las mujeres perfectas y creyeron que eran maravillosas ideas.

Historia de fantasmas (2017)

Si lo tuyo es ponerte más existencial sobre el amor y su (debatible) futilidad, no tienes que ir más lejos que Historia de fantasmas (A Ghost Story). Que igual te llevará bastante lejos, con un auténtico viaje por el tiempo y el espacio.

La trama comienza con una pareja en conflicto (Rooney Mara y Casey Affleck) cuya vida juntos termina trágicamente cuando él muere repentinamente en un accidente. Sin embargo, su alma persiste en la casa que compartieron, y se ve obligado a experimentar el paso del tiempo—y de la vida de su esposa—sin él. Para aproximarse al amor desde un nivel casi cósmico y contemplativo, a lo El árbol de la vida (y luego proceder a pensar en la muerte con La leyenda del Caballero Verde, también del director David Lowery).

Anomalisa (2015)

Una para pensar en la imposibilidad de una auténtica conexión y sobre el perpetuo adormecimiento emocional, pero suavizar el golpe con una maravillosa—e ingeniosa—animación en stop motion. En Anomalisa, seguimos a un conferencista sumido en su soledad y cansado de su matrimonio: siempre está lejos de su familia porque viaja mucho, pero su hastío lo hace percibir el mundo plano, igual. Todo y todos tienen la misma apariencia y la misma voz.

Eso hasta que conoce a Lisa, con quien conecta inmediatamente y por quien decide que está dispuesto a abandonarlo todo con tal de ser feliz… hasta que ya no. Una película para cuestionar lo que esperamos de los vínculos románticos, cómo los idealizamos y cosificamos al otro, no muy distinta a otra propuesta posterior del director Charlie Kaufman: Pienso en el final (I’m Thinking of Ending Things).

Pasajes (2023)

El estadounidense Ira Sachs es un cineasta consumado en lo que respecta a relaciones románticas complicadas, algunas esperanzadoras a pesar de los obstáculos (El amor es extraño), otras en su ocaso (Frankie). Sin embargo, en el caso de Pasajes (Passages), parece más un manual de autodestrucción que una radiografía de la insatisfacción romántica.

La trama comienza con Tomas (el siempre formidable Franz Rogowski), un cineasta casado con Martin (Ben Whishaw), quien tiene una aventura fortuita con una mujer (Adèle Exarchopoulos) que despierta en él una emoción que no había sentido en mucho tiempo. El triángulo amoroso desata un torbellino de pasión y celos, con el narcisismo de Tomas en el centro. Como para no querer volver a enamorarse, pues.

Triste San Valentín (2010)

Uno de los grandes clásicos modernos en el canon de películas para ver en San Valentín si odias el Día del Amor. Vamos, que hasta lo trae en el título. Triste San Valentín (Blue Valentine) es la historia de un matrimonio a punto de romperse a pesar de un inicio apasionado y esperanzador. Ella (Michelle Williams) ha perdido el interés por la relación, y él (Ryan Gosling) hace lo posible para recoger los pedazos y mantenerla viva.

Es una película mucho más melancólica que otro clásico de su época, (500) días con ella, pero que aborda de manera más realista—y dolorosa—las pequeñas maneras en que hasta la relación más bella puede venirse abajo. No es lo que te va a motivar a salir de la cama y encontrar el amor, pues.

Para una generación, es el director responsable de llevar a Spider-Man al cine. Para otros, un poco más viejos, es un cineasta de culto gracias a la demencial saga de Posesión infernal (Evil Dead). Y para unos más, es la mente detrás de ¡Ayuda! (Send Help), una de las primeras sorpresas de 2026 con una genial Rachel McAdams.

Cual sea tu caso, estarás de acuerdo en que es un cineasta que vale la pena descubrir más a fondo, gracias a su singular sensibilidad que suele mezclar comedia, terror y fantasía, muchas veces con resultados deliciosamente perversos. Para ello, seleccionamos y rankeamos para ti las mejores películas de Sam Raimi, del último al primer puesto. Leves spoilers a continuación.

10. El despertar del diablo 3 (1992)

Incluso si Evil Dead es la saga insignia en la filmografía de Sam Raimi, nadie discutirá que El despertar del diablo 3 (Army of Darkness, o El ejército de las tinieblas) es, en realidad, la “oveja negra” de estas películas. Luego de los eventos de su predecesora—a su vez, decididamente distinta en tono a la primera de la saga—, el protagonista Ash Williams (Josh Campbell) es arrojado a Inglaterra en el siglo XIII. Equipado con su motosierra y rifle, debe combatir a las fuerzas de la oscuridad que amenazan con devorar la vida en la Tierra.

Es decir que, además de una comedia de terror, esta película es también una fantasía medieval anacrónica, en algún lugar de la intersección de Muertos vivos (Braindead) y Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (Monty Python and the Holy Grail). Fue un cambio de rumbo tan abrupto que, en su momento, fue mal recibida por quienes esperaban algo más similar a las películas anteriores. Sin embargo, hoy es abrazada como parte esencial de la personalidad tan singular de la saga, recuperada por la serie Ash vs. Evil Dead.

9. Rápida y mortal (1995)

¿Un western de Sam Raimi con Sharon Stone, Gene Hackman, Russell Crowe y un jovencísimo Leonardo DiCaprio? Sí, eso sucedió. Y puede que Rápida y mortal (The Quick and the Dead) sea de los títulos menos recordados en el canon del género, en parte porque su trama tampoco es tan novedosa—fuera del recurso de una protagonista femenina—. Sin embargo, es exactamente lo que uno espera de un western clásico ejecutado por este director.

La película sigue, en resumidas cuentas, a una pistolera (Stone) que busca venganza contra el hombre que mató a su padre, ahora el alcalde (Hackman) de un pequeño pueblo que organizará un torneo de pistoleros. Es un relato de venganza en el mismo espíritu de Érase una vez en el Oeste de Sergio Leone, con algo del aire clásico de A la hora señalada (High Noon), todo ensamblado con el frenético estilo de Raimi.

8. Darkman: El rostro de la venganza (1990)

Más de una década antes de cambiar el rostro del cine de superhéroes para siempre con su Hombre Araña, Sam Raimi dirigió otra película del subgénero igualmente formidable, con Liam Neeson y Frances McDormand en el elenco. Y nos atreveríamos a decir que Darkman: El rostro de la venganza es incluso más original, interesante y propositiva que lo que los superhéroes han traído al cine en las décadas siguientes.

La trama sigue a un científico (Neeson) especialista en una piel sintética experimental, que es torturado y dado por muerto por mafiosos que persiguen a su novia abogada (McDormand). El hecho deja al científico desfigurado, insensible y casi psicótico, y decide usar su invención para convertirse en un violento justiciero. El proyecto nació de los intentos de Raimi por adaptar La sombra (The Shadow), que al ser rechazados lo condujeron a crear un superhéroe original que rendía tributo a las películas de monstruos de los años 30 de la Universal, principalmente Frankenstein y El hombre invisible.

7. El despertar del diablo (1981)

No estaríamos hablando de Sam Raimi con tal reverencia de no ser por su largometraje debut, uno de los grandes clásicos de culto en la historia del cine de terror. Aunque, en su momento, no fue tan exitosa como para lanzar la carrera de Raimi, fue revisada en retrospectiva a raíz de su filmografía posterior—incluyendo su secuela, que es básicamente un remake—.

El despertar del diablo (The Evil Dead) fue la primera vez que vimos a Ash Williams (Bruce Campbell) enfrentarse a las fuerzas de la oscuridad cuando una maldición es desatada sobre él y sus amigos en una campaña en medio del bosque. Extraordinaria tanto en sus efectos como en su violencia, la película era menos cómica que todo lo que vino después, pero ya mostraba el estilo distintivo del director. Además, estableció toda una fórmula para el cine de terror y posesiones demoníacas, repetida por sus propias secuelas y remakes, y parodiada por títulos como La cabaña del terror.

6. El hombre araña (2002)

El cine de superhéroes no tendría la popularidad que disfruta hoy si no fuera por dos acontecimientos clave a inicios de los 2000. El primero, fue el exitoso debut de la saga X-Men en el 2000. Y el otro fue, indiscutiblemente, el lanzamiento de El hombre araña (Spider-Man) de Sam Raimi. La viabilidad tecnológica y económica de los héroes en mallas estaba confirmada, y de la mano con Tobey Maguire, Willem Dafoe y Kirsten Dunst, la historia de Peter Parker se convirtió en un auténtico fenómeno cinematográfico.

Sin embargo, la mano del director es importantísima aquí, y la razón por la que esta trilogía de Spider-Man tiene tanta personalidad, es porque Raimi tiene un estilo definido, característico e identificable, con florituras que remiten a la comedia y el terror. Dicho de otro modo: las películas de superhéroes actuales ya quisieran tener este carácter. En ese sentido, el Spider-Man de Tom Holland, tan fiel a la identidad corporativa del Universo Cinematográfico de Marvel, no le llega ni a los talones.

5. El plan (1998)

Podría argumentarse que las mejores películas de Raimi—y de muchos otros cineastas—son aquellas en las que el director también escribe el guión. El plan (A Simple Plan) es una excepción a la regla, un proyecto de encargo que se ha convertido en una de las “joyas escondidas” del director, opacadas por los Ash Williams y Peter Parkers de su filmografía.

La trama sigue a tres amigos (Bill Paxton, Billy Bob Thornton y Brent Riscoe) que descubren una avioneta accidentada bajo la nieve que, dentro, esconde una maleta con millones de dólares que deciden robar. Para no levantar sospechas, optan por dejar el cuidado del dinero a uno de ellos por un tiempo, pero las tensiones y la desconfianza comienzan a crecer hacia un punto de quiebre. Aunque más contenida estilísticamente que otras películas de Raimi, es en estos momentos de intensidad que su estilo sale a flote, para entregar una gran historia de crimen similar a otras grandes como Fargo.

4. El despertar del diablo 2 (1987)

Algunos considerarán un sacrilegio ver a la joya en la corona de Evil Dead tan abajo en un ranking de Sam Raimi (y no estaríamos totalmente en desacuerdo). En nuestra defensa diremos que, a estas alturas del listado, estamos en lo mejor de lo mejor de la filmografía del director. Podríamos poner a El despertar del diablo 2 en la cima y también estaríamos conformes.

Esta secuela-cuasi-remake fue producto de un periodo de desesperación en la trayectoria del director que, luego del fracaso de Ola de crímenes, ola de risas (Crimewave), requería financiamiento para seguir trabajando. Lo consiguió, pero bajo la consigna de hacer una película similar a la anterior. En retrospectiva, fue una buena decisión: esta segunda entrega abraza por completo el sentido del humor perverso y demencial que hizo de la saga, de Raimi y de Campbell auténticos íconos de culto. Las comedias de terror como El desesperar de los muertos y Tucker y Dale pelean contra el mal no serían lo que son sin este clásico.

3. El hombre araña 2 (2004)

El cine de superhéroes no ha sido tan humano ni lleno de personalidad como cuando se estrenó El hombre araña 2 (Spider-Man 2), todavía considerada una de las mejores películas en la historia del subgénero. Equilibrando acción, tragedia, comedia y algunos acentos de terror, la película sigue a Peter Parker (Tobey Maguire) equilibrando su responsabilidad como superhéroe—y las repercusiones de sus actos—con sus intentos por evitar que su vida personal se desmorone.

Es, antes que una (gran) película de acción, un profundo drama personal sobre el conflictivo balance entre el deber y el deseo. Por ello, sigue siendo el estándar de oro del cine de superhéroes, y que incluso los reboots de la franquicia no consiguen igualar al no comprender en dónde yace su gran atractivo.

2. ¡Ayuda! (2026)

La más reciente propuesta de Sam Raimi como director es también una de sus mejores, un thriller de supervivencia que, con maestría hitchcockiana, enfrenta a una empleada corporativa (brillante Rachel McAdams) y a su nuevo y privilegiado jefe (Dylan O’Brien) en una isla desierta, luego de resultar los únicos sobrevivientes de un accidente aéreo. El cambio en las dinámicas de poder conduce a un punto de quiebre.

Es en estos momentos que Raimi expresa mejor su magistral mano para equilibrar comedia y ciertos toques de terror para conseguir una genial película tanto de supervivencia como de comentario social, con más en común con Parásitos que con Náufrago, para ponerlo de alguna manera.

1. Arrástrame al infierno (2009)

Podría ser una postura polémica para los acólitos de Raimi, pero hay que decirlo: lo que Evil Dead propuso, Arrástrame al infierno (Drag me to Hell) lo perfeccionó. La trama comienza como algo extraído de ambas El hombre araña 2 y ¡Ayuda!, cuando una joven ejecutiva de bando (Alison Lohman) decide, para impresionar a su jefe, negarle una extensión de hipoteca a una mujer de la tercera edad (Lorna Raver). En venganza, ella le arroja una maldición que, en tres días, condenará su alma al castigo eterno para siempre.

Es una de las mejores películas de Sam Raimi precisamente por abrazar lo que hace a Evil Dead tan icónica: una delirante mezcla de terror y comedia en un perverso sentido del humor aquí perfectamente refinado. Fuera de la propia filmografía del director, pocas cosas en años siguientes han conseguido igualar o emular su singular fórmula, con contadas excepciones como Maligno o La hora de la desaparición (Weapons).

Ya llegan los Juegos Olímpicos de Milano-Cortina 2026 y eso sólo significa una cosa: durante poco más de dos semanas, la conversación será dominada por deportes de invierno como el hockey, el patinaje artístico, el esquí y otros más que forman parte de la competencia.

Lo cual está perfecto si eres aficionado a los deportes, sobre todo estos que sólo presenciamos en forma televisada durante el gran evento. ¿Qué pasa, sin embargo, si estás hasta la coronilla de los deportes y prefieres disfrutar del cine? Si es tu caso, seleccionamos para ti estas películas sobre los Juegos Olímpicos de invierno, y así no te quedas fuera de la conversación.

1. Jamaica bajo cero (1993)

Inspirada (vagamente) en una historia real, Jamaica bajo cero (Cool Runnings) es ya un divertidísimo clásico entre las películas sobre los Juegos Olímpicos de invierno. La trama sigue a un velocista jamaiquino (Leon Robinson) que no logra clasificar a los Olímpicos de verano, por lo que toma una inesperada decisión: reclutar la ayuda de un veterano del bobsled (John Candy) para formar el primer equipo de Jamaica en la disciplina.

Es una de esas películas que toman una premisa aparentemente absurda y corre con ella, más para exaltar la comedia del asunto que para contar los hechos tal como fueron, aunque honra la faceta inspiradora de la historia. En espíritu es más similar a comedias deportivas posteriores como Happy Gilmore, donde personajes provenientes de un deporte terminan en otro totalmente diferente.

2. Yo, Tonya (2017)

Uno de los mejores dramas biográficos recientes es, también, una de las mejores películas sobre los Juegos Olímpicos de invierno en un canon que no se renueva con mucha frecuencia. Con la sensacional Margot Robbie como protagonista (y nominada al Oscar por ello), Yo,Tonya reconstruye una de las historias más polémicas en la historia del patinaje artístico: el ascenso de la conflictiva Tonya Harding y su sabotaje de su compañera de equipo y rival Nancy Kerrigan (Caitlin Carver) para llegar a los Olímpicos de 1994.

El director Craig Gillespie reconstruye los eventos con los actores prestando testimonios contradictorios sobre los hechos, y encontrando el humor en su caos y violencia absurda. Un tipo de comedia que repetiría en películas posteriores, como El poder de los centavos (Dumb Money).

3. Volando alto (2016)

Antes de trabajar juntos en la fenomenal Rocketman sobre Elton John, el director Dexter Fletcher y el actor Taron Egerton realizaron otra biopic todavía más fascinante. Volando alto (Eddie the Eagle) narra la historia del británico Michael “Eddie el águila” Edwards, quien, al fracasar en sus intentos de competir en los Olímpicos de verano, decide reinventarse e intentar competir en esquí. Cuando es rechazado, decide entrenarse por su cuenta en salto de esquí, un deporte en el que Gran Bretaña no había competido en más de medio siglo. Así, su camino se cruza con el de Bronson Peary (Hugh Jackman), un veterano de la disciplina que decide entrenarlo.

Aunque está llena de momentos cómicos, esta película presenta, en el fondo, una inspiradora historia sobre superar todos los obstáculos que el mundo y los rivales ponen en camino a un desafío. Aunque en tono se parece un poquito más a Jamaica bajo cero, su tema no es muy diferente al drama La joven y el mar, otra gran historia sobre lograr lo que nadie había conseguido antes.

4. El milagro (2004)

También basada en hechos, El milagro (The Miracle) trata sobre un veterano del hockey (Kurt Russell) quien entrenó al equipo olímpico de hockey de los Estados Unidos y los condujo a la victoria en contra de la escuadra rusa, aparentemente invencible, en 1980.

Es una película deportiva más convencional, en la línea inspiradora de títulos de la época como Duelo de titanes (Remember the Titans). Aunque como complemento, si lo encuentras, conviene ver Red Army: La Guerra Fría sobre hielo, documental que explica el poderío soviético en el hockey durante esa época.

5. Cuesta abajo (1969)

No sólo una de las mejores películas sobre los Juegos Olímpicos de invierno, Cuesta abajo (Downhill Racer) es una de las mejores películas deportivas que hay, y punto. Protagonizada por Robert Redford, la trama sigue a un solitario esquiador determinado a convertirse en el rey del descenso en esquí, lidiando con las enormes presiones personales que vienen con el deporte y la gloria olímpica.

La película explora temas como el individualismo, con un protagonista que reniega del trabajo en equipo y de confiar en otros. Tropo común en películas deportivas de cualquier época, incluso tan recientes como F1: La película.

6. Castillos de hielo (1984)

En una clave infinitamente más sentimental si la comparamos con Yo, Tonya, Castillos de hielo (Ice Castles) es la historia de una joven patinadora artística, Alexis "Lexie" Winston (Lynn-Holly Johnson, que también fue patinadora), quien asciende rápidamente por el escalafón del deporte con miras hacia la gloria olímpica, hasta que una lesión la deja virtualmente ciega. Con ayuda, aprende a compensar por su deficiencia visual para volver al hielo y competir.

Es, de lejos, la película más sentimental y melosa en esta lista, más cercana al tono de algo como Historia de amor (Love Story) que a un drama deportivo convencional. Cabe señalar que el mismo director, Donald Wrye, hizo un remake en 2010.

7. Deslizando a la gloria (2007)

Otra del patinaje artístico: Deslizando a la gloria (Blades of Glory) trata sobre dos patinadores artísticos rivales (Will Ferrell y Jon Heder) que, luego de empatar por el oro olímpico, tienen una riña sobre el podio que los deja vetados del deporte. Pero entonces descubren un vacío legal: están prohibidos del patinaje individual, pero no por equipos. Si quieren aspirar de nuevo a la gloria, deberán alcanzarla juntos.

La sola presencia de Will Ferrell ya debe darte una idea de qué esperar: un maratón de comedia exagerada—y un poco incorrecta—, pero que no se toma para nada en serio y abraza de lleno su ridiculez. Piensa en esta película como la Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga del patinaje artístico sobre hielo.

8. Pasión por el triunfo (1992)

Y terminamos con una comedia romántica que también es una película sobre los Juegos Olímpicos de invierno, por partida doble. Pasión por el triunfo (The Cutting Edge) trata sobre un joven jugador de hockey cuyos sueños olímpicos son frustrados por una lesión que lo manda a la banca. Entonces es emparejado con una patinadora artística (Moira Kelly), quien aspira al oro.

Aunque tuvo una respuesta tibia en su momento, hoy se le considera un clásico de culto entre las comedias románticas, que incluso dio origen a secuelas e inspiró a películas similares como Soñando, soñando... triunfé patinando (Ice Princess).

Aunque no desprovista de polémicas, Tomb Raider es una de las sagas de videojuegos de acción más queridas desde su debut en 1996. A lo largo de tres décadas, las aventuras de la arqueóloga británica Lara Croft han trascendido las consolas para ser adaptadas en múltiples formatos, desde los largometrajes con Angelina Jolie a producciones animadas que han evolucionado en estilo y sensibilidad junto con los videojuegos.

Con una nueva serie en camino, protagonizada por Sophie Turner (Game of Thrones) y escrita por Phoebe Waller-Bridge (Fleabag), es momento de repasar las películas y series de Tomb Raider, que aquí te presentamos en orden cronológico de estreno.

Tomb Raider: The Trilogy (1998)

Una rareza de la que sólo tienen conocimiento los fans más apasionados de la saga de videojuegos. Tomb Raider: The Trilogy fue un cortometraje live-action que no era protagonizado en sí por Lara Croft, sino por un hombre obsesionado con sus aventuras en los videojuegos.

Es más un material promocional y dato de trivia que otra cosa: el corto fue producido para la fiesta de lanzamiento del videojuego Tomb Raider III en 1998, y no fue ampliamente visto fuera de ese evento sino hasta 2016, que fue redescubierto por una de sus productoras y compartido en internet.

Lara Croft: Tomb Raider (2001)

El primer largometraje basado en la franquicia, Lara Croft: Tomb Raider, es producto de una época en que las adaptaciones de los videojuegos a la pantalla grande eran tomadas tan en serio y con la misma sutileza que los propios juegos. Es la era que nos dio Resident Evil con Milla Jovovich, que no podría estar más lejos del material original si lo intentara.

A su favor, Tomb Raider es una saga de videojuegos más orientada hacia la acción con acrobacias y complejos retos, así que esta primera adaptación con la actuación de Angelina Jolie y dirección de Simon West (de Riesgo en el aire) no estaba tan equivocada en su acercamiento a la historia de una joven arqueóloga en una carrera contra los Illuminati para encontrar una serie de artefactos perdidos. El asunto es que la ejecución se termina sintiendo como poner en una licuadora a Indiana Jones junto a Matrix para luego derramar el resultado sobre una película del 007. Pero tales eran los 2000, y aunque el resultado fue vapuleado por la crítica, tuvo el suficiente éxito para ganarse una secuela.

Lara Croft: Tomb Raider 2 - La cuna de la vida (2003)

¿La segunda parte fue mejor? No realmente, pero para bien y para mal, Lara Croft: Tomb Raider 2 - La cuna de la vida redobló esfuerzos sobre lo que había gustado de su predecesora, sobre todo la acción con la exagerada sensibilidad de lo que por entonces se creía más propia de los videojuegos, sin mencionar un vestuario innecesariamente revelador para Jolie en varias escenas.

Esta película sigue a Croft en la búsqueda de otro mítico artefacto en un templo sumergido, ahora contra una banda de criminales chinos. Apta, más que nada, para fans de la primera o de la propia Jolie, el desempeño de la actriz en ambas películas contribuyó a su consolidación como estrella de acción de la década siguiente, como Se busca (Wanted) y Agente Salt.

Revisioned: Tomb Raider (2007)

En las consolas, el inicio de su segunda década de vida fue un periodo de transición para Tomb Raider. El hartazgo por entregas consecutivas de decreciente calidad, más el fracaso del juego Tomb Raider: The Angel of Darkness en 2003, condujo a un cambio de desarrolladores para la franquicia, además de un “reboot suave” (Tomb Raider: Legend de 2006) e incluso un remake del primer juego (Tomb Raider: Anniversary de 2007).

El aniversario coincidió con el lanzamiento de Revisioned, producción de GameTap que planeaba reimaginar sagas populares de los videojuegos en forma animada. Revisioned: Tomb Raider fue una antología de 10 episodios (los primeros tres conectados) que contaban diferentes historias de Lara Croft en diversos estilos de animación, contando con la participación de creativos como Peter Chung, conocido por la serie Æon Flux.

Tomb Raider: Las aventuras de Lara Croft (2018)

Pasaría más de una década para volver a ver a Lara Croft en pantalla grande, y en esos años, la franquicia atravesó considerables cambios en el lado de los videojuegos. Notablemente: la franquicia cambió de manos otra vez y fue relanzada con un nuevo título en 2013 que reiniciaba la historia, reinventaba los orígenes de la heroína y cambiaba la acción por la aventura y supervivencia (no tan diferente a lo que haría el videojuego The Last of Us en el mismo año).

Tomb Raider: Las aventuras de Lara Croft fue una adaptación directa de ese mismo reboot, con Alicia Vikander en el rol de la joven heroína, quien naufraga durante una expedición en busca de su padre y debe enfrentarse a una organización conocida como Trinity. A pesar de que el videojuego de 2013 es más aterrizado que iteraciones previas de la franquicia, la película retiene algunos de los aspectos más fantasiosos de las películas con Angelina Jolie. Más cercana a lo que, años más tarde, sería otra adaptación de videojuegos de aventura: Uncharted: Fuera del mapa. Aunque se planeaba una secuela, fue cancelada.

Tomb Raider: The Myth of El Hawa (2022)

Así como sucede en el cine, los videojuegos son propensos a extender sus líneas narrativas más allá de lo sensato e incluso contradecirse. En este caso, lo que sucedió es que Lara Croft iba a morir al final del cuarto videojuego, Tomb Raider: The Last Revelation. Sin embargo, dado que la saga seguía generando dinero, se crearon nuevas entregas: la quinta y repudiada, Tomb Raider: Chronicles, no ofrecía explicación alguna para su regreso, y tampoco lo hizo la sexta pero mejor recibida Tomb Raider: Angel of Darkness.

Tomb Raider: The Myth of El Hawa es uno de los raros proyectos de fans que se volvieron material canónico de la ficción. El corto animado reúne al escritor de Angel of Darkness, Murti Schofield, y a la actriz de voz de Lara, Jonell Elliott; bajo la dirección del fan Ash Kaprielov (en cuyo canal de YouTube puedes ver el corto de forma libre y oficial). La pieza tiene por objetivo, básicamente, explicar el regreso de Lara de su aparente muerte y cubrir uno de los huecos más significativos en la cronología oficial.

Tomb Raider: La leyenda de Lara Croft (2024-2025)

Aunque la saga no continuó en el cine, sí lo hizo en Netflix con una serie de animación. Sin embargo, ésta no es una continuación de la película con Alicia Vikander, sino que está al final de la continuidad de los videojuegos en que se basa. Tomb Raider: La leyenda de Lara Croft es una continuación directa de Shadow of the Tomb Raider de 2018, el último videojuego en la que fue conocida como la Survivor Trilogy de la saga, para vincular esta continuidad a las entregas originales, en las que Lara ya es una experimentada aventurera.

La serie, de dos temporadas, sigue a Lara (voz en inglés de Hayley Atwell), quien persigue a un peligroso ladrón que ha robado una peligrosa reliquia, a la vez vinculada con su propio pasado. Está más sobrecargada de acción, que funciona mucho mejor en formato de animación (a cargo del mismo estudio que adaptó Castlevania para Netflix), algo así como una versión más colorida y exagerada de Misión: Imposible.

Desde su introducción en 1999 con las precuelas de la saga Star Wars, Darth Maul (originalmente interpretado por Ray Park) ha sido uno de los villanos y antihéroes mejor recibidos de toda la franquicia. Y aunque ha sido una presencia recurrente a lo largo de varias historias en cine y televisión, finalmente tendrá su protagónico absoluto en la serie Maul - Lord de las Sombras (Maul: Shadow Lord).

Sin embargo, dado su lugar dentro de la continuidad, quizá no es el mejor punto de entrada hacia la historia del personaje. Si quieres llegar preparado, a continuación te explicamos qué películas y series tienes que ver para entender quién es Darth Maul, además del orden correcto para hacerlo. Ten en cuenta que habrá algunos spoilers a continuación.

1. Star Wars - Episodio I: La amenaza fantasma (1999)

Es un hecho que, los que estábamos vivos y con suficiente edad para recordarlo, jamás olvidaremos la introducción de Darth Maul durante la primera de las precuelas de Star Wars, el famoso Episodio I: La amenaza fantasma. Presentado como un guerrero misterioso, sombrío y claramente poderoso, era una amenaza palpable para el joven Padawan, Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), e incluso para su maestro Jedi, Qui-Gon Jinn (Liam Neeson). ¿El momento en que enciende su sable láser dual? Mi quijada de nueve años estaba en el piso.

Dicho lo anterior, la película no brinda mayor desarrollo al personaje más allá de ser un sádico e intimidante rival para los héroes, dando pie a la conspiración Sith en ciernes. Sin embargo, fue tal la impresión de Maul que, a pesar de ser dado por muerto al final, los creativos de Lucasfilm se las ingeniaron para reintroducirlo años más tarde.

2. Star Wars: La Guerra de los Clones (2008-2013, 2020)

Lo que era un pequeño diálogo para añadir algo de color e historia en la película original de Star Wars se convertiría, décadas más tarde, en su debut en el mundo de la animación, y también en uno de los proyectos más extensos y populares de la franquicia. La serie animada Star Wars: La Guerra de los Clones expandió considerablemente la mitología de la saga al introducir nuevos personajes y reintroducir a viejos conocidos en uno de los conflictos más grandes de su narrativa. Cabe decir que, de una manera u otra, de esta serie se desprenden todos los grandes spin-offs de la franquicia, desde The Mandalorian hasta Ahsoka, entre muchos otros.

Darth Maul (ahora con voz de Sam Witwer) jugó un rol fundamental en este conflicto, luego de reintroducirlo formalmente en la cuarta temporada—ahora como un cyborg con piernas robóticas—. La serie lo desarrolló como un villano complejo por propio derecho, con motivaciones, intereses y relaciones propias—aquí también conocemos a Savage Opress (voz de Clancy Brown) y Feral (Dee Bradley Baker), sus hermanos—. Los Sith son definidos por la “Regla de los dos”, que dicta que sólo puede haber un Lord Sith, que a su vez tendrá un solo aprendiz. Además de los Jedi, la supervivencia de Maul y su búsqueda de poder lo confrontó directamente con Darth Sidious (Nick Jameson) y con su nuevo aprendiz, Darth Tyrannus (Corey Burton).

3. Star Wars: Maul - Lord de las Sombras (2026)

El primer gran protagónico de Darth Maul (nuevamente interpretado por Sam Witwer) vendrá con la serie Lord de las Sombras, situada aproximadamente un año después de la caída de la República Galáctica, marcada por el final de la Guerra de los clones y el ascenso del Imperio Galáctico.

Cabe decir que si ya has visto todas las películas y series en esta lista, esta nueva producción te ofrecerá pocas sorpresas, pues ya se conoce el destino del personaje. Sin embargo, eso no resta que pueda ser interesante, pues finalmente exploraremos lo que Maul estuvo haciendo durante los primeros años del Imperio, en conflicto directo con el Emperador mientras buscaba construir su propio legado.

4. Han Solo: Una historia de Star Wars (2018)

Como tal, el spin-off Han Solo: Una historia de Star Wars no es una historia de Darth Maul, pero el antiguo Lord Sith sí que tiene un cameo cerca del final de la película. Impresionado con las acciones de Qi’ra (Emilia Clarke), Maul la convoca a su base en el mundo Dathomir.

El cameo estaba pensado, claramente, para continuar la historia de Han Solo (aquí interpretado por Alden Ehrenreich) antes de sus días como rebelde, lo que lo pondría en la mira de Maul. Sin embargo, el mal recibimiento de la película resultó en la cancelación de dichos planes, pero dejaba ver el enorme rol que Darth Maul tendría en los rincones criminales de la galaxia, algo que Maul: Lord de las Sombras desarrollará.

5. Star Wars Rebels (2014-2018)

La otra gran serie animada de la franquicia, Star Wars Rebels, mantuvo vivo el espíritu de La Guerra de los Clones tanto en su estilo de animación, como en su tradición de incorporar personajes de las películas para expandir el canon con nuevas historias. Una vez más, Darth Maul asoma su cabeza ya como un avejentado pero formidable y manipulador guerrero que intenta seducir a Ezra Bridger (Taylor Gray) al Lado Oscuro. Esta es la participación del personaje que recomendamos dejar hasta el final, y la explicación a continuación viene con spoilers:

Esta serie marca el final del camino para Darth Maul. Aunque nunca cruzó caminos con su rival Sith, Darth Vader (voz de James Earl Jones), el destino lo llevó a tener un duelo final con el viejo Obi-Wan Kenobi, quien lució su veteranía al derrotarlo con un solo golpe. Un momento que dividió a los fans del personaje, pero que podría ser reivindicado por lo que la nueva serie consiga explicar sobre su pasado.

Con protagónicos en sagas taquilleras como Duna y en aclamados títulos como Marty Supremo (más múltiples nominaciones al Oscar a los 30), Timothée Chalamet tiene que ser una de las jóvenes estrellas de Hollywood de mayor prestigio y éxito en años recientes, con una carrera desarrollada principalmente en el cine.

Su filmografía, aunque no impecable, sí está repleta de actuaciones excelentes tanto protagónicas como en el reparto. ¿Pero cuáles son sus mejores trabajos? Aquí seleccionamos las 10 mejores películas de Timothée Chalamet, rankeadas del último al primer puesto:

10. El rey (2019)

Bajo la dirección de David Michôd, Timothée Chalamet comenzó a diversificar sus roles en un protagónico ambicioso. En El rey (The King) interpretó a Enrique V, quien se convierte en rey de Inglaterra a una corta edad y debe aprender a lidiar con las responsabilidades del cargo, con la ayuda de su amigo y mentor John Falstaff (Joel Edgerton).

Épica histórica en el tenor de Legítimo rey o El último duelo, esta película fue una de las primeras demostraciones serias del talento de Chalamet para protagonizar una película de grandes proporciones, mismo que seguiría demostrando en producciones muy variadas en los años siguientes.

9. La crónica francesa (2021)

En el despegue de su carrera, Timothée Chalamet ha ido coleccionando colaboraciones con cineastas de perfiles cada vez más prestigiosos, y si bien su primera—y hasta ahora, única—participación en una película de Wes Anderson no fue un protagónico, sí que juega a favor de sus cualidades.

En la antológica La crónica francesa (The French Dispatch), Chalamet interpreta a Zeffirelli, el líder de una revuelta estudiantil en el ficticio pueblo francés de Ennui-sur-Blasé, quien tiene un amorío con una veterana periodista (Frances McDormand) cubriendo los hechos. Podría decirse que es Chalamet proyectando su imagen de jovencito intelectual y trágico, que veremos en algunas otras de sus mejores interpretaciones (incluyendo la que lo convirtió en estrella).

8. Wonka (2023)

¿Es Timothée Chalamet un gran cantante? No, o por lo menos no para cargar un grandilocuente musical, que quizá es parte de la razón por la que Wonka parece encontrarlo a medio camino: más una fantasía con algunas piezas musicales modestas que un gran despliegue como Cantando bajo la lluvia.

Y no, su Willy Wonka tampoco se parece al deliciosamente perverso personaje de Gene Wilder en Willy Wonka y la fábrica de chocolate, pero tampoco es el punto. Esta película es más sobre un joven dando los primeros pasos hacia su sueño, incluso si películas posteriores encuadran al personaje de otra manera.

7. Beautiful Boy: Siempre serás mi hijo (2018)

Una de las actuaciones más impactantes que ha dado Chalamet es en la biopic Beautiful Boy: Siempre serás mi hijo, sobre la lucha de un adolescente por sobreponerse a su adicción a la metanfetamina con la desesperada ayuda de su padre, interpretado por Steve Carell.

Es una película que, similar a Regresa a mí, explora las devastadoras tensiones al interior de una familia debido a la adicción de uno de sus miembros. Y Chalamet captura aquí las terribles contradicciones de la enfermedad, entre la necesidad y la repulsión, de una manera que rompe el corazón.

6. Mujercitas (2019)

En la adaptación dirigida por Greta Gerwig del clásico literario de Louisa May Alcott, Timothée Chalamet interpreta a Laurie (rol que Christian Bale tenía en la versión de 1994), el amigo de las hermanas March y fluctuante interés romántico tanto de Jo (Saoirse Ronan) como de Amy (Florence Pugh).

Mujercitas (Little Women) sería la segunda colaboración de Chalamet con Gerwig después del debut de la directora, Lady Bird, en la que el actor también interpreta al interés romántico de la protagonista (igualmente interpretado por Ronan). Ambas películas demuestran la capacidad del actor para brindar registros muy distintos, en una como un joven cálido y en otra como un adolescente arrogante.

5. Un completo desconocido (2024)

Quien escribe estas líneas no disfruta particularmente de las biopics musicales recientes, que tienden más hacia la monografía idealizante que hacia la representación dramática compleja de sus protagonistas. Un completo desconocido (A Complete Unknown) es una más en esa tendencia (mejor representada por casos como Bohemian Rhapsody), pero hay que decir que es impecable en términos actorales.

La película presume un excelente elenco formado por Monica Barbaro, Elle Fanning y Edward Norton, con Chalamet a la cabeza en el rol de un joven Bob Dylan en un periodo determinante tanto de su vida y trayectoria artística. Es un rol que, una vez más, juega a las cualidades del actor como figura distante, fría, interesante, y en la que luce una voz entonada para el canto. Además de su segunda nominación al Oscar, la película le mereció una candidatura al Grammy por su interpretación vocal en la banda sonora. También se convirtió en la persona más joven en ganar el Premio del Sindicato de Actores (SAG, por su sigla en inglés) como Mejor actor.

4. Hasta los huesos (2022)

La segunda colaboración de Timothée Chalamet con el director Luca Guadagnino no podría haber sido más diferente que la primera, acabando en un terreno más cercano al horror de su Suspiria.

Basada en la novela de Camille DeAngelis, Hasta los huesos (Bones and All) trata sobre dos jóvenes vagabundos que viven de un lado a otro debido a una peculiaridad: son caníbales que intentan mantener sus impulsos a raya, a veces sin éxito. A medio camino entre la road movie criminal tipo Bonnie y Clyde y el coming-of-age con elementos de terror, la película obliga a sus protagonistas (Chalamet y Taylor Russell) a caminar una delgada línea entre la simpatía y lo abyecto, objetivo que logran magistralmente.

3. Duna (2021) y Duna: Parte dos (2024)

Podría pensarse que estamos haciendo un poco de trampa, pero la realidad es que el trabajo de Timothée Chalamet para desarrollar el arco de Paul Atreides en Duna, sólo es apreciado por completo a lo largo de sus dos partes. En realidad, es una sola película en dos entregas.

Y una vez más, es una actuación que demanda muchos matices a lo largo de las dos partes, un viaje del héroe que comienza con un protagonista noble, titubeante al llamado de su destino, pero que eventualmente se entrega a su rol como mesías y el poder que éste le trae a su regazo. Un ascenso y una caída más oscura—y mejor desarrollada—que la de Anakin Skywalker al Lado oscuro en Star Wars.

2. Llámame por tu nombre (2017)

Dejando a un lado las polémicas posteriores de algunos de sus participantes—y de su tema central—, Llámame por tu nombre es una película que representa perfectamente el dolor de las primeras desilusiones amorosas, a través de la historia del adolescente Elio (Chalamet) durante un idílico verano en la Italia de los 80.

La película completó la “Trilogía del Deseo” de Luca Guadagnino (conformada también por Yo soy el amor y por Cegados por el sol), y básicamente fue la actuación de Timothée Chalamet que lo puso bajo el reflector internacional, con su primer nominación al Oscar como Mejor actor (convirtiéndose en la tercera persona más joven en conseguir la nominación).

1. Marty Supremo (2025)

En materia actoral, Marty Supremo (Marty Supreme) tiene que ser, sin lugar a dudas, el trabajo mejor logrado en la carrera de Timothée Chalamet hasta el momento. En el rol de un jugador de ping pong dispuesto a todo por conseguir la gloria deportiva a mediados del siglo XX, el actor consigue una hazaña complicada: crear un personaje completamente deleznable y hacer que nos importe, en una película que transmite la misma sensación de descontrol y perversión capitalista de Good Time o Diamantes en bruto, también dirigidas por Josh Safdie en colaboración con su hermano, Benny.

Es una película que también desmonta el lenguaje de los dramas deportivos (tipo Karate Kid) para mostrar la aspiración ciega y explotadora que se esconde debajo. Y todo el conjunto es cargado por la actuación intensa, frenética y despreciable de Chalamet, en un trabajo excepcional que no solo le mereció su tercera nominación al Oscar como actor, sino que también aspira al premio a Mejor película como uno de sus productores.

¡Por el poder de Grayskull! En 2026 veremos el regreso del hombre más poderoso del universo a la pantalla grande con el estreno de Amos del universo (Masters of the Universe) bajo la dirección de Travis Knight (Bumblebee), con Nicholas Galitzine (La idea de ti) como He-Man empuñando la Espada del Poder para defender Eternia de las fuerzas de Skeletor (Jared Leto).

Un pretexto perfecto para regresar a la extensa franquicia mediática de Mattel, sobre todo si creciste en los 80 y eres fan de sus orígenes. Sin embargo, la franquicia se ha extendido mucho más allá de la animación original: a continuación, te contamos todas las películas y series que debes ver antes de Amos del universo, en orden cronológico de estreno.

1. He-Man y los Amos del Universo (1983-1985)

La serie que lo comenzó todo y que transformó cómo se comercializaban las series de animación y las franquicias de juguetes (a menudo, una cosa junto con la otra). He-Man y los Amos del Universo vino, curiosamente, luego de que Mattel dejó ir su tajada del pastel al rechazar lanzar juguetes basados en la saga Star Wars.

Aunque precedida por los cómics y las propias figuras de acción, esta serie se convertiría en una de las producciones animadas más populares entre los niños en la década de los 80, abarcando dos temporadas y más de 100 episodios que viven sin pagar renta en el imaginario colectivo de dicha generación. Todo, a pesar de que su animación era bastante repetitiva y pobre, orientada hacia la moraleja fácil y promover la mercancía. En cualquier caso, es la vara con la que se han medido todas las producciones posteriores, para bien y mal.

2. He-Man y She-Ra: El secreto de la espada (1985)

Ensamblada a partir de cinco episodios de lo que sería la serie spin-off She-Ra, la princesa del poder, esta película fue una secuela directa de la serie original, y que sigue a He-Man/Adam descubriendo que tiene una hermana gemela, a la que debe rescatar.

Además de ser, técnicamente, el debut cinematográfico de ambos héroes titulares, algo interesante de esta película es que opera bajo la misma lógica de franquicia multimediática que Marvel perfeccionaría décadas después con su Universo Cinematográfico, introduciendo a un personaje nuevo que tendría su propia serie después. La franquicia de She-Ra crecería por sus propios méritos, teniendo su propio reboot con She-Ra y las princesas del poder.

3. Los amos del universo (1987)

Nicholas Galitzine podrá lucir sensacional como He-Man en una versión de Eternia perfectamente realizada por efectos digitales, pero él no puede presumir de ser el primero en encarnar al Príncipe Adam en live action. Dicha distinción pertenece al protagonista de Los amos del universo de 1987: Dolph Lundgren (por entonces más conocido como el infame Ivan Drago de Rocky 4).

Era una adaptación poco fiel al material de origen y, por lo tanto, más osada, trasladando la acción a la terrenal California suburbana de los años 80. Es un producto sui generis, por ponerlo de alguna manera, pero si disfrutas de las producciones de acción y fantasía más estrafalarias de los 80, tipo Flash Gordon, te encantará (y ojo con una actriz de Friends interpretando aquí uno de sus primeros protagónicos).

4. Las nuevas aventuras de He-Man (1990-1991)

Los 90 comenzarían con un primer intento por parte de Mattel por revitalizar la franquicia animada, lo que resultó en una producción animada totalmente nueva. Las nuevas aventuras de He-Man sigue a Adam/He-Man en una nueva aventura futurista, invocado por la civilización de otro planeta para protegerlo.

La serie duró únicamente 65 episodios, pues la ausencia de nombres familiares—fuera de He-Man y Skeletor—no terminó de gustar, como sucede con tantas otras secuelas y reboots de animación (como Las nuevas aventuras de Batman, por citar un ejemplo de la época). Esto marcaría el final de la continuidad original, que sería retomada por una futura serie décadas más tarde.

5. He-Man y los Amos del Universo (2002-2004)

El primer reboot de la franquicia es, para muchos fans, la versión definitiva de He-Man, sólo aquejada por el hecho de que fue cancelada con sólo dos temporadas y 39 episodios en total. He-Man y los Amos del Universo de 2002 era una reinvención de la serie original, con episodios autoconclusivos, animación rígida y moralejas; para una nueva generación de espectadores en Cartoon Network.

Con una animación más pulida, actualizada, madura y mucho más refinada, esta nueva serie optó por expandir la mitología de Eternia, el trasfondo de varios personajes, e introducir arcos narrativos de varios episodios, similar a lo que hizo en su momento Batman: La serie animada y lo que veríamos después en series como Los jóvenes titanes.

6. He-Man y los Amos del Universo (2021-2022)

La franquicia regresaría a la pantalla chica por medio de dos manifestaciones muy distintas, ambas estrenadas en Netflix y dirigidas a públicos opuestos entre sí. La primera y menos exitosa sería He-Man y los Amos del Universo, serie de animación en 3D para el público infantil.

En esta versión, Adam era un príncipe exiliado y amnésico que redescubre su verdadera identidad al encontrar la Espada del Poder. La serie enfatiza la acción y el humor para un público muy joven, más propio de la era de Hora de aventura o Steven Universe. Sin embargo, es un tanto condescendiente y palidece incluso ante su “hermana” reboot, She-Ra y las princesas del poder.

7. Amos del Universo: Revelación (2021) Amos del Universo: Revolución (2024)

Casi al mismo tiempo, Mattel reclutó al rey de los nerds, Kevin Smith (Clerks) para crear una versión de la franquicia dirigida a un público adulto, aquellos que habían crecido en los 80. El resultado fue la serie animada Amos del Universo: Revelación, que desde el cast ya parecía una declaración de intenciones: figuras como Lena Headey y Liam Cunningham (Game of Thrones) y Sarah Michelle Gellar (Buffy, la Cazavampiros) eran sólo algunos de los nombres prestando sus voces para dar vida a esta versión más madura de Eternia. Incluso Mark Hamill, legendario por su interpretación del Guasón en varias iteraciones animadas, prestó su voz a esta versión de Skeletor.

A lo largo de dos temporadas, la serie retomó la continuidad de la serie original, ignorando los eventos de She-Ra: la princesa del Poder y de Las nuevas aventuras de He-Man. Sin embargo, la serie despertó la ira de ciertos pequeñines de 40 años al enfocarse más en otros personajes secundarios (en su mayoría femeninos) que en el propio He-Man, cosa que cambiaría en una segunda entrega. Una secuela (que en realidad es como una temporada) cobraría forma bajo el título Amos del Universo: Revolución, para concluir la historia con una épica batalla por Eternia… y por la nostalgia de unos años 80 bastante idealizados.

El 2026 marca el 40º aniversario de una de las franquicias de anime más populares e influyentes de la historia (y 42 años desde el lanzamiento del manga en 1984): Dragon Ball, de Akira Toriyama. Las celebraciones trajeron el anuncio del regreso de Goku y sus amigos en forma animada, con un remaster del primer arco de Dragon Ball Super y la esperada adaptación del “Arco de la Patrulla Galáctica” del manga (también conocido como el arco de Moro).

Con tantas adaptaciones, cambios en el canon y saltos en el tiempo, puede ser confuso aproximarse a la franquicia en este punto, pero no temas. Si quieres estar al corriente de todo para ver el Arco de la Patrulla Galáctica (o simplemente quieres revivir las intensas batallas de Goku, Vegeta y compañía), en esta guía te decimos todas las películas y series de Dragon Ball que debes ver antes del nuevo arco (y en qué orden hacerlo). Pequeños spoilers a continuación:

¿Qué ver antes del nuevo arco de Dragon Ball Super?

Ver Dragon Ball desde cero hoy en día puede ser confuso, dado que nuevos arcos han sido estrenados en desorden y, muchas veces, contradiciendo retroactivamente a otras entregas ya existentes.

Idealmente, habrás visto todo desde el anime original, Dragon Ball (1986-1989), con todos sus 153 episodios que narran las primeras aventuras de Goku como niño, conociendo a aliados como Bulma y Krillin. Sin embargo, el punto de entrada para muchos fans fue la secuela, con una historia más madura protagonizada por un Goku adulto, y que reinventó varias facetas de la original. Por lo tanto, es un punto de entrada perfectamente aceptable.

1. Dragon Ball Z (1989-1996), excepto los episodios finales

Aunque todo el manga original fue publicado con el título de Dragon Ball, el anime hace una separación para la etapa adulta de Goku y la introducción de su hijo, Gohan. Es a partir de ese punto que, en el anime, la historia es conocida como Dragon Ball Z.

Por mucho la entrega más larga de la franquicia (con 291 episodios), este anime sigue casi dos décadas en la vida de Goku, la madurez de Gohan, así como la introducción de personajes como Vegeta (el gran rival del protagonista) y la raza de guerreros extraterrestres Saiyajin, además elementos más orientados a la ciencia ficción. La narrativa va más orientada hacia la acción que la aventura, con intensos combates contra alienígenas como Freezer y cyborgs como Cell.

Ten en cuenta que Dragon Ball Z da un salto de 10 años para su epílogo, y es en ese periodo donde suceden Dragon Ball Super y otras entregas, a modo de “medicuela”. Por lo tanto, debes parar en el episodio 287 (pues el epílogo está conformado por los episodios 288, 289, 290 y 291).

2. Todo el anime Dragon Ball Super (2015-2018)

Situada en la década entre el “Arco de Buu” y el epílogo de Dragon Ball Z, Dragon Ball Super introdujo al mundo de Goku y compañía a conflictos de orden divino. Sus rivales en estas historias son deidades como Bills, Dios de la Destrucción, e incluso guerreros de dimensiones paralelas del multiverso.

Como paréntesis, este anime fue criticado por la calidad de la animación, sobre todo en sus primeros arcos. Para hacer las cosas más llevaderas, hay dos películas que pueden suplir los dos primeros arcos.

El primer arco de Super es “Bills, Dios de la destrucción”, que abarca los primeros 18 episodios. Estos eventos son contados también en la película Dragon Ball Z: La batalla de los dioses (este arco también será relanzado con una animación totalmente nueva, mucho más pulida).

El segundo arco, titulado “Freezer Dorado”, abarca de los episodios 19 al 27, y puedes verlo en resumen (y con mejor animación) en Dragon Ball Z: La resurrección de Freezer. Posteriormente, puedes seguir con el anime normalmente a partir del episodio 28 y hasta el 131, concluyendo con el “Arco de la Supervivencia del universo”, que narra los eventos del Torneo de Poder entre universos.

3. Dragon Ball Super: Broly (2018)

La primera película en ser estrenada tras la conclusión del anime fue Dragon Ball Super: Broly, que integra al canon al feroz Saiyajin homónimo (que hasta entonces sólo era parte de las películas no canónicas, como Dragon Ball Z: El poder invencible). Curiosamente, es el único arco de Dragon Ball Super que existe exclusivamente en anime, pues no fue publicado en el manga. Sin embargo, sí es parte del canon.

Esta historia ve a Freezer manipular a Broly y usar su tremendo poder para invadir la Tierra. Goku y Vegeta son abrumados a pesar de contar con poderes divinos por propio derecho, por lo que deben unir fuerzas por métodos inesperados para vencer al bestial Saiyajin.

4. “Arco de la Patrulla Galáctica” o “Arco de Moro” de Dragon Ball Super

En el manga de Dragon Ball Super, el “Arco de la Patrulla Galáctica” es el antepenúltimo arco de la publicación hasta ahora, inmediatamente posterior al “Arco de Broly”.

Este arco sigue la lucha de Goku, Vegeta y los demás guerreros protectores de la Tierra contra Moro, un poderoso hechicero que escapa de la custodia de la Patrulla Galáctica. Los guerreros se alían con la Patrulla para combatir a la Legión de Moro y derrotar al hechicero, en una de las raras instancias que ve a todos los amigos de Goku hacer equipo una vez más.

Aunque aún no tiene fecha de lanzamiento definida, la adaptación del “Arco de la Patrulla Galáctica” ha sido muy esperada por los fans de Dragon Ball, pues después de 2018 sólo han podido seguir la historia en el impreso (aunque, paradójicamente, la última etapa del manga sí fue adaptada en la forma de una película animada).

5. Dragon Ball Super: SUPER HERO (2022)

La más reciente película de toda la franquicia de Dragon Ball es, también, la que adapta el último arco existente del manga (hasta el momento), y de hecho, para llegar hasta aquí nos hemos saltado otro arco: “Granolah, el superviviente”, que ve a Freezer alcanzar un nuevo nivel de poder y limpiar el piso con Goku y Vegeta. Es debido a esto que el par deja el planeta para entrenar con Bills y Broly, así que ellos no son los protagonistas de Dragon Ball Super: SUPER HERO.

Cuando el Ejército del Listón Rojo (o Patrulla Roja, en América Latina) resurge con dos nuevos androides para apoderarse del mundo, recae en Gohan y Piccolo liderar el esfuerzo para proteger la Tierra. Este es, hasta nuevo aviso, el final de Dragon Ball Super, pero no es la conclusión oficial de la historia.

6. El epílogo de Dragon Ball Z

Si has seguido la historia en orden cronológico y llegaste hasta aquí, es momento de volver a Dragon Ball Z, pues los episodios 288, 289, 290 y 291 narran el epílogo, con la Tierra en paz y Goku aceptando a un nuevo discípulo.

En el manga, esta es la conclusión oficial de la historia. Existen otro par de animes que complican las cosas, y procederemos a explicar si debes verlos o no.

¿Qué hay de Dragon Ball GT (1996-1997) y Dragon Ball DAIMA (2024-2025)?

Dada la enorme popularidad de Dragon Ball Z en los 90, cuando concluyó la adaptación del manga, el estudio Toei Animation decidió continuar la historia, aunque sin involucramiento directo de Akira Toriyama. Esto resultó en Dragon Ball GT, anime que volvía un poco a las raíces clásicas de la franquicia al regresar a Goku a su cuerpo de infancia por una maldición de las esferas del dragón, arrojándolo a él, a su nieta Pan y a Trunks por una aventura intergaláctica para encontrarlas.

GT no alcanzó el mismo éxito de Z, y concluyó con sólo 64 episodios, aunque tiene elementos que gustan a muchos fans, como la transformación de Goku en el Super Saiyajin 4. Sin embargo, su condición dentro del canon se ha mantenido ambigua, pues el anime no reconoce los eventos de Super (y este último vuelve redundantes algunos puntos de GT).

La cuestión fue complicada todavía más por Dragon Ball DAIMA, anime estrenado en 2024 como parte del 40º aniversario del manga. Situada un año después del “Arco de Buu” de Dragon Ball Z (lo que significaría que se sitúa antes de SUPER), esta entrega también ve a Goku y sus amigos transformados en niños y forzados a adentrarse al Reino de los Demonios para revertir las cosas. Sin embargo, esta historia introduce no sólo una transformación en Super Saiyajin 3 para Vegeta (lo que contradiría acontecimientos en Super), sino que también introduce otra versión del Super Saiyajin 4 para Goku (lo que vuelve todavía más redundante a GT).

Sin embargo, considerando su ambigüedad en el canon y que ninguno de los dos animes incide en Dragon Ball Super: La Patrulla Galáctica, puedes omitirlos sin problema.

Después de tres años (y de lo que parecía un final bastante definitivo), el coach favorito de todos regresa al A.F.C. Richmond, pero con un giro. La cuarta temporada de la serie Ted Lasso llegará a Apple TV+ durante el verano de 2026, y verá el regreso de Jason Sudeikis como el entrenador homónimo, acompañado tanto por viejos conocidos como por nuevas caras.

¿Quiénes regresan para la cuarta temporada de Ted Lasso, y quiénes son los nuevos integrantes del elenco? A continuación te contamos a quiénes veremos en los nuevos episodios y qué ha cambiado para los personajes.

¿Quiénes regresan en la cuarta temporada de Ted Lasso?

No puedes tener Ted Lasso sin, bueno… Ted Lasso. Y por ello, varios levantamos una ceja cuando se confirmó la producción de una cuarta temporada dado que la tercera parecía brindar un cierre definitivo al viaje de Ted, quien regresaría a Kansas para estar cerca de su familia. Sin embargo, Jason Sudeikis—que también produce la serie—regresará para interpretar al coach Lasso en una nueva misión: entrenar al equipo femenil de segunda  división del club Richmond.

La iniciativa fue propuesta por la socia de relaciones públicas del club, Keeley Jones (Juno Temple), a quien también veremos en esta nueva temporada. Hannah Waddingham regresa como Rebecca Welton, la propietaria del club, quien vuela hasta Kansas para traer a Ted de regreso a las filas del Richmond.

Con ella, regresa todo el equipo técnico y administrativo del club. Eso incluye al Coach Beard (Brendan Hunt), el veterano del Richmond y entrenador asistente Roy Kent (Brett Goldstein), así como Leslie Higgins (Jeremy Swift), el director de operaciones.

¿Quiénes son los nuevos fichajes de Ted Lasso?

Un nuevo equipo requiere un nuevo elenco, y hay nuevas caras que se unen a los veteranos. En algunos casos, ya tenemos claro cuáles serán sus roles.

Uno de los fichajes más notables es el de Tanya Reynolds, a quien hemos visto brillar en películas como Emma. y en la exitosa serie Sex Education. Aunque aún no conocemos el nombre de su personaje, las primeras imágenes de la cuarta temporada revelan que será la entrenadora asistente del equipo femenil.

También tenemos un rostro nuevo… para un personaje conocido. Henry Lasso, el hijo de Ted, ahora será interpretado por Grant Feely, quien entra en sustitución de Gus Turner. Todo indica que Henry viajará con Ted de vuelta a Inglaterra, así que el casting de Feely hace sentido al ser un joven actor un poco más experimentado, con créditos en producciones como Obi-Wan Kenobi y Furia. Todo indica que su rol será expandido a más que unas cuantas apariciones.

Aunque no se ha revelado qué roles jugarán en la alineación, hay varias adiciones notables al elenco de Ted Lasso para la temporada 4. Entre ellas encontramos a Faye Marsey, a quien hemos visto recientemente en aclamadas series como Adolescencia y Andor.

Otros fichajes incluyen a Aisling Sharkey (Jurassic World: Dominio), Jude Mack (Dos familias), Rex Hayes (The Pact) y Abbie Hern (Mi Lady Jane), aunque hasta el momento se desconoce qué roles tendrán. Sin embargo, dado que la nueva temporada verá a Ted entrenar a un equipo femenil, podemos darnos una idea.

¿Quiénes faltan en el elenco de la temporada 4?

Hay cuatro nombres en particular que brillan por su ausencia en la temporada 4 de Ted Lasso y, al momento de la redacción, no han sido confirmados. En todos los casos, se trata de personajes prominentes y queridos por el público.

El primero es Nick Mohammed como Nathan “Nate” Shelley, quien en las primeras temporadas tuvo el fascinante ascenso de utilero a estratega del Richmond, para luego irse a un equipo rival por resentimiento y completar su arco de redención al final de la tercera temporada. También falta Phil Dunster como Jamie Tartt, el ególatra goleador estrella del Richmond, otro personaje con un largo viaje de redención durante la serie para reconciliarse con Roy, Keeley y convertirse en un verdadero líder en el campo.

Además, notamos las ausencias del mexicano Cristo Fernández como el delantero Dani Rojas y de Toheeb Jimoh como el puntero Sam Obisanya, ambos de los integrantes más carismáticos y queridos en la alineación principal del Richmond.

Sin embargo, todos ellos son personajes masculinos en una nueva temporada que verá a Ted entrenar a un equipo femenil, por lo que sus ausencias tienen sentido… incluso si los extrañaremos.

¿Cuándo se estrena la cuarta temporada de Ted Lasso?

Aunque no se ha definido una fecha específica, la temporada 4 de Ted Lasso ya tiene confirmado su estreno en Apple TV+ durante el verano de 2026.

Junto con sagas como Resident Evil, Silent Hill es una de las franquicias de videojuegos de horror más populares que, además, tienen la distinción de haber saltado a la pantalla grande. Sin embargo, a diferencia de su contemporánea, esta saga—creada por Keiichirō Toyama—se enfoca más en el terror psicológico que en la acción o la ciencia ficción, enfatizando temas emocionalmente densos y atmósferas perturbadoras.

En el cine, los títulos de las películas pueden hacer complicado entender el orden cronológico de la narrativa, así como su orden de estreno. Pero no te preocupes: si quieres adentrarte en el perturbador mundo de Terror en Silent Hill, a continuación te decimos el orden en que se estrenaron y si hay una secuencia para verlas.

Terror en Silent Hill (2006)

Un dato curioso: la ambientación neblinosa de los videojuegos originales fue, en realidad, una decisión creativa impuesta por limitaciones técnicas: para poder dar una sensación de fluidez a la exploración del pueblo, los desarrolladores optaron por la neblina para enmascarar la limitación del hardware para renderizar el pueblo entero de una sola vez. Sin embargo, ese aspecto se volvió una característica determinante del videojuego y la primera adaptación cinematográfica, Terror en Silent Hill, la tradujo a la pantalla magistralmente.

Incluso si el resultado no fue inicialmente bien recibido—y afligido por los limitados efectos visuales dosmileros—, la película ha sido un tanto revalorada con los años. La trama sigue a una joven madre (Radha Mitchell) que busca desesperadamente un alivio para el extraño sonambulismo de su hija (Jodelle Ferland), la lleva al pueblo que tanto menciona pero no recuerda, donde ambas terminan separadas, perdidas e involucradas en un siniestro misterio del pueblo. Es una película que, similar a propuestas posteriores como Babadook, tiene en su corazón la intrincada relación materna, pero llevada a terrenos delirantes y extraños que hoy serían más propios de Bárbaro (Barbarian).

Terror en Silent Hill 2: La revelación (2012)

Basada en el videojuego Silent Hill 3, Terror en Silent Hill 2: La revelación fue una tardía secuela que, efectivamente, sepultó toda posibilidad de una nueva adaptación cinematográfica por más de una década. Aunque es una secuela directa de la primera, comparte pocos elementos narrativos con ella fuera del personaje de Sean Bean, que estaba presente en la anterior y que aquí vuelve como el padre adoptivo de Heather Mason (Adelaide Clemens).

Aunque fiel al material de origen (algo que la crecientemente alocada acción y ciencia ficción de Resident Evil por entonces no podía presumir), la secuela es inferior a la original en casi todo sentido, con una trama que se queda en lo genérico en vez de aprovechar la riqueza que ofrece la atmósfera y monstruos del videojuego. Pero bueno, al menos tenía a Kit Harington, lo que en cierto modo fue una reunión de Game of Thrones.

Terror en Silent Hill: Regreso al infierno (2026)

En lo que respecta a ver las películas en orden cronológico, aquí puedes dejar de preocuparte: Terror en Silent Hill: Regreso al infierno (Return to Silent Hill) es un reboot, así que puedes saltarte las dos primeras y comenzar por aquí. Además, esta película trajo de vuelta al director de la primera, Christophe Gans, aunque si el resultado fue igual de bueno es debatible.

Basada en el videojuego Silent Hill 2, esta película ahora sigue a James Sunderland (Jeremy Irvine), quien recibe una misteriosa carta llamándolo de vuelta al siniestro pueblo en busca de un amor perdido. Tiene la virtud de explorar temas como el trauma al presentar a un personaje regresando a un sitio terrible (piensa en lo que atraviesa el protagonista de Doctor Sleep, por ejemplo), incluso si la ejecución deja algo que desear y no es visualmente tan potente como el primer intento.

Que una película de terror—entre otros géneros—haya siquiera sido considerada para los Premios de la Academia, certamen que suele obviar el cine de género, es algo inusual. Que sea la líder de nominaciones en su año, lo es todavía más. Por ello, que Pecadores (Sinners) sea la película más nominada no solo al Oscar 2026, sino que también haya roto el récord histórico de candidaturas a la estatuilla, es un logro absoluto.

Con ello, claro, vienen más preguntas. ¿Cómo sucedió esta hazaña? ¿Cuántas de esas nominaciones son realmente viables para realmente consolidarse en premios (y qué otras películas podrían arrebatarle la gloria)? Y sobre todo: ¿realmente es para tanto? A continuación analizaremos todas estas cuestiones.

Pecadores rompió el récord de tres grandes clásicos del cine

Previo al logro de Pecadores en 2026, el récord histórico era de 14 nominaciones al Oscar, un trono que era compartido por tres películas, todas separadas por una cantidad considerable de años.

¿Cuáles eran las películas más nominadas al Oscar hasta este punto? La primera fue La malvada (All About Eve) de 1950, la punzante comedia de Joseph L. Mankiewicz sobre los lados turbios de la ambición artística, que ganó seis premios (incluyendo Mejor película) y sentó el récord. Tendrían que pasar casi 50 años para que Titanic de 1997 igualara el récord de nominaciones, aunque se anotó el gran total de 11 victorias (proeza que sólo sería igualada por El señor de los anillos: El retorno del rey).

La última película en empatar la marca fue La La Land de 2016, que sólo ganó seis premios de sus 14 nominaciones (y protagonizó aquel infame episodio en el que fue declarada Mejor película, antes de la rectificación que finalmente dio el premio a Luz de luna).

Cabe señalar que las cosas han cambiado bastante entre que La malvada estableció el récord y Pecadores lo rompió, así que vale la pena matizar. Entiéndase: había categorías separadas según películas a color y en blanco y negro; los rubros de sonido y efectos visuales se han catalogado de diferentes maneras a lo largo de los años; la categoría de Mejor película comenzó a decidirse por voto preferencial en 2009; y en 2026 se introdujo una nueva categoría, Mejor casting. No obstante, no deja de ser todo un acontecimiento.

¿Cuáles son las 16 nominaciones de Pecadores?

Vamos a enumerar primero las 16 categorías en las que compite Pecadores: Mejor película (producción de Zinzi Coogler, Sev Ohanian y Ryan Coogler), Mejor dirección (Ryan Coogler), Mejor actor (Michael B. Jordan), Mejor actor de reparto (Delroy Lindo), Mejor actriz de reparto (Wunmi Mosaku), Mejor guión original (Coogler), Mejor fotografía (Autumn Durald Arkapaw), Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor edición, Mejor diseño producción, Mejor banda sonora original, Mejor canción original, Mejor diseño de vestuario, Mejor casting, Mejor maquillaje.

Varias de estas nominaciones eran esperadas. Incluso la de casting, pues este ha sido uno de los elementos más reconocidos de la película a lo largo del año, tanto en premiaciones como por el público, así que no fue sorpresa que se convirtiera en candidata de la nueva categoría (en la que, dicho sea de paso, también está nominada en los cruciales Premios del Sindicato de Actores, o SAG por sus siglas en inglés).

Otros rubros también se daban por descontado, como la nominación para Ruth E. Carter en Diseño de vestuario. Carter ya ha ganado la estatuilla en dos ocasiones (ambas por trabajos con Coogler, en Pantera negra de Marvel y su secuela), y con Pecadores se convierte en la mujer negra más nominada al premio de la Academia, con cinco nominaciones en total.

La fotografía de Autumn Durald Arkapaw—en gloriosos 65 mm IMAX—ha sido presencia constante en la temporada de premios 2025-2026, y ha hecho de Durald la primera mujer de color—y sólo la cuarta mujer, punto—en ser nominada en la categoría. Todo esto y más abordado por el impecable diseño de producción de Hannah Beachler (también ya ganadora por Pantera negra), que recrea fenomenalmente al Mississippi de los años 30.

Sin embargo, otras nominaciones resultaron sorpresivas. Notablemente, Delroy Lindo parece estar en la carrera más como un reconocimiento a la trayectoria (el veterano actor no figura en los SAG, por ejemplo). Otra categoría en la que sorprendió fue en Mejores efectos visuales—y no es que no lo mereciera—, pero esto dejó fuera a otras contendientes que otros consideraron que sí debían estar nominadas, como Depredador: Tierras salvajes.

Si lo pensamos, son varias las razones por las que Pecadores es una sorpresa del todo en la premiación, comenzando porque se trata de una película primordialmente de terror. Uno de los factores que podrían determinar si realmente tiene oportunidad de llevarse alguno de sus premios.

Los premios que Pecadores sí podría llevarse en los Oscar 2026 (y cuál es su competencia más difícil)

La gran pregunta es si Pecadores tiene posibilidades reales de llevarse el Oscar en las 16 categorías por las que compite y, en particular, las principales en las que está nominada. Salvo en actuación principal femenina, la producción aspira a los galardones “centrales” de la noche: Mejor película, Mejor dirección, Mejor guión (adaptado) y Mejor actor, sin mencionar que domina en las categorías técnicas.

Tiene posibilidades reales en categorías como Mejor fotografía, Mejor banda sonora (pero no en Mejor canción, donde está más que claro el triunfo de “Golden”, de Las guerreras K-Pop), Mejor casting y, crucialmente, Mejor guión original. Hay instancias en el pasado (como Django sin cadenas, por citar solo una) en que la ganadora de Mejor guión no necesariamente ganó Mejor película. Aunque lo inverso también ha sido cierto: Titanic ganó Mejor película (y arrasó en su año, en general) sin ganar Mejor guión.

Además, en las categorías actorales, la competencia es reñida (como cada año) y es improbable que alguno de sus tres candidatos logre conseguir la estatuilla. En actor de reparto, es difícil que Lindo triunfe por encima de Stellan Skarsgård (Valor sentimental), y menos ante la doble nominación de Una batalla tras otra (Sean Penn y Benicio del Toro).

En actriz de reparto, Wunmi Musaku la tiene difícil contra Teyana Taylor (la probable ganadora) por la película de Paul Thomas Anderson, además del uno-dos de Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas por la de Joachim Trier. Y sería impresionante que Jordan derrote a Leonardo DiCaprio y, sobre todo, a Timothée Chalamet, quien ya suma tres nominaciones y va por la corona con Marty Supremo.

Pero si vemos otros números, las posibilidades de Pecadores son alentadoras. Desde que el premio principal se decide por voto preferencial—y considerando que toda la Academia vota en todas las categorías—la líder en nominaciones ha obtenido el Oscar a Mejor película únicamente seis veces (Oppenheimer, Todo en todas partes al mismo tiempo y La forma del agua son las más recientes).

El gran rival a vencer, sin embargo, es Paul Thomas Anderson con Una batalla tras otra, que ya se ha alzado en otras premiaciones (como los Globos de Oro 2026) y que es su principal rival en otros premios determinantes, como los del Sindicato de Directores (DGA por sus siglas en inglés) y, crucialmente, los del Sindicato de Productores (PGA).

Notablemente, Pecadores es una rareza debido a su género: sí, aunque tiene otros elementos como cine gangster, es, primordialmente, una película de terror vampírico. El terror es un subgénero usualmente ninguneado y usualmente relegado a las categorías técnicas salvo notables excepciones que sí alcanzaron la candidatura en Mejor película, como El exorcista (que ganó Mejor guión y Mejor sonido), El silencio de los inocentes (notablemente, la única del género que ha ganado Mejor película, y la última que ha ganado los “Cinco grandes” en los Oscar) y, más recientemente, La sustancia (que sólo ganó Mejor maquillaje).

Su naturaleza como el outsider de la premiación y su equipo creativo predominantemente negro—a más de una década del movimiento #OscarsSoWhite, ojo con eso—es lo que podría ser determinante, sobre todo considerando el momento político en los Estados Unidos. Que haya sido un éxito de taquilla, en un momento donde Netflix amenaza el modus vivendi del cine convencional, también podría ser un factor decisivo para que los votantes se decanten por ella.

¿Pecadores realmente es tan buena película?

En resumidas cuentas: sí. Desde un punto de vista meramente técnico y formal, Pecadores es una película formidable: la fotografía es admirable en cada plano (había que verla en IMAX para apreciarla en su totalidad), cada actuación es impecable (recordemos que Michael B. Jordan está aquí en un papel doble), y la música está a la altura del homenaje que esta producción hace a la tradición musical afroamericana. Esto sin ahondar en cómo estos rubros se conectan con lo que la película tiene que decir.

Además, es una de las mejores demostraciones de las posibilidades artísticas del terror como género: manipular la realidad para explorar ideas complejas de formas que géneros más convencionales, como el drama, no admiten. En esta maleabilidad, la película de Ryan Coogler abarca no sólo elementos de cine musical, sino también del género gangster.

Es en estos entrecruces donde Pecadores encuentra la mayor parte de su poder, pues al enmarcar la narrativa dentro de las convenciones gangster, e insertar elementos vampíricos con una narrativa sobre la tradición cultural y musical afroamericana—necesariamente atravesada por la historia de la esclavitud en los Estados Unidos—, la película construye un fuerte discurso sobre los entrecruces del racismo y el capitalismo en aquel país. Discurso que vale la pena desmenuzar y que, en la opinión de quien escribe, la convierte en una de las películas más potentes que dio Hollywood en todo 2025. 

Desde su introducción en 1979, Alien se ha convertido en una de las sagas de ciencia ficción más aclamadas del cine y, más recientemente, de la televisión. A través de diversas secuelas, precuelas y spin-offs, ha cruzado con géneros como el terror y la acción para abordar temas tan diversos—y algunos más abiertamente que otros—como la precariedad económica, la violencia de género, el militarismo, la hibridación genética y la inteligencia artificial, entre otros.

Sin embargo, la saga ha tenido varios—y muy marcados—altibajos a lo largo de las décadas, y mientras que múltiples entregas han dividido opiniones, muy pocas han alcanzado las mismas alturas. Aquí rankeamos todas las películas y series de la saga Alien, de peor a mejor, incluyendo los crossovers no canónicos con Depredador. Si quieres una guía para entrar a la saga en el orden cronológico oficial, revisa esta guía.

10. Aliens vs. Depredador 2 (2007)

A veces, lo único peor que un spin-off crossover mediocre, es la secuela de un spin-off crossover mediocre, que es el único descriptivo apto para Aliens vs. Depredador 2 (Aliens Vs. Predator: Requiem).

Producto de un momento en que nadie sabía hacia dónde llevar las dos sagas implicadas, esta secuela sólo recurre a incrementar lo que la anterior ya había hecho, para bien y para mal: más violencia visual, más híbridos extraterrestres y más estupidez. Por fortuna, el experimento no continuó ni es considerada parte del canon oficial actual, además de que Depredador: Tierras salvajes sugiere que un nuevo crossover, mejor fundamentado, podría estar en el horizonte.

9. Alien vs. Depredador (2004)

El primer crossover entre ambas franquicias es sólo marginalmente mejor que su secuela, ayudada por la novedad de enfrentar a dos de los universos cinematográficos más famosos de la ciencia ficción, terror y acción; además de la dirección siempre extravagante pero competente de Paul W.S. Anderson (posteriormente más conocido por sus adaptaciones de Resident Evil con Milla Jovovich).

Alien vs. Depredador (Alien Vs. Predator) es, en resumidas, producto de los extraños tiempos dosmileros, donde una extraña insistencia con el realismo chocaba con el camp en una desorientada búsqueda creativa que también enfrentó a Freddy contra Jason. Qué tiempos.

8. Alien: Resurrección (1997)

Es posible que los crossovers con Depredador ni siquiera hubieran sucedido si la saga de Alien no hubiese sido sepultada con la cuarta aventura de Ellen Ripley (Sigourney Weaver), última entrega de la historia cronológicamente. ¿Pero era realmente Ripley?

Para explicar su regreso de la muerte tras la conclusión de su predecesora, Alien: Resurrección (Alien: Resurrection) llevó a extremos ridículos la exploración de la hibridación genética hasta entonces apenas sugerida por la narrativa. Sin importar los esfuerzos de Winona Ryder como una amigable humana sintética, una vez que vimos a Ripley combatir con un balón de basquetbol y encestar como si fuera personaje de Space Jam, nos perdieron.

7. Alien: Covenant (2017)

Como precuela, Prometeo (de la que hablaremos más adelante) introdujo algunos elementos interesantes, reimaginando la genealogía de los Xenomorfos como piezas en el tablero de una búsqueda divina mayor. En ese esquema, parecía que Alien: Covenant sería el puente narrativo, una expansión de dichos conceptos hacia un terreno más reconocible.

Pero al ver la película, se siente como algo que no sabía qué quería ser, atrapado entre sus intenciones y las quejas de quienes no abrazaron a Prometeo por lo que fue. El resultado es un batidillo de ideas y tonos—algo común en la filmografía posterior del director Ridley Scott—que oscila entre disertaciones filosóficas superficiales y secuencias de acción genéricas, apenas cohesionado por la brillante actuación dual de Michael Fassbender.

6. Alien3 (1993)

Alien3 es la entrega de la saga más despreciada tanto por los fans como incluso por su director, David Fincher, quien debido a numerosos conflictos detrás de cámaras que incidieron en el resultado, se ha desentendido de ella a pesar de ser su largometraje debut. ¿No debería, entonces, estar más abajo en el ranking?

Partamos de que sí, tiene varios problemas—comenzando con la infame ejecución de tres compañeros de Ripley fuera de cámara en el minuto uno—, pero fuera de eso, el mayor pecado de esta película es ser una reiteración poco novedosa de la primera. La dirección de Fincher trae frescura a la saga con su lenguaje visual—incluso otorgándole una de sus imágenes más icónicas—, y la narrativa confinada a la prisión galáctica Fiorina 161 genera un clima de claustrofobia incluso más acentuado que la original.

5. Prometeo (2012)

Para algunos resultará polémico ver a Prometeo (Prometheus) tan arriba en este ranking, pero cabe señalar que esta precuela marcó el regreso de la saga Alien luego de ser marcada durante 15 años por la basquetbolista Ripley y los infames crossovers con Depredador. Incluso si para algunos fue enredado y a otros no gustó precisamente por no parecerse a sus predecesoras, es innegable que fue una resurrección creativamente fascinante y ambiciosa.

Con Ridley Scott de regreso en la silla del director, Prometeo insertaba la narrativa de la corporación Weyland-Yutani y los xenomorfos como parte de un mito creacionista mayor, haciendo eco de una búsqueda científica—y filosófica—más profunda, con tintes de 2001: Odisea del espacio o lo que eventualmente sería Aniquilación. Se queda en la superficie en mucho de ello, pero si algo prometía esta precuela, era potencial de llevar a la saga hacia aguas más interesantes. Pero luego, no fue abrazada como se esperaba…

4. Alien: Romulus (2024)

Considerada una de las mejores películas de su año, Alien: Romulus es, también, una de las mejores películas de Alien, aunque lo es a punta de una virtud paradójica: es la entrega que amarra varias de las múltiples búsquedas en temas y géneros de la saga hasta ese punto—la reflexión sobre la inteligencia artificial y la hibridación genética de Prometeo, la acción militar de Aliens, el asfixiante confinamiento y horror corporal puro de la original—.

La paradoja está en que el resultado, más que una entrega novedosa en la saga, termina sintiéndose como una compilación de greatest hits. No es algo negativo en sí mismo y ayuda que la ejecución del director Fede Álvarez (Posesión infernal) es tan brillante como impactante. Es por el carácter derivativo que pierde puntos.

3. Aliens, el regreso (1986)

Durante décadas, Aliens, el regreso (o sólo Aliens) se ha distinguido, junto a El imperio contraataca y otras pocas, como una de las raras secuelas que iguala a la original o, a ojos de muchos, incluso la supera. Con James Cameron tomando el mando (luego de su éxito con Terminator), esta continuación brilló no por hacer más de lo mismo, sino tomar el concepto y llevarlo en una nueva dirección: la acción.

Y es, de hecho, una de las mejores y más aclamadas películas de acción de los 80, tomando la letalidad de un solo xenomorfo y multiplicándola por mil, insertando a Ripley y soldados de Weyland-Yutani en una lucha desesperada ante un enemigo implacable y brutal contra el que están pobremente equipados para sobrevivir. Si no ocupa el primer lugar en empate con la entrega original, es porque ya se nota el paso del tiempo en algunos de sus elementos y porque, en retrospectiva, es el exponente más bombástico en una saga más definida últimamente por el terror atmosférico y corporal.

2. Alien: Earth (2025-actualidad)

Con una segunda temporada ya confirmada, la primera serie televisiva de la saga, Alien: Earth es su primera entrega cronológicamente (si no contamos a Prometeo y Covenant, a las que parece contradecir por momentos). E hizo lo que, hasta ahora, sólo los infames crossovers con Depredador habían hecho: trasladar la acción—y la amenaza de los xenomorfos y otras letales especies alienígenas—a casa: el planeta Tierra.

Y aunque parece eliminar a Prometeo y Covenant de la continuidad de manera retroactiva, la serie también consigue integrar y consolidar varias de sus exploraciones temáticas a su narrativa al insertar elementos de inteligencia artificial, cibernética e hibridación genética en una carrera entre megacorporaciones planetarias por asir la vida eterna. Sin perder los aspectos más horripilantes y perturbadores de la saga, esta serie es Alien para nuestros tiempos gobernados por la anti-ética de Silicon Valley, tan cercanos al terror como a Red social y Ex-Máquina.

1. Alien, el octavo pasajero (1979)

Cosa bonita, cosa bien hecha. Puede que se vean algunos cables aquí y allá, y que el xenomorfo original no parezca tan amenazante como iteraciones posteriores del monstruo. Pero si Alien, el octavo pasajero (o sólo Alien) ocupa el primer lugar en el ranking, es porque sigue siendo una de las mejores y más importantes películas de terror de todos los tiempos, por motivos que trascienden a la saga como tal.

Antes de que Ridley Scott la rodara (e imaginen que este fue sólo su segundo largometraje), la ciencia ficción era considerado un género menor del cine, que a pesar de presentar interesantes subtextos políticos (como El día que paralizaron a la Tierra, de 1951), era percibido como de interés artístico tan bajo como sus valores de producción (percepción que comenzó a cambiar gracias a 2001 de Kubrick); o de aventuras infantiles de gran presupuesto como Star Wars. Con la dirección de Scott, el guión de Dan O'Bannon y los geniales diseños de H.R. Giger, Alien era una bestia totalmente diferente, cargada de subtexto sobre género y explotación corporativa en una obra de gran producción.

Porque Alien, en su cumbre, es una obra de arte tanto como una genial película de terror.

Todos la recordamos por su papel en Game of Thrones, que fue su debut como actriz. Sin embargo, la trayectoria de Sophie Turner ha crecido más allá de su interpretación de Sansa Stark tanto en el mundo del cine como el de la televisión, donde próximamente debutará como la nueva Lara Croft.

Para seguirle la pista después de sus días en Poniente, a continuación rankeamos las mejores películas y series de Sophie Turner (y te decimos cómo verlas).

8. La gran tormenta (2020, 2022)

En La gran tormenta (Survive), Sophie Turner brinda una satisfactoria actuación como una joven mujer que, luego de ser internada en un psiquiátrico por depresión y estrés postraumático, es finalmente dada de alta para volver a casa. Sin embargo, el vuelo en el que viajaba sufre un mortal accidente del que ella y otro hombre (Corey Hawkins) son los únicos sobrevivientes, por lo que deben luchar contra las inclemencias de una montaña nevada para volver a la civilización con vida.

Aquí cabe hacer una acotación: esta producción se estrenó primero en 2020 como una serie para la difunta plataforma Quibi, que proponía series en cortísimos episodios de 10 minutos para ser vistos de forma intercambiable en formato vertical u horizontal. Estos serían reeditados en forma de una película estrenada en 2022, pero dada su conceptualización, notarás las costuras en su guión y ritmo, composición visual e incluso sus actuaciones. Sin embargo, si te gustan las historias tensas de supervivencia en la nieve como Más allá de la montaña o El Ártico, podría ser para ti.

7. Fanático del tiempo (2018)

Basada en el cortometraje homónimo nominado al Oscar del mismo director, Fanático del tiempo (Time Freak) es una comedia romántica juvenil protagonizada por Asa Butterfield (Sex Education) sobre un joven genio de la física que, cuando es dejado por su novia (Turner), hace lo que cualquier persona sensata haría: inventar una máquina del tiempo para viajar al pasado, arreglarlo todo y tener una segunda oportunidad.

Imagina una mezcla entre Volver al futuro, una versión más alegre y ligera de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, además de Cuestión de tiempo (otra comedia romántica de temática similar, francamente superior). El resultado no es tan interesante como ninguna de las tres, pero Sophie Turner entrega una interpretación bastante buena dentro de los confines de la novia idealizada que la película ofrece.

6. X-Men: Apocalipsis (2016)

Todavía durante su reinado como Sansa Stark, Sophie Turner debutó en otra gran franquicia cinematográfica: la saga de X-Men, en el rol de una joven Jean Grey en la nueva cronología, comenzada con X-Men: Primera generación.

Y vamos, que la película tampoco fue un gran tercer capítulo para el reboot de la franquicia, dividiendo opiniones por su trama y, en particular, la adaptación del villano Apocalypse (Oscar Isaac). Sin embargo, uno de los aspectos mejor recibidos fue el elenco juvenil para reintroducir a algunos de los mutantes más emblemáticos, con Turner en particular brillando junto a Tye Sheridan como Scott Summers/ Cíclope y Alexandra Shipp como Ororo Munroe/ Tormenta. La actriz tendría una secuela enfocada en su personaje, Dark Phoenix, pero es un desastre tal de guión, que preferimos decir que destaca más aquí como parte del conjunto.

5. Revancha ya (2022)

Muestra del talento de Sophie Turner es que, a pesar de que su papel es muy breve en Revancha ya (Do Revenge), es una de las actrices que deja mayor impresión deja de todo el reparto liderado por Camila Mendes (Riverdale) y Maya Hawke (Stranger Things).

La trama se centra en la amistad improbable y secreta entre dos chicas opuestas, una ex “abeja reina” y una marginada que unen fuerzas para un complot de venganza. La cosa crece y va por otro lado, pero Turner presenta una de la escenas más divertidas e intensas, como para dejar en vergüenza a Regina George de Chicas pesadas.

4. El robo (2026)

Sophie Turner tiene uno de sus grandes protagónicos de 2026 en la serie thriller El robo (Steal). La trama comienza cuando una empresa de fondos de inversión es robada por violentos asaltantes. Turner interpreta a una oficinista que es obligada a hacer la voluntad de los criminales y liberar el dinero… ¿pero es realmente eso lo que pasó? ¿O será que ella está involucrada?

La actriz logra cargar buena parte de la intriga de la serie como un personaje que genera sospecha, oscilando entre una inocencia aparente y una frustración subyacente. La serie, mientras tanto, dejará satisfechos a los fans de historias de complejos atracos, como la ya clásica La casa de papel o la película 70 binladens.

3. Joan (2024)

Esta miniserie es uno de los mejores despliegues que Turner ha hecho de su calidad interpretativa posteriores a Game of Thrones. Inspirada en la historia real de la criminal Joan Hannington, Joan es la historia de una joven madre soltera que, durante los 80, termina en la calle y su hija es llevada por los servicios sociales londinenses. Para recuperarla, acepta un trabajo en una joyería, lo que marca el comienzo de una espiral descendente hacia una vida como una formidable ladrona de joyas.

La serie tiene ciertos tintes de películas de Scorsese que presentan a personajes abrazando los lujos y excesos de sus vidas criminales, como El lobo de Wall Street. Esto, mezclado con la ya explorada faceta del crimen filtrándose en la vida doméstica, no muy lejos de lo que hacen series como Breaking Bad.

2. La escalera (2022)

Basada en la misma historia que sigue la docuserie del mismo nombre, La escalera (The Staircase) trata sobre una familia fragmentada de un momento a otro por un hecho horrible: una mujer, Kathleen (Toni Colette), es hallada muerta al final de la escalera de su casa y el principal sospechoso es su marido, Michael (Colin Firth). La acusación convierte su vida y la de los hijos de la pareja en una tumultuosa pesadilla legal y mediática, sacando a flote el lado turbio de la vida familiar (no muy distinto a lo que vemos en Se presume inocente).

Aunque no es la protagonista, Turner forma parte de un excelente elenco como Michelle, una de las hijas del primer matrimonio de Kathleen, y que es adoptada por Michael, a quien genuinamente ama. Este personaje es crucial para el impacto emocional de la serie, pues demuestra la descomposición de una familia aparentemente amorosa hacia algo más trágico.

1. Game of Thrones (2011-2019)

Finales polémicos aparte, Game of Thrones es crucial en la carrera de Sophie Turner no sólo por marcar su debut como actriz, al obtener el rol de Sansa Stark. Al ser uno de los personajes de la serie que (¡spoiler!) sobreviven hasta el final, es básicamente una década de trabajo en el que podemos presenciar su rango y evolución.

A lo largo de ocho temporadas, Sansa evoluciona de una niña mimada e ingenua a una joven oprimida y asustada como ficha de cambio, para finalmente convertirse en una de las figuras políticas más inteligentes de Poniente, con dos dedos de frente que bien le hacen falta a Jon Snow (Kit Harington). Incluso tras el debut de La casa del dragón, Sansa permanece como uno de los personajes mejor desarrollados e interesantes en todo el canon televisivo de Game of Thrones y derivados, incluso si la representación en pantalla de sus horribles circunstancias atrajo críticas por sus excesos.

Como la franquicia que hizo de Pixar un estudio pionero y titán de la animación digital, Toy Story ha gozado de una larga trayectoria como una de las historias favoritas del público. Las aventuras de Woody, Buzz y compañía se han convertido, también, en la saga más longeva y extensa del estudio, abarcando no sólo cinco largometrajes, sino también una serie e incluso varios cortometrajes o especiales.

Esto quiere decir que disfrutar de la saga cronológicamente no es tan sencillo como ir de la primera a la quinta película. Si quieres ver todas las películas, series y cortos de Toy Story en orden cronológico, a continuación te decimos cómo hacerlo.

1. Toy Story (1995)

Cortos como Luxo Jr. y Tin Toy caminaron para que Toy Story pudiera correr y cambiar la historia del cine para siempre. Antes de que Woody (voz en inglés de Tom Hanks) y Buzz (voz de Tim Allen) irrumpieran en la pantalla grande, no se habían hecho largometrajes enteros como lo que Pixar mostraba aquí.

Pero debajo de la—por entonces—impresionante animación por computadora, estaba el corazón de una buddy comedy de par disparejo no tan diferente a clásicos como Una pareja explosiva (Rush Hour) o Una Eva y dos Adanes (Some Like it Hot), donde la rivalidad central se prestaba para explorar temas como el sentido de propósito en una colorida aventura para chicos y grandes. Pasos que seguirían producciones posteriores como La gran aventura LEGO, por ejemplo.

2.Toy Story 2 (1999)

La primera secuela en el catálogo de Pixar (con Bichos, una aventura en miniatura de por medio) sería una continuación lógica de los temas de la primera, sobre la búsqueda de propósito e identidad. En Toy Story 2 sería Woody quien acabaría secuestrado y en manos de un coleccionista obsesivo. Es así como el vaquero conoce sus orígenes en una serie de televisión donde tenía otros amigos, como Jessie (voz de Joan Cusack) y el caballo Tiro al blanco. Hay también, entonces, un elemento de pertenencia y familia en esa identidad, temas que explorarían después otras películas de Pixar y también de otros estudios, como La era de hielo.

Hasta aquí no hay pierde en la progresión, la segunda va después de la primera, y ya está. Sin embargo, a partir de aquí, la saga comienza a crecer con cortos, spin-offs y cambios retroactivos de continuidad, por lo que hay que desviarse antes de llegar a la tercera, cuarta y quinta entrega.

3. Lamp Life (2020)

Cuando se estrenó Toy Story 3 más de una década después de su predecesora, faltaba uno de sus personajes centrales, Betty (voz de Annie Potts), o Bo Peep fuera de América Latina. Y el misterio sólo incrementó en 2019 cuando reapareció para la cuarta entrega. ¿Qué había sido de ella en todos esos años? Lamp Life (titulada Las aventuras de Bo Peep en algunos territorios) es un corto creado para explicar ese misterio entre los años de gloria de los juguetes, su abandono en el baúl de Andy, y por qué Betty no estuvo ahí para verlo. El problema con verla después de Toy Story 2 es que está narrada como un flashback después de los eventos Toy Story 4, por lo que en cierto modo termina siendo un spoiler.

Contrario a las decenas de ingeniosos cortos originales de Pixar, este es uno de esos diseñados para expandir la narrativa de franquicias ya establecidas (algo que comenzó con El coche nuevo de Mike, de 2002, que va con Monsters, Inc.).

4. Toy Story 3 (2010)

Junto con Up, una aventura de altura un año antes, Toy Story 3 fue la película que demostró que, si bien siempre contenían temas más densos, las producciones de Pixar fueron madurando con su audiencia. Esta historia comenzaba con Andy (voz en inglés de John Morris) está a punto de irse a la universidad, y ha tenido sus juguetes abandonados durante años. Con su partida, el grupo es donado a la guardería Sunnyside, pero lo que parecía ser un destino alegre resulta ser una pesadilla bajo el tirano oso de peluche Lotso (Ned Beatty).

Y lo dicho, este es el punto donde la franquicia alcanza su madurez. Para algunos, es su punto más alto, culminando lo que era una trilogía perfecta. Sin embargo, a partir de aquí, la franquicia fue ampliada a toda clase de cortos y series.

5. Toy Story Toons: Vacaciones en Hawái (2011)

A partir de aquí vienen varios cortos con historias independientes que no necesitan ser vistos en un orden cronológico rígido, siempre y cuando los veas antes de Toy Story 4. Pero en orden de estreno, el primero de ellos fue Toy Story Toons: Vacaciones en Hawai (Hawaiian Vacation).

La trama sigue a Barbie (voz en inglés de Jodie Benson) y Ken (voz de Michael Keaton), quienes iban a ser llevados por Bonnie a sus vacaciones en Hawái, pero son dejados atrás por accidente. Para animarlos, Woody y Buzz se las arreglan para recrear el paraíso playero en casa.

6. Toy Story Toons: Pequeño gran Buzz (2011)

El hecho de que Buzz Lightyear comenzara esta gran historia como un lunático con delirios de grandeza sin consciencia de ser un juguete, terminó convirtiéndose en una mina de oro para la comedia en la franquicia. El recurso reaparece en el corto Toy Story Toons: Pequeño gran Buzz (Small Fry).

En esta pequeña aventura, el Buzz “original” es olvidado en un restaurante de comida rápida, confundido por el “mini-Buzz” (voz de Teddy Newton) de obsequio con el menú infantil. Mientras los otros juguetes deben lidiar con el mandón pequeñín en casa, Buzz asiste a un grupo de apoyo para juguetes olvidados.

7. Toy Story Toons: Fiesta Saurio Rex (2012)

Otro tema recurrente a lo largo de la saga es la cobardía y timidez de Rex (voz de Wallace Shawn), por lo que es raro verlo protagonizar un cortometraje. Tal es el caso en Toy Story Toons: Fiesta Saurio Rex (Partysaurus Rex).

En esta pequeña historia, Rex es el juguete que Bonnie decide llevarse a la bañera para jugar. Y ahí, resulta ser el único juguete con brazos (pequeños, pero los tiene), así que de él depende que los otros, abandonados en el agua, puedan disfrutar de una fiesta con mucha música y espuma.

8. Toy Story: Una historia de terror (2013)

Todo el que haya visto Psicosis (Psycho) sabrá que las cosas están destinadas a salir mal cuando hay que desviarse hacia un motel durante la noche. Y eso es exactamente lo que sucede a los juguetes, pues una divertida excursión se convierte en una pesadilla cuando el Sr. Cara de Papa (Don Rickles) desaparece durante la estancia en el motel.

Toy Story: Una historia de terror (Toy Story of Terror!) es el primer especial televisivo de la franquicia, que además de presentar al genial personaje de Combat Carl (con voz de Carl Weathers), es la primera ocasión que vemos a Jessie como la protagonista central (algo que sucederá de nuevo en el quinto largometraje), e incluso rescata su historia pasada.

9. Toy Story: Olvidados en el tiempo (2014)

Esta franquicia de Pixar ha dado uno de los especiales navideños más curiosos, pues lo único que tiene de navideño es que está enmarcado por la festividad. Toy Story: Olvidados en el tiempo (Toy Story that Time Forgot) parte de la premisa de la película original: un juguete que no sabe que lo es. Excepto que aquí son legiones de juguetes. Y son dinosaurios guerreros antropomórficos (como los Street Sharks, pero prehistóricos).

Esta historia ve a varios de los juguetes en casa de un amigo de Bonnie por Navidad, donde deberán enfrentarse en batalla contra oleadas de dinosaurios gladiadores. Muy festivo, en verdad.

10. Toy Story 4 (2019)

Aunque el cuarto largometraje de la saga regresa a un territorio más infantil, también se pone un poquito existencial con la introducción de Forky el “cuchador” (voz de Tony Hale), utensilio de plástico mitad cuchara y mitad tenedor al que le es otorgada conciencia de juguete por vía de unos pies de madera, manos de limpiapipa y ojitos adheribles.

Toy Story 4 dividió opiniones por expandir la que era considerada una trilogía ya perfecta, además de anular un tanto todo el viaje de Woody al reunirlo con Betty, quien ha dejado de ser una mera lámpara de cerámica para convertirse en una aventurera que no depende de un niño para entender su propósito. Sin embargo, en Forky, Pixar encontró a uno de sus personajes más interesantes y divertidos, al que ha explotado en toda una serie de cortos.

11. Forky pregunta (2019)

Fuera de la pantalla, muchos seguidores de la franquicia nos preguntamos constantemente qué pensarían los juguetes sobre cuestiones trascendentales de la vida, y la naturaleza de Forky como un “juguete-no-juguete” creado por Bonnie ha dado a los creadores el pretexto perfecto para abordar toda clase de preguntas con comedia.

Forky pregunta (Forky Asks a Question) sigue a nuestro cuchador favorito en una serie de 10 mini cortos en los que cuestiona a sus amigos sobre la naturaleza del arte, el amor y el queso. Como Cosmos con Carl Sagan, pero para cosas importantes de la existencia.

12. Pixar Popcorn: “Al ejercicio y más allá”, “Curiosidades con Ducky & Bunny: Amor” y “Curiosidades con Ducky & Bunny: Tres cabezas” (2021)

En 2021, Disney+ lanzó la serie Pixar Popcorn, una antología de 10 brevísimos cortos (cada uno de un par de minutos) relacionados a varias de sus producciones más populares, incluyendo Los Increíbles e incluso la por entonces reciente Soul, entre otras.

Toy Story, naturalmente, es la franquicia que más contribuye historias a la antología, con un total de tres. El primer episodio de la antología es “Al ejercicio y más allá”, donde Buzz Lightyear da una clase de aerobics a los otros juguetes de Bonnie. Y luego tenemos dos entregas de “Curiosidades con Ducky y Bunny”, protagonizadas por los juguetes de feria titulares (voces en inglés de Jordan Peele y Keegan-Michael Key). En “Amor”, el par discute sobre quién de los dos es más querido por los niños, y en “Tres cabezas” se enfrentan a la oveja de Betty.

13. Toy Story 5 (2026)

El quinto largometraje de la saga—y primero sin involucramiento alguno de su cocreador, John Lasseter—llevará a los juguetes a una era donde ya ni siquiera los niños quieren jugar con ellos, y con Jessie como la líder del grupo ahora que Woody se ha ido a ayudar a otros juguetes abandonados a encontrar nuevos dueños.

Mientras tanto, en Toy Story 5, la gran villana no será otro juguete abandonado ni coleccionistas maniáticos, sino Lilypad (voz de Greta Lee, de Vidas pasadas), una tablet que se vuelve la nueva obsesión de Bonnie cuando la recibe de cumpleaños. Una premisa que parece más sacada del documental Childhood 2.0, que precisamente habla sobre la decaída en la salud mental infantil de niños que viven pegados a la pantalla.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por sus siglas en inglés) ya anunció las películas nominadas al Oscar 2026, reconocimiento a lo mejor del cine durante el año anterior. Como siempre, hay hitos (Pecadores tiene el récord de más nominaciones en la historia, con 16), sorpresas positivas (¡Wagner Moura el primer brasileño nominado como Mejor actor por El agente secreto!) y también las negativas. Las películas ignoradas pero que merecían consideración.

Sin duda, hay varios títulos que son dignos de, por lo menos, el reconocimiento que trae una nominación al Premio de la Academia. Acá te compartimos ocho películas ignoradas en los Oscar 2026 que, a nuestro juicio, merecían ser nominadas más que otras (te estamos viendo a ti, F1).

La única opción (2025)

Debió estar nominada a: Mejor película, Mejor película internacional

Hay que reconocer que, con un tope de cinco nominaciones, la categoría de Mejor película internacional está muy complicada, con exponentes como Valor sentimental (Noruega), El agente secreto (Brasil) Fue sólo un accidente (Francia) e incluso La voz de Hind Rajab (Túnez). Cualquier selección iba a dejar fuera al menos a una gran película del último año.

Si nos dieran a elegir, felizmente quitaríamos a Sirāt (España) para que ocupe su lugar La única opción (Corea del Sur), que tenía todo para estar entre las nominadas. Ignoramos si su pesimista discurso anticapitalista tendría algo que ver en que haya sido ignorada por los votantes de la AMPAS. Pero incluso si la categoría Internacional era complicada, sí nos parece una película bastante superior, interesante y rica que, por ejemplo, F1, que resultó nominada en Mejor película.

El sonido al caer (2025)

Debió estar nominada a: Mejor película internacional

Si tomamos la trayectoria en premios de alto perfil como indicador de posibles nominaciones al Oscar, la alemana El sonido al caer debía tener posibilidades similares a Sirāt, con la que empató en Cannes por el Premio del Jurado.

Es una maravillosa película, pero hemos de admitir que quizá no es del tipo afín a las sensibilidades de los votantes de AMPAS. Se trata de una épica narrada en estructura no lineal que explora los traumas al interior de una familia heredados entre varias generaciones de mujeres, y que implica al espectador en el tejido de su narrativa a lo largo de dos horas y media. Más breve que El brutalista del año pasado, sin duda, pero más compleja narrativamente.

El esquema fenicio (2025)

Debió estar nominada en: Mejor diseño de vestuario (por lo menos)

No hace mucho tiempo, cada nueva película de Wes Anderson era sucedida por alguna nominación al Premio de la Academia al año siguiente. El gran Hotel Budapest, por ejemplo. Pero El esquema fenicio pasó un tanto de noche para los Oscar 2026, extendiendo una racha ya de varios años en la que Anderson no huele ni un Oscar por sus largometrajes (aunque ganó recientemente por La maravillosa historia de Henry Sugar).

Su comedia de intriga política y corporativa merecía, por lo menos, reconocimiento en rubros técnicos como Diseño de vestuario o Diseño de producción, estatuillas que sí ha conseguido en el pasado. Incluso sus colaboradores cercanos, como el compositor Alexandre Desplat, están nominados por otras cosas (como Frankenstein). Y sólo digamos que la actuación de Benicio del Toro aquí nos parece más interesante que la de Una batalla tras otra, por la que sí está nominado.

100 metros (2025)

Debió estar nominada en: Mejor película animada

De acuerdo, la categoría de Mejor película animada suele ser bastante difícil año con año, y vamos a ser sinceros, Las guerreras K-Pop viene con más potencia que una aplanadora nuclear (y es la probable ganadora del Oscar 2026 en su categoría).

¿Pero hace falta nominar a Pixar cada año, sobre todo en un año con una apuesta comparativamente tibia como Elio? Varias de las otras nominadas son más interesantes y, un año después de que la innovadora Flow se alzó con el premio, debería haber más espacio para propuestas igual de arriesgadas y frescas. Pocas películas de animación encajan con ese perfil tan perfectamente como 100 metros, genial drama deportivo de anime sobre velocistas rivales en carreras de 100 metros planos, y que cerró el año nombrada como una de las mejores producciones animadas en años recientes.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castillo infinito (2025)

Debió estar nominada en: Mejor película animada

Una alternativa bastante más conocida que 100 metros, igual de Japón, hubiera sido Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castillo infinito, y sabemos que sería una elección polémica. Si obviamos su descomunal éxito en taquilla, tenemos que admitir que es menos una película y más un capítulo extendido, pero proyectado en cines, del popular anime sobre Tanjirō y su lucha contra los demonios.

Dicho lo anterior, la calidad y espectacularidad de la animación es innegable, uno de los despliegues visuales mejor logrados del año, sino que su exclusión es notable dado que los votantes de la Academia parecen tomar en consideración la respuesta de la taquilla (además de que la película sí fue nominada en los Globos de Oro).

La chica zurda (2025)

Debió estar nominada en: Mejor película internacional

Volviendo a la categoría de Mejor película internacional, en La chica zurda tenemos un “caballo negro”, que sí llegó a ser finalista del rubro representando a Taiwán. Sin embargo, una vez más, era una de las categorías más difíciles de la premiación.

La película trata sobre una madre y sus dos hijas, que regresan desde el campo a Taipei para trabajar en un puesto de mercado para pagar las cuentas. No hubiera sido del todo inaudito ver una nominación aquí, pues es dirigida por Shih-Ching Tsou, colaboradora cercana de Sean Baker, quien ya ganó un Oscar por Anora.

Depredador: Tierras salvajes (2025)

Debió estar nominada en: Mejores efectos visuales

No se trata de menospreciar los logros de otras películas en esta categoría, pero tampoco da para entender la omisión del monumental y pulido trabajo que entregó Depredador: Tierras salvajes, fácilmente digno de ser nominado a Mejores efectos visuales.

Más allá de la espectacularidad, se trata de una película que cuenta con efectos visuales en prácticamente cada plano, dado que su protagonista es un alienígena Yautja que debe transmitir emociones, acompañado de una androide con las piernas cercenadas (Elle Fanning, en otra de sus grandes actuaciones del año). Más allá de temas de guión, todo en esta película logra sentirse vivo. Y gran parte del trabajo lo hacen los efectos visuales en este caso.

Mátate, amor (2025)

Debió estar nominada en: Mejor actriz (Jennifer Lawrence)

Las categorías actorales también suelen ser muy competidas cada año en los Oscar, y si bien Mátate, amor tampoco es el mejor esfuerzo de Lynne Ramsay como directora, su gran elemento indiscutiblemente bueno es Jennifer Lawrence como una madre al borde del colapso mental.

¿Sorprende que haya sido Kate Hudson y no ella el caballo negro de este año? No realmente, pues Song Sung Blue tiene más el perfil de película por el que vota la Academia. Y vamos, que Lawrence ya tiene una estatuilla sobre cuatro nominaciones, así que tampoco duele tanto su ausencia aquí. Pero de tú a tú, el trabajo actoral nos parece mucho más interesante y complejo en esta película, aunque tampoco se puede esperar algo diferente de la AMPAS, cuyos votantes suelen ir por lo más seguro, convencional y emotivo.

Desde su introducción en el programa Sam and Friends (1955-1961) y posteriormente con El show de los Muppets (1976-1981), las marionetas creadas por Jim Henson fueron una sensación que se han convertido en una institución del entretenimiento por derecho propio.

Además de la televisión, estos personajes han brillado en el cine y han protagonizado un total de ocho largometrajes a través de géneros tan diversos y eclécticos como las propias marionetas. A continuación te presentamos todas las películas de Los Muppets en orden de estreno y te decimos cómo verlas. Estamos contando sólo las producciones estrenadas en cines, sin especiales ni películas exclusivas de televisión.

1. Los Muppets (1979)

La primera película de estos personajes, aquí simplemente titulada Los Muppets (The Muppet Movie), es tan elegantemente sencilla como rebosante de ingenio, es decir, la marca de la casa en un despliegue cinematográfico.

Con personajes como Kermit y Miss Piggy en un viaje para cumplir el sueño de convertirse en estrellas de Hollywood, esta primera película comienza como una road movie nostálgica, más parecida a las propuestas del género en los años 50 (como El camino feliz) que a las transgresoras de años posteriores (como Bonnie y Clyde). Pero claro, siendo los Muppets, la comedia da giros muy divertidos y extravagantes que incluso te recordarán un poco a Godzilla.

2. La gran aventura de los Muppets (1981)

La segunda película de los Muppets fue estrenada poco después del final de su icónica serie de televisión, y llevó a los personajes al mundo de los robos de joyas. La gran aventura de los Muppets (The Great Muppet Caper) ve a Kermit, Gonzo y Fozzy investigando el robo de alto perfil de un diamante único, y la cosa se complica cuando Miss Piggy es incriminada en otro atraco.

Con geniales guiños a clásicos de Hollywood como Los caballeros las prefieren rubias y a otros títulos emblemáticos del cine británico (como Al servicio secreto de su majestad), se trata de un festín tanto para fans de los Muppets como para cinéfilos en general.

3. Los Muppets toman Nueva York (1984)

En su tercer largometraje, Los Muppets toman Nueva York (The Muppets Take Manhattan), vemos a Kermit y compañía en una comedia musical más convencional, pero enmarcada por las grandes aspiraciones de cualquier artista en Nueva York: alcanzar el éxito en Broadway. Sin embargo, cuando sus planes se desmoronan, los Muppets descubren que se requiere mucho más que talento para lograrlo en la cima del teatro.

Aunque más convencional en comparación a sus predecesoras, es una película que habla de los desafíos creativos y de la resiliencia contra el fracaso, por lo que no es una pariente nada lejana de grandes musicales sobre el tema, como Cantando bajo la lluvia y El show debe seguir (All that Jazz).

4. Una Navidad con los Muppets (1992)

Pasarían varios años para que los Muppets regresaran a la pantalla grande dado un evento determinante detrás de cámaras: la muerte del creador Jim Henson en 1990 y el marionetista Richard Hunt en 1992. También fue la primera en ser producida por Disney, que adquiriría los derechos sobre los personajes poco más de una década más tarde. El comienzo de un cambio de era para los personajes.

Dejando eso a un lado, Una Navidad con los Muppets (A Muppets Christmas Carol) es, como sugiere su título original, una adaptación del clásico navideño de Charles Dickens, y cabe decir que no sólo es una de las mejores basadas en dicho relato, sino que también es una gran película de Navidad, punto. En buena medida es gracias a la brillante actuación de Michael Caine como Scrooge, uno de los raros protagónicos humanos en una película de los Muppets.

5. Los Muppets en la Isla del Tesoro (1996)

La siguiente película de las marionetas sería una de sus mejores y los llevaría a otro género inexplorado: las aventuras de capa y espada, en este caso, en un contexto pirata. Los Muppets en la Isla del Tesoro (Muppet Treasure Island) es, como sugiere el título, una adaptación de la clásica novela de Robert Louis Stevenson, relato fundamental de la ficción de aventuras con piratas.

Es una aventura deliciosamente divertida por muchas razones, pero una de las principales es tener a Tim Curry como Long John Silver (uno de sus roles más infravalorados a la sombra de El show de terror de Rocky). De nuevo, es una de las películas de los Muppets que dan más protagonismo a los humanos, lo que podría no gustar tanto a los fans de sus primeras tres producciones. Pero el resultado es una de las mejores adaptaciones de La isla del tesoro (obviando El planeta del tesoro, también de Disney).

6. Los Muppets en el espacio (1999)

La última película de los Muppets antes de su adquisición por Disney (y en más de una década, en realidad) abordó la principal pregunta de todos sus fans: en un mundo de ranas, cerdos, osos y demás animales antropomórficos, ¿qué rayos es Gonzo? Partiendo de esa premisa, Los Muppets en el espacio (Muppets from Outer Space) jugó con una de las respuestas más comunes: quizá es un alienígena.

Esta producción devolvió el protagonismo a las marionetas, y aunque las llevó al inexplorado terreno de la ciencia ficción, lo hizo sacrificando un poco sus inclinaciones musicales. Aún hay música, pero no son temas originales. A cambio, verás aquí una marea de referencias a otros grandes clásicos del género, desde Encuentros cercanos del tercer tipo a la serie original de Star Trek, por citar sólo un par.

7. Los Muppets (2011)

El regreso triunfal de las marionetas, ahora bajo control creativo de Disney, fue tanto una vuelta a las raíces como un reboot suave y autorreferencial: Los Muppets de 2011 es la primera película que no sólo reconoce la existencia de El show de los Muppets, sino que también da cuenta de la larga ausencia de los personajes de la esfera pública, narrando su reunión para evitar la compra del Teatro Muppet a manos de un avaro magnate del petróleo (Chris Cooper), al más puro estilo de Petróleo sangriento.

Si obviamos la hipocresía e ironía viniendo de una compañía como Disney, se trata de un sensacional musical que recupera la esencia de los Muppets (e incluso ganó el Oscar por el tema “Man or Muppet”), con un maravilloso elenco humano (liderado por Amy Adams y por Jason Segel, quien también hace de guionista), e incluso vastas referencias a la cultura pop, incluyendo películas como El diablo viste a la moda.

8. Muppets 2: Los más buscados (2014)

Quienes hayan tenido reservas sobre la adquisición de los Muppets por parte de Disney habrá resultado tener razón con Muppets 2: Los más buscados (Muppets Most Wanted), considerada por muchos fans como una de las entregas más débiles en su filmografía, incluso si es innegablemente divertida. Su problema es ser, quizá, un poco más floja y derivativa.

La trama ve a Kermit incriminado por un robo de joyas (de nuevo), cuyo verdadero culpable es un doble malvado (con todo y guiños a Austin Powers). Aunque divertida y con buenas actuaciones humanas de Tinay Fey y Ricky Gervais, esta es probablemente la entrega de los Muppets más afectada por la “mentalidad franquicia”, con más cameos de la cultura pop de los que muchos podrán contar.

¿Quiénes son los actores y actrices más populares del mundo? Puede ser algo relativo si se le mira con lupa, pero un buen primer indicador es la taquilla. Y el Top 10 de actores más taquilleros de la historia tiene una nueva reina: Zoe Saldaña, que con la secuela Avatar: Fuego y cenizas ha sobrepasado a Scarlett Johansson y varios otros nombres en la lista. Normal y natural para quien también tiene sagas como el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) y Star Trek entre sus créditos.

Claro que películas van y vienen, y esta lista cambiará con cada nueva superestrella o subsecuentes entregas de megafranquicias hollywoodenses. Mientras tanto, estos son los actores más taquilleros de la historia.

1. Zoe Saldaña

Ni los justificados cuestionamientos a Emilia Pérez (que tampoco evitaron que ganara el Oscar por ella) han minado el poder taquillero de Zoe Saldaña, quien comenzando 2026 y según cifras de The Numbers se ha convertido en la actriz más taquillera en la historia del cine. Sus películas han sumado poco más de 15 mil 400 millones de dólares en taquilla, y contando.

No es sorpresa, dado que Saldaña no sólo ha estado en las tres entregas de Avatar (siendo la primera todavía la de mayor recaudación), sino que también ha sido Gamora en cinco de las entregas más taquilleras del UCM, como Avengers: Endgame y la trilogía de Guardianes de la Galaxia. Si le sumamos su rol como Nyota Uhura en el reboot de Star Trek (otra franquicia increíblemente popular), no es de extrañar que sea uno de los rostros más populares en el cine mundial (incluso si, técnicamente, no la estamos viendo a ella como Neytiri).

2. Scarlett Johansson

Hasta 2025, antes de ser rebasada por Saldaña, Scarlett Johansson coronaba la lista de los actores más taquilleros de la historia. Y también tiene sentido si consideramos que como Natasha Romanoff/ Viuda negra, también es una de las grandes estrellas del UCM, que ha aparecido tanto en películas de Iron Man como del Capitán América y los crossovers de Los Vengadores, antes de su propia película en solitario.

Sin embargo, fue precisamente en 2025 que Johansson sumó otra franquicia que contribuyó enormemente a sus números, al protagonizar Jurassic World: Renace como la mercenaria Zora Bennett. Más taquillero que eso, incluso, fue el remake de El libro de la selva de Disney, donde no la vimos pero sí la escuchamos como la serpiente Kaa.

3. Samuel L. Jackson

Quizá el más veterano y prolífico en la lista de actores más taquilleros de la historia, es Samuel L. Jackson, con una carrera tan larga y diversa que casi podría subir a la cima por suma de títulos.

Su papel como Nick Fury, introducido en Iron Man y recurrente en el UCM durante décadas, contribuye considerablemente a sus números, con Avengers: Endgame como la película que más suma a su récord (¡a pesar de que sólo tiene un cameo!). También está en Spider-Man: Lejos de casa (técnicamente del UCM, pero producida por Sony Pictures) y también brinda su voz a Frozone en Los increíbles y su secuela, ambas producciones de animación de Pixar que también agregan considerablemente a su recaudación en taquilla.

4. Robert Downey Jr.

¿Comenzamos a ver el patrón? Con su popularidad y continua producción, el UCM ha lanzado a varias de sus estrellas al firmamento de la taquilla, y su protagonista fundacional, Robert Downey Jr., ocupa el cuarto lugar del Top 10. Entre sus grandes éxitos encontramos sus participaciones en todas las entregas de Los Vengadores (hasta 2025), más la trilogía de Iron Man e incluso su actuación en la primera aventura del Spider-Man de Tom Holland.

No obstante, hay una película fuera de la enorme franquicia que también ha contribuido considerablemente a su récord de taquilla personal. Oppenheimer, sensación de 2023, no sólo fue uno de los éxitos taquilleros de su año, sino también le mereció su primer Oscar.

5. Chris Pratt

Para este punto, seguramente intuirás que la mayoría de los actores más taquilleros de la historia han pasado, al menos, por alguna película del UCM, y Chris Pratt sigue demostrando la regla. Todos lo conocemos por la trilogía de Guardianes de la galaxia (donde comparte créditos con Zoe Saldaña), lo que también lo conduce a ser parte de Avengers: Infinity War y Endgame.

Aunque sus personajes no cruzan caminos, pues pertenecen a etapas diferentes de la franquicia, Pratt tiene en común con Johansson su participación en Jurassic World, con una trilogía completa como protagonista. Otras franquicias en las que presume participación son Super Mario Bros. La película y La gran aventura LEGO, ambas como la voz del protagonista.

6. Tom Cruise

Finalmente, un nombre en la lista que no ha puesto ni pie en el UCM—al menos no aún—. Como una de las máximas estrellas del cine de acción de nuestro tiempo, y estrella de una de sus franquicias más taquilleras y prolíficas, no es sorprendente que Tom Cruise sea uno de los actores más taquilleros de la historia. Y sí, la mayor parte de su recaudación viene de las 8 entregas de Misión: Imposible, siendo la sexta, Repercusión, la más exitosa de todas.

Sin embargo, no es ésta, sino Top Gun: Maverick, la que ostenta la distinción de ser su título más exitoso en taquilla. Fuera de sus actuaciones como Ethan Hunt y Pete Mitchell “Maverick”, la otra película que suma a sus considerables números es una dirigida por Steven Spielberg: La guerra de los mundos, de 2005.

7. Chris Hemsworth

Y agárrense que regresamos al UCM. Dato curioso: aunque está muy abajo en su lista personal, Chris Hemsworth también puede contar el reboot de Star Trek como una de sus películas de mayor recaudación, en el puesto 11, compartiendo eso y sus incursiones marvelitas con Zoe Saldaña.

Y sí, la inmensa mayoría de sus créditos comercialmente más exitosos han sido como Thor, sea como parte de Los Vengadores, en sus películas en solitario o hasta en cameos (y sí, se está contabilizando su brevísima aparición en Deadpool & Wolverine). Dado que Thor es el único que regresará en Avengers: Doomsday de la alineación original de Los Vengadores, auguramos un crecimiento considerable en las cifras del señor Hemsworth.

8. Vin Diesel

Aunque nunca le vemos el rostro, sí, Vin Diesel también ha pasado por el UCM, y si bien su trabajo no debe haber sido muy extenuante (sólo dice “Yo soy Groot” en todas sus participaciones), es en buena parte gracias a estas películas que puede ostentar un sitio entre los actores más taquilleros de la historia.

Sin embargo, y como seguro adivinarás, se lo debe más a la otra gran franquicia que protagoniza como el icónico Dom Toretto: Rápidos y furiosos. En particular son la séptima y la octava las dos que más contribuyen a su récord de taquilla personal.

9. Chris Evans

El líder de Los Vengadores cae mucho en la lista, y sí, habría que hablar del récord de taquilla de Chris Evans casi exclusivamente en términos de su personaje en el UCM. Con sus participaciones en las cinco películas de Avengers, más su trilogía en solitario como el Capitán América y cameos en otras películas de la franquicia, el Top 10 de Evans es dominado casi en su totalidad por Steve Rogers.

Y decimos CASI porque la décima película en su top es diferente… aunque sigue siendo un personaje de Marvel. Se trata de su versión de Johnny Storm en la primera adaptación cinematográfica (estrenada, al menos) de Los cuatro fantásticos.

10. Dwayne Johnson

El último actor en la lista de los más taquilleros de la historia tampoco ha dado la cara en el UCM—aún, por lo menos—. Y aunque casi todas sus películas más exitosas pertenecen a alguna franquicia (incluyendo la de Rápidos y furiosos, donde suma más también por la séptima y la octava), por lo menos trae algo de diversidad al repertorio.

Puede que sea algo mañoso, pero su cameo de voz en la reciente Zootopia 2 la convierte en su película más exitosa hasta el momento. Después de eso y de sus actuaciones como Luke Hobbs, encontramos su trabajo de voz como Maui en Moana y su secuela, así como su protagónico en el reboot de Jumanji y su continuación.

Luego de los Globos de Oro, la carrera de la temporada de premios se intensifica con las nominaciones de 2026 al premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS, por su sigla en inglés), que reconoce a lo mejor del año anterior en el cine. Y además de la nueva categoría de Mejor casting, hubo varias sorpresas en las candidaturas, que fueron nominadas por Pecadores (Sinners) que, por cierto, ha roto el récord de más nominaciones al Oscar.

Para que no te pierdas de nada antes de la premiación el 15 de marzo de 2026, a continuación te explicamos cuáles son las películas nominadas al Oscar 2026, en qué categorías compite cada una, y cómo ver aquellas que sí están disponibles ahora (o lo estarán próximamente) en cines y en streaming.

Pecadores (2021)

Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Ryan Coogler), Mejor actor (Michael B. Jordan), Mejor actor de reparto (Delroy Lindo), Mejor actriz de reparto (Wunmi Mosaku), Mejor guión original, Mejor fotografía, Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor edición, Mejor diseño producción, Mejor canción original, Mejor diseño de vestuario, Mejor casting, Mejor banda sonora original, Mejor maquillaje

El hecho de que Pecadores sea la líder absoluta de las nominaciones al Oscar 2026 (con 16) es un hecho digno de mención por varios motivos, no sólo por haber roto el récord. Habiéndose estrenado en abril de 2024, es una producción totalmente original, que ha perdurado en la conversación hasta estas alturas y acumulado el máximo de nominaciones al Premio de la Academia pese a ser una película de terror, un género usualmente ninguneado por sus votantes (con raras excepciones, como El silencio de los inocentes).

Es precisamente por ello que dudamos verla entre las grandes ganadoras de la noche, pero podemos soñar. Por lo mientras, también puede presumir varios otros hitos, como que la diseñadora de vestuario Ruth E. Carter ya es la mujer negra más nominada al premio, y Autumn Durald Arkapaw es la primera mujer de color en ser candidata al Oscar por mejor fotografía.

Una batalla tras otra (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Paul Thomas Anderson), Mejor actor (Leonardo DiCaprio), Mejor actor de reparto (Sean Penn y Benicio del Toro), Mejor actriz de reparto (Teyana Taylor), Mejor guión adaptado, Mejor fotografía, Mejor sonido, Mejor edición, Mejor diseño de producción, Mejor casting, Mejor banda sonora original

La gran rival de Pecadores—y la más probable ganadora de los principales premios—será Una batalla tras otra (One Battle After Another), comedia de Paul Thomas Anderson (PTA) sobre revolucionarios antifascistas que varios años después deben enfrentarse a un viejo enemigo.

Dada la larga trayectoria de PTA sin ganar la estatuilla, anticipamos que finalmente se la llevará en 2026 por Mejor dirección. La película también ostenta una nominación doble a Mejor actor de reparto, con ambos Benicio del Toro y Sean Penn en la carrera.

Valor sentimental (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Joachim Trier), Mejor película internacional (Noruega), Mejor guión original, Mejor actriz (Renate Reinsve), Mejor actriz de reparto (Inga Ibsdotter Lilleaas y Elle Fanning), Mejor actor de reparto (Stellan Skarsgård), Mejor edición

La apuesta de Noruega ha rendido bastantes más frutos que sólo una nominación al Oscar 2026 a Mejor película internacional, pues Valor sentimental compite en casi todas las categorías principales de la premiación y suma nueve oportunidades. También aspira a Mejor película (una de dos producciones extranjeras en la categoría), Mejor dirección (Joachim Trier) y Mejor guión original.

Su brillante cuarteto de actores también aspira al premio, lo que convierte a Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas en nominados al Oscar por primera vez en sus respectivas carreras. Dado el fenomenal desempeño de la película en el circuito de premiaciones europeo, le vemos posibilidades de alzarse con por lo menos uno de estos premios.

Marty Supremo (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Josh Safdie), Mejor actor (Timothée Chalamet), Mejor fotografía, Mejor edición, Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario, Mejor casting, Mejor guión original

Otra de las empatadas en el tercer lugar de la competencia, Marty Supremo ve a Timothée Chalamet de regreso en los Oscar, un evento del que ya es, como dicen, “cliente frecuente”.

Además, la producción aspira a Mejor película y Mejor dirección (de Josh Safdie). En cierto modo, esto corona al director como el que mejor desempeño ha tenido desde que dejó de colaborar con su hermano Benny, cuya película no obtuvo el mismo nivel de reconocimiento en la temporada de premios.

Frankenstein (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor fotografía, Mejor actor de reparto (Jacob Elordi), Mejor guión adaptado, Mejor banda sonora original, Mejor sonido, Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje

El Frankenstein de Guillermo del Toro—una de las apuestas fuertes de Netflix para esta temporada—también logró colarse a la competencia por Mejor película, incluso si sus posibilidades de ganar son pocas (aunque es notable que sea una de dos producciones de terror en la categoría). Un desempeño comparativamente decepcionante al que tuvo, en su momento, La forma del agua.

Además, con sus aspiraciones en Mejor actor de reparto, Jacob Elordi obtiene su primera nominación al Oscar. Previsiblemente, sin embargo, la película compite mayoritariamente en categorías técnicas, y no nos sorprendería verla ganar por vestuario o maquillaje.

Hamnet (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor dirección (Chloé Zhao), Mejor actriz (Jessie Buckley), Mejor guión adaptado, Mejor diseño de producción, Mejor casting, Mejor banda sonora original

Luego de alzarse con la gloria del Oscar gracias a Nomadland, no fue sorpresa para nadie ver a Chloé Zhao de regreso entre las nominadas al Oscar 2026 con Hamnet.

Aunque la tendrá difícil para alzarse en las categorías de Mejor película y Mejor dirección, es la clara líder para llevarse el premio a Mejor actriz, pues Jessie Buckley presenta la trayectoria más sólida a lo largo de las otras premiaciones.

Bugonia (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor actriz (Emma Stone), Mejor guión adaptado, Mejor banda sonora original

Con películas como La favorita y Pobres criaturas, ambas con excelentes recorridos por las premiaciones de sus respectivos años, tampoco es una sorpresa que Emma Stone esté en la carrera por una película de Yorgos Lanthimos, incluso si Bugonia no le ha representado una nominación al propio director.

Sin embargo, la lucha está más difícil para Stone este año: la actriz ya tiene dos premios de la Academia, y no dudamos que los votantes se inclinen más por Jessie Buckley, quien ya tiene un paso más distinguido en esta temporada.

F1: La película (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejores efectos visuales, Mejor sonido, Mejor edición

La gran sorpresa entre las nominadas al Oscar 2026 en Mejor película fue F1, de Joseph Kosinski, película que no ha sonado tanto desde su estreno ni repercutido tanto en la taquilla como sí lo hizo Top Gun: Maverick en su momento.

Sin embargo, logró colarse en la principal categoría de la premiación y ostenta otras tres candidaturas en apartados técnicos: sonido, edición y efectos visuales.

El agente secreto (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor película internacional (Brasil), Mejor actor (Wagner Moura), Mejor casting

Al año de haber hecho historia con Aún estoy aquí (que ganó no uno, sino dos premios de la Academia), Brasil lo vuelve a hacer con una cuádruple nominación para El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho. Una cantidad de nominaciones insólita para una producción brasileña, que tiene posibilidades a Mejor película internacional y también aspira a Mejor película.

Además, la película marcó otro hito, pues Wagner Moura se ha convertido en el primer brasileño nominado a Mejor actor.

Sueños de trenes (2025)

Nominada a: Mejor película, Mejor fotografía, Mejor canción original, Mejor guión adaptado

Otra de las apuestas de Netflix para la temporada ha cosechado menos frutos de lo esperado. Sueños de trenes aspira, por lo menos, al premio principal, además del Oscar a Mejor canción original por el tema homónimo.

Sin embargo, muchos esperaban ver aquí a Joel Edgerton por su sentido protagónico como un hombre a lo largo de dolorosas décadas. Sin embargo, quedó totalmente fuera de consideración, aunque ya se veía venir dada su ausencia en las nominaciones a los premios del Sindicato de actores.

Luna azul (2025)

Nominada a: Mejor actor (Ethan Hawke), Mejor guión original

Quien sí estuvo nominado por el Sindicato de Actores y aparece entre los nominados al Oscar 2026, es Ethan Hawke, lo que le dio una de sus dos candidaturas a Luna azul, la que más dividendos rindió a Richard Linklater de las dos películas que estrenó en el año (la otra fue Nueva Ola Francesa).

¿Ganará? Probablemente no, pero si algo puede aprender el director es que le va muy, muy bien cuando colabora con Ethan Hawke.

Si pudiera, te patearía (2025)

Nominada a: Mejor actriz (Rose Byrne)

Una película que nos dio mucho gusto ver aquí es Si pudiera, te patearía, comedia ácida con elementos de terror en la que Rose Byrne interpreta a una madre sofocada por el aplastante peso de una maternidad solitaria y con una hija enferma, como una perversa Cabeza borradora pero a la inversa.

Byrne ya ganó el premio a Mejor actriz del Festival de Berlín por esta película. No tiene posibilidad contra Jessie Buckley, pero tampoco necesita del Oscar para coronar una carrera que tiene de todo.

Song Sung Blue: Sueño inquebrantable (2025)

Nominada a: Mejor actriz (Kate Hudson)

Otra de las sorpresas entre las películas nominadas al Oscar 2026 fue Song Sung Blue: Sueño inquebrantable, que tiene una sola nominación gracias a Kate Hudson en la categoría de Mejor actriz principal.

¿Tiene posibilidades? Pocas, pero no la daríamos por descontado. La película es una biopic musical y, así como Jamie Lee Curtis hace unos años, Kate Hudson proviene de una dinastía artística, hija del cantante Bill Hudson y de la actriz Goldie Hawn. En conjunto, es una fórmula que a la Academia le encanta premiar.

La hora de la desaparición (2025)

Nominada a: Mejor actriz de reparto (Amy Madigan)

La villana de La hora de la desaparición (Weapons), la Tía Gladys, fue una de las sensaciones cinematográficas del año.

E incluso si la película daba para más reconocimiento (aunque nos damos por bien servidos con dos títulos de terror compitiendo en Mejor película), nos da gusto que, por lo menos, su éxito en taquilla haya hecho que la Academia volteara a ver a Amy Madigan, quien le da a la producción su única nominación como Mejor actriz de reparto.

Sirāt: Trance en el desierto (2025)

Nominada a: Mejor película internacional (España), Mejor sonido

Con un premio en Cannes bajo el brazo, Sirāt: Trance en el desierto se anota en la carrera por el Oscar a Mejor película internacional, en representación de España.

A decir verdad, esa es una carrera de dos caballos entre Brasil y Noruega. Sin embargo, con la nominación, la producción dirigida por Oliver Laxe se une al canon de películas en español nominadas a los grandes premios del cine.

Fue sólo un accidente (2025)

Nominada a: Mejor película internacional (Francia)

A decir verdad, esperábamos que la candidata de Francia (coproducida con Irán) estuviera nominada en más categorías, por lo menos Mejor dirección (para el legendario Jafar Panahi) y, quizá, Mejor película. Sobre todo considerando que fue la ganadora de la Palma de Oro 2025.

Sin embargo, Fue sólo un accidente se conforma con la candidatura a Mejor película internacional, que tiene pocas posibilidades de ganar. Quizá los recientes acontecimientos en la escena de la política mundial cambien algunas opiniones, pero no contamos con ello.

La voz de Hind Rajab (2025)

Nominada a: Mejor película internacional (Túnez)

La ocupación en Palestina estuvo bajo los reflectores del Oscar el año pasado con la victoria de No Other Land como Mejor documental. La conversación parece estar siendo olvidada, pero aún persiste gracias a la candidata tunecina por el Oscar a Mejor película internacional.

La voz de Hind Rajab, sobre el asesinato de la niña palestina homónima y su familia a manos de invasores israelíes, tiene una complicada carrera por la estatuilla, pero tampoco la damos por descontada en la carrera.

Las guerreras K-Pop (2025)

Nominada a: Mejor película animada, Mejor canción original

A estas alturas, con récords en Netflix y plataformas de música, más un furor que parece no parar, la victoria de Las guerreras K-Pop como la Mejor película animada del año parece una inevitabilidad.

Lo anterior, sobre todo, considerando que es la única de las candidatas de animación que compite en Mejor canción original, por el tema “Golden” de las ficticias cantantes HUNTR/X.

Elio (2025)

Nominada a: Mejor película animada

Parece que será otro año de capa caída para Pixar. En 2025, ni con toda la taquilla del mundo, Intensa-Mente 2 logró aplacar a la sensacional e independiente Flow.

Auguramos menor suerte para Elio, que pasó sin pena ni gloria por la taquilla internacional y deberá alzarse contra el fenómeno pop del año, Las guerreras K-Pop.

Arco (2025)

Nominada a: Mejor película animada

La colorida aventura de ciencia ficción, Arco, tiene algo de posibilidad de hacer ruido por el Oscar 2026. Después de todo, ganó en el Festival Annecy (dedicado a la animación) y es una de las contendientes más serias a los Annie, el principal premio para las películas animadas.

Pero, una vez más, tiene una rival difícil en Las guerreras K-Pop y su aplastante popularidad.

Zootopia 2 (2025)

Nominada a: Mejor película animada

La película que podría plantarle mejor cara a las HUNTR/X es esta secuela de Disney, que ya tiene el antecedente de haber obtenido el Oscar con la primera entrega.

Además, Zootopia 2 ha tenido un fenomenal paso por la taquilla global, lo que sugiere que los votantes de la Academia podrían fijarse en ella para apostar por una candidata estrenada en cines y no directamente en streaming, un punto que aún despierta mucha disidencia en Hollywood.

Amélie y los secretos de la lluvia (2025)

Nominada a: Mejor película animada

El quinteto de nominadas al Oscar 2026 a Mejor película animada es completado por Amélie y los secretos de la lluvia, apuesta de Francia que también fue premiada en Annecy, aspira a los Annie y ganó premios en festivales como San Sebastián.

Sin embargo, tiene una competencia difícil. Auguramos que tendrá que conformarse con la nominación.

La hermanastra fea (2025)

Nominada a: Mejor maquillaje

Una grata sorpresa (al menos para quien escribe, que la considera una de las mejores películas del año) fue ver a La hermanastra fea en la carrera, incluso si es sólo en uno de los rubros técnicos.

Esta fabulosa propuesta que mezcla cuentos de hadas con body horror es contendiente al Oscar 2026 por Mejor maquillaje.

Avatar: Fuego y cenizas (2025)

Nominada a: Mejores efectos visuales, Mejor diseño de vestuario

A la luz de lo que lograron Avatar y Avatar: El camino del agua en sus respectivos años, las nominaciones de la tercera entrega, Fuego y cenizas, parecen decepcionantes. Es la única de las tres que no compite por Mejor película.

Merecidamente, podría ser la candidata más fuerte a Mejores efectos visuales. Lo curioso es que también esté compitiendo por Mejor diseño de vestuario.

Jurassic World: Renace (2025)

Nominada a: Mejores efectos visuales

Con resultados sólidos en taquilla pero opiniones mixtas, la saga de Jurassic World regresó al cine en 2025. Si algo puede presumir es ser una punta de lanza en lo que se refiere a efectos visuales, categoría en la que Jurassic World: Renace aspira al Oscar, merecidamente.

A través del fuego (2025)

Nominada a: Mejores efectos visuales

Cosa rara ver a una película de Apple TV+ compitiendo en una sola categoría y, además, en un apartado técnico. Siendo, además, una producción que tampoco hizo tantas olas en su año de estreno.

Sin embargo, la rama de efectos visuales decidió nominar a A través del fuego (The Lost Bus) al Oscar en la categoría. De lo poco que puede presumir la manzana este año, cuando en el pasado se coronó con CODA.

La máquina: The Smashing Machine (2025)

Nominada a: Mejor maquillaje

Hasta acá venimos a encontrar la película en solitario de Benny Safdie, que apuntaba a más con su fórmula: una biopic con una actuación físicamente transformativa y psicológicamente intensa (de Dwayne Johnson) y otra figura de renombre encabezando el elenco: Emily Blunt.

La máquina: The Smashing Machine se conforma con una sola nominación: Mejor maquillaje.

Las nominadas a Mejor largometraje documental

Las películas nominadas al Oscar 2026 en la categoría de 2026 son, como suele suceder, estrenos relegados exclusivamente al streaming, por lo que pueden haber pasado fuera de tu radar. Además, no todas están disponibles aún, lamentablemente.

Las cinco nominadas son Alabama: Presos del sistema, Abrázame en la luz, La vecina perfecta, Cutting Through Rocks y Mr. Nobody Against Putin. Sin embargo, sólo las tres primeras están disponibles para ver en alguna plataforma.

Los nominados a Mejor cortometraje documental

Otra categoría que suele pasar de noche, relegada a las plataformas de streaming, es la de Mejor cortometraje documental. Y en efecto, la mayoría fueron a dar a Netflix o HBO Max.

La categoría es conformada por Armado con una cámara: La vida y muerte de Brent Renaud, Todas las habitaciones vacías, El diablo no descansa, Children No More: "Were and Are Gone" y Perfectly a Strangeness. Sólo las primeras tres están actualmente disponibles en plataformas.

La mayoría de los superhéroes de Marvel Comics ya eran relativamente conocidos antes de dar el salto a la pantalla grande con el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Pero de repente también los hay más desconocidos, como Shang-Chi, los Guardianes de la Galaxia o Ant-Man. Pronto, ese canon de excéntricos personajes adaptados a la pantalla crecerá con Wonder Man.

“¿Wonder quién?”, pensarás, y entenderíamos tu desconcierto. Pero tranquilo. Para que no llegues en blanco (y confundido) a la nueva serie de Marvel, a continuación te explicamos todo lo que debes saber sobre Wonder Man, sus poderes, enemigos y cómo encaja en el esquema del UCM.

¿Quién es Wonder Man y cuál es su origen?

Fuera de las páginas de Marvel Comics, Simon Williams/ Wonder Man es un personaje concebido por Stan Lee, Don Heck y Jack Kirby. Originalmente, fue un rival para Los Vengadores, introducido en The Avengers #9 de 1964. Al final de dicha edición, Simon fue derrotado y aparentemente asesinado por los “héroes más poderosos de la Tierra”.

Durante varios años, Wonder Man fue apenas mencionado en las páginas de la editorial, en parte (según Stan Lee) debido a que la rival DC Comics los demandó por la similitud con el nombre de Mujer Maravilla (Wonder Woman).

Sin embargo, el personaje fue reintroducido en 1975 y, tras un último encuentro con Los Vengadores en 1976, fue convertido en héroe y en parte del equipo. A lo largo de su recorrido en las publicaciones de Marvel, Wonder Man ha sido miembro consistente de Los Vengadores y equipos derivados, como los Vengadores de la Costa Oeste y los Poderosos Vengadores.

Bueno, está bien, ¿pero cuáles son los poderes de Wonder Man?

En la ficción, Simon Williams es un hombre con bastantes recursos y talentos. Específicamente en los cómics, es un adinerado industrialista y talentoso actor, aunque su vida cambia cuando un encuentro crucial lo convierte en un humano mutado con habilidades especiales.

En los cómics, Wonder Man obtiene sus poderes luego de un encuentro con el Barón Zemo, quien lo bombardea con “energía iónica”. Esto convierte a Simon en un ser cuyo cuerpo es, en esencia, “energía viva”, que lo dota de increíbles habilidades como invulnerabilidad, la capacidad de volar, fuerza y velocidad sobrehumanas, además de otros poderes como cambiar de tamaño, manipular energía y regenerarse. En conjunto, sus habilidades lo convierten en uno de los héroes más poderosos en la alineación de Los Vengadores.

¿Qué tan fuerte? Su fuerza ha sido comparada con la de Thor, e incluso ha podido resistir en combates cuerpo a cuerpo contra Hulk. Ha llegado a derrotar a seres como Abominación y Hulk Rojo, y su poderío ha sido comparado con el de Sentry (quien, recordarás, limpió el piso con los Thunderbolts y casi destruye Nueva York en las películas). Incluso la propia Muerte tiene problemas para derrotarlo.

¿Quiénes son sus enemigos?

Originalmente, Wonder Man era un supervillano que tenía por rivales a Los Vengadores. Sin embargo, luego de ser reintroducido como héroe, cambió de bando y se unió al equipo, lo que lo ha convertido en enemigo de una vasta galería de personajes de Marvel.

Uno de sus enemigos más emblemáticos ha sido el Barón Zemo, responsable por las mutaciones y poderes de Simon Williams. Sin embargo, Wonder Man ha tenido enemigos tan formidables como Abominación (un villano más común para Hulk), así como el mismísimo Mephisto, el ser cósmico Korvac, Kang el conquistador, Vision e incluso el Doctor Doom, el principal villano de la inminente Avengers: Doomsday.

Sin embargo, uno de sus rivales más recurrentes es su hermano Eric Williams, alias Segador (The Grim Reaper), quien en la serie será interpretado por Demetrius Grosse.

Espera, ¿hemos visto a Wonder Man antes?

Sí, aunque Wonder Man será su primera serie como protagonista (y su debut en el UCM), el personaje ya ha hecho otras apariciones televisivas.

Anteriormente, Wonder Man apareció en series animadas como Los Vengadores (The Avengers: United They Stand) de 1999, donde es un héroe y parte del equipo. Después lo vimos Los Vengadores: Los héroes mas poderosos del planeta (The Avengers: Earth’s Mightiest Heroes) de 2010, donde es introducido como villano, más fiel a su camino en los cómics.

Más recientemente, Wonder Man participó en la brillante serie animada para adultos, M.O.D.O.K., donde fue interpretado por Nathan Fillion y lo conocemos más en su faceta de actor.

¿Qué debo saber sobre la serie?

A pesar de todo este trasfondo, la serie Wonder Man de Marvel Television tomará un camino un tanto distinto para el personaje, aunque sin abandonar sus raíces y poderes.

Protagonizada por Yahya Abdul-Mateen II (Candyman), la serie sigue a Simon Williams como un aspirante a actor que debe ocultar sus poderes, pues están siendo prohibidos y son mal vistos en el Hollywood ficticio del UCM. Su camino se cruzará con el veterano Trevor Slattery (Ben Kingsley, introducido como el villano falso en Iron Man 3 y reintroducido en Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos), quien también audiciona para un remake de una película basada en una versión previa de Wonder Man.

Demetrius Grosse también participará como Eric Williams/ The Grim Reaper, a la vez hermano de Simon y uno de los villanos más conocidos del superhéroe.

¿Cómo encaja Wonder Man en el UCM y qué películas o series debo ver antes?

Seguirle la pista al UCM puede ser una tarea demandante hoy en día, con decenas de películas y series ya estrenadas e interconectadas entre sí. Sin embargo, si te interesa Wonder Man, puedes estar tranquilo: la serie será lanzada bajo el sello de “Marvel Spotlight”, diseñado para producciones que, si bien se sitúan dentro de la misma franquicia, no dependen tanto de—ni inciden mucho en—la gran continuidad de la saga.

Por un lado, esto quiere decir que no tienes tarea para poder ver esta serie, sólo tienes que prender la tele, dar play y disfrutar. Por otro lado, también quiere decir que difícilmente veremos ramificaciones de esta serie en la gran narrativa multiversal de la franquicia. Paradójico que, considerando la enorme presencia de Wonder Man en los cómics de Los Vengadores, tenga poco o nada que ver con los acontecimientos en camino a Avengers: Doomsday.

Dicho lo anterior, la serie contará con el regreso de Ben Kingsley como Trevor Slattery, por lo que te recomendamos ver ambas Iron Man 3 y Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos para entender la procedencia de este personaje.

La saga de El señor de los anillos es uno de los grandes hitos de la fantasía en el cine, y dado que la primera parte, La comunidad del anillo, se estrenó en 2001, la trilogía está cumpliendo 25 años en 2026.

Un cuarto de siglo de haber marcado un antes y un después en la historia del cine y, en varios casos, de haber convertido a sus protagonistas no sólo en estrellas de un auténtico clásico, sino también en celebridades. ¿Pero qué ha sido de ellos? Te contamos dónde está el elenco de El señor de los anillos, 25 años después.

Elijah Wood (Frodo)

Antes de protagonizar la trilogía como Frodo Bolsón, Elijah Wood ya tenía una carrera como actor infantil de cine, incluso actuando junto a Macaulay Culkin en El ángel malvado (The Good Son). En los años posteriores a El señor de los anillos, encontró éxito en películas más pequeñas como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos o incluso la serie Yellowjackets.

Notablemente, Wood ha diversificado su trabajo en el cine como productor, como cofundador de la productora SpectreVision (originalmente llamada Woodshed), que promueve películas de género. Una de ellas es el misterio Ted Bundy: En la mente del asesino (No Man of God), donde él mismo interpreta a un agente del FBI que se entrevista con el notable asesino serial (interpretado por Luke Kirby). Wood, junto con Ian McKellen y Andy Serkis, participarán en el spin-off sobre Gollum.

Viggo Mortensen (Aragorn)

El otro gran protagonista de la trilogía de El señor de los anillos es quien ha tenido, quizá, la carrera más fascinante 25 años después de La comunidad del anillo, sin duda ayudado por sus raíces multiculturales y colaboraciones cercanas con autores cinematográficos.

Su colaboración más prolífica ha sido con el canadiense David Cronenberg, con quien más recientemente hizo Crimes of the Future. Sin embargo, uno de los talentos más notables del actor es su facilidad para los idiomas y, dado que vivió varios años en Argentina, habla perfecto español rioplatense y ha filmado dos películas con el director Lisandro Alonso. La más reciente es el western Eureka.

Ian McKellen (Gandalf)

El legendario histrión detrás del mago Gandalf es, por mucho, el rostro más recurrente en todas las adaptaciones cinematográficas de Tolkien por Peter Jackson, pues también fue una presencia constante durante la trilogía de El Hobbit (contrario a Frodo y Gollum, que tienen roles más reducidos en estas películas). Además, sobra decirlo, es uno de los actores más populares entre las sensibilidades geek, pues ha interpretado al villano Magneto en varias películas de la saga X-Men (e incluso volverá al papel en Avengers: Doomsday).

Fuera de estas franquicias, McKellen se ha mantenido bastante ocupado 25 años después de La comunidad del anillo, en toda clase de proyectos. Y decimos de toda clase. También participó en la infame adaptación cinematográfica de Cats, por ejemplo. Una de sus mejores películas en años recientes es El buen mentiroso, junto a Helen Mirren, un thriller de tintes cómicos sobre un estafador. Sin embargo, fiel a sus raíces, ha realizado la mayor parte de su trabajo posterior en el teatro.

Sean Astin (Sam)

Antes de El señor de los anillos, Sean Astin también tenía ya una carrera establecida como actor infantil y juvenil, pues debutó como el protagonista Mikey en Los Goonies y actuó en películas como Soldados de juguete.

Aunque ha sido prolífico en los 25 años desde La comunidad del anillo (apareciendo incluso en Como si fuera la primera vez, con Adam Sandler), su rol como Samsagaz Gamyi lo convirtió en un ícono del mundo geek, un factor determinante en ganarle el rol de Bob Newby en la segunda temporada de Stranger Things. Su papel más importante en años recientes no ha sido ante la cámara, sin embargo, pues en septiembre de 2025 comenzó su periodo como presidente del sindicato de actores (SAG-AFTRA), cargo que en su momento también ocupó su madre, Patty Duke.

Orlando Bloom (Legolas)

El actor que dio vida al elfo Legolas de El señor de los anillos fue uno de los grandes galanes a inicios de los 2000, y al cabo de la trilogía fue de los primeros en dar el salto a otra franquicia taquillera del cine, pues también fue Will Turner en Piratas del Caribe, de Disney. Años más tarde, volvería a encarnar al elfo para Peter Jackson en la trilogía de El Hobbit, una de las libertades creativas más cuestionadas respecto a los textos de Tolkien.

En los años desde entonces, además de una relación intermitente con la estrella pop Katy Perry, Bloom ha diversificado su carrera entre teatro y cine, con roles en películas de acción, drama e incluso comedia. Los más notables y recientes han sido en Gran Turismo: De jugador a corredor y en la genial comedia criminal Acto encubierto (Deep Cover), sobre actores de improvisación reclutados para una misión encubierta en el mundo criminal londinense.

John Rhys-Davies (Gimli)

Aunque hoy es más recordado como el impetuoso guerrero enano, Gimli, John Rhys-Davies es un veterano actor galés que ya tenía una larga carrera en cine y televisión (tanto ante la cámara como prestando su voz) antes de El señor de los anillos. Su papel más conocido hasta entonces era como el excavador y taxista egipcio Sallah en la saga de Indiana Jones.

Su carrera ha sido más prolífica como actor de voz, interpretando al Rey Salmuera en las películas de Aquaman. Una de sus apariciones más recientes ante la cámara ha sido, de nuevo, como Sallah en Indiana Jones y el dial del destino, la película final de la saga.

Billy Boyd (Pippin)

Billy Boyd, quien dio vida a Peregrin “Pippin” Tuk ha sido uno de los actores menos activos de la Comunidad del Anillo en los 25 años posteriores a la trilogía. Sin embargo, su bella interpretación vocal en El retorno del rey le dio un inesperado boleto de regreso a las adaptaciones cinematográficas de Tolkien. Boyd coescribió e interpretó el tema “The Last Goodbye” que suena en los créditos finales de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos.

En los años posteriores, la filmografía del actor ha consistido principalmente de papeles de voz y roles secundarios o menores, siendo el más reciente un personaje recurrente en la serie Washington Black. Curiosamente, debutó en teatro en una puesta en escena canadiense de Rosencrantz y Guildenstern han muerto, ni más ni menos que junto a Dominic Monaghan, quien en El señor de los anillos es su inseparable compañero de escena. Ambos interpretaron a orcos en la animación La guerra de los Rohirrim, situada en el mismo mundo.

Dominic Monaghan (Merry)

En las películas, Meriadoc “Merry” Brandigamo fue interpretado por Dominic Monaghan, quien fue otro de los actores con la fortuna de participar en otro fenómeno de la cultura pop pocos años después de la trilogía. Fue uno de los actores principales en la famosa y polémica serie Perdidos (Lost), tiempo en el que salió con su coestrella, Evangeline Lilly (quien eventualmente formaría parte de las adaptaciones de Tolkien al cine como Tauriel, en las películas de El Hobbit).

Similar a Boyd, la filmografía de Monaghan está poblada de papeles secundarios, menores o de voz (siendo otro de los orcos en La guerra de los Rohirrim). Sin embargo, ha tenido más suerte en años recientes, con uno de los protagónicos en la serie de ciencia ficción Moonhaven,  y un papel recurrente en The Librarians: El próximo capítulo.

Sean Bean (Boromir)

Quizá con la excepción de Ian McKellen y su icónica escena contra el Balrog, Sean Bean es el único miembro de la Comunidad del Anillo que alcanzó el máximo logro de la cultura pop con estas películas: convertirse en meme. Y no sólo por aquella escena en el Concilio de Elrond, sino por el poco glorioso acto de morir. Bean ya tenía amplia experiencia en ello antes de ser Boromir, pero en los años siguientes insistió con su sello fatalista en la otra gran saga de fantasía de nuestros tiempos: fue el protagonista Eddard “Ned” Stark en Game of Thrones, quien hizo perder la cabeza al mundo cuando, literalmente, perdió la suya en el final de la primera temporada.

En los 25 años posteriores a El señor de los anillos, Sean Bean ha sido consistente en la labor de morir, más recientemente en la infame adaptación hollywoodense de Los caballeros del Zodiaco. Como no vale la pena recordarlo por eso, señalemos que también comparte créditos con Orlando Bloom en Acto encubierto.

Cate Blanchett (Galadriel)

Quizá la que ha tenido la trayectoria más prolífica y aclamada en el cine en los 25 años posteriores a El señor de los anillos fue Cate Blanchett. Ya había ganado vasto reconocimiento por Elizabeth: La reina virgen, y su carrera no ha hecho más que crecer y acumular galardones. Ya tiene dos premios Oscar, por El aviador (como Mejor actriz de reparto) y Jazmín azul (Mejor actriz).

Y desde la trilogía de Peter Jackson, ha hecho de todo, desde repetir como Galadriel en las películas de El Hobbit, hasta aparecerse por el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) y trabajar con autores como el mexicano Alfonso Cuarón, Todd Field y Jim Jarmusch. Más recientemente, tuvo un delicioso y misterioso rol en Código negro (Black Bag), comedia de espías y romance de Steven Soderbergh.

Christopher Lee (Saruman)

Con una presencia formidable en pantalla que incluso conseguía eclipsar (necesariamente) a la de Ian McKellen, Christopher Lee encarnó al formidable mago blanco Saruman, quien traiciona a los pueblos libres de la Tierra Media para aliarse con Sauron.

Lamentablemente, Lee falleció en 2015, pero dejó un increíble legado que lo ha vuelto una leyenda de la cultura popular. Notablemente, fue el único miembro de la producción que conoció en persona al mismísimo Tolkien. Peleó en la Segunda Guerra Mundial, fue parte de la saga cinematográfica del 007, fue el Drácula de la Hammer, interpretó al Conde Dooku en Star Wars y grabó dos álbumes de heavy metal. La última película que lanzó en vida fue la conclusión de El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos, y una grabación de archivo suya fue utilizada en La guerra de los Rohirrim. Sin embargo, uno de los mejores roles en su carrera posterior fue breve, en La invención de Hugo Cabret de Martin Scorsese.

Hugo Weaving (Elrond)

Antes de dar vida al elfo Elrond, líder de Rivendell y testigo de la primera derrota de Sauron, Hugo Weaving ya tenía una carrera establecida y famosa, notablemente como el Agente Smith en Matrix. Al igual que Blanchett, tiene la distinción de haber sido elfo y participado en el UCM, además de otros hitos de la cultura pop como V de Venganza, pocos años después de El señor de los anillos.

Weaving ha seguido activo en todo tipo de producciones, repitiendo su rol en las películas de El Hobbit, pero también virando a proyectos más pequeños. Uno de los más recientes ha sido El Hotel Real, junto a Julia Garner y Jessica Henwick.

Ben Affleck y Matt Damon tienen, además de una extensa trayectoria conjunta en Hollywood, una larga amistad desde sus días de juventud en Boston. Comenzaron sus carreras juntos como extras (sin crédito) en El campo de los sueños, y desde entonces han crecido como una de las duplas creativas más célebres de la industria, delante y detrás de cámaras.

Claro que no todos los títulos resultantes han sido igual de buenos, pero su colaboración ha sido innegablemente fructífera engendrando más de una decena de títulos, siendo El botín (The Rip) el más reciente. Y aunque no siempre comparten la pantalla, muchas veces uno ha fungido como productor, director o guionista para que el otro pueda brillar. Estas son las películas de Ben Affleck y Matt Damon juntos, rankeadas de peor a mejor (no contaremos los títulos en los que ninguno aparece en pantalla, aunque colaboren detrás de cámaras).

12. Una noche perfecta (2002)

Ben Affleck en papel secundario, con Matt Damon en un cameo

Esta ni siquiera es una película propiamente protagonizada por Ben Affleck y Matt Damon, que respectivamente tienen un papel secundario y un cameo. Una noche perfecta (The Third Wheel) es una comedia romántica sobre un hombre (Luke Wilson) que finalmente se anima a invitar a una compañera de trabajo (Denise Richards), y lo que debía ser la cita ideal comienza con una serie de eventos desafortunados.

Affleck interpreta a un amigo del personaje de Wilson, mientras que Damon tiene un cameo sin crédito como el ex vengativo del personaje de Richards. Son papeles tan reducidos para el dúo que nos concierne, que solamente la recuerdan los más conocedores de su historia conjunta en Hollywood, pero que demuestra su tendencia para trabajar juntos cada vez que tienen la oportunidad.

11. Padre soltero (2004)

Ben Affleck protagoniza, con un cameo de Matt Damon

La comedia Padre soltero (Jersey Girl), escrita y dirigida por Kevin Smith, tiene a Ben Affleck como un exitoso publicista musical cuya vida da un vuelco con la súbita muerte de su esposa (la entonces prometida de Affleck, Jennifer Lopez), lo que lo deja como papá soltero y, eventualmente, desempleado y de regreso en su pueblo natal. La cosa comienza a mejorar cuando conoce a otra mujer (Liv Tyler), quien lo hace reevaluar su perspectiva y prioridades. Un poco en el plan de comedias dosmileras sobre padres ausentes en redención, tipo Click.

Es una de las películas de Ben Affleck y Matt Damon (con Smith, otro colaborador frecuente) menos conocidas dado que Damon tiene un papel pequeñísimo como un ejecutivo que entrevista al personaje de Affleck para un empleo. Fue uno de esos cameos un poco fortuitos, facilitados por la amistad de todos los implicados, pero es tan breve que la vuelve una de las menos relevantes de sus colaboraciones.

10. Días de gloria (1995)

El primer protagónico de Ben Affleck, con Matt Damon en un cameo

Aunque la carrera de Affleck comenzó, técnicamente, con su participación en la serie educativa The Voyage of the Mimi de 1984, su primer y verdadero protagónico llegaría 11 años después, en Días de gloria (Glory Daze). La comedia sigue a un joven hombre que, a punto de graduarse de la universidad y con su grupo de amigos separándose, busca la forma de extender su estilo de vida sin preocupaciones como universitarios.

Es una comedia un tanto similar a Rebeldes y confundidos (Dazed and Confused), en la que Affleck también tuvo un pequeño rol—y Matthew McCounaghey, estrella de esta última, tiene un cameo en Días de gloria—. Matt Damon tiene una breve aparición en esta película, sin diálogos, como un viejo compañero de cuarto del protagonista.

9. Private School (1992)

Matt Damon en un papel secundario, con Ben Affleck en un papel menor

Uno de los primeros roles acreditados para ambos actores vino con Private School (School Ties), aunque ninguno de ellos tenía el papel principal. La película trata sobre un estudiante judío (Brendan Fraser, de La ballena) que recibe una beca deportiva para una prestigiosa y elitista escuela, pero debe mantener en secreto su religión. Conforme su perfil crece, la verdad es expuesta y lo coloca en la mira de sus rivales. Como La sociedad de los poetas muertos, pero donde el entorno se vuelve intolerante con un alumno.

Damon interpreta uno de los roles secundarios más importantes, como uno de los personajes más intolerantes y despreciables—demostrando el infravalorado talento del actor para esa clase de papeles—. Affleck tiene un papel más reducido como el compañero de cuarto del personaje interpretado por Anthony Rapp.

8. Mi pareja equivocada (1997)

Ben Affleck protagoniza, con Matt Damon en un papel menor

Si bien 1997 fue el parteaguas para ambos como guionistas (y más para Damon frente a la cámara por Mente indomable), el éxito como actor para Affleck comenzaría con la comedia romántica Mi pareja equivocada (Chasing Amy), su segunda colaboración con el director y guionista Kevin Smith despues de Jóvenes modernos (Mallrats), otra iteración de su View Askewniverse.

La trama sigue a un hombre heterosexual (Affleck) que se enamora de una mujer lesbiana (Joey Lauren Adams), lo que trae problemas a su colaboración creativa con su amigo (Jason Lee), con quien ha lanzado un cómic, Bluntman and Chronic, basado en sus amigos Jay y silencioso Bob. Damon tiene un pequeñísimo papel en la película, según cuentan Affleck y Smith, porque los actores eran amigos.

7. Jay y el silencioso Bob (2001)

Matt Damon y Ben Affleck como ellos mismos, con Affleck en un papel triple

Los personajes titulares son una pieza central del View Askewniverse de Kevin Smith, habiendo aparecido en todas las películas de su continuidad, pero es Jay y el silencioso Bob (Jay and Silent Bob Strike Back) la que los pone bajo el reflector. Ocho años después de Clerks, detrás del mostrador, el par descubre que su amigo escritor de cómics los ha traicionado, y que ha vendido los derechos para una adaptación hollywoodense de Bluntman and Chronic, historieta basada en ellos.

Ben Affleck y Matt Damon tienen un pequeño rol juntos en esta sátira de Hollywood (con más que pequeños guiños a Star Wars), filmando la inexistente secuela Mente indomable 2. Sin embargo, es Affleck quien tiene varios papeles, repitiendo su personaje de Mi pareja equivocada, pero también interpretándose a sí mismo.

6. Jay y el silencioso Bob: Veinte años después (2019)

Ambos Matt Damon y Ben Affleck tienen cameos

Continuando la sátira de Hollywood, Jay y el silencioso Bob: Veinte años después (Jay and Silent Bob Reboot) vuelve a ver al par de personajes intentando evitar la producción de otra película, luego de ceder sin querer los derechos sobre sus nombres e historias. La película, además de comentar sobre la mentalidad de franquicia que domina Hollywood en esta época, incluye referencias a todo desde Supergirl a otras películas de Kevin Smith, como Hagamos una porno.

Respecto a Ben Affleck y Matt Damon, sus roles son cameos que aluden a la complejidad del View Askewniverse, donde los mismos actores suelen hacer los mismos papeles. Affleck regresa a su personaje de Mi pareja equivocada, pero Damon tiene uno más divertido: vuelve a ser el ángel Loki de Dogma, quien ha sido revivido por Dios y ha tenido tanto la identidad de Matt Damon como de Jason Bourne.

5. Air: La historia detrás del logo (2023)

Matt Damon protagoniza, Ben Affleck dirige y actúa en un rol secundario

A pesar de sus décadas de colaboración, Ben Affleck, quien también ha hecho una exitosa carrera como director con títulos como Argo, nunca había dirigido a su amigo en una película. La primera oportunidad vino con Air: La historia detrás del logo, drama corporativo en una línea similar a Steve Jobs, que narra la historia de cómo Nike se levantó de un bache y se renovó al fichar a Michael Jordan para su icónica línea de zapatos.

Damon interpreta a Sonny Vaccaro, el ejecutivo y buscador de talentos con el enorme desafío de revitalizar la marca para seducir a Jordan. Affleck se puso a sí mismo en el rol secundario de Phil Knight, el cofundador de la marca de zapatos deportivos.

4. El botín (2026)

Matt Damon y Ben Affleck protagonizan y producen

Bajo la dirección de Joe Carnahan (de la bien recibida Un día más para morir), esta película vuelve a reunir a Ben Affleck y Matt Damon frente a la cámara, como personajes que comienzan como aliados y son orillados a volverse adversarios por las circunstancias.

La trama de El botín (The Rip), thriller criminal inspirado en un caso real, sigue a un grupo de policías de Miami que descubren una casa de seguridad con cantidades inmensas de dinero sucio, y deciden beneficiarse. Sin embargo, cuando el caso es mirado con lupa, la desconfianza comienza a crecer en el equipo. Affleck y Damon son los actores centrales en un intenso elenco de complejas dinámicas, que incluye a Steven Yeun y la ganadora del Globo de Oro, Teyana Taylor.

3. Dogma (1999)

Affleck y Damon protagonizan juntos

Aunque Matt Damon y Ben Affleck tienen numerosas colaboraciones con Kevin Smith dentro y fuera de su “View Askewniverse” (cuyos personajes principales son Jay y Silent Bob), una de las más emblemáticas vino con Dogma, una sátira religiosa que sigue a dos ángeles caídos que buscan explotar un vacío en el dogma católico para regresar al Paraíso. Tal desafío, sin embargo, supondría una contradicción con la infalibilidad de Dios y acabaría con la existencia, por lo que una elegida (Linda Fiorentino) es enviada a detenerlos.

El par de actores y amigos tienen el protagónico como el dúo de caóticos ángeles, Bartleby y Loki, en uno de sus mejores despliegues de química en pantalla, con más cinismo del que presentan otras sátiras religiosas como La vida de Brian o Good Omens.

2. El último duelo (2021)

Ben Affleck y Matt Damon coprotagonizan y coescriben

A pesar de que Matt Damon y Ben Affleck fueron disparados al estrellato como protagonistas y guionistas (siendo esto último lo que les mereció el Oscar), no habían vuelto a colaborar como escritores sino hasta El último duelo (The Last Duel), drama de múltiples perspectivas al estilo Rashōmon situado en la Francia medieval, sobre el duelo entre dos caballeros rivales y antiguos amigos, cuando la esposa de uno (la brillante Jodie Comer) denuncia al otro de abuso.

Damon y Affleck también ocupan los roles protagónicos, el primero como un caballero noble pero patético, y el segundo como un pedante conde. Aunque no tuvo un buen desempeño en taquilla, es una de las películas más infravaloradas de todos los implicados, incluyendo al director Ridley Scott (Gladiador) y la coguionista Nicole Holofcener, nominada al Oscar por ¿Podrás perdonarme?.

1. Mente indomable (1997)

Coescrita por Ben Affleck y Matt Damon, con Damon en el rol principal y Affleck en uno secundario

En el canon cinematográfico de colaboraciones entre Matt Damon y Ben Affleck, Mente indomable (Good Will Hunting) tiene que ser la joya en la corona, a pesar de que el primero tiene un rol más sustancial en pantalla que el segundo. Además de ser una emotiva e inspiradora película—sobre un conserje cuyo genio matemático es descubierto por un profesor del MIT (Stellan Skarsgård), quien lo envía con un terapeuta (Robin Williams) para evitarle la cárcel—, es la culminación de su historia detrás de cámaras.

Ben Affleck interpreta al amigo de la infancia del protagonista, haciendo eco de su amistad real. Pero con el Oscar a Mejor guión, esta es la película que terminó de ponerlos en el mapa, luego de años de sostenerse mutuamente para triunfar juntos en Hollywood, al frente o detrás de la cámara. Con este suceso, lo lograron en ambos frentes.

Luego de dirigir su famosa “trilogía del Cornetto” (protagonizada por Simon Pegg y Nick Frost) y la adaptación cinematográfica de Scott Pilgrim, el inglés Edgar Wright pasó de ser relativamente desconocido a un director de culto, que hoy trabaja con estrellas en ascenso en películas de gran presupuesto, como Anya Taylor-Joy en El misterio de Soho y Glen Powell en El sobreviviente.

Sin embargo, y si somos sinceros, no todas sus películas han alcanzado las mismas alturas, ni todas son el mejor punto de entrada en su filmografía. Por ello, a continuación rankeamos todas las películas de Edgar Wright, de la peor a la mejor, para los interesados en conocer su filmografía.

9. A Fistful of Fingers (1995)

Todo cineasta debe comenzar en algún sitio y, en el caso de Edgar Wright, ese sitio es un spaghetti western paródico que casi nadie ha visto ni recuerda: A Fistful of Fingers (“Un puñado de dedos”, en traducción libre al español).

La trama sigue a un vaquero, Sin-nombre (Graham Low) que sigue la pista a un criminal buscado (Oli van der Vijver), en un maratón de humor físico y juegos de palabras. Es una película que aspira a ser para la “trilogía del dólar” de Sergio Leone (Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El bueno, el malo y el feo) lo que ¿Y dónde está el policía? es para las películas policiales, aunque hay obvias barreras presupuestarias para lograrlo. Ya se dejan ver las marcas de lo que sería el característico humor del director en futuras películas, pero entre menos digamos sobre esta, mejor.

8. El sobreviviente (2025)

Una de las raras adaptaciones de Stephen King que no son de terror, esta película está abajo en el ranking de Edgar Wright no por mala, sino por ser la menos interesante en toda la filmografía del director. Basada en la novela homónima, El sobreviviente (The Running Man) se sitúa en un futuro cercano y distópico en el que la sociedad está sumida en la hipervigilancia y el consumo constante de entretenimiento inhumano. Un hombre (Glen Powell) es arrastrado a competir en un letal reality show en el que debe huir y esconderse por todo el país para mantenerse con vida, a cambio del dinero para cambiar la vida de su familia.

Dentro de la filmografía de Wright, es una de las propuestas más serias y convencionales, y aunque está bien dirigida y actuada, peca de una falta de imaginación que su predecesora de 1987, protagonizada por Arnold Schwarzenegger, sí tiene a pesar de sus numerosas fallas e idiosincrasias. Es poco destacable en un mundo donde la distopía televisada ya ha dado lugar a franquicias como Los juegos del hambre, por ejemplo.

7. El misterio de Soho (2021)

La otra gran película de Edgar Wright posterior a su etapa cómica es una carta de amor al giallo italiano de los años 60, y se sitúa parcialmente en esos años. En El misterio de Soho (Last Night in Soho), una joven aspirante a diseñadora de modas (Thomasin McKenzie) viaja inexplicablemente al Soho de la década de 1960, donde parece vivir en la piel de una joven cantante (Anya Taylor-Joy), en un seductor mundo de aparente glamour. Sin embargo, las vidas de ambas jóvenes comienzan a enredarse en un entramado de deseo, obsesión y muerte.

Aunque con excelentes actuaciones (incluyendo la última de la legendaria Diana Rigg) y momentos brillantes en lo técnico, es uno de los esfuerzos menos logrados de Wright, cuya reverencia por el terror italiano de la época (mejor expresado por títulos como El pájaro de las plumas de cristal y Rojo profundo) lo lleva a replicar sus convenciones, en vez de dialogar con ellas, mucho menos renovarlas. Definitivamente está lejos de ser una mala película, pero igual de lejos de las mejores del director.

6. Una noche en el fin del mundo (2013)

La última película en la “trilogía del Cornetto” de Edgar Wright es la “menos mejor” no por algo inherentemente malo en ella, sino porque palidece a la sombra de las otras dos. Una noche en el fin del mundo (The World’s End), sin embargo, se benefició del caché que iban ganando tanto el director como su protagonista Simon Pegg, permitiendo construir una trama más ambiciosa y con un elenco bastante más nutrido, con nombres como Rosamund Pike y Martin Freeman.

La trama sigue a un grupo de amigos que se proponen hacer un recorrido por los pubs de su ciudad natal, al mismo tiempo que alienígenas se infiltran en la civilización humana. Es, en cierto modo, El desesperar de los muertos pero con aliens en vez de zombis, partiendo de esta reunión de amigos de mediana edad como en ¡Te atrapé! (Tag). Igual hay mucha diversión aquí, sólo se vuelve un poco vieja si has visto las otras dos películas de la trilogía antes.

5. Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños (2010)

Dado lo popular que son los cómics, el manga y los videojuegos hoy en día, es a la vez una lástima y una extrañeza que Scott Pilgrim haya fracasado en taquilla en su momento. O, quizá, al convertirse en una película de culto, contribuyó a finalmente legitimar esas expresiones como parte del mainstream. El caso es que esta adaptación de las novelas gráficas de Brian Lee O’Malley fue el punto de entrada para muchos no sólo a la filmografía de Edgar Wright, sino a lo alucinante y creativo que puede ser el cine pop.

Las novelas gráficas, con su ecléctica mezcla de referencias geek, ya sentaba una base bastante sólida a la que Wright dio vida en el audiovisual y un elenco inigualable encabezado por Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead y Jason Schwartzman, contando una historia de amor que hizo tanto eco con los millennials como (500) días con ella. Scott Pilgrim caminó para que títulos como Heartstopper y Todo en todas partes al mismo tiempo pudieran volar años más tarde.

4. Hot Fuzz: Súper policías (2007)

La segunda y más distintiva entrega de la “trilogía del Cornetto” de Edgar Wright es una divertida buddy comedy que homenajea y satiriza las películas del subgénero al mismo tiempo. Hot Fuzz sigue a un dedicado policía de Londres (Simon Pegg) quien, como castigo, es enviado a un pequeño rincón de las provincias inglesas, donde debe unir fuerzas con el hijo del jefe de policía local (Nick Frost) para desenredar un complot bajo la tranquilidad aparente del pueblo.

Películas policiacas hay infinidad, con claras influencias aquí tanto de Arma mortal como de Punto de quiebra (a la que Wright alude directamente). Como Dos policías rebeldes (Bad Boys), pero mejor y sin las indulgencias con la cámara.

3. Baby: El aprendiz del crimen (2017)

La primera película de Edgar Wright post-Scott Pilgrim y post-Cornetto fue un thriller de acción sobre un jovencísimo conductor de fugas (Ansel Elgort), “Baby”, que quiere dejar su vida criminal atrás, pero es inevitablemente arrastrado de vuelta cuando un atraco sale mal. Todo al son de uno de los mejores soundtracks en una película de su tipo, que además de dictar el ritmo de edición, es integrado a la narrativa como un elemento que el protagonista utiliza para aliviar su tinnitus.

Más contenida que una película de Rápidos y furiosos pero más frenética que la clásica Drive, Baby: El aprendiz del crimen (Baby Driver) es indudablemente una de las mejores películas del director, con un trabajo de casting, edición y supervisión musical que ayuda a olvidar las presencias incómodas en pantalla.

2. Los hermanos Sparks (2021)

De los dos esfuerzos del director estrenados en 2021, Los hermanos Sparks destaca no sólo por ser su único largometraje documental, sino porque es una manifestación de almas afines en diálogo: así como los músicos titulares, los Sparks, Wright habita la contradicción de ser un director popular y a la vez extraño, influyente y a la vez infravalorado.

Este documental brinda una odisea musical por esa rareza, con el propio Wright presentando testimonios junto a otros artistas y personalidades como Flea, Beck, “Weird” Al Yankovic, Giorgio Moroder e incluso un ingenioso cameo de ambos Simon Pegg y Nick Frost. Indispensable para fans de los documentales musicales en una vena similar a The Velvet Underground y, proporciones guardadas, Get Back.

1. El desesperar de los muertos (2004)

Quizá no estaríamos hablando de Edgar Wright (ni de Simon Pegg, Nick Frost ni del cine de zombis a estas alturas) si no fuera por El desesperar de los muertos (Shaun of the Dead), una de las comedias de terror más emblemáticas del siglo XXI, que inauguró lo que se llegaría a conocer como su “trilogía del Cornetto”.

Un mundo que se cae a pedazos y un protagonista que no es capaz de mantener su propia vida a flote, todo presentado con un sentido del humor singular: una combinación que hizo eco con la ya madura generación X mientras los millennials venían atrás, entrando a la adultez. Fórmula que, dicho sea de paso, se ha intentado replicar tanto en temática con películas como Tierra de zombies, como con el cast (Pegg y Frost también son divertidos en Paul, pero no es lo mismo). El asunto es que, si bien su filmografía es destacable, Wright no ha vuelto a alcanzar los vuelos de su segundo largometraje como director.

Aunque aún queda mucho camino por recorrer, las mujeres se han ido abriendo camino en la industria del cine en roles prominentes, sobre todo como directoras. Y un género en el que han entregado obras particularmente brillantes en años recientes, es el terror.

A propósito de La mano que mece la cuna, de la mexicana Michelle Garza Cervera, a continuación podrás encontrar una selección con más películas de terror dirigidas por mujeres, tanto de los últimos años como clásicos ya consagrados.

La mano que mece la cuna (2025)

Protagonizada por Mary Elizabeth Winstead y Maika Monroe, respectivamente como una madre de familia y su sospechosa niñera, La mano que mece la cuna es una historia que desmonta los mitos de la perfección doméstica, con dos mujeres enfrentadas entre el trauma, la enfermedad mental y el resentimiento.

Hay que decirlo, es menos interesante que la original de 1992, pero igual se trata de un thriller de terror psicológico interesante por sus temas y por sus actuaciones centrales, con Maika Monroe en particular, quien subvierte la imagen de final girl que ha forjado desde Está detrás de ti. No obstante, de la directora Michelle Garza Cervera, no es la propuesta más interesante, distinción que le pertenece a…

Huesera (2023)

El largometraje debut de la directora mexicana Michelle Garza Cervera, Huesera, es una punzante afrenta a los símbolos sagrados que conforman la concepción heteronormada—e idealizada—de la maternidad. La trama sigue a una mujer (Natalia Solián) que, al descubrir que espera un bebé con su pareja (Alfonso Dosal), comienza a experimentar apariciones de un ente maligno, lo que comienza a fragmentar su psique.

Con influencias que van desde la Cabeza borradora y Twin Peaks de David Lynch hasta El bebé de Rosemary de Roman Polanski, se trata de una película que por sí misma es perturbadora, pero que además se adentra en lo profundo de la psicología colectiva mexicana—y latinoamericana, en varios sentidos—respecto a expectativas patriarcales y la construcción de la familia.

Relic: Herencia maldita (2020)

Relic: Herencia maldita es el contundente largometraje debut de la directora australiana-estadounidense Natalie Erika James. La trama sigue a una madre (Emily Mortimer) y su hija (Bella Heathcote), quienes viajan a la remota casa familiar cuando la abuela (Robin Nevyn), una mujer mayor con demencia, desaparece. Al llegar, no logran encontrarla y descubren cosas extrañas en la casa, como un moho negro en el muro que comienza a expandirse.

Esta película presenta alegorías oscuras de temas cotidianos como, precisamente, los males heredados entre generaciones, algo establecido en el nexo abuela-madre-hija. Algo a medio camino entre El legado del diablo (Hereditary) y Demoníaca (The Dark and the Wicked).

La hermanastra fea (2025)

Otro poderoso largometraje debut de una mujer cineasta es La hermanastra fea, de Emilie Blichfeldt, que reinventa el relato clásico de La Cenicienta para proponer una brutal deconstrucción de los estándares de belleza patriarcales y la idealización del romance, vista desde la perspectiva de la hermanastra titular (la sensacional Lea Myren).

Es una de las adaptaciones de un cuento de hadas al terror más inteligentes en años (lejos de las propuestas oportunistas inspiradas en Winnie Pooh, por ejemplo). En realidad, es una de las críticas más brutales a los mencionados estándares de belleza, diríamos que incluso más que La sustancia.

Salvando almas (2020)

Otro largometraje debut (demostración de que las mujeres entran pisando fuerte al género de terror), esta vez de la británica Rose Glass. Salvando almas (Saint Maud) sigue a Maud (Morfydd Clark), una enfermera de cuidados paliativos y católica devota a cargo de una hedonista exbailarina atea (Jennifer Ehle), que padece cáncer terminal. Maud cree que Dios le ha encomendado la misión divina de salvar el alma de su paciente. Sin embargo, la cambiante relación que forjan ambas mujeres comienza a revelar las fracturas en el estado mental de la enfermera.

La película revela, poco a poco, la oscuridad en el pasado de su personaje, así como los peligros de una mala atención de la enfermedad mental, cuyas víctimas tienden a refugiarse en el fanatismo en busca de sentido. Una perversa historia a medio camino entre La iglesia de la salvación y El exorcista.

Psicópata americano (2000)

La película más notable en la filmografía de la directora Mary Harron ya es un clásico consagrado en el canon del cine de terror. Psicópata americano, ácida comedia basada en la novela de Bret Easton Ellis, satiriza la cultura yuppie y de la cultura del consumismo por medio de su desquiciado protagonista, Patrick Bateman (Christian Bale).

Es una de las deconstrucciones más punzantes del ideal consumista y performativo estadounidense, que rara vez ha sido igualada y mucho menos superada (aunque sí muy malinterpretada). Películas como Asesinos por naturaleza o incluso El lobo de Wall Street abordan temas similares, pero desde otros géneros.

Cría siniestra (2022)

Otra maravillosa película de horror corporal con fachada de cuento de hadas es Cría siniestra (Hatching), otro largometraje debut, en este caso de la directora finlandesa Hanna Bergholm. La película trata sobre Tinja (Siiri Solalinna), una niña de 12 años que es presionada para practicar gimnasia por su madre (Sophia Heikkilä), quien vive obsesionada con proyectar una imagen de perfección. Un día, luego de la cruel muerte de un cuervo en su casa, Tinja rescata el huevo del animal y decide cuidarlo. Éste crece a proporciones anormales y, eventualmente, de él nace una criatura humanoide con características de ave.

Es una película que aborda lo que significa crecer y convertirse en mujer bajo un tipo de maternidad demandante en grado tóxico. En temas, se encuentra en algún sitio entre Cordero y lo que sería Cuckoo eventualmente.

Titane (2021)

La sensacional ganadora de la Palma de Oro de Cannes en 2021, Titane es el segundo largometraje de la cineasta francesa Julia Ducournau, quien utiliza el body horror como punto de partida para transgredir los entrecruces entre género, sexualidad, maternidad y paternidad. La trama sigue a una asesina (Agathe Rouselle) que, luego de cometer otro asesinato y quedar embarazada por un auto (no es broma), debe huir y esconderse. Entonces asume la identidad del hijo desaparecido años atrás de un bombero veterano (Vincent Lindon), aunque la fachada comienza a romperse conforme avanza el embarazo.

Una película sensorialmente impactante y tan transgresora como la primera película de Ducournau, Voraz, que presentaba un relato de canibalismo como reafirmación de la identidad y la sexualidad. Ambas con claros tintes de horror corporal cronenbergiano.

Uno de los fenómenos más grandes del anime a nivel mundial es, indiscutiblemente, Demon Slayer, también conocido por su título original, Kimetsu no Yaiba (鬼滅の刃). Basada en el exitoso manga homónimo de Koyoharu Gotōge, la animación narra la lucha de Tanjirō Kamado, su hermana Nezuko y una organización de cazadores de demonios contra el demonio original, Muzan Kibutsuji, quien ha liberado hordas de sus congéneres para consumir a la humanidad.

Tal es su nivel de éxito mediático que la historia ha sido contada en forma de una adaptación animada para televisión, además de diversos especiales y películas. Para el espectador primerizo, puede ser confuso, pero no temas, pues es más sencillo de lo que crees. En esta guía descubrirás el orden correcto para ver todas las películas y series de Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba.

Demon Slayer, Temporada 1: Tanjirō Kamado, arco de resolución inquebrantable (2019)

Situada en la era Taishō de Japón, la historia comienza con una familia de carboneros, los Kamado, que son trágicamente atacados por demonios. Los únicos sobrevivientes son Tanjirō, el hermano mayor que estaba fuera de casa, y su hermana Nezuko, quien es convertida en un demonio. Cuando Nezuko logra controlar su impulso de devorar humanos, a Tanjirō se le permite mantenerla con vida y tomar el entrenamiento para convertirse en cazador de demonios, como una vía para buscar una forma de regresar a su hermana a la normalidad.

Con 26 episodios, la primera temporada de Kimetsu no Yaiba abarca el primer arco de la historia de Tanjirō en su lucha contra los demonios y es, por sí solo, el más extenso de todo el anime. Al igual que tantos animes clásicos como Dragon Ball o Naruto, así como propuestas más recientes como Attack on Titan, es donde se establecen todas las reglas de este universo. Por lo tanto, la trama puede avanzar con cierta paciencia y acción más esporádica, pero ningún episodio es desperdiciado y la animación mantiene un nivel impecable a través de toda la temporada.

Otra forma de ver este arco es por medio de los cinco primeros especiales para televisión, que en realidad compilan toda la primera temporada. Ambas formas son intercambiables, así que si miras una, puedes saltarte la otra.

Demon Slayer: El tren infinito (2020) o Demon Slayer, Temporada 2: Arco del Tren infinito (2021)

La primera película de Kimetsu no Yaiba, Demon Slayer: El tren infinito, adaptó el arco homónimo, en el que Tanjirō y compañía se unen a Kyōjurō Rengoku, uno de los Pilares—los guerreros más poderosos entre los cazadores de demonios—en una misión para investigar misteriosas desapariciones a bordo de un tren.

El tren infinito es una maravillosa animación cargada de acción que quizá no disfrutes tanto si no has visto el anime hasta este punto, aunque sus espectaculares imágenes ofrecen un espectáculo visual y dramático para cualquier espectador. A pesar de haberse estrenado en plena pandemia de COVID-19, se convirtió en un fenómeno tal que superó a El viaje de Chihiro y a Your Name como la película de anime más taquillera tanto en Japón como a nivel mundial.

La película fue estrenada en cines antes de ser adaptada en episodios para el segundo arco del anime televisivo en 2021, mismo que en plataformas como Crunchyroll y Netflix es catalogado como la segunda temporada. Esto puede ser confuso pues, técnicamente, la segunda temporada del anime abarcó el segundo y tercer arco. Para ver Demon Slayer en orden, tienes dos opciones: ver la película El tren infinito después de ver la primera temporada, o ver los siete episodios del segundo arco antes de pasar al tercero.

Demon Slayer, Temporada 2: Arco del Distrito rojo (2021-2022)

El tercer arco del anime Demon Slayer, titulado Arco del Distrito rojo, técnicamente forma parte de la temporada 2, aunque a fines de separarlo, las plataformas lo catalogan como “temporada 3”. Estos 11 episodios narran cómo Tanjirō y sus amigos se unen a otro Pilar, Uzui Tengen, para cazar un misterioso demonio que se aprovecha de la vida nocturna en el Distrito rojo de Tokio para alimentarse.

Dados los elementos que conlleva una historia situada en un distrito rojo, el tercer arco es uno de los más divertidos de Kimetsu no Yaiba, dando momentos para brillar a otros personajes secundarios como Zenitsu e Inosuke, que junto con Tanjirō se infiltran en casas de geishas haciéndose pasar por mujeres (algo más similar a los viejos días de Dragon Ball).

Los 11 episodios del tercer arco siguen después de los siete episodios del segundo arco, o de la película El tren infinito. A partir de aquí, no hay pierde.

Demon Slayer, Temporada 3: Arco de la aldea de los herreros (2023)

La que sí es, técnicamente, la tercera temporada de la serie de anime, adapta únicamente el cuarto arco de Demon Slayer. El Arco de la aldea de los herreros consta de 11 episodios y sigue a Tanjirō en su viaje a la aldea secreta de los herreros que forjan las armas implacables de los cazadores de demonios. Ahí, une fuerzas no con uno, sino con dos Pilares: Tokito Muichiro y Mitsuri Kanroji.

El cuarto arco de Kimetsu no Yaiba acerca a los protagonistas todavía más a su eventual conflicto directo con el antagonista principal de la historia, Muzan Kibutsuji, con escenas de acción igualmente impresionantes y una calidad de animación que no decae. Sin embargo, dada su naturaleza y ubicación en la narrativa, puede sentirse como un interludio un poco más tranquilo previo a la gran culminación de la lucha.

Demon Slayer, Temporada 4: Arco del entrenamiento de los Pilares (2024)

Con sólo ocho episodios, la temporada 4 de Kimetsu no Yaiba abarca el quinto arco de la historia y, por ello, es mal catalogada como quinta temporada. El Arco del entrenamiento de los Pilares ve a Tanjirō sometido al régimen de los cazadores de élite, ahora que Muzan Kibutsuji está cazando activamente a Nezuko dadas sus habilidades únicas.

El quinto arco del anime es la antesala inmediata al “comienzo del fin”, y como el título indica, narra un nuevo entrenamiento para el protagonista. Es, por lo tanto, una parte mucho menos frenética de la historia, pero introduce las habilidades de personajes muy interesantes como Sanemi Shinazugawa y Gyōmei Himejima, considerados los más fuertes de los Pilares.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castillo infinito (2025)

Esta es la segunda película de Demon Slayer, pero no te preocupes, pues a partir de aquí no será nada confuso. Castillo infinito es la primera de una trilogía de películas que adaptarán el último arco del manga y que, al momento de la redacción, no está previsto que se adapten para televisión. Es decir que, a partir de este punto, sólo tienes que ver esta película y esperar las siguientes.

Esta primera parte de Castillo infinito es el principio de la gran batalla decisiva de los cazadores de demonios contra Muzan Kibutsuji, quien atrapa a Tanjirō, sus amigos y a los Pilares restantes en la fortaleza dimensional homónima, donde habrán de enfrentarse a los últimos miembros de las Lunas Demoníacas, sus propios guerreros de élite.

Esta película superó el impacto de El tren infinito, convirtiéndose no sólo en una de las más taquilleras del año, sino en la producción japonesa más taquillera de la historia. Es un espectáculo visual que, de nuevo, disfrutarás más si has visto el anime hasta este punto. Pero incluso si no, encontrarás aquí una animación de primera calidad con una historia profundamente dramática. Fans de los Pilares, no olviden llevar sus pañuelos.

Con casi cinco décadas de existencia, más varias cuestionables secuelas e incluso precuelas tanto en cine como en televisión, la saga de Alien es una de las más queridas—pero también confusas—no sólo de la ciencia ficción cinematográfica, sino también del terror y la acción.

Aunque muchos consideran a la original de Ridley Scott como el mejor punto de entrada, hay quienes prefieren conocer la saga en orden cronológico. Si es tu caso, llegaste al lugar correcto: aquí te diremos cuál es el orden para ver todas las películas y series de la saga de Alien. Habrá pequeños spoilers a continuación.

Vale la pena tener en mente dos cosas. La primera, que la serie Alien: Earth parece contradecir eventos de las películas Prometeo y Alien: Covenant. La segunda, que no consideraremos al crossover Alien vs. Depredador ni su secuela, pues no son consideradas canónicas incluso cuando Depredador: Tierras salvajes ya ha confirmado que ambas sagas existen en el mismo universo.

1. Prometeo (2012)

Situada principalmente en el año 2089, Prometeo (Prometheus) no parecería, en la superficie, una película de Alien, e incluso cabe decir que se beneficia de ello hasta que, inevitablemente, tiene que esclarecer sus vínculos con la saga principal. La trama sigue a un grupo de arqueólogos que descubren mapas estelares de varias culturas antiguas no relacionadas, y que se embarcan en una expedición financiada por la corporación Weyland a una lejana luna.

Más cercana en tono y temas a películas como 2001: Odisea del espacio y Aniquilación, es una de las películas más imaginativas en toda la saga, introduciendo elementos como los Ingenieros, Inteligencias Artificiales (IAs) avanzadas e incluso atribuyendo un origen posiblemente divino a los temibles xenomorfos. Por ello, es una de las entregas más polémicas de la saga, pero es innegablemente una de sus más originales (incluso si los hechos de Alien: Earth parecen contradecirla).

2. Alien: Covenant (2017)

La secuela directa de Prometeo, Alien: Covenant, se sitúa en el año 2104 y sigue a la tripulación de la nave homónima, que aterriza de emergencia en un planeta habitable pero desconocido. Ahí se encuentran con David (Michael Fassbender), el humano sintético que acompañó a la tripulación de la expedición Prometeo, y quien tiene motivaciones más siniestras.

Esta entrega continúa los temas de la anterior, pero establece un vínculo más cercano con las películas originales, con una trama que, en partes, incluso recuerda a La nave del terror (Event Horizon), a su vez inspirada en esta saga. Además, abraza algunos de los elementos de acción de las originales con el personaje de Daniels (Katherine Waterston). Si sigue siendo canónica después del estreno de Alien: Earth es algo que sigue siendo debatido, por lo que puede ser ignorada junto con Prometeo.

3. Alien: Earth (2025)

La única serie de Alien hasta el momento es, también, la primera entrega cronológicamente hablando si no consideramos a Prometeo y Covenant, cuyos eventos contradice en algunos puntos. Situada en el año 2120, Alien: Earth expande la mitología de la saga: el sistema solar ha sido colonizado por cinco megacorporaciones, que compiten por conseguir la inmortalidad humana por diversas vías: cyborgs, humanos aumentados con biomecatrónica; los sintéticos, seres artificiales con IA; e híbridos, cuerpos sintéticos que contienen conciencias originalmente humanas transferidas a cerebros artificiales.

En este mundo, una expedición de la corporación Weyland-Yutani termina en desastre cuando la nave USCSS Maginot, que recolectó especies alienígenas durante años, se estrella en la Tierra, liberando a un xenomorfo. La serie parte de la esencia de Alien, con inspiración de clásicos del body horror y ciencia ficción como La cosa del otro mundo, pero indagando también en el territorio de películas como Ex-Máquina y Blade Runner.

4. Alien, el octavo pasajero (1979)

La película original de Ridley Scott, Alien, el octavo pasajero (o sólo Alien) es considerada por muchos el mejor punto de entrada a la saga, pues no requiere ningún conocimiento previo de cómo se conectan las historias, y presenta todos los elementos esenciales que la han hecho tan aclamada y querida por los fans del terror y la ciencia ficción, en su momento concebida como una respuesta más adulta al éxito de Star Wars.

Pero si estás siguiendo el orden cronológico, sólo debes saber que la original Alien se sitúa en el año 2122, es decir, apenas dos años después de Earth. La trama sigue a la condenada tripulación de la nave comercial Nostromo, quienes sucumben cuando son instruidos a desviarse de su ruta para atender una señal de auxilio en un planetoide desconocido, lo que los pone en contacto con los xenomorfos. La película introduce a Ellen Ripley (Sigourney Weaver), la heroína que la saga seguirá en casi todas las entregas cinematográficas posteriores.

5. Alien: Romulus (2024)

Una de las más recientes entregas de la saga Alien es, en realidad, un paréntesis que tiene pocos nexos con la continuidad de Ellen Ripley, salvo por el prólogo. En el año 2142, una sonda de Weyland-Yutani recupera un huevecillo de los restos de la nave Nostromo, lo que daría pie a nuevos experimentos en una estación espacial. Seis jóvenes colonos del planeta minero LV-410 escapan y alcanzan la estación espacial en busca de equipo para sobrevivir el viaje a un planeta distante donde puedan vivir en paz. Sin embargo, están condenados a enfrentarse a lo que aniquiló a la tripulación de la estación.

Si la primera Alien es el punto de entrada ideal para muchos por su simpleza, Alien: Romulus es lo contrario, pero en un buen sentido. Es como un greatest hits de la saga, reuniendo el terror atmosférico y los elementos de acción de Aliens, en una trama que explora temas tanto de IA como de hibridación genética que serían abordados en entregas posteriores como Resurrección. Todo el conjunto amarrado por la hábil dirección del uruguayo Fede Álvarez para el terror, entregando una película tan inquietante como su Posesión infernal (Evil Dead).

6. Aliens, el regreso (1986)

De vuelta a la continuidad de Ellen Ripley, Aliens, el regreso (o sólo Aliens) salta al año 2179. Tras sobrevivir a la masacre de la nave Nostromo, Ripley permanece en suspensión criogénica durante 57 años, y despierta para descubrir que su hija Amanda ha vivido toda su vida y muerto sin saber que su madre seguía viva (el videojuego Alien: Isolation narra la investigación que Amanda hace de los hechos), y que el planetoide donde encontraron al xenomorfo es ahora el sitio de una colonia, LV-426. Cuando Weyland-Yutani pierde contacto con la colonia, Ripley es reclutada como consultora para una misión que viaja al planetoide para descubrir qué ha pasado, lo que se convierte en una carnicería.

En su momento, el director James Cameron (Terminator) hizo lo único que podía hacerse para distanciar la secuela de la original, optando por desviarse del terror tradicional para enfatizar más los elementos de acción en un espíritu más cercano a Depredador, con los personajes enfrentándose no a uno, sino a horas de xenomorfos. Así como sucede con Star Wars, donde constantemente se debate si El imperio contraataca es igual o superior a la original, Aliens es la rara secuela que merece la misma consideración que el clásico de Scott, aunque en sus propios términos.

7. Alien3 (1992)

Quizá la entrega más debatida en la saga de Alien es la tercera, infravalorada para algunos y derivativa para otros (aunque su propio director, David Fincher, no se cuenta entre sus fans, e incluso la ha desconocido dentro de su filmografía a pesar de ser su largometraje debut). Muchos encuentran problema con su premisa: todavía en el año 2179, Ripley, junto con su protegida Rebecca “Newt” Jorden (Carrie Henn), el cabo Dwayne Hicks (Michael Biehn) y el sintético Bishop (Lance Henriksen) escapan con éxito de LV-426, sólo para estrellarse en la prisión galáctica de Fiorina 161. Ripley es la única sobreviviente y el resto de los personajes mueren durante los créditos, así sin más, anulando todos los eventos de la entrega anterior.

Para algunos, el otro problema de Alien3 es que simplemente repite el recurso de la primera: situar a los personajes en un espacio aislado y del que no pueden escapar con el xenomorfo. El aspecto de una prisión galáctica y alienígenas letales al acecho recuerda a la posterior Criaturas de la noche (Pitch Black), pero pocos la contarían entre sus favoritas de la saga Alien (incluso si lo que hace, lo hace muy bien).

8. Alien: Resurrección (1997)

La que por mucho tiempo fue la última película en la saga sigue siendo, también, la última para ver en orden cronológico. Alien: Resurrección es también considerada por muchos como la entrega más infame por un cambio radical de tono y por llevar la trama hacia terrenos un tanto extravagantes.

Pequeño spoiler: Ripley muere al final de Alien3, pues se sacrifica al saberse infectada con un huevo de la reina xenomorfo. ¿Cómo está viva para esta nueva entrega? Fácil: resulta que han pasado 200 años (estamos en el año 2381), y Ripley ha sido clonada al mezclar su código genético con el de xenomorfos, consiguiendo poderosos híbridos a manos de la United Systems Military (USM), que ha sustituido a Weyland-Yutani. La protagonista es, en realidad, Ripley 8, que debe unir fuerzas con otros soldados y con la sintética Call (Winona Ryder) para combatir una nueva horda de alienígenas. Es una historia más estrafalaria, pero que retroactivamente resulta relevante al llevar al extremo el tema de la hibridación genética explorado en otras historias de la saga.

Con una carrera que comenzó con pequeños roles en películas como Conspiración (Conspiracy) en 2001 o en la película para televisión Tormenta en ciernes (Gathering Storm) de 2002, Tom Hiddleston es hoy uno de los actores británicos más queridos por el público en la actualidad. En buena medida es gracias a su rol parteaguas como Loki en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), siendo uno de sus personajes más interesantes y de mayor permanencia en toda la franquicia debido al carisma y sensibilidad del actor.

Sin embargo, su trayectoria va más lejos que eso en el cine y la televisión. A continuación, rankeamos las 10 mejores películas y series de Tom Hiddleston, para que conozcas sus actuaciones más allá del dios del engaño en el UCM.

1. Loki (2021-2023)

Vamos a ser claros: dada la masiva popularidad del UCM y la prolífica presencia del personaje en buena parte de la franquicia, es normal y natural que Loki—como villano, antihéroe y finalmente héroe—sea el papel más conocido de Tom Hiddleston en todo el planeta. Sin embargo, es la serie homónima la que da al actor más espacio para desarrollar al personaje y hacerlo brillar en un arco narrativo fascinante.

Desprendiéndose de los enredos de viajes temporales en Avengers: Endgame (que a su vez desencadenan la aventura para una versión diferente del personaje a partir de Los Vengadores de 2012), esta serie ve a Loki implicarse con la Autoridad de Variación Temporal (TVA, por su sigla en inglés) para lidiar con múltiples universos paralelos, trazando un camino a la redención para el antiguo villano. Dado que Loki jugará un rol en Avengers: Doomsday, todavía veremos más de Hiddleston como el personaje que lo hizo estrella internacional.

2. El infiltrado (2016-actualidad)

Basada en la novela de espionaje homónima de 1993 escrita por John le Carré, El infiltrado (The Night Manager) es, quizá, el trabajo más aclamado de Tom Hiddleston en la televisión. En ella interpreta a Jonathan Pine, un conserje en un hotel de lujo en El Cairo que, por su pasado militar, es reclutado para infiltrarse en el círculo de un implacable traficante de armas.

Por el rol, el actor recibió nominaciones a los premios Emmy e incluso ganó el Globo de Oro, codeándose con nombres como Olivia Colman y Hugh Laurie. Hiddleston ha sido activado de nuevo 10 años más tarde, en 2026, para una segunda temporada que promete llevar a Jonathan Pine al límite.

3. Archipelago (2010)

Aunque su trayectoria comenzó con pequeños roles en cine y televisión desde 2001, la carrera actoral de Tom Hiddleston en la pantalla comenzó, realmente, de la mano de la directora Joanna Hogg (hoy aclamada por El souvenir). Y si bien ambos artistas colaboraron primero en Unrelated de 2006, la película que tenemos que mencionar es Archipelago, estrenada en 2010, poco antes de que el resto del mundo lo conociéramos como Loki.

En esta película, Hiddleston interpreta a Edward, un joven en medio de una crisis que abandona su trabajo para irse con una misión de educación sexual a África. Mientras tanto, durante unas vacaciones familiares en una isla italiana, experimenta conflictos y tensiones agravadas por el regreso del distanciado padre. Es un drama más modesto e íntimo, que deja ver al actor en un registro emocionalmente más rico y complejo.

4. Sólo los amantes sobreviven (2013)

Después de que su carrera salió disparada al estrellato con el UCM, Hiddleston comenzó a trabajar con cineastas de mayor perfil, como mejor ejemplifica Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive).

Dirigida por el emblemático Jim Jarmusch, la trama sigue a dos vampiros (Hiddleston y Tilda Swinton) que se han amado durante siglos y han influenciado a generaciones de artistas y científicos. Sin embargo, su reclusa y discreta existencia es amenazada cuando la imprudente hermana de uno de ellos (Mia Wasikowska) llega de visita. Uno de los giros más fascinantes al cine de vampiros desde la también icónica El ansia (The Hunger), y uno en el que Hiddleston estuvo cerca de no participar: originalmente, el papel iba a ser de Michael Fassbender.

5. La cumbre escarlata (2015)

Bajo la dirección del mexicano Guillermo del Toro en pleno modo gótico—y reunido con Mia Wasikowska—, Tom Hiddleston realizó una de sus mejores películas, La cumbre escarlata (Crimson Peak). Situada en la era victoriana, la trama sigue a una joven autora y heredera de un adinerado empresario estadounidense (Wasikowska), que se enamora de un inventor inglés en ciernes (Hiddleston), quien busca inversión para una máquina. Cuando se casan, viven en una mansión en Inglaterra junto a la hermana del inventor (Jessica Chastain).

Visualmente tan llamativa como narrativamente subestimada dentro de la filmografía de Del Toro es elevada por el impecable trabajo actoral, encabezado por Hiddleston, Wasikowska y Chastain (es una mejor película que Frankenstein, si hemos de ser honestos). Por ello, merece un lugar entre lo mejor en la filmografía del actor.

6. Thor: Ragnarok (2017)

¿Es Thor: Ragnarok la mejor película del UCM? Ni cerca. Ni siquiera diríamos que es la mejor película del Dios del trueno, y vaya que esa es una vara muy baja. Sin embargo, sí es una de las mejores películas de Tom Hiddleston dado que el cambio de rumbo y de director—esta es la primera del personaje dirigida por el neozelandés Taika Waititi, de Entrevista con unos vampiros—permitió a sus actores llevar a sus personajes en direcciones más frescas.

Donde las dos primeras películas de Thor aspiraban—con diferentes niveles de éxito—al tono de tragedia shakesperiana, Waititi dio un volantazo a la izquierda para llevar las cosas hacia una aventura galáctica estrafalaria y casi pueril, más parecida a Guardianes de la Galaxia. Tanto Chris Hemsworth como Tom Hiddleston pudieron traer una faceta más humorística y sarcástica a sus personajes, un paso decisivo en la evolución de Loki y que permite a los actores lucir una faceta más desconocida de sus talentos.

7. La vida de Chuck (2024)

Esta adaptación de Stephen King (una de las rarezas basadas en su trabajo que no son de terror) es un drama que abarca las dimensiones tanto íntimas como cósmicas en la existencia de Charles “Chuck” Krantz, interpretado en la película por Hiddleston como su versión adulta, y por actores más jóvenes (Jacob Tremblay y Benjamin Pajak) en orden cronológico inverso.

Hay que decirlo, Hiddleston aparece por poco tiempo en La vida de Chuck (The Life of Chuck), pero vaya que la aprovecha: su presencia en un par de secuencias cruciales, pasando del hastío al ímpetu vital puro por medio del baile, es lo que amarra la tesis de la película sobre abrazar la vida y la búsqueda de propósito. Una de las mejores películas de Mike Flanagan (La maldición de Hill House) y una bella adaptación de King.

8. Wallander (2008-2010)

He aquí un papel en la carrera de Tom Hiddleston que, si bien no es el más prominente, sí fue primordial para catapultarlo hacia su trayectoria de estrella. Wallander es una serie criminal basada en la serie de libros de Henning Mankell, encabezada por Kenneth Brannagh en el rol titular, un detective en una isla sueca que resuelve crímenes con ayuda de su equipo.

Hiddleston interpretó a Magnus Martinsson, un miembro del equipo de Wallander, en uno de sus primeros roles recurrentes de televisión. Fue vital para su carrera, sin embargo, por el contacto con Brannagh, quien dirigió la primera película de Thor (2011), efectivamente comenzando su camino como superestrella.

9. Caballo de guerra (2011)

El mismo año en que Hiddleston debutó como Loki, efectivamente convirtiéndose en estrella, tuvo otro rol más pequeño, pero igual de importante para su legitimidad como actor, al tratarse de una película de Steven Spielberg: Caballo de guerra (War Horse).

La película se sitúa durante la Primera Guerra Mundial, y sigue los esfuerzos de los soldados británicos por utilizar caballos de granja en batalla. Tom Hiddleston interpreta al capitán que compra el caballo del joven protagonista (Jeremy Irvine) y promete devolverlo a salvo. Es un rol pequeño—el capitán muere no mucho después—, y es por ello que no está más arriba en el ranking. Sin embargo, es la calidez de Hiddleston la que trae un poco de humanidad a la situación, y nos hace sentir por el joven y su caballo.

10. El rascacielos (2015)

Basada en la novela de ciencia ficción distópica de J.G. Ballard, El rascacielos (High-Rise) se sitúa durante 1975 un edificio de departamentos de lujo londinense, donde el desinterés de los residentes por el mundo que los rodea comienza a sembrar el resentimiento, el caos y la violencia al interior de sus pisos y paredes.

Aunque la película fue criticada por diluir los temas de la novela, sigue siendo un abordaje interesante de la desigualdad social, en terrenos similares a películas como El hoyo o la muy superior Parásitos. Sin embargo, Hiddleston está brillante como el protagonista, codeándose con otras estrellas en ascenso del momento como Elisabeth Moss y Luke Evans, además del consagrado Jeremy Irons.

Sería una exageración decir que si has visto una película de terror ya las viste todas, pero algo es cierto: hay muchos tropos o clichés que se repiten, sin los que no serían películas de terror. Hay desde sobresaltos (los famosos jumpscares) de manual, hasta cosas más absurdas como personajes decidiendo andar solos.

Y el asunto puede volverse ridículo, sobre todo cuando estos tropos se tornan tan comunes que cualquier fan del género puede verlos venir a kilómetros… y aún así, los amamos. Estos son los clichés más ridículos del cine que igual nos encantan. Leves spoilers a continuación.

1. Separarse (sin motivo razonable)

Las películas de terror, y comúnmente los slashers, suelen iniciar con grandes grupos de personajes. ¿Y cómo es que dicen? ¿Que la unión hace la fuerza? Así que sería bastante lógico mantenerse juntos al adentrarse a un lugar desconocido o enfrentarse a un asesino, ¿no?

No, señor. En películas como La masacre de Texas, desafiando toda lógica, los personajes suelen separarse. A veces, en su defensa, lo hacen sin saber que están en peligro mortal, pero en otras, simplemente deciden en contra de su propia seguridad. Nos parece que los chicos de La cosa del otro mundo se habrían ahorrado muchos problemas manteniéndose juntos. Este tropo nos lleva a otro igual de común…

2. El sexo mata (y la final girl)

Uno de los clichés más comunes, sobre todo en slashers de la moralina década de los 80, es que los personajes que se comportan “mal” (eufemismo para llevar una vida sexual activa) acabarán muertos. Esto va atado a la convención de la final girl o chica final: un personaje femenino que, por lo general, se salva por algún motivo relacionado a su castidad.

Sagas como Viernes 13 se construyen sobre el tropo de que el sexo es una condena de muerte, mientras que Halloween brinda en Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) el perfecto ejemplo de la casta chica final. Mientras tanto, otras películas como Está detrás de ti (It Follows) presenta cierto nivel de autorreflexividad, al hacer del propio sexo el medio de transmisión para la maldición que persigue a la protagonista (Maika Monroe).

3. Nadie cree a los personajes (ni siquiera la policía)

“¡Tienes que creerme!” debe ser una de las frases más escuchadas—y clicheadas—en el cine de terror junto con “¡por favor, no!”. Los protagonistas de estas películas suelen enfrentarse a circunstancias extraordinarias y, por consiguiente, otros personajes no suelen creerles. Y en muchos casos, los oficiales de policía son graves ofensores de esto.

Halloween también ejemplifica muy bien este tropo, con el Dr. Loomis (Donald Pleasance) insistiendo a la policía que el escape de Michael Myers (Nick Castle) es una amenaza para la gente de Haddonfield, sin éxito. Hay películas como La hora del espanto (Fright Night) en la que, sabiendo que no les creerán, los personajes intentan contar una historia más creíble. En otras, como en la comedia Gremlins, la policía es más cínicamente negligente. Y en otras más, como Bárbaro, hay incluso un comentario de crítica a los prejuicios raciales perpetrados por la policía.

4. ¿Eso se ve sospechoso? Vamos a olerlo y lamerlo

Dicen que ciertos sentidos como la vista y el gusto son un mecanismo de supervivencia primitivo: ¿huele o sabe mal? Aléjate tanto como puedas. Pero en algunas películas de terror, los personajes van demasiado lejos en términos de comprobar estas cosas. Con la cara.

La saga de Alien es particularmente culpable de esto. Como si no fuera suficiente que Kane (John Hurt) tuviera la grandísima idea de asomar el rostro a un huevo de abrazacaras en la primera Alien, la precuela Prometheus lleva esta idea más lejos, con los personajes enfrentándose a la sustancia negra y viscosa que nadie debía tocar. Pero ahí van a tocarla…

5. Refugiarse o atrincherarse en pésimos lugares

De acuerdo, si en la realidad tuviéramos que enfrentar una situación de película de terror, es probable que no pensaríamos con claridad. Pero en el afán de generar tensión, muchos de estos títulos colocan a sus personajes en situaciones que, vistas desde fuera, parecen una idea obviamente mala. Los lugares cerrados son prácticamente una tumba garantizada, pero muchos protagonistas huyen a ellas como polillas hacia la luz.

En Cujo, por ejemplo, Donna (Dee Wallace) y Tad (Danny Pintauro) se refugian en un auto para protegerse del rabioso can titular, y casi no viven para contarla. Scream, con su naturaleza metatextual, incluso se ríe de esto: Sidney Prescott (Neve Campbell) se burla de este cliché sólo para, más tarde, terminar haciendo precisamente eso y atrincherarse en el piso de arriba.

6. Pésima señal de celular

Para generar miedo y tensión, el cine de terror tiene que colocar a los personajes en las situaciones más adversas y vulnerables posibles, sea en soledad, sin armamento o contra un enemigo mucho más fuerte. La incomunicación es un elemento crucial que se vuelve cada vez más inverosímil conforme la tecnología avanza. Si estás en peligro, basta con una llamada rápida al 911 o encontrar tu ubicación en Google Maps, ¿no?

Pero eso sería demasiado fácil, así que muchas películas recurren al opuesto de un deus ex machina y simplemente deciden que los celulares no sirven para nada. Un motivo lógico es una descompostura o falta de batería, como en ¡Huye! (Get Out). En otros casos, como Avenida Cloverfield 10, no sólo es lógico que suceda, sino que es parte del misterio. Pero la mayoría de las veces, sólo es tan arbitrario y conveniente, como en (la excelente de todas formas) Evil Dead: El despertar. El tropo puede ser tan absurdo que buena parte de la comedia Muerte, muerte, muerte (Bodies Bodies Bodies) incluso se burla de ello hasta en su broma final.

7. El villano no estaba muerto… aún

El hecho de que Scream también comenta sobre este tropo habla de lo gastado que está: el villano, aparentemente derrotado, se recupera para un último susto o incluso una última muerte antes de él mismo volver a la oscuridad del averno que lo engendró.

Michael Myers es un ejemplo perfecto de esto en la primera Halloween, donde su cuerpo se levanta, desenfocado, mientras Laurie ya se cree a salvo. Este cliché fue perfeccionado con el icónico final de Viernes 13, pero no por eso ha dejado de ser utilizado. Para un ejemplo más reciente e igual de famoso, basta ver el final de Terrifier.

La llamada “temporada de premios” continúa en auge con una de sus ceremonias más populares: la de los Globos de Oro, que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) celebra en reconocimiento a lo mejor no sólo del cine, sino también de la televisión.

La HFPA realizó la 82ª entrega de sus premios la noche del 11 de enero de 2026. Para estar al tanto de lo mejor de la televisión y el streaming del último año, aquí te decimos cuáles fueron las series ganadoras de los Globos de Oro 2026, en cuáles categorías y cómo ver cada una.

The Pitt (2025-actualidad)

Ganó: Mejor serie de televisión (drama), Mejor actor en una serie de televisión - drama (Noah Wyle)

Sin duda una de las series más aclamadas del año fue The Pitt, drama médico que sigue al equipo de emergencias de un hospital durante un turno de 15 horas, mientras lidian con los casos cotidianos, falta de recursos y de fondos. Además, es un deleite para los fans de ER (o Sala de emergencias), pues reúne al creador y guionista R. Scott Gemmill, al productor John Wells y al actor Noah Wyle.

En los Globos de Oro de 2026, The Pitt se alzó no sólo como la Mejor serie de televisión de drama, sino que también le mereció a Wyle el premio al Mejor actor en una serie de la misma categoría.

Adolescencia (2025)

Ganó: Mejor miniserie, serie antológica o película para televisión; Mejor actor en una miniserie (Stephen Graham), Mejor actriz de reparto en televisión (Erin Doherty), Mejor actor de reparto en televisión (Owen Cooper)

Si hubiera que señalar a un sólo fenómeno televisivo durante 2025, tendría que ser la miniserie Adolescencia (Adolescence), por motivos tan pertinentes como incómodos. La producción, que explora la misoginia internalizada en las jóvenes generaciones por medio de cuatro tensos episodios en plano secuencia.

Fue una de las producciones televisivas más premiadas de los Globos de Oro 2026, pues además de coronarse como Mejor miniserie, también mereció premios para Stephen Graham (Mejor actor en una miniserie), así como Erin Doherty y Owen Cooper (respectivamente, Mejor actriz y actor de reparto en televisión). Con cuatro estatuillas por sus cinco nominaciones, puede presumir de más que The White Lotus: la serie era la más nominada de la noche (con seis candidaturas) y se fue a casa con las manos vacías.

El estudio (2025-actualidad)

Ganó: Mejor serie de televisión (comedia), Mejor actor en una serie de televisión - comedia o musical (Seth Rogen)

Con una premisa que apela directamente a los conocedores del mundo del cine e insiders de Hollywood, no es sorpresa para nadie que El estudio (The Studio) se haya alzado como la Mejor serie de comedia en los Globos de Oro 2026. La serie protagonizada y cocreada por Seth Rogen se alzó incluso por encima de otras favoritas recurrentes, como El oso y Hacks.

El propio Rogen fue premiado por su trabajo frente a la cámara, y fue nombrado el Mejor actor en una serie de comedia durante la noche, imponiéndose también a Jeremy Allen White de El oso y a la doble nominación de Only Murders in the Building (para ambos Steve Martin y Martin Short).

Pluribus (2025-actualidad)

Ganó: Mejor actriz en una serie de televisión - drama (Rhea Sheehorn)

Luego del descomunal éxito de Breaking Bad y de su spin-off, Better Call Saul, era de esperarse que lo nuevo de Vince Gilligan tuviera una buena respuesta. Y la ha tenido, si bien no se reflejó del todo en premios (aunque con competidores como The Pitt y Severance, siempre fue asunto difícil).

Pluribus tendrá que conformarse con un solo premio en los Globos de Oro 2026: para Rhea Sheehorn,como Mejor actriz en una serie de drama. Se trata de una reivindicación para años de infamia, pues nunca fue premiada por la HFPA su trabajo en Better Call Saul.

Hacks (2021-2025)

Ganó: Mejor actriz en una serie de televisión - comedia (Jean Smart)

Jean Smart ha sido una presencia consistente en la temporada de premios desde que Hacks debutó en 2021, y los Globos de Oro 2026 no han sido la excepción.

En su rol como la comediante venida a menos, Deborah Vance, Smart se ha llevado el premio por tres de las cuatro temporadas que la serie ha estrenado hasta este punto. Hacks prepara una quinta y última temporada prevista para 2026, veremos si la actriz repite la hazaña en 2027.

Morir de placer (2025)

Ganó: Mejor actriz en una miniserie (Michelle Williams)

A pesar de su genial premisa—inspirada en las igualmente geniales vivencias de Molly Kochan—, Morir de placer (Dying for Sex) llegó a los Globos de Oro 2026 con sólo dos nominaciones: Mejor miniserie y Mejor actriz en una miniserie, para Michelle Williams.

La siempre excelente Williams se alzó con el premio a pesar de la difícil competencia de tales nombres como Claire Danes por La bestia en mí, Sarah Snook por All Her Fault e incluso la formidable Robin Wright por La novia.

Cada año, la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) reconoce a lo mejor del año en el cine con los Globos de Oro, uno de los galardones más populares de la llamada “temporada de premios”.

La organización realizó la 82ª entrega de sus premios la noche del 11 de enero de 2026. Si te perdiste de algo o quieres estar al corriente con los títulos más sonados de la temporada, aquí te decimos cuáles fueron las películas ganadoras de los Globos de Oro 2026, en cuáles categorías y cómo ver cada una.

Hamnet (2025)

Ganó: Mejor película (drama), Mejor actriz en una película - drama (Jessie Buckley)

Al coronarse como Mejor película de drama, Hamnet, de la directora Chloé Zhao (responsable por la oscarizada Nomadland) se convierte en la principal candidata para quitarle el Oscar a Una batalla tras otra, la clara líder en la carrera.

Sin embargo, la película no fue la gran ganadora de la noche en cuanto a cantidad de premios, pues sólo se llevó uno más: Mejor actriz en una película de drama para Jessie Buckley, quien también ya suena como la principal candidata de la categoría para el Oscar.

Una batalla tras otra (2025)

Ganó: Mejor película (musical o comedia), Mejor dirección para una película (Paul Thomas Anderson), Mejor guión para una película (Paul Thomas Anderson), Mejor actriz de reparto en una película (Teyana Taylor)

En términos de premios acumulados, Una batalla tras otra (One Battle After Another) fue la gran ganadora de los Globos de Oro 2026, con cuatro estatuillas en total. Como Mejor película musical o de comedia, Mejor dirección y Mejor guión (ambos de Paul Thomas Anderson), es la líder clara de la temporada de premios.

Una de las sorpresas de la noche fue que Teyana Taylor se llevara el premio a Mejor actriz de reparto en una película por su rol como la guerrillera Perfidia Beverly Hills, mientras que Leonardo DiCaprio se fue a casa con las manos vacías por el rol principal.

El agente secreto (2025)

Ganó: Mejor película en lengua no inglesa (Brasil), Mejor actor en una película - drama (Wagner Moura)

Por encima de actores como Joel Edgerton (Sueños de trenes) u Oscar Isaac (Frankenstein de Guillermo del Toro), fue el brasileño Wagner Moura quien se alzó con el premio a Mejor actor en una película de drama por su rol triple en El agente secreto, del director Kleber Mendonça Filho (Bacurau). Resultará interesante ver en qué acaba esta carrera en el Oscar, dado que el Sindicato de Actores ignoró la película por completo.

Que la representante de Brasil también haya sido la Mejor película en lengua no inglesa también desequilibra lo que parecía ser una carrera más clara: con la Palma de Oro de Cannes bajo el brazo, la representante francesa (en coproducción con Irán) Fue sólo un accidente de Jafar Panahi, se fue con las manos vacías. Salvo Valor sentimental (de Noruega), propuestas como la española Sirāt y la surcoreana La única opción ni siquiera sonaron. Crucialmente, La voz de Hind Rajab, apuesta de Túnez sobre la ocupación israelí de Palestina, tampoco trascendió. No obstante, esto podría acercar a Brasil a su segunda victoria consecutiva en el Oscar Internacional, luego de Aún estoy aquí el año pasado.

Si pudiera, te patearía (2025)

Ganó: Mejor actriz en una película - comedia (Rose Byrne)

Una de las películas independientes que está dando batalla esta temporada, a pesar de contar con menos recursos, es la genial comedia Si pudiera, te patearía (If I had Legs I’d Kick You), sobre una mujer abrumada por el aplastante peso de la responsabilidad materna ante la enfermedad de su hija y la ausencia de su esposo.

Rose Byrne, que ya había sido premiada en el Festival de Berlín por su hazaña en esta película, obtuvo el Globo de Oro 2026 como Mejor actriz en una película de comedia. Si esto la impulsa hasta la carrera por el Oscar (posible, dado que también fue nominada por el Sindicato de Actores), tendrá la difícil misión de derrotar a Jessie Buckley e incluso a Emma Stone, la otra probable nominada por Bugonia.

Valor sentimental (2025)

Ganó: Mejor actor de reparto en una película (Stellan Skarsgård)

Dado que también fue ignorada en las nominaciones a los Premios del Sindicato de Actores—a pesar de un elenco más perfecto que relojería suiza encabezado por Renate Reinsve—, muchos ya daban por eliminado a su talento de la carrera al Oscar. Puede que se estén apresurando.

Aunque la victoria de Stellan Skarsgård en los Globos de Oro 2026 como Mejor actor de reparto en una película no garantiza nada, puede que ayude a cambiar algunas opiniones previo a las votaciones para el Oscar y atraiga algo de muy merecida atención y reconocimiento a la película dirigida por Joachim Trier, una de las mejores de 2025.

Marty Supremo (2025)

Ganó: Mejor actor en una película - comedia (Timothée Chalamet)

Timothée “Timmy” Chalamet ya es un consentido de la temporada de premios cada año, y su más reciente Globo de Oro, por Marty Supremo (Marty Supreme), perpetúa la racha. La producción, dirigida por Josh Safdie e inspirada en la vida del jugador de ping-pong Marty Reisman (Hauser en la película), tuvo que conformarse con esta única estatuilla entre sus tres nominaciones totales.

Es más de lo que puede presumir La máquina: The Smashing Machine, de Benny Safdie, que a pesar de ganar el León de Plata en Venecia, ha tenido menos suerte en la temporada de premios (ambos Dwayne Johnson y Emily Blunt aspiraban a los Globos de Oro). Ambas películas son los respectivos primeros proyectos de los hermanos Safdie en solitario: trabajaron juntos por última vez en la aclamada Diamantes en bruto. 

Las guerreras K-Pop (2025)

Ganó: Mejor película de animación y Mejor canción original (“Golden”)

Para sorpresa de nadie, Las guerras K-Pop sigue pisando fuerte y ampliando su ventaja como la Mejor película de animación del año, categoría en la que fue premiada en los Globos de Oro 2026. Y a estas alturas, dudamos que alguien pueda parar la producción de Sony Pictures Animation y Netflix—ni siquiera Disney con la taquillerísima Zootopia 2—.

Pero eso no fue todo, pues otra categoría en la que está dominando, es en la de canción original. Y dado la enorme sensación que fue durante 2025, no sorprende que el tema “Golden” haya sido el ganador de la noche (imponiéndose incluso a Wicked: Por siempre, que ostentaba una doble nominación).

Pecadores (2025)

Ganó: Mejor banda sonora original (Ludwig Göransson) y Mejor logro cinematográfico de taquilla

Dirigida por Ryan Coogler—un cineasta abiertamente crítico y contestatario de mucho de lo que sucede en Hollywood—, Pecadores (Sinners) también se fue a casa con poco reconocimiento e incluso diríamos que un tanto ninguneada.

Aunque aspiraba a varios de los principales reconocimientos de los Globos de Oro 2026, la película de vampiros y gangsters sólo obtuvo dos. El primero, a Mejor logro cinematográfico y de taquilla, que además de reconocer lo obvio—que fue una sensación de taquilla—, se percibe como un premio de consolación. Además ganó el premio a banda sonora original (Ludwig Göransson), que fue entregado fuera de la transmisión.

Avengers: Doomsday será el gran regreso del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) a los crossovers de gran escala, con tantos personajes (o incluso más) de los que vimos en Avengers: Endgame. Con una oleada de rostros ya conocidos, la nueva película seguramente dará una “manita de gato” a algunos de ellos, pero también traerá algunos atuendos reconocibles.

Lo cual seguramente será excelente fanservice para los fans de Marvel. Según lo que sabemos (y lo que podemos suponer con bastante seguridad), estos son los 10 trajes del UCM que podríamos ver de regreso en Avengers: Doomsday.

10. Los uniformes de Los Cuatro Fantásticos

Vamos con una obvia: muy probablemente, los atuendos de la “Primera Familia” de Marvel serán los mismos que vimos en Los 4 Fantásticos: Primeros pasos. Y tiene sentido: esta versión de Los Cuatro Fantásticos proviene de otro rincón del multiverso, la Tierra 828, que tiene toda una dirección de arte retrofuturista.

Mantener esos trajes no sólo tendría sentido dentro de la trama, cuando Reed Richards (Pedro Pascal) y compañía crucen a la Tierra 616, sino que serían una forma de distinguirlos visualmente de las otras facciones en juego. Y vaya que serán muchas.

9. El traje de Ant-Man

Otra respuesta un tanto obvia es que veremos el regreso del traje de Ant-Man sin mayores cambios. El regreso de Paul Rudd como Scott Lang fue confirmado hace tiempo, lo cual tiene sentido dado el rol que el personaje ha jugado en la trama del multiverso gracias a sus incursiones al Reino cuántico.

Dicho lo anterior, los cambios cosméticos que ha atravesado el traje de Ant-Man desde su primera aparición en el UCM, han sido mínimos. Lo más probable es que veamos una iteración muy similar a la que usó en Ant-Man & the Wasp: Quantumania.

8. Shuri como Pantera Negra

Fuera de la ficción, el lamentable deceso de Chadwick Boseman significó que la saga necesitó un sustituto urgente para Pantera Negra. A partir de Pantera Negra: Wakanda por siempre, fue la hermana menor de T’Challa, Shuri (Letitia Wright) quien asumió el rol, presentando una versión más esbelta y ágil de su predecesor.

No hemos visto a Shuri desde la secuela de Pantera Negra, así que podemos esperar que regrese a la batalla con una iteración similar de la armadura, con pequeños cambios cosméticos.

7. El uniforme de Shang-Chi

Shang-Chi (Simu Liu) es uno de los héroes más nuevos en el UCM, por lo que tampoco ha recibido tantas oportunidades para brillar ni lucir diferentes atuendos. Sin embargo, la confirmación del actor para Doomsday nos indica que veremos al artista marcial portando algún atuendo familiar, que nos recuerde su historia y su poder.

A lo largo de Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos, el protagonista viste varios atuendos, pero en el clímax en la dimensión de Ta-Lo, el protagonista viste una variación de los uniformes de batalla de sus protectores, a su vez una interpretación del traje que el personaje utiliza en los cómics. Sin duda, lo veremos usar algo similar en su encuentro con Doom y los Vengadores.

6. El uniforme de Capitán América de Steve Rogers

Esto ya es básicamente un hecho, pues el primer avance de Doomsday ha confirmado que Steve Rogers (Chris Evans) regresará de algún modo para la lucha contra Doctor Doom (Robert Downey Jr.).

No sólo eso, el brevísimo vistazo al héroe veterano lo mostró con su uniforme clásico en las manos, el mismo que utilizó en la mayoría de sus apariciones como líder oficial de los Vengadores a partir de Avengers: Era de Ultrón, pasando por Civil War y finalmente en Endgame, su última aparición oficial hasta ahora. Lo que nos conduce al siguiente punto…

5. El uniforme de Capitán América de Sam Wilson (el primero)

Una de las grandes interrogantes sobre el regreso de Steve Rogers, es cómo desafiará el status quo actual de los Vengadores. Entrando a Avengers: Doomsday, Sam Wilson (Anthony Mackie no sólo ha abrazado su rol como el nuevo Capitán América, sino que es el líder de los Vengadores “oficiales”. Al final de Capitán América: Un nuevo mundo, su uniforme es, de hecho, muy parecido al de Steve, pero con alas.

Si los dos amigos llegan a coincidir en pantalla, tendríamos a dos Capitanes América con necesidad de diferenciarse visualmente. Una forma de lograrlo sería si Sam es reintroducido con su primer uniforme, el que portó al final de la serie Falcon y el Soldado del invierno (aunque no necesariamente tiene que ser ese mismo). Hay otro personaje que adoptó el título de Capitán América un tiempo en la misma serie, y que ya tiene su propio atuendo para diferenciarse, lo que nos lleva a…

4. Los uniformes de Vengadores de los Thunderbolts*

Al final de Thunderbolts*, el equipo formado por el Soldado del Invierno (Sebastian Stan), Yelena Belova (Florence Pugh), Ghost (Hannah John-Kamen), Guardián Rojo (David Harbour), Sentry (Lewis Pullman) y John Walker/ U.S. Agent (Wyatt Russell) es rebautizado como los Nuevos Vengadores. Si son el equipo oficial o no es un punto de discusión, como revela la escena post-créditos, lo que nos sitúa con dos facciones enfrentadas de Vengadores entrando a Avengers: Doomsday.

El caso es que el equipo cuenta con uniformes nuevos con todo y el emblema de los Vengadores en dicha escena, que fue dirigida por los hermanos Russo (responsables por Doomsday), por lo que sin duda veremos a los Thunderbolts ataviados en trajes idénticos o similares. Eso incluye el uniforme de John Walker, que ya ha abandonado casi todo parecido con el de Capitán América.

3. Thor pre-Endgame

Si hay un personaje que ha experimentado más cambios de atuendo durante la saga que una modelo en pasarela, es Thor Odinson (Chris Hemsworth). El Dios del Trueno mantuvo un look más o menos consistente entre sus primeras apariciones y las dos primeras películas de Avengers, pero en adelante ha tenido varios cambios de armadura e incluso de peso (la depresión lo afectó notablemente en Endgame, por ejemplo).

El regreso de Thor para Doomsday fue confirmado hace tiempo, pero el primer vistazo al personaje nos deja ver que ha dejado atrás la melena rubia que portó en su última aparición, Thor: Amor y trueno, para una apariencia con cabello corto más parecida a la que debutó en Thor: Ragnarok. Dado que porta a Stormbreaker y no a Mjolnir, su aspecto es mucho más cercano al que usó en Infinity War.

2. El Gambit clásico

Entre las numerosas sorpresas multiversales que Deadpool & Wolverine arrojó una tras otra, una de las más destacadas fue el casting de Channing Tatum como el mutante Gambit. Esto en sí mismo fue una broma que sólo captaron los iniciados en los chismes detrás de cámaras de las películas de superhéroes: durante años, Tatum estuvo adherido a una película en solitario del personaje, que fue cancelada después de muchos esfuerzos. Sin embargo, la secuela de Deadpool le dio la oportunidad de interpretar al personaje en pantalla con un aspecto extraído directamente de los cómics.

Para sorpresa de varios (y apostamos que del propio Channing Tatum), Gambit volverá a aparecer en Avengers: Doomsday, y lo hará una vez más con el traje clásico que portó en la otra película. Lo mencionamos aparte puesto que esto ya es algo que vimos anteriormente en el UCM, contrario a sus compañeros de equipo…

1. Los X-Men “clásicos”

La sorpresa más grande del casting de Avengers: Doomsday fue la presencia de varios actores que formaron parte de la saga cinematográfica original de X-Men, es decir, Sir Patrick Stewart, Sir Ian McKellen, James Marsden, Kelsey Grammer, Alan Cumming y Rebecca Romijn (junto a Channing Tatum). Todos de aquella época en que los trajes de superhéroes parecían de cuero o látex.

Y aunque ninguna de las continuidades de X-Men (hasta ahora) pertenece oficialmente al UCM, es digno de mención porque, si bien se trata de los actores originales, filtraciones han mostrado que lo harán con atuendos diferentes, más cercanos a los cómics y a otras adaptaciones, como la serie animada X-Men ‘97 o la nueva continuidad que concluyó con X-Men: Phoenix. Por eso decimos que revisar toda la saga cinematográfica de X-Men antes de Avengers: Doomsday no sería tan mala idea.

En lo concerniente a los superhéroes, 2025 fue un año irregular, pero para nada lento. A pesar de que el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) no termina de carburar de nuevo, experimentamos el regreso de Superman al cine, además de grandes propuestas de otras franquicias—e incluso algunas novedades que pasaron desapercibidas—.

Hubo algo para todos los fans de los justicieros y los superpoderes durante el año, aunque no todo alcanzó las mismas alturas. Por ello, aquí rankeamos las 10 mejores películas y series de superhéroes de 2025.

10. Daredevil: Born Again (2025-actualidad)

Existen opiniones divididas sobre el regreso de Matt Murdock/ Daredevil (Charlie Cox) al UCM, luego de que su aclamada serie predecesora (originalmente de Netflix) fuera retroactivamente integrada a la continuidad de la saga. La sencilla razón es que, como bien sugiere su título, Daredevil: Born Again es un renacimiento, o una bestia total y tonalmente diferente.

Algunos la han tomado como la “disneyficación” de lo que la producción anterior hizo con el bajo y sangriento submundo criminal de Hell’s Kitchen en la serie anterior. Pero si algo delató el recibimiento de los cameos de Cox en She-Hulk y Spider-Man: Sin camino a casa, es que su Matt Murdock es una de las interpretaciones de superhéroes más queridas que hay. El elenco fue el elemento más fuerte de la primera serie, y por ello es tan bueno que Born Again haya recuperado también a Vincent D’Onofrio como Wilson Fisk (además de Karen Page y Frank Castle, aunque fuera para un par de episodios). Sólo esperamos que la inminente segunda temporada sea mejor.

9. Superman (2025)

El regreso del Hombre de Acero al cine no es poca cosa, y menos cuando se trata del lanzamiento del Universo DC (DCU), que ha de suplir al serio—y fallido—Universo Extendido DC (DCEU). Y ahora con el director James Gunn como cabeza creativa, Superman no podría haber hecho más para separarse de su iteración previa: David Corenswet entrega a un Clark Kent noble y esperanzado.

Es una pena que sea una película tan sobrecargada de personajes—y tan fea de ver—, pero con un fenomenal casting (aplausos en particular para Nicholas Hoult como Lex Luthor) y disposición para abrazar hasta los aspectos más estrafalarios de la mitología del superhéroe, los fans de los cómics habrán de sentirse entusiasmados por lo que traerá la inminente Supergirl, segunda película del DCU.

8. Thunderbolts* (2025)

Hay que decir que 2025 no fue muy amable con los superhéroes en la pantalla grande, y a pesar de que el UCM no tuvo una, sino tres entregas diferentes este año, tanto Capitán América: Un nuevo mundo como Los 4 Fantásticos: Primeros pasos fueron profundamente decepcionantes, salvo algunos aspectos rescatables.

A punta de su excelente elenco—heredado casi en su totalidad de otras entregas—y de atreverse a hacer algo distinto con sus villanos, Thunderbolts* destacó como la más original y divertida de las tres propuestas de Marvel Studios para este año, reetiquetada a posteriori como Los Nuevos Vengadores a pesar de que, en más de un sentido, es una “anti-Vengadores”: más personal, emotiva y sarcástica, aunque tropieza con los mismos vicios impuestos por la franquicia. Puntos extra por ser obligada para ver antes de Avengers: Doomsday.

7. Gen V, temporada 2 (2023-actualidad)

El 2025 trajo la segunda temporada de Gen V, el spin-off adolescente del universo de The Boys. Y también hay que decirlo: aunque no fue tan potente como su temporada debut, consigue continuar la historia hacia un territorio interesante.

Interesante en el sentido de que lleva la serie hacia consolidar sus intereses temáticos aparte, como conspiraciones que explotan a la juventud dentro de un esquema de poder mayor (pero manteniendo la violencia y sátira de la serie original). Y de cara a la quinta y última temporada de The Boys, se trata de un complemento vital para expandir la visión de esta franquicia.

6. Los ojos de Wakanda (2025)

El UCM tuvo algo más de brillo en televisión durante 2025, y una de sus propuestas más interesantes del año fue la miniserie Los ojos de Wakanda. Esta miniserie de animación no tiene un vínculo directo con los héroes de Pantera Negra y Wakanda por siempre sino que, a través de cuatro episodios, expande la mitología del reino ficticio en diferentes épocas.

La serie no brilla necesariamente por su guión, pero sí por su vibrante animación que hace lucir la acción superheroica como pocas cosas pueden, expandiendo las fronteras del UCM hacia otros contextos históricos e incluso reintroduciendo personajes, como la Puño de Hierro llamada Jorani (voz de Jona Xiao).

5. Peacemaker, temporada final (2022-2025)

¿Quién diría que un antipático antihéroe menor, llevado al cine en un reboot de una película sobre un equipo de supervillanos, daría lugar no a la serie más querida no sólo del DCEU, sino del DCU? Es confuso, pero el hecho de que Peacemaker haya nacido como un spin-off de El escuadrón suicida y se no sólo se haya posicionado como una pieza vital dentro del reinicio de la franquicia, sino que además sea inmensamente divertida y satisfactoria, habla montones sobre lo imperdible que es.

Con un giro más maduro al universo de DC Comics en cine y televisión, la serie ha hecho brillar a John Cena en el papel del justiciero Chris Smith, que en la segunda temporada tuvo un enfoque mucho más emotivo, con esta trama multiversal como pretexto. Si hemos de creerle a James Gunn, la segunda temporada será la última, pero con las adaptaciones de cómics nunca hay que decir “nunca”.

4. Tu amigo y vecino Spider-Man (2025-actualidad)

Una de las principales críticas a la adaptación de Spider-Man dentro del UCM es lo dependiente que este Peter Parker (Tom Holland) era de Tony Stark (Robert Downey Jr.) y del resto de la narrativa de la saga. Aunque fue originalmente concebida como parte de la misma continuidad (con el título de Freshman Year), todo indica que fue para bien que Tu amigo y vecino Spider-Man (Your Friendly Neighborhood Spider-Man) sea parte de una continuidad paralela, una versión alternativa a los orígenes del trepamuros en el UCM.

La serie de animación es, a la vez, una modernización del héroe que a la vez recupera muchos de sus elementos clásicos, desde una dirección de arte que evoca los dibujos originales de Steve Ditko, hasta la relación del héroe con otros personajes indispensables, crucialmente haciendo a Norman Osborn su mentor. Es una de las mejores series animadas sobre el personaje (que ya es decir mucho) y una de las mejores animaciones de Spider-Man fuera de la pantalla grande (donde la distinción pertenece a Un nuevo universo y su espectacular secuela).

3. To Be Hero X (2025)

Si no estás muy enterado del mundo donghua (o de la animación china), es posible que To Be Hero X haya pasado completamente fuera de tu radar. Se trata de la tercera entrega de la serie antológica To Be Hero (siendo la segunda To Be Heroine), coproducida entre China y Japón.

Esta tercera entrega se sitúa en un mundo donde los héroes obtienen su poder de la confianza o “fe” que el público tiene en ellos, ganan habilidades según la imaginación de la gente y, entre más populares, más poderosos son, en un ejercicio sobre el impacto de la opinión pública tan fascinante como The Boys. Y el estilo de animación es de lo más ecléctico, combinando animación 3D y 2D de maneras que pondrían nerviosas a las películas de Spider-Man (y que ponen en vergüenza lo de One-Punch Man en 2025).

2. Invencible, temporada 3 (2021-actualidad)

Para muchos, Invencible sigue siendo el estándar de oro para la animación sobre superhéroes, y su tercera temporada, estrenada en 2025, dio poco lugar para debatir. Vaya, es una de las mejores series de superhéroes y punto, animación o no.

Y con una animación todavía más pulida, en conjunto con una historia que sigue explorando los dilemas morales de Mark Grayson (voz de Steven Yeun) como héroe en un conflicto implacable con la Tierra como epicentro, realmente no podemos discutir. Y con la cuarta temporada ya encima, ni tiempo para respirar.

1. My Hero Academia, temporada final (2016-2025)

La corona de la mejor serie de superhéroes de 2025 le corresponde a uno de los animes más populares de la década, que alcanzó su emotivo desenlace durante el año. My Hero Academia, manga creado por Kōhei Horikoshi, fue adaptado en forma de anime entre 2016 y 2025, casi una década de desarrollar una densa trama de héroes con intensísimos combates.

Y el final de la serie no desilusionó, a pesar de malabarear cantidades ingentes de personajes y arcos narrativos con acción trepidante, brindando un desenlace satisfactorio a una de las exploraciones más optimistas de los superhéroes de este lado de Watchmen.

Con su quinta temporada, Stranger Things llegó a su final y, como todo fenómeno de la cultura pop, se enfrentó a la imposibilidad de darle gusto a todos. Algunos amaron el final de la serie creada por los hermanos Matt y Ross Duffer, pero muchos también lo odiaron por diversos motivos.

Es algo que suele suceder con producciones de mitologías tan complejas y entrelazadas como grandes son sus fandoms, así que no será la primera ni la última serie televisiva que emocione a algunos y desilusione a otros. Por ello, aquí te recordamos otros 6 finales de la televisión odiados por los fans, incluyendo Stranger Things pero yendo mucho más allá.

Stranger Things (2016-2025)

Casi una década de desarrollo y una mitología que se expandía tanto como su elenco con cada nueva entrega, dejaron a Stranger Things con una consigna imposible para su última temporada: entregar algo aún novedoso, pero que también concluyera la narrativa con desenlaces satisfactorios para sus casi dos decenas de personajes, con las expectativas del fandom por los cielos gracias a innumerables teorías generadas y debatidas en internet. Demasiadas pelotas en el aire para malabarear, y demasiados cabos sueltos que atar.

Con todo y su metraje por encima de las dos horas, el final se sintió apresurado y, a la vez, simplón para la compleja red de acontecimientos, personajes y mitología que habían sido introducidos hasta la temporada 4. Tal ha sido el caso que incluso varios fans surgieron con la teoría de Conformity Gate, afirmando que el episodio final era falso y que la conclusión auténtica llegaría por sorpresa el 7 de enero de 2026. Un nivel de gimnasia mental admirable que, esperemos, encuentre algo de consuelo con el inminente spin-off.

Game of Thrones (2011-2019)

Aunque divisivo, el final de Stranger Things no ha sido el que mayor indignación provocó en años recientes, distinción que le pertenece a Game of Thrones con su polémica octava temporada, que con menos episodios que las anteriores apuró la conclusión de la historia.

Y no es como que no se viera venir que varios de los personajes, como Jon (Kit Harington) y Daenerys (Emilia Clarke), terminarían exactamente donde lo hicieron, pero sin el material del autor George R.R. Martin como referencia—la serie se adelantó a los libros que adapta—, la producción de David Benioff y D.B. Weiss optó por tomar atajos. El resultado, aunque congruente con lo que se fue sembrando, se sintió más brusco que justificado. Sin embargo, los fans no han abandonado el mundo de Canción de hielo y fuego, con el spin-off de La casa del dragón aún en curso, y uno más en camino con El caballero de los Siete reinos.

Cómo conocí a tu madre (2005-2014)

Las sitcoms (comedias de situación) tampoco están exentas de despertar fuertes pasiones con sus conclusiones, y aunque difícilmente le dan gusto a todos (tanto Friends como Seinfeld también pueden dar cuenta de ello), pocas han indignado tanto como el final de Cómo conocí a tu madre (How I Met Your Mother).

Las nueve temporadas de la serie se construyen sobre la narración que Ted Mosby en el futuro (con voz de Bob Saget narrando en retrospectiva) hace a sus hijos sobre cómo conoció a la mujer que se convertiría en su esposa. ¿Y qué sucede en la novena temporada? La susodicha, Tracy (Cristin Milioti), es introducida por algunos episodios (la gran revelación de toda la serie), sólo para que se nos explique que murió de cáncer años después. El punto: que Ted (Josh Radnor) pudiera justificar su regreso con Robin (Cobie Smulders), su novia intermitente durante décadas.

Perdidos (2004-2010)

Quizá más que ninguna otra serie en este listado, Perdidos (Lost) despertó un nivel histérico de obsesión por parte de sus fans, en un tiempo pre-Netflix en el que las series estrenaban episodios semanalmente e incluso podían pasar muchos meses (si no es que años) entre una temporada y otra.

Y la serie cocreada por Jeffrey Lieber, J.J. Abrams y Damon Lindelof es, quizá, un ejemplo paradigmático de que difícilmente se le podrá dar gusto a un fandom tan intensamente dedicado, que tejió complejas teorías sobre lo que realmente sucedió a los sobrevivientes del vuelo 815 en la isla. La respuesta terminó siendo bastante más simple de lo que su compleja trama y estructura—rebosante de personajes y saltos en el tiempo—parecía prometer.

Dexter (2006-2013)

Otra serie producto de un tiempo en el que las series eran creadas y consumidas a un ritmo mucho más pausado, y en el que la fascinación por polémicos antihéroes—sobre todo en la forma de criminales, como Los Soprano o Breaking Bad—estaba en su auge. Dexter, sin embargo, tuvo un final tan mal recibido que casi se convirtió en moneda de cambio para hablar de finales de televisión odiados por incongruentes o ridículos.

Pocos de sus fans nos dejarán mentir si decimos que la serie había ido en declive desde varios años antes de su conclusión, desvirtuando la narrativa sobre el protagonista homónimo (Michael C. Hall), técnico forense de Miami durante el día y asesino justiciero por la noche. El final, más propio de telenovela, lo vio fingir su muerte y mudarse a Oregon bajo la identidad de un leñador (con desenlaces igual de polémicos y absurdos para otros personajes). Por fortuna, la serie tuvo dos revivals, Dexter: New Blood y Dexter: Resurrección que han permitido a Hall y compañía cerrar la historia del personaje con mayor coherencia. Y dignidad.

Dos hombres y medio (2003-2015)

Dos hombres y medio (Two and a Half Men) es un ejemplo paradigmático de una sitcom que se mantiene por más tiempo del debido, sobre todo después de polémicas detrás de cámaras. El comportamiento errático de su (igualmente polémica) estrella, Charlie Sheen, así como su ingreso a rehabilitación y comentarios que hizo sobre el creador de la serie, Chuck Lorre, condujo a su despido en la octava temporada, con Ashton Kutcher como su reemplazo en un nuevo papel.

Dentro de la serie, la ausencia de Charlie fue explicada como un asesinato por parte de su exnovia psicópata, Rose (Melanie Lynskey), una decisión creativa que fue revertida cerca del final. La muerte de Charlie habría sido fingida por ella, para después manipularlo y convertirlo en un psicópata también. El episodio final concluye con Charlie regresando a casa, sólo para morir cuando un piano le cae encima, escena seguida por el propio Lorre apareciendo a cámara para burlarse de Sheen. Una serie que debió acabar unas ocho temporadas atrás y que, hoy en día, pocos extrañan.

Gilmore Girls (2000-2007, 2016)

No vamos a discutir que la serie creada por Amy Sherman-Palladino está repleta de personajes complejos, contradictorios pero repletos de encanto. Sin embargo, lo frustrante con el final de Gilmore Girls fue que, sobre todo en lo concerniente a Rory (Alexis Bledel), dejando muchos cabos sueltos en sus relaciones, particularmente con su madre, Lorelai (Lauren Graham).

Y pocas series tienen la distinción de brindar no uno, sino dos finales decepcionantes. Y el revival Gilmore Girls: Un nuevo año (Gilmore Girls: A Year in the Life) fue más que decepcionante, pues provocó indignación al mostrar una regresión total de Rory a una niña malcriada, condenada a repetir los errores de su madre, sólo que peor. Lo bueno es que Sherman-Palladino hizo las cosas mucho mejor con La maravillosa Sra. Maisel. 

Con algo de polémica y opiniones encontradas, Stranger Things, creación de los hermanos Matt y Ross Duffer, llegó a su fin con su quinta temporada. Sin embargo, hablamos de uno de los títulos más populares de Netflix, su serie insignia, con una legión de fanáticos que siguen creando teorías y que, obviamente, se quedaron con ganas de más.

Y sí habrá más, aunque no en las formas que muchos esperan. El final de la serie dejó algunos hilos que podrían ser explorados, pero no todos se consolidarán en nuevos spin-offs de Stranger Things. Aquí te contamos cuáles historias podríamos ver en el futuro, y cuáles sí ya son un hecho. Spoilers de la serie a continuación.

1. ¿Encuéntrame en Montauk?

Uno de los aspectos más románticos en el final de Stranger Things fue el desenlace para Jim Hopper (David Harbour) y Joyce Byers (Winona Ryder). Ahora sin Jane (Millie Bobby Brown) y con ambos hijos de Joyce fuera de casa, la pareja decide casarse y mudarse a Montauk (algo que los románticos podrían haber interpretado como un guiño a Eterno resplandor de una mente sin recuerdos).

Y sin duda, sería viable continuar la historia de Hopper como oficial de policía en un sitio diferente. Sin embargo, la alusión a Montauk fue sólo una referencia muy clavada para los entendidos de la historia de Stranger Things detrás de cámaras: Montauk también fue el título del pitch original de los Duffer para la serie, y ahí sería donde se iba a llevar a cabo (el lugar también fue la locación para el rodaje de Tiburón, una de sus principales influencias). A su vez, esto alude a la teoría conspirativa del mismo nombre, que también inspiró algunos elementos de la producción.

¿Será realidad?

No. Los Duffer ya han esclarecido que lo de Montauk sólo fue un guiño para los fans y que, en el afán de contar historias totalmente diferentes y novedosas, el universo de Stranger Things tiene que abandonar a su elenco y personajes originales.

2. Nancy Wheeler, periodista

Uno de los personajes más interesantes de toda la serie, dada su radical evolución desde la primera temporada, es Nancy Wheeler (Natalia Dyer). Desde los primeros episodios como una chica consentida, pasa a convertirse en una aspirante a periodista e incluso llega a ser una heroína de acción al más puro estilo de Ellen Ripley en Aliens.

En el epílogo, es por mucho la que toma el camino más aventurado entre el cuarteto de jóvenes adultos (completado por Jonathan, Robin y Steve), al grado de que abandonó la universidad para tomar un trabajo en una redacción periodística. Por supuesto que nos la imaginamos desenterrando todo tipo de conspiraciones como una profesional.

¿Será realidad?

Tampoco. De nuevo, los Duffer han enfatizado que explorarán historias y personajes nuevos dentro del mismo universo, por lo que es muy improbable ver un spin-off dedicado a Nancy Wheeler o al resto del elenco original.

3. Nana Steve

¿Te imaginas a Stranger Things sin Steve Harrington (Joe Keery)? El plan original de los Duffer para el primer bravucón de la serie era la muerte en la primera temporada, pero les agradó tanto el actor que decidieron tenerle piedad al personaje. Luego de una gran respuesta y de un arco de redención que prácticamente lo convirtió en la “nana” no oficial de los personajes infantiles, cuatro temporadas después parece un personaje escrito por y para internet. Mucha de la tensión en la temporada final giró en torno a si Steve “el pelazo” Harrington sufriría el mismo destino de Eddie Munson (Joseph Quinn), y la producción lo usó a su favor con ese cardiaco corte a negro.

El final de la serie ve a Steve convertido en todo lo que nadie esperaba al principio: un coach de béisbol y profesor de preparatoria que nunca dejó Hawkins. Por supuesto que amaríamos ver más de la “Nana Steve”, sobre todo cuando Derek (Jake Connelly) ya es parte de la ecuación.

¿Será realidad?

No, por los motivos arriba expuestos. Pero nos encanta soñar con ello.

4. Regreso a 1985

Y no, no nos referimos a Volver al futuro, sino a que parte de Stranger Things continuará en forma de flashback por medio de la animación. Stranger Things: Relatos del 85 será una serie animada que se situará durante el invierno entre la segunda y la tercera temporada de la serie, siguiendo a los mismos personajes en un tipo de aventura diferente, pero igual ligada a la mitología original.

La serie de animación, en el mismo espíritu nostálgico de la franquicia, pretende rescatar algo del pasado, pero en este caso intentará emular el ánimo de las “caricaturas de sábados por la mañana”. La producción ha citado a la serie Los auténticos Cazafantasmas como su estrella polar, aunque con un estilo de animación moderno que evoca a éxitos modernos como Arcane: League of Legends o Spider-Man: Un nuevo universo.

¿Será realidad?

Sí, la serie ya tiene su estreno confirmado para algún momento de 2026, aunque ignoramos si la historia irá más allá de una temporada. Y está por verse, también, qué tanta frescura puede traer cuando está acotada por dos temporadas de una historia ya concluida.

5. La campaña de Holly la heroica

La quinta temporada de Stranger Things fue, en cierto modo, un “pase de estafeta” para una generación de personajes más jóvenes (aunque nunca llegó a concretarse). El equipo original de Mike Wheeler (Finn Wolfhard) se ha separado para irse a la universidad, pero su hermana Holly (interpretada por Nell Fisher en la última temporada) juega un rol más importante en la trama cuando ella y otros once niños son secuestrados por Henry Creel/ Vecna (Jamie Campbell Bower).

Como amuleto, Mike le da a Holly una figurita para jugar Calabozos y Dragones, una clériga llamada Holly la heroica. En el epílogo, Mike ve a Holly continuar la tradición de sus amigos, jugando su propia campaña en el sótano.

¿Será realidad?

Improbable, considerando que la historia del Otro Lado ha terminado, y que los Duffer han enfatizado que continuarán el universo de Stranger Things en otras épocas, sitios y con diferentes personajes. Sin embargo, Nell Fisher, Jake Connelly y el resto del nuevo elenco infantil fueron bien recibidos, y verlos crecer sería una excelente oportunidad de llevar la narrativa de los 80 hacia los 90 (el epílogo sucede en 1989).

6. Mike, el narrador de historias

Hablando de Mike Wheeler, su desenlace es el más importante de todos, consolidando su lugar como el “corazón” del equipo. Mientras todos sus amigos siguen con sus vidas, Mike permanece en un lugar de reconciliación con lo que pudo ser. El final que vemos para Jane/ Once parece ser producto de su imaginación, pero es la historia que él decide creer para que él y el resto del equipo original puedan seguir adelante.

Y entonces lo vemos convertirse en escritor, al más puro estilo de Stephen King (lo que sería poético, dado la influencia del autor en la serie y en el terror como género). Es fácil imaginar a Mike seguir su vida contando historias inspiradas en sus días de Calabozos y Dragones, así como en sus aventuras para combatir las fuerzas del Otro Lado.

¿Será realidad?

Quizás, pero es un GRAN QUIZÁS. Los Duffer ya tienen pensado un spin-off de Stranger Things en concreto, y si bien no han dicho de qué va, sí han declarado que el único que dedujo lo que será, es Finn Wolfhard. En dicha entrevista, el spin-off fue descrito por el joven actor como “similar a Twin Peaks de David Lynch. Como una antología y diferentes tonos, pero un universo similar o incluso el mismo. Creo que situado en diferentes lugares y todo amarrado por la mitología del Otro Lado. Ni siquiera hablará de Hawkins. No tendrá mención de nuestros personajes”. ¿Qué pasaría si Mike fuese el narrador de esas historias?

7. Una precuela de Stranger Things

Aquí estamos haciendo un poco de trampa, pero en nuestra defensa, mucha de la mitología de Stranger Things viene de muchos años previos al desarrollo de la serie, en los 80. Entre las historias de Henry Creel, el Dr. Brenner (Matthew Modine), la madre de Once, Terry Ives (Aimee Mullins) e incluso varios años más atrás, hay bastante mitología a expandir y explorar que no queda tan esclarecida durante las cinco temporadas de la serie.

Hay mucho potencial en las décadas previas a la serie… y estamos haciendo algo de trampa, pues ya hay algo que la explora. Se trata de Stranger Things: The First Shadow, que relata los eventos que dieron origen a los experimentos de Brenner con Henry.

¿Será realidad?

Ya es realidad. El problema es que es una obra de teatro en Broadway, así que se necesita ir hasta allá para verla (aunque Netflix ha lanzado un documental sobre la producción de la obra). Pero es una historia canónica que fácilmente podría adaptarse a la televisión… aunque es improbable que esto suceda si los Duffer, en efecto, quieren explorar otras cosas de este universo. Sin embargo, hay algo en esta historia que ya está confirmado como el puente para el spin-off.

8. ¿Qué hay en esa maleta?

Uno de los grandes misterios del final de Stranger Things es lo que le sucedió a Henry cuando tuvo el encuentro en la cueva de Nevada con el misterioso hombre (interpretado por Frederick Koehler), un científico fugitivo que en realidad era un espía soviético infiltrado en las investigaciones de Brenner, y que huyó con una maleta robada. Este encuentro no sólo es representado en la quinta temporada, sino también en la obra de teatro.

El contenido de la maleta parece una roca, una especie de tecnología interdimensional que marca el primer contacto del pequeño Henry Creel (Maksime Blatt) con el Vacío, también llamada Dimensión X. Los Duffer han confirmado que este elemento conectará a Stranger Things con el spin-off.

¿Será realidad?

Sí, este es el spin-off en el que los Duffer han confirmado que están trabajando, y encajaría con lo que han dicho antes sobre su nueva serie: que estará situada en el mismo universo, pero que llevará la mitología hacia nuevos personajes y épocas. Y nunca se esclareció qué fue de esa roca, así que todo puede pasar…

Spider-Man: Un nuevo día (Spider-Man: Brand New Day) trae de regreso a Tom Holland como Peter Parker, en su cuarta aventura en solitario como el trepamuros dentro del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Y entre múltiples crossovers y viajes por el multiverso, ha sido un largo camino del que, quizá, has olvidado algunos puntos importantes.

Para refrescar tu memoria, a continuación te explicamos todas las películas de Spider-Man que debes ver antes de Un nuevo día, incluyendo sus participaciones en otras entregas dentro de la continuidad del UCM. Es decir que no tomaremos en cuenta a otras adaptaciones cinematográficas del personaje (si eso es lo que buscas, revisa esta guía). Pequeños spoilers a continuación.

Capitán América: Civil War (2016)

Un detalle importante para recordar es que el Spider-Man del UCM no debutó en su propia película en solitario, sino como parte de un crossover. Capitán América: Civil War revela que Tony Stark (Robert Downey Jr.) había vigilado a Peter Parker desde sus inicios como justiciero independiente, y lo recluta para su lado en el conflicto con Steve Rogers (Chris Evans).

Esta historia establece a un trepamuros más “tecnificado”, pues Stark provee a Peter un disfraz con toda clase de discretos gadgets. Así se forja también la relación de mentor y protegido que existe entre estas versiones de los personajes, y que resulta determinante para la narrativa de este Spider-Man en toda su primera etapa.

Spider-Man: De regreso a casa (2017)

La primera aventura de este trepamuros en “solitario” (énfasis en las comillas) sería Spider-Man: De regreso a casa, una película que abraza la faceta del héroe como un adolescente en pleno aprendizaje de la máxima “con un gran poder, viene una gran responsabilidad”. Es Spider-Man filtrado por el cine de John Hughes, con todo y referencias a Un experto en diversiones (Ferris Bueller's Day Off).

La película introduce a personajes clave en la trama de trepamuros, como su versión de MJ (Zendaya) y su mejor amigo, Ned Leeds (Jacob Batalon). Sin embargo, nuestro héroe aún existe bajo la sombra de Iron Man, su modelo a seguir y a quien busca impresionar, a veces con resultados catastróficos.

Avengers: Infinity War (2018)

Nuestro Spider-Man tendría que poner su aprendizaje en pausa una vez más para otro crossover, todavía más masivo que el anterior. Avengers: Infinity War arroja a Spidey a una sopa de personajes que incluye a Iron Man, Doctor Strange (Benedict Wong) y parte de los Guardianes de la Galaxia en conflicto directo con Thanos (Josh Brolin), cuya misión por reunir las Gemas del infinito deben detener a toda costa.

No es una entrega particularmente notable del UCM en términos de desarrollo del personaje para el arácnido, quien aquí funge como alivio cómico en primer lugar, y carne de cañón en segundo (aunque no deja de ser impactante verlo sucumbir ante el “chasquido” de Thanos, lo que se vuelve un motivador determinante para Stark). Pero al menos hay buen fanservice, con Spidey adoptando la versión UCM del disfraz conocido como Iron Spider.

Avengers: Endgame (2019)

Dada la conclusión de Infinity War, Spidey está ausente de esta historia, que retoma cinco años después (en 2023), con la humanidad sobreponiéndose a la pérdida de la mitad de los seres vivos en el planeta (y en el universo). Avengers: Endgame sigue a los Vengadores restantes en su misión por reunir las Gemas del infinito de diversos puntos en el tiempo, y así revertir el genocidio de Thanos.

Spoiler: lo consiguen a tiempo para que Spidey (y muchos otros héroes) se unan al campo de batalla en el enfrentamiento final contra Thanos. La principal baja es el propio Tony Stark, quien se sacrifica para detener al villano de una vez por todas. Y Peter está ahí en sus últimos momentos, lo que se vuelve determinante para el personaje en sus aventuras posteriores.

Spider-Man: Lejos de casa (2017)

La segunda aventura de Spidey en solitario lidia directamente con las repercusiones de haber presenciado la muerte de su mentor. Spider-Man: Lejos de casa manda a Peter y sus amigos a un viaje escolar por Europa, y el joven héroe debe enfrentar su duelo mientras se involucra con Quentin Beck, quien resulta ser el villano Mysterio, alguien con una vendetta pendiente con Stark Industries que concluye con la identidad de Spider-Man siendo revelada al mundo entero, con repercusiones desastrosas para su vida personal.

Como película de Spider-Man, es una de las más interesantes por sacar a Peter por completo de su elemento, llevándolo de los rascacielos neoyorquinos a Londres, y consagrando su crecimiento como pocas películas adolescentes de “pez fuera del agua” (como Bumblebee). También es espectacular al representar locaciones icónicas atravesando desastres (como Thor: Un mundo oscuro), aunque comienza a pecar de los vicios del UCM de la fase 3 en adelante: demasiados elementos y subtramas en juego, incluyendo la introducción del multiverso y la reintroducción de los Skrulls.

Spider-Man: Sin camino a casa (2019)

Dejando a un lado Endgame, el UCM no ha vuelto a ser tan grande y popular como en Spider-Man: Sin camino a casa. Por mucho la más exitosa entrega en la “Saga del Multiverso” de la franquicia, es la que ha demostrado que no existe héroe de Marvel más popular que Spidey. ¿Y qué sucede cuando lo multiplicas por tres?

Valiéndose del recurso del multiverso, esta película es un crossover totalmente diferente, que reúne al Spidey de Tom Holland con sus variantes (versiones alternativas de universos paralelos), específicamente, con sus encarnaciones de las adaptaciones previas: Tobey Maguire y Andrew Garfield, pero también con toda su galería de villanos (con el temible Norman Osborn de Willem Dafoe como el mejor de todos).

Por un lado, Sin camino a casa concluye el primer arco para el Peter Parker de Tom Holland, quien finalmente sale de la sombra de Tony Stark y se convierte en héroe bajo sus propios términos, y con un borrón y cuenta nueva entrando a Un nuevo día. Es, a su vez, un cierre de arco narrativo para las otras encarnaciones del personaje, amarrando particularmente la trama inconclusa del Peter Parker de El sorprendente Hombre araña 2.

Spider-Man: Un nuevo día (2026)

Poco sabemos oficialmente sobre Spider-Man: Un nuevo día. Por un lado, por la magia de Doctor Strange al final de Sin camino a casa, sabemos que la identidad de Peter Parker ha sido borrada de la memoria colectiva, así que Peter recupera su anonimato, pero está completamente solo. Por otro lado, el título de la película es prestado de un arco de los cómics que, si bien por otra vía, también fue un borrón y cuenta nueva para el trepamuros.

La película también contará con la actuación de Sadie Sink de Stranger Things en un rol que se ha mantenido en secreto, pero que parece tener implicaciones multiversales. Siendo que seguimos dentro de la “Saga del Multiverso” del UCM y que Un nuevo día es la última película de la saga antes de Avengers: Doomsday, seguro algo tendrá que aportar a la gran narrativa de los Vengadores en su lucha contra Doctor Doom (quien, crucialmente, también será interpretado por Robert Downey Jr.).

En años recientes, uno de los sellos de producción y distribución independiente que más entusiasman a los cinéfilos, es A24. Y si bien ha destacado en una amplia gama de géneros, en pocos lo ha hecho como en el terror, donde ha producido varios títulos esenciales en lo que llevamos del siglo XXI.

Han sido muchas sus aportaciones al canon, pero no todas han alcanzado las mismas alturas. Si quieres conocer más sobre las producciones del estudio dentro de este particular género, seleccionamos para ti las 10 mejores películas de terror de A24 (y te decimos cómo verlas).

10. Pearl (2022)

Fácilmente podríamos incluir completa a la “trilogía X” de Ti West y Mia Goth en este listado, pero si hemos de quedarnos con una, tendría que ser Pearl por la potencia interpretativa de Goth en esta entrega, la segunda en ser estrenada pero la primera cronológicamente.

Con guiños a clásicos de la era dorada de Hollywood como El mago de Oz, esta es la película que ata la tesis presentada por X y cerrada por MaXXXine sobre la relación de explotación que existe entre el ideal de fama y el cuerpo femenino, que a lo largo de las épocas se transforma en un grillete diferente, pero siempre moralino y represor para las mujeres que aspiran a conseguirla. Y Mia Goth está aquí en su estado más deliciosamente demencial.

9. In Fabric: Vistiendo la muerte (2018)

Una de las mejores películas de terror de A24 es, también, una de sus más tristemente infravaloradas, pero es una deliciosidad por su mezcla de influencias (que van desde Carnaval de almas a clásicos del giallo como Rojo profundo) para contar una historia gloriosamente estrafalaria.

In Fabric: Vistiendo la muerte sigue a una mujer reprimida sexualmente (Marianne Jean-Baptiste) que queda fascinada por un misterioso vestido rojo. La prenda, sin embargo, sólo atrae incidentes extraños y violentos a su vida familiar, y pronto descubre que se trata de una maldición de la que es prácticamente imposible escapar.

8. High Life (2018)

Una de las películas de terror de A24 posiblemente más ignoradas al ser una de las menos convencionales y temáticamente más densas. High Life es, en realidad, una propuesta de corte más autoral, en el que la directora Claire Denis (Sangre caníbal) mezcla elementos de ciencia ficción con una trama existencial y psicosexual. Cualquier cosa, pues.

La película sigue a Monte (Robert Pattinson) y su hija Willow (Jessie Ross), que viven completamente aislados en una nave espacial. Son lo último que queda de un grupo de reos que, a cambio de la pena de muerte, se entregaron a una misión espacial rumbo a un agujero negro. Como Ad Astra o Solaris, pero profundamente más desoladora.

7. Háblame (2023)

El largometraje debut de los hermanos Michael y Danny Philippou es una devastadora alegoría sobre los profundos efectos psicológicos de la pérdida y la depresión, con más tacto e impacto que propuestas contemporáneas como Sonríe (e incluso la sucesora de los propios Philippou, Haz que regrese).

Háblame es la historia de una adolescente (Sophie Wilde) quien se engancha a la emoción de invocar los espíritus de los muertos por medio de una cadavérica mano embrujada. Sin embargo, cuando logra establecer contacto con su madre muerta por este medio, desencadena una espiral de eventos macabros que tendrá fatales consecuencias.

6. El faro (2019)

Antes de dar el salto a proyectos más ambiciosos, el director Robert Eggers fue responsable por no una, sino dos de las mejores películas de terror de A24. La segunda de las dos fue El faro, en la que dos hombres (Willem Dafoe y Robert Pattinson) durante el siglo XXI se confinan a una remota isla como guardianes de un faro, con sus mentes deteriorándose ante las inclemencias del clima, la soledad y lo que podría ser una amenaza sobrenatural.

En esta película, Eggers reiteraba su talento para crear atmósferas perturbadoras pero realistas y auténticas en épocas pasadas Algo que había hecho con la misma precisión en su largometraje debut y que continuaría con sus producciones más ambiciosas, como El hombre del norte y su remake de Nosferatu.

5. Midsommar: el terror no espera la noche (2019)

Otro de los cineastas que ha creado más de una de las mejores películas de terror de A24, es Ari Aster, cuya peculiar sensibilidad para crear imágenes violentas y sumergirse en lo más oscuro de la vida familiar humana ha resultado en algunos de los títulos más perturbadores del siglo XXI.

Tomando inspiración de clásicos del folk horror como El hombre de mimbre, Midsommar es una película que se adentra en la depresión de una joven mujer (Florence Pugh), quien ha perdido a toda su familia. Cuando acompaña a su novio (Jack Reynor) a unas peculiares fiestas juninas en Suecia, comienza a deteriorase mucho más que su relación, en un auténtico descenso hacia la locura que deconstruye la naturaleza del amor, pero también del individualismo.

4. Salvando almas (2019)

Antes de dirigir la más extravagante (pero igual de potente) Amor, mentiras y sangre, Rose Glass debutó con Salvando almas (Saint Maud), un perturbador terror psicológico que se adentra en los rincones más oscuros del fanatismo religioso. La trama trata sobre una inestable enfermera de cuidados paliativos (Morfydd Clark) que atiende a una hedonista pero frustrada exbailarina (Jennifer Ehle) que padece cáncer terminal. Su choque de personalidades y visiones del mundo saca lo peor en la enfermera, convivencia de que Dios le ha confiado la misión de salvar el alma de su paciente.

Esta película narra el impactante declive psicológico de una protagonista en soledad, similar a La cabaña siniestra, pero con un elemento de crítica religiosa que la emparenta con la más reciente Hereje.

3. El legado del diablo (2018)

El largometraje debut de Ari Aster es una propuesta que bebe de las fuentes de El exorcista y Amenaza en la sombra para demoler con poderosos y horripilantes martillazos la idea de que el núcleo familiar es un refugio que todo lo puede.

Esto, dado que la familia en El legado del diablo (Hereditary) es un manojo disfuncional de depresión, negligencia y resentimiento que podría (o no) estar siendo saboteado por una secta con intereses más oscuros. Todavía más perturbador es preguntarse si lo que sucede es obra de lo sobrenatural, o de cada miembro de la familia sucumbiendo a sus peores impulsos.

2. La bruja (2015)

El largometraje debut de Robert Eggers (y primer crédito como actriz de Anya Taylor-Joy) es el ejemplo paradigmático del tipo de películas que establecieron a A24 como un sello de prestigio dentro del cine de terror (y que popularizaron la errónea noción del “terror elevado”).

Sin embargo, el nivel artístico de La bruja es algo que el estudio rara vez ha igualado, y pocas películas (salvo la filmografía del propio Eggers, como El faro) han podido igualar, tanto en la meticulosa construcción de su mundo—las inclemencias de Nueva Inglaterra del siglo XVII—como de su historia—sobre una joven de una familia puritana que abraza la naturaleza ante el vacío de fe—. Madre oscura y Cuando acecha la maldad encuentran territorio en común, pero sin el inglés antiguo y la desolación rural, no es exactamente lo mismo.

1. Vi el brillo del televisor (2024)

Si La bruja fue una de las manifestaciones iniciales del terror autoral que distinguiría al repertorio de A24, Vi el brillo del televisor (I Saw the TV Glow) estaría destinada a convertirse en una de sus expresiones más brillantes, nostálgica e inquietante por partes iguales. Dirigida por Jane Schoenbrun, la película comienza en los 90 y sigue a dos solitarios adolescentes (Justice Smith y Jack Haven) unidos por su afición a un singular programa de televisión juvenil que transforma sus vidas en un nivel profundo. De un día para otro, sin embargo, las cosas cambian.

Es un trabajo singularmente lynchiano en el mejor sentido de la palabra, no derivativo, sino evocativo de las vibras de clásicos como Mulholland Drive para brindar una exploración de la identidad de género y de la profunda oscuridad de la represión, o de sentirse atrapado en el propio cuerpo.

Luego de recibir el premio a Mejor actriz del Festival de Cannes por La peor persona del mundo, Renate Reinsve se ha convertido en una de las actrices más aclamadas de su generación, aparentemente de la noche a la mañana. Sin embargo, ha trabajado en el cine noruego desde 2011, e incluso recibió el premio Hedda para la actuación en teatro en 2014.

A raíz de su colaboración con el director Joachim Trier, su carrera ha emigrado a otros países como Estados Unidos, donde ha realizado dramas independientes e incluso series de televisión. Para que conozcas más sobre su trayectoria, aquí rankeamos las películas y series de Renate Reinsve, incluyendo Valor sentimental.

1. La peor persona del mundo (2019)

A pesar de que ha construido una filmografía a partir de la película que la convirtió en estrella, lo cierto es que nada en ella ha superado (aún) su trabajo en La peor persona del mundo. Cual “coming-of-age tardío”, esta película sobre cuatro años en la vida de una mujer navegando las aguas del amor y su vocación profesional vive y muere por su interpretación como una joven carismática en busca de sentido y conexión.

Es una película emotiva y poderosa que ha hablado a toda la generación millennial sobre los vaivenes de la adultez, en un modo similar a como Antes del atardecer o (500) días con ella harían en su momento. Aún insuperable en las respectivas filmografías de Reinsve y el director Joachim Trier, aunque ambos han estado cerca.

2. Valor sentimental (2025)

Ganadora del Grand Prix en Cannes, Valor sentimental es otra formidable colaboración entre Joachim Trier y Renate Reinsve, quien aquí es acompañada por un elenco impecable en una historia sobre hacer cine. La trama sigue la fracturada relación entre una actriz (Reinsve) y su padre, un aclamado director de cine (Stellan Skarsgård), que se complica cuando éste decide realizar una película profundamente personal y vinculada a la historia familiar.

Esta es una película que aborda muchos temas, en una narrativa que entreteje las vivencias personales y familiares con la expresión artística, y esta misma como una forma de sanar y conectar. Tiene algo tanto para fans de Aftersun como de La isla de Bergman e incluso del director Nanni Moretti, quien presenta reflexiones relacionadas sobre el cine en Lo mejor está por venir.

3. Armand, una acusación peligrosa (2024)

En el thriller Armand, una acusación peligrosa (dirigida por Halfdan Ullmann Tøndel, nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullmann), Renate Reinsve interpreta a una joven madre viuda cuya vida comienza a desmoronarse cuando es llamada al colegio de su hijo de seis años, a quien se acusa de agredir sexualmente a otro niño. Por medio de diálogo en largas tomas tensas, se van desgranando y sugiriendo las dinámicas familiares que podrían haber dado lugar a lo que realmente sucedió: los niños son primos, sus madres son cuñadas, y parece haber tensiones en ebullición bajo la superficie.

Ullmann toca temas espinosos donde, similar a La caza de Thomas Vinterberg, se reflexiona sobre las aguas de la “verdad”, enturbiadas por resentimientos, histeria y corrección política. La película oscila erráticamente en ritmo, incluso ahondando en elementos oníricos, pero si algo la sostiene y la vuelve fascinante es, de nuevo, la actuación de Reinsve en un rol de una madre bajo niveles ingentes de tensión.

4. Un hombre diferente (2024)

El salto oficial de Renate Reinsve al cine estadounidense vino con la comedia psicológica Un hombre diferente, aunque en un papel secundario—aunque igualmente maravillosamente ejecutado—. La trama sigue a un hombre deformado por neurofibromatosis (Sebastian Stan) que se enamora perdidamente de su vecina, una atractiva dramaturga. Al conseguir una milagrosa cura para su condición, él decide asumir una nueva identidad y comenzar de nuevo. Comienza a acercarse a la mujer cuando descubre que ella está escribiendo una obra inspirada en él, pero todo se complica cuando entra en escena un carismático actor (Adam Pearson), seguro de sí mismo a pesar de su condición.

Con El hombre elefante como su obvio referente, la película dirigida por Aaron Schimberg lidia con cuestiones complejas como las expectativas de la seguridad masculina y la identidad performativa. En ese sentido, Renate constituye un elemento central para el análisis, pues el trabajo de su personaje como dramaturga va al fondo de los entrecruces entre verdad y ficción en el arte.

5. Descansa en paz (2024)

Renate Reinsve también ha tenido un par de incursiones en el cine de terror, y la mejor es esta singular película de zombis. En el thriller de terror Descansa en paz (Handling the Undead), los muertos de Oslo vuelven milagrosamente a la vida. La trama se desarrolla como tres historias independientes en este suceso, con Renate interpretando a una joven madre que aún llora la muerte de su pequeño hijo, cuando este regresa inesperadamente a la vida.

Sin embargo, hay que decir que esto no es cine de zombis en el sentido convencional, pues en vez de adoptar las convenciones del terror como espectáculo, adopta un ritmo más pausado para abrazar la contemplación de la muerte y el luto (con Reinsve fenomenal, de nuevo). Es una película basada en una novela del escritor John Ajvide Lindqvist, quien también es autor de Déjame entrar, otra singular propuesta de terror vampírico.

6. Un final diferente (2024)

En el romance de ciencia ficción Un final diferente, dirigida por el italiano Piero Messina, Renate Reinsve realiza un papel dual. Por un lado es Zoe, una mujer que murió trágicamente en un accidente de auto, dejando a su esposo Sal (Gael García) con culpa del superviviente. La hermana de Sal, Ebe (Bérénice Bejo) trabaja en una compañía llamada Aeternum, cuya innovadora tecnología permite descargar temporalmente las memorias de los seres queridos en otras personas para poder despedirse de ellas. Así, Sal comienza a encontrarse con Ava (también Reinsve), la mujer que aloja los recuerdos de su amada.

La película aborda el luto de un modo similar a Descansa en paz, pero por vía de una ciencia ficción que te recordará a series como Black Mirror o a La bestia, de Bertrand Bonello (francamente superior, si somos sinceros). Y de nuevo, es Renate Reinsve quien entrega la actuación más cautivadora y luminosa del elenco.

7. Se presume inocente (2024)

La otra incursión de la actriz en Hollywood vino en Se presume inocente (Presumed Innocent), miniserie de Apple y remake de la película homónima con Harrison Ford. Se trata de un thriller en el que una fiscalía de Chicago es puesta de cabeza cuando uno de los suyos (Jake Gyllenhaal) se convierte en el principal sospechoso de una colega (Renate Reinsve), lo que también devasta su vida familiar al revelarse que ambos tenían un amorío.

Mucho menos concisa que su versión fílmica, Se presume inocente es de los papeles menos cautivadores de Renate sencillamente en razón de que su rol es breve y poco profundo, más un macguffin que un personaje bien construido. Es, por lo menos, un thriller legal interesante, que disfrutarás si te gustan títulos similares como Jurado No. 2.

8. Oslo, 31 de agosto (2011)

El debut cinematográfico de Renate Reinsve y su primera colaboración con Joachim Trier, Oslo, 31 de agosto es un drama sobre un adicto a la heroína en recuperación (Anders Danielsen Lie) quien intenta reconectar con sus viejos amigos y conocidos durante un día (es un remake libre de El fuego fatuo, de Louis Malle).

La incluimos en este ranking puesto que se trata del debut de Reinsve, aunque en realidad apenas si aparece en la película (aunque dejó tal impresión en Trier que la invitaría a su determinante segunda colaboración juntos). La película forma parte de la “trilogía de Oslo” del director junto con Reprise: Vivir de nuevo y La peor persona del mundo (siendo Danielsen Lie el actor en común entre las tres).

9. Villmark 2 (2015)

La primera incursión de Renate Reinsve en el terror sería en Villmark 2, también conocida como Bosque tenebroso 2 en algunos territorios. Esta película de terror noruega sigue a un grupo de trabajadores que deben registrar un sanatorio abandonado para confirmar que no haya residuos tóxicos previo a su demolición, pero una vez dentro se encuentran con cosas más tenebrosas.

Es uno de los primeros papeles de la actriz en cine, pero es uno de los menos notables porque es, en esencia, una producción de terror genérica sobre sitios abandonados y embrujados, claramente inspirada en propuestas mejor ejecutadas como Session 9 o lo que eventualmente sería la coreana Gonjiam: Hospital maldito.

El Universo El conjuro (The Conjuring Universe), también conocido en algunos territorios como Universo Expediente Warren, es una de las sagas de terror más exitosas en la historia del cine. También es una de las más extensas, pues después de El conjuro, la franquicia ha tenido varios spin-offs que, estrenados en desorden, pueden ser un dolor de cabeza para hilar la historia.

¿La solución? Ver todas las películas del Universo El conjuro no en orden de estreno, sino en orden cronológico. En esta guía te diremos cómo verlas en esta secuencia para que no te pierdas en este mundo siniestro.

La monja (2018)

Situada en Rumanía durante 1952, La monja (The Nun) es, de lejos, el primer relato en orden cronológico dentro del Universo El conjuro, aunque en realidad es un spin-off creado para la villana titular (Bonnie Aarons), introducida en El conjuro 2.

La trama sigue a una novicia (Taissa Farmiga) y a un sacerdote experto en exorcismos (Demián Bichir) que investigan el suicidio de una monja, lo que los conduce a descubrir un secreto profano y terrible en el convento que pone a prueba su fe. Tan influenciada por El exorcista como por El bebé de Rosemary, en cierto sentido.

Annabelle 2: La creación (2017)

Sí, el “2” en el título localizado puede ser de lo más confuso, pero que no te engañe: Annabelle 2: La creación (Annabelle: Creation) es una precuela que, como el título sugiere, es una precuela que narra la creación de la muñeca titular, quizá el personaje más emblemático en el Universo El conjuro además de los propios Warren.

Situada en California mayormente durante 1955, la película sigue a un creador de muñecas y a su esposa que, más de una década después de la trágica muerte de su pequeña hija, abren las puertas de su hogar a varias niñas y una monja de un orfanato clausurado. Sin embargo, pronto se vuelven el objetivo de una entidad maligna por conducto de la muñeca. Aunque superior al primer spin-off de la muñeca, sigue siendo menos interesante que otras películas de muñecos poseídos (para muestra, hace falta ver lo que la japonesa Dollhouse hace con menos).

La monja II (2023)

Aunque es secuela directa de La monja, esta es la tercera entrega en orden cronológico del Universo El conjuro, situada en Francia durante 1956. La monja II (The Nun II) sigue una vez más a la hermana Irene (Taissa Farmiga), la única sobreviviente al encuentro con Valak (Bonnie Aarons), quien ahora debe proteger a las estudiantes de un convento contra la monja demoníaca.

Es, por mucho, uno de los puntos más bajos de la saga, que peca de los vicios de otras franquicias interconectadas como el Universo Cinematográfico de Marvel, que se enredan demasiado en su propia mitología en vez de contar una historia interesante por sí misma. Sin embargo, para los completistas, es esencial para seguir la trayectoria del demonio titular en camino a El conjuro 2.

Annabelle (2014)

Estrenada tan solo un año después de El conjuro, Annabelle es el primer spin-off del Universo El conjuro, y tiene un vínculo directo con esta primera película. En la secuencia inicial de la misma, Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga) hacen una presentación sobre la muñeca y explican el origen de sus poderes. Esa historia es expandida en esta precuela, situada en California durante 1967. La trama sigue a una joven pareja (Annabelle Wallis y Ward Horton) que esperan a su bebé, y que son atacados por miembros de una secta lo que conduce, aparentemente, a la posesión de una muñeca que tienen en casa.

Es una película que abordó el terror doméstico visto en propuestas como Babadook de forma interesante, aunque no con la misma elegancia que El conjuro. Pero eso sí, contribuyó a popularizar el terror de muñecas poseídas de formas que Muñecos malditos o Vacaciones de terror jamás hubieran podido imaginar.

Como dato, la película está conectada a Lobos al acecho (Wolves at the Door) por el actor Eric Ladin, quien tiene el mismo papel en ambas películas. Sin embargo, no es parte oficial del Universo El conjuro. También establece un vínculo con otra película de la saga por medio del padre Pérez (Tony Amendola).

El conjuro (2013)

La película que lo comenzó todo, El conjuro (The Conjuring), se sitúa en Rhode Island mayormente durante 1971, y sigue a los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren, que ayudan a la familia Perron a enfrentarse a eventos perturbadores en su nueva casa. Aquí también se introduce al personaje del padre Gordon (Steve Coulter), cuya presencia en otras películas sirve como tejido conectivo de la saga.

Con una trama tan bien construida como sus jumpscares, esta película dio nueva vida al terror sobrenatural comercial, con fuerte inspiración en películas como Juegos diabólicos (Poltergeist) de la mano del director James Wan, quien ya había entregado otro gran trabajo similar con La noche del demonio (Insidious).

Annabelle 3: Viene a casa (2019)

La tercera—y hasta ahora, última—película sobre la muñeca emblema del Universo El conjuro es, al mismo tiempo, una especie de paréntesis o “intercuela”, pues se sitúa inmediatamente después de El conjuro y tiene relación directa. Annabelle 3: Viene a casa (Annabelle Comes Home) se sitúa en 1972 y comienza con Ed y Lorraine Warren confiscando a la muñeca titular para confinarla en su sala de artefactos con ayuda del padre Gordon, donde consideran que estará segura. Y lo está, hasta que salen de viaje y el cumpleaños de su hija Judy (Mckenna Grace) resulta en la liberación de la muñeca, que invoca a otros demonios y espíritus.

Es una de las películas menos impactantes de toda la saga, pero se aprecia la originalidad de tomar elementos ya conocidos y hacer algo diferente con ellos. En específico, esta historia se desenvuelve bajo el tropo de “adolescentes en una casa embrujada”, más en el estilo de El despertar del diablo (The Evil Dead).

La maldición de La Llorona (2019)

Esta película, que no debe confundirse con la mexicana de 1963 con el mismo título, es la que menos conexiones tiene con el resto del Universo El conjuro y, en muchas instancias, no se le considera como tal. En todo caso, sólo cuenta con la presencia del padre Pérez (Tony Amendola) y una mención a los Warren para establecerla como parte del mismo universo.

Inspirada en el mito latinoamericano homónimo, La maldición de La Llorona sucede en Los Ángeles en 1973 (con un prólogo 300 años antes, en 1673) y sigue a una mujer (Linda Cardellini) que debe luchar contra el espíritu maligno titular que busca robarse a sus hijos. No es, ni remotamente, la propuesta más interesante basada en La Llorona (distinción que sí merece la película de Jayro Bustamante del mismo año), pero es un giro entretenido a un mito popular latino.

El conjuro 2 (2016)

A partir de aquí, la cronología del Universo El conjuro deja de ser tan confusa: sólo hay que seguir la continuidad principal en orden de estreno. El conjuro 2 comienza en 1976 y sigue a los Warren una vez más en la investigación de un nuevo caso, inspirado en el poltergeist de Enfield en Londres. Esta es la película que establece una conexión directa con el spin-off de La monja.

Al igual que otras películas de El conjuro, ésta se inspira en acontecimientos reales, en este caso, el citado poltergeist de Enfield. Por si quieres comparar adaptaciones, dicha historia también fue explorada en la miniserie La maldición de Enfield, que dramatiza los hechos a partir de grabaciones de audio reales.

El conjuro: El diablo me obligó a hacerlo (2021)

Situada en 1981 y de regreso en los Estados Unidos, El conjuro: El diablo me obligó a hacerlo es, probablemente, la entrega más morbosa de todo el Universo El conjuro. La trama, sobre un joven (Ruairi O'Connor) cuya posesión demoníaca lo orilla a cometer brutales asesinatos, está inspirada en el juicio a Arne Cheyenne Johnson, el primer caso en el que la defensa alegó posesión demoníaca para alegar su inocencia.

Aunque la secuencia inicial es aterradora, es aquí donde comienza a verse un declive notorio en la calidad narrativa de las películas en la continuidad principal. Si quieres saber más sobre esta historia, checa el documental de Netflix Juicio al diablo (The Devil on Trial).

El conjuro 4: Últimos ritos (2025)

La conclusión oficial de la saga de los Warren en el Universo El conjuro, la cuarta entrega también se inspira en hechos, el caso de la familia Smurl, y se sitúa en 1986, el punto más próximo a la actualidad en el orden cronológico de la saga. El conjuro 4: Últimos ritos sigue a Ed y Lorraine Warren investigando un último caso paranormal, ahora con ayuda de su hija Judy (aquí interpretada por Mia Tomlinson).

Es, quizá, la entrega más débil de la historia de los Warren, por lo que quizá sea para bien que sea la última. Si quieres conocer más sobre el caso Smurl, también puedes ver la película La mansión embrujada (The Haunted), de 1991.

Aunque actualmente es más famoso como el villano Henry Creel, mejor conocido como Vecna, el británico Jamie Campbell Bower tiene una trayectoria que va mucho más allá del elenco de Stranger Things. El actor ha tenido varios papeles, tanto complejos en producciones independientes como pequeños en sagas notables.

Si quieres conocer más de su trabajo fuera de Stranger Things, aquí tienes una selección de películas con Jamie Campbell Bower.

La saga Harry Potter y Animales fantásticos (2001-2022)

Dado que no es uno de los papeles principales (al menos no en la historia de Harry y Voldemort), es posible que hayas olvidado la presencia de Jamie Campbell Bower en la saga de Harry Potter, donde también interpreta a un villano. Específicamente, él es la versión joven del mago tenebroso Gellert Grindelwald, rol que sería adoptado por Johnny Depp y Mads Mikkelsen a partir de Animales fantásticos.

Campbell Bower interpreta el papel en dos instancias específicas, ambas en flashback. Una en la primera parte de Las reliquias de la muerte, y una vez más en Los crímenes de Grindelwald, la segunda entrega de las precuelas.

Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet (2007)

Aunque Vecna y el joven Grindelwald son sus papeles más famosos hasta la fecha, Jamie Campbell Bower tuvo un papel secundario pero que luce más sus talentos en Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet, musical de terror dirigido por Tim Burton.

Notable porque aquí, el actor consigue presumir su voz como cantante, en el rol del joven marinero Anthony, que se enamora de Johanna (Jayne Wisener). Ambos cruzan caminos con el peligroso barbero titular (Johnny Depp), y logran escapar con sus vidas.

La saga Crepúsculo (2008-2012)

Habrás notado que Jamie Campbell Bower tiene una afinidad artística a proyectos que tienen que ver con el terror y la fantasía, así que no es de extrañar que también haya sido parte de la saga Crepúsculo, incluso si fue en un papel secundario.

Comenzando con Luna nueva y de nuevo con Amanecer y su segunda parte, el actor interpretó a Cayo (o Caius), uno de los antiguos líderes de los Volturi y el más cruel de los tres, que tiene uno de los decesos más dignos de mención en la batalla climática, misma que resulta ser sólo una visión. Incluso hasta el final, intenta provocar la lucha para castigar a los Cullen, sin éxito.

Cazadores de sombras: Ciudad de hueso (2013)

Jamie Campbell Bower tendría uno de sus protagónicos más relevantes en Cazadores de sombras: Ciudad de hueso, basada en el libro homónimo de Cassandra Clare, primero de una saga de fantasía juvenil.

En la película, él interpreta a Jace, el protagonista masculino, un chico perteneciente a un grupo de hermanos dedicados a cazar demonios y demás seres oscuros que buscan apoderarse del mundo, e interés romántico de la protagonista femenina (Lily Collins). Campbell Bower da una buena actuación, pero la película no fue bien recibida ni por los fans de las novelas ni por el público general, lo que condujo a un reboot televisivo (donde Jace es interpretado por Dominic Sherwood).

Horizonte: Una leyenda americana (2024)

El actor también tiene un papel en la épica western concebida por Kevin Costner, situada en el periodo de inestabilidad después de la Guerra de Secesión estadounidense.

En Horizonte: Una leyenda americana seguimos a un amplio elenco de personajes en este periodo, en un complejo entramado de intereses, alianzas y traiciones. Jamie Campbell Bower interpreta, una vez más, a un villano: Caleb, quien asesina a un hombre a sangre fría. La expansiva historia continúa en un segundo capítulo (con dos más en camino, en teoría), aunque Campbell Bower ya no aparece en él.

Emmanuelle (2024)

Una de las películas más interesantes en el repertorio de Jamie Campbell Bower es Emmanuelle, que si bien es un rol secundario, ya resulta más complejo por la pura naturaleza del material.

Aunque es la enésima adaptación cinematográfica de la novela erótica de Emmanuelle Arsan, esta versión dirigida por Audrey Diwan (con Noémie Merlant y Naomi Watts en el elenco) reimagina al personaje titular como una ejecutiva de una cadena de hoteles lujosos, que visita la sucursal de Hong Kong y tiene diferentes experiencias que la hacen reencontrarse con su sexualidad. Campbell Bower interpreta a Sir John, con quien la protagonista tiene varios sensuales y reveladores diálogos.