Les films et les séries sud-coréens sont en plein essor depuis plusieurs années, notamment grâce aux succès de Squid Game (2021-2025) et de Parasite (2019) de Bong Joon-ho. Même si le succès commercial de ses films reste plus modeste, le réalisateur Park Chan-wook compte lui aussi parmi les auteurs les plus singuliers du cinéma de la péninsule, et son dernier film Aucun autre choix (2025) en apporte une nouvelle preuve.

Connaissez-vous Park Chan-wook ? 

Révélé dans son pays avec JSA (Joint Security Area) (2000), la renommée internationale de Park Chan-wook se confirme au début des années 2000 avec sa « Trilogie de la Vengeance ». Son style se distingue par un formalisme pointu et des personnages moralement ambigus, que Park invite d’abord le spectateur à comprendre, voire à soutenir, avant d’en révéler les zones d’ombre, complexifiant ainsi l’estime et la sympathie qu’on leur accordait.

Sa carrière se poursuit avec des films comme Je suis un cyborg (2006) et Thirst, ceci est mon sang (2009), dans lesquels il expérimente respectivement la comédie fantastique et le film d’horreur. Plus tard, il fait une incursion à Hollywood avec Stoker (2013), porté par Mia Wasikowska, Matthew Goode et Nicole Kidman, même si son parcours international demeure moins fulgurant que celui de son compatriote Bong.

Mademoiselle (2016) marque un véritable retour en grâce, tandis que son film suivant, Decision to Leave (2022), annonce une forme de maturité dans son œuvre. Trois ans plus tard, avec Aucun autre choix (2025), le réalisateur semble retrouver un humour noir qui lui manquait depuis longtemps, sans rien perdre de la subtilité ni de la précision de ses obsessions formelles, tout en y ajoutant un regard critique sur une société hypercapitaliste et aliénante.

Pour accompagner la sortie française du long métrage, en salles depuis le 11 février et qui raconte comment un père de famille licencié et en recherche d’emploi se met à éliminer tous ses concurrents, nous avons classé les meilleurs films du réalisateur afin de mieux comprendre les thématiques et les choix esthétiques qui traversent l’ensemble de sa filmographie.

5. Sympathy For Mister Vengeance (2002)

Premier volet de la « Trilogie de la Vengeance » -qui lui a valu une reconnaissance internationale- Sympathy for Mister Vengeance (2002) peut paraître moins raffiné sur le plan stylistique que certains films ultérieurs du cinéaste. Pourtant, ses thèmes de prédilection, notamment la moralité des individus et le sentiment de culpabilité, y sont traités avec une maîtrise déjà saisissante.

Le film se montre particulièrement rigoureux dans son dispositif : il amène d’abord les spectateurs à donner raison aux actions de son protagoniste, avant de révéler que les faits présentés jusque-là ne constituaient qu’une facette de la réalité. Dès lors, il devient clair qu’aucune position morale idéale ou incontestable ne saurait exister.

Les films de Park reposent en grande partie sur l’effet du dévoilement, il serait donc préférable d’en dire peu sur l’intrigue. Contentons-nous de souligner que le réalisateur ne limite jamais ses démonstrations pessimistes sur la nature humaine au seul récit. Les ellipses qui entravent des moments supposément les plus dramatiques, l’absence de résolution cathartique, la violence frontale : chaque élément participe minutieusement à une finalité morale que revendique le cinéaste. Sympathy for Mister Vengeance constitue ainsi un excellent point d’entrée pour celles et ceux qui n’ont encore jamais découvert l’œuvre du réalisateur sud-coréen. 

4. Lady Vengeance (2005)

Lady Vengeance (2005) est le troisième volet de la trilogie -et ouvrons ici une parenthèse pour préciser que l’idée de cette trilogie est venue au cinéaste plus tard, après qu’il eut réalisé les deux premiers films. C’est pour cette raison que Lady Vengeance est conceptuellement très élaboré et répond, de manière consciente, à Sympathy for Mister Vengeance et à Old Boy.

Le film raconte l’histoire d’une femme, Lee Geum-ja, incarcérée pour le meurtre d’un enfant qu’elle n’a pas commis. Après treize ans de prison, elle est libérée pour bonne conduite, alors que, tout au long de sa peine, elle préparait soigneusement sa vengeance contre le véritable coupable. Au premier regard, Lady Vengeance possède tous les éléments susceptibles d’en faire un simple thriller de vengeance.

Pourtant, la morale du film révèle plutôt la futilité de la vengeance et la manière dont on peut se retrouver dépouillé de toute humanité sous son emprise. Cet aspect moralisateur, qui traverse l’ensemble de la trilogie, est fortement présent ici aussi. Mais le fait que Park introduise une dimension collective dans l’exécution de la vengeance implique, d’une certaine façon, la culpabilité potentielle du spectateur lui-même — ce qui rend l’expérience du visionnage encore plus troublante.

On compare souvent Lady Vengeance à Kill Bill (2003) de Quentin Tarantino en raison de leur proximité autour de l’idée d’une « vengeance au féminin ». Toutefois, l’aspect spectaculaire et baroque de la violence chez Park est contrebalancé par une dimension morale presque culpabilisante. Pour les cinéphiles particulièrement attentifs au style, il existe une version alternative du film dans laquelle les couleurs s’estompent progressivement jusqu’au noir et blanc -une métaphore visuelle subtile qui reflète la trajectoire morale du personnage.

3. Decision to Leave (2022)

On fait un grand saut dans la filmographie du réalisateur pour arriver à un film dans lequel l’aspect moral cesse d’être la question centrale. Decision to Leave (2022), qui a valu au cinéaste le Prix de la mise en scène à Cannes, constitue un excellent exemple d’œuvre de maturité. En raison de la popularité de la trilogie de la vengeance, et plus particulièrement d’Old Boy, les spectateurs ont souvent tendance à associer le cinéma de Park aux scènes de violence. Decision to Leave est précisément le film qui vient démentir cette idée reçue. Il s’agit d’un néo-noir romantique qui s’inscrit dans la tradition des grands cinéastes tels qu’Hitchcock.

Au cœur du film, on retrouve le détective Jang Hae-jun, chargé d’enquêter sur la mort d’un homme, dont l’épouse, Song Seo-rae, apparaît comme la principale suspecte. Mais un rapprochement inéluctable s’opère entre Hae-jun et Seo-rae et, à mesure que les révélations s’accumulent — au point de pousser le détective à trahir ses propres convictions — leur relation se révèle tragiquement impossible. Sur le plan narratif, il s’agit peut-être de son film le plus ambigu et le plus insaisissable ; il n’est donc pas forcément conseillé de commencer la découverte de sa filmographie par celui-ci.

Du point de vue de la mise en scène, en revanche, le film est véritablement sans égal, notamment grâce à son habileté à mobiliser les éléments visuels et sonores pour traduire les sentiments de Hae-jun et Seo-rae ainsi que l’évolution de leur relation. Comme dans tous les autres films du réalisateur, la mise en scène se met au service d’un concept, d’une idée ; mais ici, le poids du regard moralisateur se fait moins présent, remplacé par une approche plus subtile, presque mélancolique, centrée sur un amour mélodramatique et troublant.

2. Old Boy (2003)

Considéré comme l’un des films les plus emblématiques de tous les temps, Old Boy (2003) est également très apprécié par des spectateurs qui ne sont pas nécessairement familiers avec l’ensemble de l’œuvre du réalisateur. Classique moderne dont la renommée dépasse celle des autres volets de la trilogie, il demeure néanmoins le plus perturbant et, par moments, est extrêmement difficile à regarder.

Pour résumer l’intrigue sans trop en révéler, le film se concentre sur Oh Dae-su, un homme emprisonné sans savoir ni pourquoi ni par qui, puis soudainement libéré au bout de quinze ans. Sa quête pour se venger de son geôlier révèle un jeu d’une brutalité extrême, au service d’une vérité profondément déstabilisante, et ébranle complètement la perception que l’on s’était construite du personnage.

À l’instar du premier volet de la trilogie, la narration transforme des détails et des scènes en apparence insignifiants en pièces d’un puzzle dont la signification ne se dévoile que plus tard. Le contrôle du réalisateur sur le récit atteint ici son paroxysme ; certains spectateurs peuvent ainsi trouver son déterminisme -à l’exception peut-être de la scène finale- quelque peu étouffant. Si l’aspect choquant du twist final, digne des tragédies grecques, contribue largement à la notoriété de Old Boy, une autre part de celle-ci tient à la présence d’une scène devenue iconique : le plan-séquence dans lequel Dae-su affronte une vingtaine d’hommes dans un couloir.

La virtuosité visuelle et la maîtrise narrative du film ont laissé une empreinte durable dans la culture populaire, au point que Spike Lee en a réalisé un remake en 2013, avec Josh Brolin dans le rôle principal. Le résultat s’avère malheureusement peu convaincant lorsqu’on le compare au chef-d’œuvre de Park.

1. Mademoiselle (2016)

Malgré la glorification très répandue d’Old Boy, les vrais cinéphiles savent que Mademoiselle (2016) constitue le véritable paroxysme de la filmographie de Park Chan-wook. Condensation sensorielle de ses thèmes de prédilection, mais sans le regard fataliste et culpabilisant des œuvres du début des années 2000, Mademoiselle bénéficie d’une liberté expressive largement liée à l’exploration du désir. 

Le film est une adaptation libre du roman Du bout des doigts de Sarah Waters, dont le réalisateur transpose l’action en Corée sous l’occupation japonaise. On pourrait en résumer la prémisse -l’amour entre une jeune voleuse et une riche aristocrate japonaise qu’elle sert comme domestique- mais chez Park, rien n’est jamais tout à fait ce qu’il paraît. Tout au long du film, le réalisateur va nous surprendre par les renversements et les révélations qu’il effectue par des composants de la mise en scène. Dans Mademoiselle, on pourrait parler moins de l’effet Rashomon que de la vérité partielle qui se complète lorsqu’on passe d’une perspective subjective à l’autre. La virtuosité technique pour établir toutes ces facettes du récit est vraiment incomparable. 

Un autre aspect ingénieux du film est sa tonalité qui mélange à la fois romance, thriller et comédie -un aspect qu’on retrouve aussi dans Aucun autre choix- qui ajoute au plaisir visuel du film un côté divertissant traditionnellement associé aux films du genre. Les performances de Kim Tae-ri et Kim Min-hee respectivement dans les rôles de Sook-hee et Mademoiselle Hideko sont également un vrai régal. Pas tout à fait le même registre que Park, mais si vous avez aimé Phantom Thread (2017) ou La Favorite (2018), ne passez surtout pas à côté de cette pépite !

Nora Ephron, Gary Marshall, Richard Linklater, Rob Reiner… Ces grands noms du cinéma ont contribué à l'essor de la comédie romantique dans les années 90, faisant de cette décennie, l'âge d’or de la romcom. De Quand Harry rencontre Sally (1989) à Notting Hill (1999), en passant par Vous avez un mess@ge (1998), il se dégage une atmosphère cozy et réconfortante qui fait de ces films des classiques intemporels.

En ce beau jour de Saint-Valentin (bien qu’il n’y ait pas besoin de raison particulière pour revoir ces films sans modération), et que vous fêtiez le 14 février en couple, en solo, entre ami.es, pas du tout, ou juste avec une pizza devant un film, je vous ai concocté une liste JustWatch des meilleures romcoms des années 90.

Quand Harry rencontre Sally (1989)

Quand Harry rencontre Sally (1989) donne en 1989 le top départ à cette décennie en or pour tous les romantiques et amoureux du grand écran. Réalisée par le regretté Rob Reiner, cette comédie culte met en scène Billy Crystal et Meg Ryan. À la fin des années 70, Harry et Sally, deux étudiants de l'université de Chicago qui n’ont rien en commun, se retrouvent à faire le voyage ensemble jusqu'à New York : un road trip qui sera très pénible pour nos deux protagonistes. Cinq ans après, Harry et Sally se rencontrent par hasard à l'aéroport. Pendant des années, le destin continuera de les mettre sur le chemin l’un de l'autre, jusqu'à ce qu’ils deviennent meilleurs amis. Mais plus de 15 ans après leur première rencontre, il se pourrait que cette amitié évolue en quelque chose de plus romantique… 

Coup de Foudre à Notting Hill (1999)

« Je suis juste une fille, debout devant un garçon, et qui lui demande de l’aimer… » Cette réplique si honnête et vulnérable de Julia Roberts dans Coup de Foudre à Notting Hill (1999), réalisé par Roger Michell, est l’une des raisons qui font de ce film une comédie romantique absolument cultissime. Le couple Hugh Grant / Julia Roberts, c’est le charme et le romantisme personnifiés d’une histoire d’amour dans laquelle un libraire tombe amoureux d’une jeune femme qui s’avère être une des plus grosses stars de cinéma au monde. Pour moi, il fait partie des films vraiment feel good, avec une bande originale et une ambiance londonienne qui lui donnent une véritable identité.

Un Beau Jour (1996)

Un Beau Jour (1996) est une des comédies des années 90 les plus sous-cotées, et l’un de mes films préférés de cette liste pour plusieurs raisons. Déjà, le combo George Clooney et Michelle Pfeiffer, qui sont tous les deux au sommet de leur charme et de leur humour présage déjà de très bonnes choses. De plus, cette histoire d’amour se déroule au cours d’une journée pluvieuse à New York, pendant laquelle deux parents célibataires échangent malencontreusement leur téléphone, et finissent même par devoir s’occuper de l’enfant de l’autre. C’est drôle, émouvant, romantique, et je le redis, un classique des années 90 qui est à mon goût, pas assez souvent cité. 

Before Sunrise (1995)

Richard Linklater a probablement révolutionné le genre de la comédie romantique avec Before Sunrise (1995), le premier opus de sa trilogie iconique dont les suites, Before Sunset (2004) et Before Midnight (2013), sont un témoignage du succès de cette histoire d’amour se déroulant sur pratiquement trente ans ! Dans Before Sunrise, Jesse, un jeune Américain incarné par Ethan Hawke, rencontre une jeune Française, jouée par Julie Delpy, à bord d’un train à destination de Vienne. Les deux inconnus commencent à discuter, puis décident de passer la journée et la nuit ensemble dans la ville de destination, à explorer les rues pavées et à refaire le monde. Mais s’ils acceptent d’apprendre à se connaître pendant cette longue nuit, les adieux pourraient être très difficiles le lendemain matin…

Quatre mariages et un enterrement (1994)

Hugh Grant est l’une des figures phares de la comédie romantique, puisque l’acteur britannique a tourné dans pas moins d’une quinzaine de romcoms ! Je me devais donc d’inclure l’une des plus connues de sa filmographie, Quatre mariages et un enterrement (1994) de Mike Newell, dans laquelle le comédien interprète un célibataire endurci qui tombe amoureux d'une Américaine, incarnée par Andie MacDowell, alors qu’ils se rencontrent plusieurs fois lors de… vous l’aurez deviné : quatre mariages et un enterrement. Si vous êtes amateurs de scènes ultra romantiques, vous ne serez pas déçus avec une séquence de déclaration d’amour sous la pluie devenue très célèbre… 

Vous avez un mess@ge (1998)

Nora Ephron était l'une des plus grandes réalisatrices de comédies romantiques au monde. Elle a notamment remporté de nombreux prix et a été nommée pour des Oscars, des Golden Globes, des Baftas, et j’en passe ! Vous avez un mess@ge (1998) est l’un de ses films les plus connus, avec en tête d'affiche, deux des plus grandes stars du genre : Tom Hanks et Meg Ryan. C’est l'histoire de Kathleen Kelly, une jeune libraire dont la petite boutique, The Shop Around the Corner, fait le bonheur des habitants du quartier. Mais elle va bientôt faire la rencontre de Joe Fox, un homme d'affaires qui s'apprête à installer une grande chaîne de librairies près de chez elle. Les deux inconnus vont très rapidement se détester dans la vraie vie, sans savoir qu’ils entretiennent une relation amicale mais virtuelle sur internet.  

L’Amour à tout prix (1995)

On profite encore de l’hiver avec L’Amour a tout prix (1995) de Jon Turteltaub -même si c’est plus un film de Noël-, une romance adorable entre Sandra Bullock et Bill Pullman, autrement dit, une combinaison gagnante ! Lucy, une jeune employée du métro de Chicago tombe sous le charme d’un riche homme d'affaires, Peter Callaghan. Elle le voit tous les jours, mais ne lui a jamais adressé la parole ! Un matin comme les autres, l’homme est victime d’un accident. Lucy lui sauve la vie, mais l’inconnu se retrouve dans le coma. A la suite d’un quiproquos, la famille de Peter pense que Lucy est sa nouvelle fiancée, et ils l’invitent à fêter Noël dans leur maison. Elle y fait la rencontre de Jack, le très charmant frère de Peter…

Nuits blanches à Seattle (1993)

Comme je le mentionnais un peu plus haut, Nora Ephron a véritablement dominé le genre dans les années 90. Cinq ans avant le succès de Vous avez un mess@ge, l’ancienne journaliste devenue scénariste et réalisatrice avait déjà trouvé l’un des duos les plus parfaits du cinéma avec Tom Hanks et Meg Ryan, qui dans Nuits Blanches à Seattle (1993) incarnaient déjà des âmes sœurs à distance. Annie Reed, une journaliste de Baltimore, entend un jour à la radio le témoignage d’un jeune veuf vivant seul avec son petit garçon à Seattle. Alors qu’elle s'apprête à épouser Walter, Annie met tout en œuvre pour retrouver Sam et son fils…

Les Bridgerton reviennent bientôt valser dans les bals londoniens et passer des bagues aux doigts pour la deuxième partie de leur quatrième saison. Avant de découvrir les petites mesquineries, les cancans et surtout les nouvelles unions de ces nouveaux épisodes attendus le 26 février sur Netflix, partons pour un petit tour des couples emblématiques déjà formés. 

Sur l’échelle de la passion et du désir contrarié, sur le terrain de la responsabilité sociale, chacun raconte une vision différente de l’amour dans la haute société londonienne imaginée par les romans de Julia Quinn. Pour JustWatch, je me suis livrée à cet exercice amusant -mais risqué, ne me détestez pas !- et je vous livre mon Top 4 !

5. Anthony Bridgerton et Kate Sharma 

Dans la saison 2 de La Chronique de Bridgerton (2022-), le Vicomte, tenant du titre de la famille, est pressé de trouver sa Vicomtesse. Archi-conscient de sa responsabilité d’aîné après le décès de son père, Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey) a envie de choisir la parfaite candidate, étudie ainsi les jeunes femmes à marier en s’attardant sur les CV de chacune. Bref, rien de romantique dans sa démarche. Alors que la Reine nomme le diamant de la saison, le Vicomte décide qu’elle sera sa fiancée… sauf qu’Edwina Sharma (Charithra Chandran), c’est son nom, est chaperonnée par une grande sœur tout aussi tatillonne et déterminée que lui. 

Invitées dans le domaine de campagne des Bridgerton, les Sharma prennent rapidement leurs marques. En particulier Kate (Simone Ashley), l’aînée donc. Avec leurs personnalités dominantes, elle et Colin ne tardent pas à se challenger sans arrêt, au croquet comme à la chasse, se cherchent des noises et s'exaspèrent l’un l’autre. « Vous êtes le poison de mon existence et l’objet de tous mes désirs », finit-on par se dire. Comment rester engagé dans un mariage avec la sœur si Anthony Bridgerton désire tellement l’aînée ? C’est tout l’enjeu du dénouement de cette intrigue amoureuse torride. Même si la mécanique est efficace, elle est ultra-poncée : de la haine à l’amour, il n’y a qu’un pas que ces deux-là franchissent allégrement. Un dénouement un peu trop couru d’avance, même si on ne boude pas notre plaisir.

4. Dafnae Bridgerton et le Duc d’Hasting

Dans la saison 1 de La Chronique des Bridgerton (2020), après une violente rencontre (les deux tourtereaux se sont heurtés dans une salle de bal), l’aînée des Bridgerton (Phoebe Dynevor) s’est trouvée dans une malencontreuse situation en présence d’un noble mal-élevé qui a essayé de forcer le mariage. Qu’à cela ne tienne, Dafne - « le diamant de la saison » selon l’expression consacrée de la Reine - a pu nouer un partenariat avec un homme capable - le Duc d’Hasting - a priori pas prêt pour l’amour (Regé-Jean Page). Leur deal : ils se montrent ensemble pour que les mamans de filles bonnes à marier le laissent en paix. De son côté, Dafne s’est engagé dans ce « deal » pour attirer des prétendants de haut rang. 

Le teint de porcelaine de Dafne, mêlé à la haute conscience de ses libertés contraintes, et la réserve du Duc donnent naissance à une romance où chaque baiser et étreinte est à la fois scandaleux et irrésistible. L’histoire de ce couple est le plus « austinien » de la série : un amour qui naît dans le contrôle et la retenue, mais qui se transforme en passion dévorante. Le Duc, façon Mr Darcy, et Dafne, à la fois forte et fragile, incarnent la tension parfaite entre désir et société. Première saison de la série, on a découvert avec elle la grande liberté avec laquelle Shonda Rhimes fait parler de sexe les personnages. Une petite révolution dans ce type de saga historique.

3. Benedict Bridgerton et Sophie Beckett

Pendant la saison 4 de La Chronique des Bridgerton, c’est au tour de Benedict (Luke Thompson) d’être dans les phares de la bonne société londonienne pour trouver l’âme sœur. Au cours du bal masqué qui ouvre la saison, il rencontre une jeune femme mystérieuse dont il tombe immédiatement amoureux. Mais avant les douze coups de minuit, Sophie Beckett (Yerin Ha) -c’est le nom qu’elle porte et qu’elle ne lui a pas révélé- disparaît. On comprend qu’elle vit au service d’une famille composée d’une femme et deux filles de son âge.

Le parallèle saute aux yeux des abonné.es : Sophie semble suivre la même trajectoire que Cendrillon. Alors que sa belle-mère (Katie Leung) découvre qu’elle a assisté au bal sans son accord, elle la chasse. Sophie se retrouve alors de fil en aiguille en la compagnie de Benedict, qui ne fait pas le rapprochement entre elle et la mystérieuse lady du bal masqué. Comment tout cela va finir ? Les quatre derniers épisodes sont sans suspense même si on a hâte de les découvrir. Un happy end pour le nouveau couple est plus qu’attendu. Les nostalgiques de Cendrillon seront sans doute content.e.s : on adore quand la justice triomphe ! Hâte de voir Sophie réhabilitée et la vilaine belle-mère avaler son chapeau.

2. Francesca Bridgerton et Lord Kilmartin

Pendant la saison 3 de La Chronique des Bridgerton, un autre couple se forme : Francesca Bridgerton (Hannah Dodd), diamant discret de la nouvelle saison, et Lord Kilmartin (Victor Alli), un jeune homme réservé et attentif. Tous deux introvertis et dans la lune, leur couple n’attire pas les regards de la haute société et n’est pas secoué par des scandales. Les dialogues sont rares mais chaque échange est chargé de sens : un sourire, un geste, un moment partagé deviennent des preuves silencieuses de leur affection. 

Ce couple fonctionne par la lenteur et la subtilité. Francesca, qui est l’équivalent de la douce Beth dans Les Quatre filles du Dr March, et Kilmartin prouvent que l’amour peut être tendre sans être flamboyant et que la complicité se construit dans les petites attentions. Leur histoire est peut-être la moins spectaculaire de la saga qui, d’ailleurs, ne lui consacre pas une saison entière exclusivement, mais elle a un charme certain : un amour discret, élégant, presque hors du temps. Morale de leur histoire : pas besoin d’être trop démonstratif pour s’aimer. Ce couple aurait pu ne pas être du tout télégénique car pas très vendeur, pourtant il est traité avec beaucoup de justesse.

1. Colin Bridgerton et Penelope Featherington

Dans la saison 3 de La Chronique de Bridgerton (2024), revenu d’un voyage en Europe qui l’a transformé, Colin Bridgerton (Luke Newton), plus sûr de lui, est auréolé d’une forte aisance qui le rend plus attirant. Pour être à la hauteur de ce changement, Penelope Featherington (Nicola Coughlan), sa voisine-copine de toujours qui en a toujours pincé pour lui, décide elle aussi de changer de look en abandonnant les tonalités criardes de sa famille pour des tons plus glamour et des coiffures plus « parisiennes ». Après trois ans de saisons infructueuses, Penelope va se rapprocher de Colin, avec un drôle de prétexte : elle lui demande de lui donner des leçons de séduction.

Ce faisant, le jeu entre voisins dérape au moment de la leçon du baiser. Et Colin ouvre les yeux sur ce qui le lie à Penelope, « la seule personne auprès de laquelle il s’est toujours senti sincèrement apprécié ». Petit problème à la love story ? Penelope a omis de prévenir son futur mari qu’elle est Lady Whistledown… la chroniqueuse de la société londonienne qu’on adore détester. Quand le pot aux roses est découvert, ça tangue pour le couple… mais l’amour finit toujours par triompher, non ? 

J’adore ce couple parce que… Penelope ! C’est l’intellectuelle de la série, fragilisée par la liberté qu’elle s’est accordée en écrivant des chroniques sous un nom de plume. Elle a le courage d’étriller la société cadenassée dans laquelle elle vit. Et alors qu’elle s’apprête à se conformer à ce qu’on attend d’elle (le mariage), elle doit assumer qui elle est vraiment si elle ne veut pas abandonner une partie de sa personnalité. Colin est le plus déconstruit des mâles Bridgerton et son amour pour Penelope est tout simplement magnifique : il aime la femme puissante qu’est Penelope, et fait taire ainsi les grossophobes !

La Saint-Valentin est là, et avec elle l’overdose annuelle de guimauve, de restaurants trop chers et de cartes avec des cœurs. Si les comédies romantiques sirupeuses vous donnent envie de casser votre télé, vous êtes au bon endroit. Ici, on range les violons, on oublie les baisers mouillés sous l’orage et on se lance dans les ruptures sanglantes, les vengeances, et la joie d’être seul(e). 

Pour JustWatch, j’ai compilé des œuvres qui parlent de relations (ou de leur absence) avec honnêteté, violence, tristesse et parfois avec beaucoup d’humour. Joyeuse anti Saint-Valentin ! 

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Que dire d’Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) ? Déroutant ? Créatif ? Original ? Dérangeant ? Michel Gondry nous offre une épopée onirique sur le deuil amoureux qui reste, pour moi, l'un des plus grands films de ce siècle. Il nous fait penser l’amour, et la douleur qu’il engendre, autrement. Jim Carrey joue Joel qui, dévasté par sa rupture, décide d'effacer de sa mémoire Clementine (Kate Winslet) ainsi que toute la relation qu’il a pu vivre avec elle. On le voit alors faire face à la douleur, son effacement, et la réalisation que cette douleur est peut-être indispensable à ressentir. 

C’est une œuvre particulièrement complexe, avec une mise en scène qui relève parfois du bricolage (mais un bricolage de génie), un scénario incroyable et une bande son qui arrive à lier le tout. C’est le genre de film dont on ne sort pas indemne, mais grandi et convaincu que la souffrance fait partie de la vie. Si vous êtes fans du côté dramatique de Jim Carrey, s’il a réussi à vous émouvoir aux larmes dans le magnifique The Truman Show (1998), si vous voulez voir une excellente Kate Winslet, alors ce film est fait pour vous. Pour prolonger la poésie visuelle et bricolée de Michel Gondry, jetez-vous sur La Science des rêves (2006). Et si vous voulez pousser l’exploration de la douleur et du souvenir encore plus loin, Aftersun (2022) va vous briser le cœur.

Gone Girl (2014)

Gone Girl (2014) ou l’un des meilleurs films pour dissuader quelqu’un qui hésite à passer la bague au doigt. Avec ce thriller, David Fincher nous montre que l’amour n’est pas un long fleuve tranquille. L’histoire commence pourtant simplement. Le jour de leur cinquième anniversaire de mariage, Amy disparaît mystérieusement : tous les soupçons se tournent alors vers son mari, Nick. C’est sans doute l’un des meilleurs rôles de Ben Affleck, mais aussi de Rosamund Pike. Les deux arrivent à respecter l’exigence du cinéaste et à livrer une performance bluffante et glaçante.

Ici, le mariage, loin d’être un refuge, est présenté comme une zone d’ombre dans laquelle on ne connaît jamais vraiment l’autre. Je n’en dis pas plus, car les films de Fincher doivent se vivre, mais c’est sombre, brillant, cynique. Une masterclass de manipulation qui donne envie de rester seul avec son chien pour le siècle à venir. 

(500) jours ensemble (2009)

Ne vous laissez pas berner par l’esthétique indie-pop et la bande-son parfaitement composée de (500) jours ensemble (2009). Marc Webb déconstruit le mythe du « Grand Amour » en nous montrant l'obsession de Tom (Joseph Gordon-Levitt) pour Summer (Zooey Deschanel), une fille qui lui a pourtant dit dès le départ qu'elle ne voulait rien de sérieux. C’est une œuvre parfaite sur la projection de nos propres désirs et sentiments sur l’autre. Tom n’est finalement pas tant amoureux d’elle que de l’idée qu’il se fait d’elle. 

J’ai vraiment aimé que le montage soit au service de l’histoire et de son message. Le fait qu’il soit non-linéaire permet de souligner le fossé entre les attentes et la réalité. C’est le film parfait pour tous les fans des Smiths, de bonne musique, de bonne humeur. Mais c’est aussi l’œuvre parfaite pour comprendre que ce n’est pas parce qu’elle est belle et qu’elle a des goûts musicaux incroyables qu’elle est votre âme sœur. 

Marriage Story (2019)

Noah Baumbach signe, avec Marriage Story (2019), l’anatomie d’un divorce, entre tendresse et cruauté. On y suit le naufrage de Charlie (Adam Driver) et Nicole (Scarlett Johansson), un couple d’artistes qui s’aime encore mais qui ne sait plus comment faire pour s’aimer plutôt que de se haïr. C’est de la pure torture émotionnelle. On voit la flamme encore vivante, alors que les avocats s’empressent de l’éteindre pour gratter des honoraires.

Les deux acteurs sont excellents, la dispute est intense, intime, et nous donne envie de regarder ailleurs par pudeur et par respect. C’est une belle piqûre de rappel pour nous montrer ce qui se passe quand un mariage ne fonctionne pas, avec une plongée impitoyable dans les détails logistiques qui tuent l’amour à petit feu. C’est un Kramer contre Kramer (1980) du XXème siècle. 

High Fidelity (2000)

High Fidelity (2000) est le manuel de survie du mélomane sentimental, celui qui préfère sa collection de vinyles aux relations compliquées. Adapté du roman de Nick Hornby, le film suit Rob Gordon (John Cusack, le parfait anti-héros), propriétaire d’un disquaire à deux doigts de la faillite. Il décide de recontacter le Top 5 de ses plus grosses ruptures pour comprendre pourquoi il finit toujours seul après s’être fait larguer par Laura. 

Avec ce film, Stephen Frears capture l’immaturité masculine et le voyage du protagoniste vers la compréhension de lui-même, de ses défauts, ses attentes, ses qualités. C’est drôle, c’est méchant, bourré de références musicales. Le film parfait pour celles et ceux qui aiment s’entourer de 33 tours. Récemment, le livre a aussi été adapté en série du même nom (2020), avec Zoë Kravitz en mélomane névrosée. Une réussite qui vaut le détour. Si vous voulez une autre histoire d’exploration des relations passées, alors la série Lovesick (2014) est assurée de vous faire rire ! 

Kill Bill : Volume 1 (2003)

Quoi de plus approprié pour une soirée anti-romantique qu'une mariée qui se réveille d'un coma pour massacrer celles et ceux qui ont ruiné son mariage ? Quentin Tarantino signe un hommage sanglant au cinéma de genre où Uma Thurman manie le katana avec une grâce féroce. Kill Bill (2003) est le film à regarder si vous êtes seul.es le 14 février, ou si vous êtes en couple mais que vous avez réussi à rester fun ! L’histoire est simple : La Mariée se réveille après quatre ans de coma avec une seule idée en tête : tuer Bill et son entourage. 

On oublie les sentiments, ici on parle de vengeance pure. Nous sommes loin d’Eternal Sunshine of the Spotless Mind, à essayer d’effacer des souvenirs. Les souvenirs, on les garde, mais on efface l’ex de la surface de la Terre. Le katana remplace le bouquet de fleurs dans un exutoire total. On se concentre sur la vengeance pure. Le 14 février, si vous voulez vous faire une soirée vengeance avec 1 kilo de popcorns, lancez aussi le film japonais Lady Snowblood (1973), l’une des plus grosses inspirations de Tarantino ! 

La Revanche d’une blonde (2001)

Parfois, la meilleure des vengeances, c’est le succès. Du moins, c’est ce que prouve La Revanche d’une blonde (2001), loin de la comédie romantique classique. Quand Elle Woods (l’incroyable Reese Witherspoon), une bimbo au cœur d’or, se fait larguer par un snob la trouvant trop « légère » pour sa future carrière politique, elle décide de ne pas subir. Elle intègre Harvard, son chihuahua sous le bras, et montre qu’elle est très bien toute seule. 

C’est un beau doigt d’honneur à l’idée que les femmes ont besoin d’un homme pour exister, et un poing levé pour les femmes indépendantes. Au final, c’est un film qui fait du bien, qui ne prend pas la tête, avec un message clair et limpide. C’est réellement l'œuvre parfaite pour un coup de boost si vous avez le blues de la Saint-Valentin en solo. Ici, nous sommes sur la version soft et girl boss de Kill Bill. Si vous voulez rester dans la femme en talons qui gravit les échelons comme une queen, alors Le Diable s’habille en Prada (2006) est évidemment un incontournable. 

The Lobster (2015)

Yórgos Lánthimos nous plonge dans une dystopie absurde où le célibat est littéralement un crime contre la société. Dans The Lobster (2015), les célibataires sont arrêtés et transférés dans un hôtel où ils ont 45 jours pour trouver l’âme sœur parmi les autres résidents. Celles et ceux qui échouent sont transformés en animal (!) de leur choix avant d’être relâchés dans la nature.

C’est un très beau pied de nez à une société qui nous incite à nous mettre en couple à tout prix, même si c’est pour aller droit dans le mur et finir par un divorce. The Lobster démontre d’une manière totalement absurde que l’amour forcé est impossible. Le film parfait pour conclure cette liste puisqu’il pourrait être sous-titré « vaut mieux être seul que mal accompagné » (ou « vaut mieux être un homard que mal accompagné »). Colin Farrell est incroyable dans ce film et arrive, comme souvent, à mettre de l’absurde dans le drame, et du drôle dans le triste.

Les voies du streaming sont impénétrables. On n’a cessé de le constater sur les différentes plateformes, et notamment sur Netflix : certaines œuvres explosent en ligne de manière un peu inexplicable, par l’intermédiaire des algorithmes de recommandation, des mises en avant et des classements de visionnages. Et c’est ainsi que des films ou des séries a priori peu destinés à briller deviennent des épiphénomènes regardés par toutes et tous.

+ 4764 places !

C’est le cas cette semaine d’une comédie passée relativement inaperçue à sa sortie. En France du moins, où elle n’a même pas bénéficié d’une diffusion au cinéma, malgré un petit succès outre-Atlantique (50 millions de dollars de recettes au box-office). Ce film, c’est la comédie romantique Overboard (2018) de Rob Greenberg, emmené par Anna Faris et Eugenio Derbez. Mise en ligne en septembre 2021 sur Netflix, la romcom a « vivoté » dans le catalogue de la plateforme depuis, sans jamais vraiment émerger… jusqu’à ces derniers jours. Selon l’outil de classement JustWatch, le long métrage a grimpé sur la deuxième (!) marche du podium des films les plus regardés en streaming en France cette semaine, avec un bond de 4674 places dans le top. Un vrai phénomène inattendu donc, qui risque de s‘auto-alimenter quelques jours alors que la Saint-Valentin approche.

C’est quoi Overboard ?

Overboard repose sur un pitch savoureux, déjà éprouvé dans la comédie romantique Un couple à la mer (1987) alors emmené par Goldie Hawn et Kurt Russell (un couple iconique d’Hollywood, dont la longévité amoureuse remonte à la Saint-Valentin 1983 !). L'histoire d’une riche et capricieuse milliardaire qui refuse de payer le travail d’un charpentier veuf : quand elle devient amnésique suite à un accident, il va se faire passer pour son mari et la faire s'occuper de ses enfants pendant un mois en compensation de l'argent qu'il aurait dû toucher… La différence, c’est que Overboard inverse le postulat : la milliardaire devient un héritier égoïste et méprisant (Eugenio Derbez) qui renvoie une femme de ménage (Anna Faris) de son yacht. Dans le jargon, on appelle ça un « gender swap » (j'y reviendrai), et il est ici plutôt réussi, alors que le playboy va découvrir les joies de la vraie vie et de la (fausse) paternité au contact de cette famille d’adoption dont il va devenir un super-papa très présent entre ses deux boulots d’ouvrier et de livreur de pizzas, les courses, le ménage, sa « compagne » et leurs filles.

Un mélange réussi des codes et des sous-genres de la romcom

Sans être hilarant, le film est plutôt mignon, et décline tous les codes des télénovelas sud-américaines dont il devient une transposition amusante dans la « vraie vie », mais aussi ceux de la romcom (quiproquos, rebondissements, seconds rôles attachants dont Eva Longoria et John Hannah…) dont il reprend plusieurs sous-genres. On y retrouve ainsi un savant mélange de « cross-class » (deux amoureux issus de milieux sociaux opposés) et de « enemies-to-lovers » (ils se détestent, ils finiront par s’aimer), saupoudré du charme mémoriel qu’on avait pu apprécier dans la méconnue mais très chouette comédie romantique Amour & Amnésie (2004) dans lequel Adam Sandler devait chaque jour reconquérir Drew Barrymore (j'aime beaucoup ce film).

Des clins d’oeil pop

On notera également dans Overboard plusieurs clins d’oeil pop très sympa : au film original Un couple à la mer (un docteur évoque un cas similaire d’amnésie touchant « une jeune femme dans les années 80 ») ; aux Dents de la mer (le chef de la police, dont on comprend qu’il a été croqué par un requin, est baptisé Brody comme le héros du film de Steven Spielberg) ; au Parrain de Francis Ford Coppola dont l’un des personnages secondaires est passionné (jusqu’à en parler pendant un discours de mariage) ; et à Titanic (les deux personnages principaux se rencontrent sur un immense yacht et sont baptisés Kate Sullivan et Leonardo Montenegro, soit littéralement Kate & Leo comme le couple-star du film aux 11 Oscars de James Cameron).

C’est quoi le « gender swap » ?

Quand on produit une nouvelle version ou un remake d’un précédent long métrage, et qu’on inverse le postulat de genre (des personnages masculins deviennent des protagonistes féminins, et inversement), on appelle ça un « gender swap ». Et Overboard n’est évidemment pas le premier du genre ! Côté romcom, je pense à Il est trop bien (2021) qui revisite Elle est trop bien (1999) ou Ce que veulent les hommes (2019) qui réinvente Ce que veulent les femmes (2000), mais il y a eu également Ghostbusters (2016) avec des chasseuses de spectres qui reprennent les packs à protons de SOS Fantômes (1984) ou les braqueuses chic et choc de Ocean’s 8 (2018) qui succèdent aux braqueurs de Ocean’s Eleven (2001). D’ailleurs, le film original Un couple à la mer (1987) -par le réalisateur de Pretty Woman !- est lui aussi disponible sur Netflix et vous permettra de prolonger Overboard et de comparer les deux approches et époques.

Quelles romcom regarder sur Netflix pour la Saint-Valentin ?

Et après Overboard, on regarde quoi ? Je ne vais pas vous mentir, le catalogue romantique de Netflix est riche ! Pour ne pas faire trop long, je vais exclure les drames romantiques et les séries romcom pour me concentrer sur les comédies romantiques long format. Côté Originals, vous devriez vibrer avec People We Meet On Vacation (2025), qui est un peu un Quand Harry rencontre Sally… moderne, sans oublier French Lover (2025) et son joli couple Omar Sy / Sara Giraudeau, le so french Champagne Problems (2025) et les incontournables trilogie A tous les garçons que j’ai aimés (2018-2020) et The Kissing Booth (2018-2021). Côté grands classiques du genre, je recommande plus que jamais Mon inconnue (2019), qui est l’une de mes romcom préférées, les couples croisés de Crazy, Stupid, Love (2011) et The Holiday (2006)... et pour rigoler un peu, l’hilarante parodie Sex Academy (2001) qui passe à la moulinette d’un humour (très) potache les clichés des romcoms et des teen-movies. Bonne Saint-Valentin !

Vous n’avez pas pu passer à côté du phénomène planétaire Heated Rivalry (2025-), cette série passionnée sur fond de hockey sur glace, basée sur les romans à succès de Rachel Reid dont la premier saison (6 épisodes) a fait un carton outre-Atlantique en fin d’année dernière, et qui est maintenant -enfin !- disponible en France sur HBO Max. 

Shane Hollander et Ilya Rozanov sont deux stars de la glace qui jouent pour deux équipes rivales. Mais s’ils sont adversaires sur le terrain, les deux jeunes hommes vont rapidement entamer -loin des caméras et des tabloïds-, une relation qui va évoluer de façon beaucoup plus sérieuse au fil des matchs et des saisons.  

Les deux visages de la série, Connor Storrie et Hudson Williams, ont été plébiscités pour leur interprétation mais surtout pour leur alchimie brûlante, qui a plus que contribué au buzz et au succès du show. Pour continuer sur cette lancée, je vous ai concocté une liste JustWatch de 5 couples fictifs dont l’alchimie à l’écran est exceptionnelle. 

Hot Priest et Fleabag (Fleabag)

« Ça passera… » Voilà ce que lance le Hot Priest Andrew Scott à Phoebe Waller-Bridge dans Fleabag (2016-2019), lorsqu’elle lui avoue qu’elle l'aime. Une réponse qui brisera le cœur aux milliers de fans de la série-pépite, primée aux Emmy Awards, aux Golden Globes et aux BAFTAs.

C’est l’histoire de Fleabag, une trentenaire ayant récemment perdu sa meilleure amie et collègue qui se retrouve à affronter seule les aléas de la vie, le célibat, les relations familiales et le deuil. Notre héroïne va notamment tomber amoureuse d’un prêtre sexy, ce qui n’est pas forcément la situation la plus pratique au monde ! Cet amour interdit a crevé l'écran et obsède les fans du monde entier depuis maintenant plus de six ans alors que le show a tiré sa révérence après deux petites saisons. 

Daisy Jones et Billy Dune (Daisy Jones and the Six)

Daisy Jones and the Six a été LE phénomène de l'été 2023, et à juste titre. En plus de bénéficier d’une BO originale digne des plus grands groupes de rock des années 70 (oui, j’assume complètement), cette série basée sur le bestseller de Taylor Jenkins Reid, a aussi eu le droit à un casting à la hauteur des attentes des fans. 

Riley Keough et Sam Claflin incarnent notamment les deux personnages principaux, Daisy Jones et Billy Dune, les chanteurs de ce groupe fictif largement inspiré de Fleetwood Mac et des histoires de cœur qui ont fragilisé la cohésion du groupe légendaire américain. Si la relation entre Daisy et Billy a déchaîné les passions, les relations plus secondaires entre les membres du groupe sont également extrêmement bien écrites, complexes et ne manqueront pas de vous rendre complètement accro à cette mini-série de 10 épisodes. 

Jamie et Claire (Outlander) 

« Tu es le sang de mon sang, la chair de ma chair. Je te donne mon corps, pour que nous ne fassions qu'un. Je te donne mon âme, jusqu'à la fin des jours. » Difficile de faire mieux en termes de déclaration d’amour, vous ne croyez pas ? S’il y a bien un couple que je ne peux pas imaginer être séparé, c’est Claire et Jamie à qui nous devrons d'ailleurs bientôt dire au revoir, puisque que la huitième et ultime saison d’Outlander (2014-2026) approche à grands pas.

L’alchimie entre les deux personnages incarnés par Caitriona Balfe et Sam Heughan est d’une profondeur exceptionnelle, et si les années pendant lesquelles ils étaient séparés par les pierres et le temps ont été si difficiles à regarder, c’est bien parce que les deux amants sont indissociables. Je dois d'ailleurs admettre que peu de séries ou de couples fictifs ont réussi à me faire croire à ce point qu’ils étaient des âmes sœurs !

Nick et Charlie (Heartstopper) 

Nick et Charlie (Kit Connor et Joe Locke) ont fait battre le cœur de milliers de fans durant trois saisons, toutes plus humaines et touchantes les unes que les autres. Si un quatrième chapitre a été exclu par Netflix, nous aurons tout de même droit à un film qui clôturera les aventures des héros de Heartstopper (2022-2024).

Nick et Charlie font partie de ces couples qui ont vécu tellement de choses ensemble qu’il sera difficile de leur dire au revoir. Ou même de les imaginer séparés. Les autres tandems phares de la série, notamment Elle et Tao (Yasmine Finney et William Gao) nous ont tellement emporté.es dans leur amitié puis dans leur romance qu’il sera là encore difficile de dire au revoir à ces personnages emblématiques d’une série coming-of-age LGBTQ+ particulièrement réussie et extrêmement importante.  

Luke et Lorelai (Gilmore Girls) 

Luke et Lorelai de Gilmore Girls (2000-2007), c’est un peu mon Ross et Rachel à moi. Les deux amis habitent à Stars Hollow, une petite ville idyllique -mais en fait plutôt effrayante où tout le monde sait tout sur tout le monde-, et ont refusé pendant des années d’admettre leurs véritables sentiments. La répartie toujours hilarante de Lorelai tranche extrêmement bien avec le côté râleur et grognon de Luke, qui est au fond quelqu'un de très gentil et de loyal. Néanmoins, ce duo finit toujours par faire des étincelles !

Pour moi, le secret de l’alchimie du couple campé pendant sept saisons par Lauren Graham et Scott Patterson réside dans la magie des dialogues : ça fuse entre ces deux personnages qui n’ont, au premier abord, rien en commun ! Et pourtant, ils deviendront l’un des couples -même quand ils ne sont pas ensemble- les plus iconiques du petit écran.

Meurtres mystérieux, disparitions troublantes, enquêtes sinueuses restituées au fil d’interviews, d’images d’archives et de reconstitutions glaçantes : le genre « true crime » s’est imposé depuis quelques années comme un pilier du catalogue Netflix, captivant les amateurs d’histoires vraies à travers des séries documentaires devenues incontournables.

Des productions qui nous embarquent au cœur de l’horreur, tout en questionnant les rouages de la justice et les zones d’ombre de l’âme humaine. Je vous propose un guide JustWatch des meilleures séries documentaires true crime disponibles en streaming sur Netflix.

De rockstar à tueur : le cas Cantat (2025)

Il fût l’icône d’une génération. Mais en 2010, Bertrand Cantat, chanteur charismatique du groupe Noir Désir, frappe et tue sa compagne, la comédienne Marie Trintignant. Sur trois épisodes, De rockstar à tueur : le cas Cantat (2025) revient sur un féminicide que la France n’a jamais vraiment regardé en face. À travers les mots des proches et de nouvelles images d’archives, la série questionne : comment un homme, après avoir tué, est-il redevenu une figure artistique ? Et qu’a-t-on fait de la mémoire de ses deux compagnes décédées ? 

L’affaire Fourniret : dans la tête de Monique Olivier (2023)

Elle est longtemps restée dans l’ombre, presque invisible. Complice ou victime ? Monique Olivier, épouse du tueur en série Michel Fourniret (condamné à la perpétuité incompressible) parle. Et le malaise grandit. L’affaire Fourniret : dans la tête de Monique Olivier (2023) est une série fascinante qui dissèque l’implication d’une femme dans l’horreur, avec une sobriété qui donne froid dans le dos. Derrière la façade terne, une mécanique du consentement et du silence. Le monstre avait deux visages, et peut-être deux cerveaux.

Chaos : les meurtres de la famille Manson (2025)

Los Angeles, 1969. Charles Manson, gourou à la voix douce et aux délires messianiques, orchestre des meurtres dont celui de Sharon Tate, actrice enceinte de 8 mois, épouse du réalisateur Roman Polanski. Mais Chaos : les meurtres de la famille Manson (2025) va plus loin : et si tout cela n’était qu’une pièce dans un jeu plus vaste ? Services secrets, LSD, manipulations. On perd pied, volontairement, dans un récit trouble où la vérité se dissout dans les fumées paranoïaques de l’époque. Un documentaire fascinant et dérangeant.

Grégory (2019)

Le 16 octobre 1984, un petit garçon de 4 ans est retrouvé noyé dans la Vologne, pieds et mains attachés. Des lettres d’un corbeau. Et un village figé dans le soupçon. L’affaire Grégory n’est pas un simple fait divers : c’est une tragédie française qui agite les médias depuis plusieurs décennies. Grégory (2019) explore, sans sensationnalisme, les failles d’un système judiciaire débordé, les rivalités intimes devenues publiques, et la spirale du doute. 

Jeffrey Dahmer : autoportrait d’un tueur (2022)

Il choisissait ses victimes dans les bars gays, les ramenait chez lui et ne les laissait jamais repartir. Le documentaire Jeffrey Dahmer : Autopsie d’un tueur (2022) explore l’esprit dérangé de l’un des tueurs en série les plus tristement célèbres des États-Unis, dont l’histoire a aussi été racontée dans la série Monstre : L'histoire de Jeffrey Dahmer (2022). À travers des témoignages d’experts, des archives judiciaires et des reconstitutions, il retrace le parcours macabre de ce personnage et les origines de sa violence extrême.

Ted Bundy : autoportrait d’un tueur (2019)

Séduisant, intelligent et diplômé, Ted Bundy n’en était pas moins un tueur capable de violence inouïe. En mêlant images d’archives et enregistrements audio de Bundy lui-même réalisés en prison, Ted Bundy : autoportrait d’un tueur (2019) propose une immersion dérangeante dans cet esprit tordu. Bien plus qu’une simple biographie criminelle, le film dresse un portrait d’un narcissisme absolu où les interviews de journalistes, d’enquêteurs et de proches des victimes permettent de mieux comprendre comment il a pu échapper si longtemps à la justice.

The Keepers (2017)

La série documentaire The Keepers (2017) explore le meurtre non élucidé de sœur Cathy Cesnik, une religieuse et enseignante très aimée à Baltimore, retrouvée morte en 1970. Le mystère de sa disparition est restée officiellement sans réponse, comme son assassinat, mais au fil des épisodes, l’enquête prend un tournant plus sombre. D’anciennes élèves du lycée où elle enseignait affirment qu’elle aurait découvert des abus sexuels perpétrés par un prêtre. Aurait-elle été tuée pour l’empêcher de parler ?

Disparues : le tueur de Long Island (2025)

C’est l’histoire d’un tueur en série resté dans l’ombre pendant plus de dix ans. Entre 2010 et 2011, plusieurs corps de jeunes femmes sont retrouvés le long d’une plage isolée à Long Island. Toutes étaient des escorts. Et pendant trop longtemps, personne n’a cherché à comprendre. Disparues : le tueur de Long Island (2025) suit l’enquête étouffée par les préjugés, jusqu’à un rebondissement : en 2023, Rex Heuermann, père de famille et architecte sans histoire, est arrêté. 

Outreau : un cauchemar français (2024)

L’affaire d’Outreau, qui a éclaté en 2001, est l’un des plus grands scandales judiciaires de France. Outreau : un cauchemar français (2024) revient sur cette affaire de pédocriminalité présumée, où plusieurs personnes ont été accusées à tort, jetées en prison, avant d’être innocentées. Une tragédie judiciaire qui interroge les méthodes d’instruction, la parole des enfants, et le rôle des médias.

Disparue à Tokyo : l’affaire Lucie Blackman (2023)

Disparue à Tokyo : l’affaire Lucie Blackman (2023) retrace le parcours de Lucie Blackman, 21 ans, qui disparaît à Tokyo en 2000. Britannique, ancienne hôtesse de l’air, elle travaillait dans un établissement à hôtesses. Des mois plus tard, son corps est retrouvé enterré dans une grotte. L’enquête révèle l’existence d’un homme riche et influent, suspecté d’agressions multiples. L’enquête sera tendue, entre deux cultures : la famille, les diplomates, la justice japonaise et un suspect richissime.

L’événement “Hurlevent” (2026) sort dans les salles françaises ce mercredi 11 février. Réalisé par Emerald Fennell (Promising Young Woman, 2020 ; Saltburn, 2023), et emmené par Margot Robbie et Jacob Elordi dans le rôle du couple iconique Catherine et Heathcliff, “Hurlevent” (nous allons revenir sur ces guillemets) est une interprétation du roman d'Emily Brontë, plus qu’il n'en est une adaptation littérale. 

La relation passionnelle et torturée des deux personnages principaux a fait l’objet de plusieurs adaptations, sur le petit comme sur le grand écran. Cette fois-ci, le choix du titre est essentiel pour comprendre, -ou du moins appréhender- le film de Fennell. En effet, les guillemets que je mentionnais plus haut sont justifiées par la cinéaste comme étant une façon d'exprimer l'impossibilité d'adapter fidèlement un livre aussi « dense et complexe » que Les Hauts de Hurlevent. Son film est donc une vision du livre proche de celle qu’elle se souvient avoir eu en le lisant pour la première fois.

Alors si comme moi vous avez hâte de découvrir cette itération très personnelle de ce classique, et que vous êtes à la recherche d’un film qui parlera à votre âme de romantique torturé, j’ai précisément ce qu’il vous faut dans cette liste JustWatch.

Emily (2022)

On commence avec Emily de Frances O’Connor, un film sur la vie de l'autrice du roman Les Hauts de Hurlevent et figure emblématique de la littérature anglaise, Emily Brontë. A mi-chemin entre le biopic et la fiction, Emily se base en partie sur ce que l’on sait de la famille Brontë, mais également sur les événements qui auraient -d’après le film- inspiré Emily à écrire son chef-d’œuvre. 

Emma Mackey, la star de Sex Education (2019-2023) qui sera bientôt à l'affiche du Narnia de Greta Gerwig, incarne avec très grande justesse et vulnérabilité Emily Brontë. Même si beaucoup de fans ou spécialistes de l'écrivaine pourraient trouver à redire sur certaines libertés prises par la réalisatrice, la photographie, le jeu d'acteur et la musique sublime d’Abel Korzeniowski ne manqueront pas de vous emporter dans les paysages spectaculaires de la lande anglaise.

Jane Eyre (2012)

On reste aux côtés de la famille Brontë, mais cette fois-ci avec une autre sœur et un autre chef-d’œuvre de la littérature, Jane Eyre écrit par Charlotte Brontë. Comme beaucoup de classiques, ce roman a été adapté à de nombreuses reprises, mais si le Jane Eyre de Cary Joji Fukunaga est aussi apprécié, c’est notamment grâce aux performances magnétiques de Mia Wasikowska et de Michael Fassbender dans les rôle de Jane et Mr. Rochester.

Comme pour n’importe quelle adaptation d’un roman aussi « dense et complexe » -pour paraphraser Emerald Fennell-, les lecteurs de la première heure y trouveront toute la complexité des personnages écrits par Brontë, mais également une vision de l'œuvre qui est propre au cinéaste. Je vous laisse donc vous faire votre opinion en ajoutant ce film à votre watchlist (si ce n’est pas déjà fait !).

Anna Karénine (2012)

L’Angleterre n’est pas la seule à avoir donné naissance à des héros romantiques torturés, puisque la littérature russe regorge elle aussi de personnages romanesques en proie au tourment et au mal d’amour. Anna Karénine de Joe Wright, basé sur le célèbre roman de Léon Tolstoï, met en scène Keira Knightley dans le rôle d’une aristocrate mariée à un homme d'État, qui entame une liaison avec le Comte Vronski. Les deux amants devront faire face aux conséquences de telles actions dans la Russie impériale du XIXème siècle. 

D’un point de vue stylistique, je trouve que ce film est absolument sublime et une véritable prouesse technique, puisqu’il est tourné et monté comme une pièce de théâtre. Mais il m’a fallu deux visionnages pour apprécier l’intrigue dans son intégralité, même si beaucoup de raccourcis de l'œuvre de Tolstoï y sont faits.

Ophelia (2019)

On continue dans les réécritures de grands classiques, avec Ophelia (2019) de Claire McCarthy, tirée de la tragédie shakespearienne Hamlet. L’héroïne de la postlogie Star Wars (2015-2019), Daisy Ridley, y incarne la célèbre épouse du Prince Hamlet, qui dans la pièce n'occupe finalement qu’un rôle relativement secondaire.

Pourtant, ce personnage, qui a été conduit à la folie puis à la mort par noyade, a toujours fasciné les artistes du monde entier, des peintres aux poètes en passant par les chanteurs et les cinéastes. L'alchimie entre les deux personnages principaux, Ophelia et Hamlet -incarné par George Mackay- est palpable et leur histoire tragique, bien que revue et réinventée, est mise en valeur par une superbe photographie et une bande originale que j’ai adoré, signée Steven Price. 

The Young Lady (2016)

Bien que The Young Lady (2016) ne soit pas une nouvelle itération de Macbeth, il tire son titre des points communs que Katherine Lester, son personnage principal, partage avec le personnage de Shakespeare. On peut d’ailleurs remercier William Oldroyd, le réalisateur de ce drame historique se déroulant au XIXème siècle, qui avait déjà repéré à l'époque le talent d'une certaine Florence Pugh, qui livre déjà dans ce film une performance absolument bluffante.

Elle y incarne donc Katherine Lester, une jeune femme mariée de force à un homme beaucoup plus vieux qu’elle, qui ne cherche qu’à la contrôler et à la garder enfermée dans son manoir. Mais elle rencontre un jour Sebastian, un jeune homme travaillant sur la propriété qui devient son amant : une situation qui mettra leur vie à tous les deux en danger. 

Mary Shelley (2017)

Mary Wollstonecraft Godwin, plus connue sous le nom de Mary Shelley (2017), est au cœur de ce film biographique dans lequel nous découvrons l’histoire d'amour entre l’écrivaine, ici incarnée par Elle Fanning, et son mari le poète Percy Bysshe Shelley, joué par Douglas Booth. La réalisatrice Haifaa Al-Mansour trace ici un parallèle entre la relation amoureuse de l’autrice et son futur chef d'œuvre de la littérature gothique et romantique que sera Frankenstein.

De plus, elle devra se faire une place et un nom dans le cercle très fermé et très masculin du monde de l'écriture. Bien sûr, comme dans beaucoup de biopics, il faudra prendre avec des pincettes certains événements et certains aspects des personnages, mais cette proposition mérite tout de même le coup d'œil. 

Ma cousine Rachel (2017)

Rachel Weisz et Sam Claflin incarnent des amants maudits dans Ma cousine Rachel (2017), adaptation de l'œuvre de Daphne du Maurier réalisée par Roger Michell. Dans l’Angleterre du XIXème siècle, Philip, un jeune aristocrate, apprend que son cousin, Ambrose, a récemment épousé une mystérieuse veuve lors d’un séjour en Italie. Mais petit à petit, Ambrose fait part à Philip de son inquiétude grandissante envers le comportement étrange de la jeune femme, qu’il soupçonne de vouloir l'empoisonner. Philip se rend donc chez son cousin mais découvre qu’il est déjà trop tard. Il y fait la rencontre de Rachel, dont il va finalement tomber amoureux… 

Je ne peux vous en dire plus sur l'histoire au risque de spoiler les intrigues psychologiques et amoureuses de ce récit, mais je peux par contre vous assurer que vous ne serez pas déçus par l'interprétation envoûtante et saisissante de Rachel Weisz dans le rôle principal. 

Mademoiselle Julie (2014)

Mademoiselle Julie (2014), réalisée par Liv Ullmann, est l'adaptation de la pièce de théâtre éponyme, datant de 1888. Colin Farrell, Jessica Chastain et Samantha Morton jouent avec le feu et les normes sociales de l'époque dans ce drame romantique qui se déroule au cours d’une seule nuit. Mademoiselle Julie est la fille d’un baron et John est le valet de ce dernier. Il est fiancé à Kathleen, la cuisinière, mais très vite, un jeu du chat et de la souris s’installe entre John et Julie. Les classes sociales sont testées et remises en question, et des limites sont franchies.

« A chacun sa classe », déclare Kathleen dans le film, une phrase qui résume très bien le carcan social de la société qui étouffe ces personnages. John est un homme frustré par sa condition, cherchant à s'élever dans l'échelle sociale. Kathleen a réussi à se persuader que ces mêmes barrières existent pour une bonne raison. Quant à Mademoiselle Julie, elle représente l'ennui profond que les femmes aristocrates pouvaient ressentir face à l'impossibilité de s'émanciper de leurs pères puis de leurs maris.

La théorie « Conformity Gate » a agité les réseaux sociaux après la diffusion de l’épisode final de Stranger Things : et si les créateurs de la série Netflix avaient tourné une fin secrète, prolongeant -et annulant- le huitième dernier chapitre (qui a beaucoup divisé, alors que moi, personnellement, j’aime beaucoup) ? Si les espoirs des fans ont finalement été douchés, une autre théorie liée à Jim Hopper pourrait leur plaire !

Avant Hawkins, le Vietnam

Jim Hopper, c’est le shérif de la ville de Hawkins, campé à l’écran par David Harbour. Bourru et badass, il dévoile aussi un côté très touchant dans sa relation avec Eleven/Onze (Millie Bobby Brown), qui devient sa fille adoptive et lui permet de dépasser la disparition de son propre enfant, Sara, emportée par la maladie. Dans l’univers imaginé par les frères Duffer, Jim Hopper est un vétéran décoré de la Guerre du Vietnam, où il s’était distingué sur les champs de bataille, notamment lors d’opérations nécessitant la manipulation de l’Agent Orange, un produit chimique hautement cancérigène (et sans doute à l’origine de la maladie de sa fille). De retour à la vie civile à la fin du conflit, il devient policier à New York, puis à Hawkins.

Après Hawkins, le Val Verde ?

La série Stranger Things se déroule, en cinq saisons, de 1983 à 1987. Et 1987, c’est l’année de la sortie d’un monument de la science-fiction : Predator. Dans le film de John McTiernan, une escouade de mercenaires emmenée par Dutch (Arnold Schwarzenegger) est envoyée dans la jungle du Val Verde (un pays fictif d’Amérique Centrale) pour y retrouver un hélicoptère abattu. Sur place, ils vont découvrir qu’une mystérieuse créature prédatrice, invisible et impitoyable, les traque comme du gibier. Et surtout qu’avant eux, un commando de bérets verts avait été chargé de la même mission avant d’être éliminé par le monstre. Le nom de leur officier ? Jim Hopper, dont ils retrouvent le cadavre et la plaque d'identification !

Hawkins aussi était dans Predator !

Bien sûr, il s’agit peut-être -et même sans doute- d’un simple clin d'œil des Duffer à la pop culture qu’ils chérissent. De la même manière qu’ils ont inondé les cinq saisons de leur série de références, les deux frères ont pu y glisser du fan-service spécial Predator : en effet, au-delà de cette allusion à Jim Hopper, deux soldats du film de John McTiernan étaient baptisés Hawkins (Shane Black) et Billy (Sonny Landham) ! Les deux frangins aiment tellement la SF en général -et la saga Predator en particulier- qu’ils ont fait une apparition vocale dans Badlands (2025) où ils doublent -en Yautja !- l’ordinateur de bord du vaisseau de Dek : un petit cadeau du réalisateur Dan Trachtenberg pour s’excuser d’avoir dû abandonner la réalisation d’un épisode de la saison finale de Stranger Things. Mais l’idée que Dutch et Hopper (mais aussi les Yautjas et les Démogorgons) partagent le même univers, je ne peux qu’adouber !

Une théorie qui se tient (presque)

Et si, après les événements liés à l’Upside Down, Jim Hopper avait été chargé par l’armée américaine d’enquêter sur d’autres faits étranges -d’autres Stranger Things, finalement- impliquant une autre créature pour l’identifier, l’étudier et mettre la main sur sa technologie ? Ce travail, mené par un programme très secret de la CIA baptisé OWLF / Other Worldly Life Forms sous la supervision de Peter Keyes (Gary Busey) dans Predator 2 (1990), aurait ainsi conduit le personnage de Hopper vers une fin sanglante. Cette idée a été partagée il y a quatre ans sur Reddit. Et même si le saut dans le temps de dix-huit mois de l’épilogue de Stranger Things la met un peu à mal, elle me plaît beaucoup. Survivre aux Démogorgons pour finir écorché dans la jungle et en trophée dans les griffes d’un Yautja, j’adore l’idée. Qui, en plus, confirme que le Predator, c’est le plus fort ! (oui, je suis fan)

Il reste presque un mois avant la cérémonie des Oscars 2026 et, comme tous les cinéphiles à travers le monde, j’ai hâte de découvrir quel film marquera la soirée par l’ampleur de ses victoires. Même si Sinners (2025) a déjà fait sensation en établissant un record historique avec 16 nominations, c’est Une bataille après l’autre (2025) qui semble s’imposer comme le favori dans la catégorie du Meilleur film.

Dixième long-métrage de Paul Thomas Anderson, Une bataille après l’autre est un film qui résiste au simple résumé de son intrigue. Après une ouverture pulsionnelle, dense en action politique, le récit glisse progressivement vers un registre davantage imprégné d’humour noir et d’aventure, où les liens familiaux prennent une place centrale. Comme les œuvres précédentes du cinéaste, le film s’inscrit dans une tradition à la fois cinéphile et littéraire bien particulière.

Si vous souhaitez davantage connaître à propos des choix stylistiques et narratifs du film, en retracer les possibles sources d’influence ou encore en explorer les affinités avec d’autres œuvres contemporaines, je vous propose la liste idéale JustWatch pour prolonger l’expérience. 

La Prisonnière du désert (1956)

Commençons par un classique incontournable du western, qui partage avant tout une affinité technique avec Une bataille après l’autre, à savoir l’utilisation du format VistaVision. La Prisonnière du désert (1956), signé John Ford, a influencé de nombreux films avant l’opus de Paul Thomas Anderson -aussi bien à travers des citations directes, comme chez George Lucas, que par des inspirations plus diffuses, comme chez Spielberg ou encore chez « PTA ». On peut bien sûr mettre en question et critiquer la représentation des populations indigènes chez Ford, mais son film témoigne d’une maîtrise sans égale sur le plan de la mise en scène.

Même après tant d’années, les vastes paysages désertiques ne perdent rien de la sensation de sublime brutal qu’ils convoquent. Et sur le plan narratif, le récit d’Ethan Edwards (John Wayne), qui part en quête obsessionnelle pour retrouver sa nièce enlevée par des Comanches, se rapproche tant bien que mal de celui de Ghetto Pat (Leonardo DiCaprio), qui cherche à sauver sa fille Willa (Chase Infiniti). Mais chez Ford, la dimension morale et le vigilantisme toxique sont beaucoup plus explicitement soulignés. À cet égard, regarder La Prisonnière du désert avec une perspective contemporaine peut s’avérer difficile pour certains spectateurs, vous êtes prévenus !

La Bataille d’Alger (1966)

Le film-monument de Gillo Pontecorvo se distingue des autres entrées de cette liste par un aspect singulier : il est ouvertement cité par le film lui-même. Dans une scène, le personnage de Ghetto Pat est montré en train de fumer un joint tout en regardant La Bataille d’Alger (1966). Pour construire son récit autour des forces de guérilla algériennes mobilisées contre l’occupation française à Alger, Pontecorvo adopte un registre narratif très proche du documentaire.

La représentation des forces révolutionnaires chez Paul Thomas Anderson, surtout dans la première partie du film, rappelle en effet la guerre urbaine -attentats, explosions, insurrections- déployée dans La Bataille d’Alger. Toutefois, l’enjeu anticolonial qui traverse ce dernier demeure relativement absent d’Une bataille après l’autre, « PTA » restant assez vague quant aux objectifs de ses révolutionnaires.

Une autre thématique qui distingue les deux films est celle du désenchantement à l’égard des idéaux révolutionnaires dans la société contemporaine, plus marquée chez Anderson, alors que La Bataille d’Alger, encore proche du temps de l’indépendance, ne peut instaurer qu’une distance critique limitée. Il n’empêche que le film de Pontecorvo semble nourrir un certain idéalisme -aussi bien chez « PTA » lui-même que chez les personnages de son film.

À bout de course (1988)

Si vous êtes fan de Paul Thomas Anderson, vous savez sans doute qu’il est un grand admirateur du cinéma de Sidney Lumet. Même si À bout de course (1988) ne figure pas parmi ses œuvres les plus célèbres, sa manière d’aborder la radicalité politique et d’en explorer les répercussions sur les générations suivantes frappe par sa justesse.

Sur le plan narratif, le film présente plusieurs points communs avec Une bataille après l’autre. Lumet y raconte l’histoire d’Annie et Arthur Pope (Christine Lahti et Judd Hirsch), un couple d’anciens militants ayant participé à un attentat anti-guerre à l’époque du Vietnam, contraints depuis de vivre sous de fausses identités. Au cœur du récit se trouve leur fils aîné, Danny (River Phoenix), qui aspire à s’affranchir du passé de ses parents, à mener une vie stable et ordinaire, et à devenir pianiste.

Le conflit entre parents et enfants, né d’un passé sur lequel ces derniers n’ont aucun contrôle, vous paraîtra sans doute familier. Dans la seconde moitié d’Une bataille après l’autre, on retrouve ce même désir d’émancipation chez Willa, confrontée à un père qui tente coûte que coûte de la protéger de dangers extérieurs -dangers pourtant liés à ses propres actes passés.

Mais les similitudes narratives ne devraient pas être votre seule raison de découvrir le film de Lumet. Dans le rôle de Danny, River Phoenix, à peine âgé de 18 ans, livre une performance d’une intensité remarquable, qui lui valut d’ailleurs sa seule nomination aux Oscars. Cela dit, contrairement aux autres films de cette liste, l’arrière-plan politique y reste relativement en retrait. Attendez-vous donc davantage à un mélodrame familial intime qu’à un film frontalement politique.

Inherent Vice (2014)

Thomas Pynchon est considéré comme l’un des auteurs majeurs de la littérature postmoderne américaine, et ses œuvres sont souvent réputées impossibles à adapter au grand écran. Pourtant, Paul Thomas Anderson a relevé ce défi à deux reprises, d’abord avec Inherent Vice (2014), puis avec Une bataille après l’autre.

La filmographie du cinéaste explore des thématiques et des esthétiques très variées, qui se transforment d’un film à l’autre. Mais en tant qu’adaptations « pynchoniennes », ces deux œuvres sont sans doute celles qui se rejoignent le plus au sein de son parcours. Il faut toutefois préciser que Une bataille après l’autre s’inspire assez librement du roman Vineland, tandis que la version filmique d’Inherent Vice demeure bien plus fidèle à la structure digressive et labyrinthique du livre.

Porté par un Joaquin Phoenix ingénieusement excentrique dans le rôle d’un détective privé embarqué dans des complots militaires et politiques au début des années 1970, Inherent Vice se distingue notamment par sa manière de saisir l’état d’âme d’une époque à travers des personnages outranciers et emblématiques. On peut par exemple voir une sorte d’équivalent du Colonel Lockjaw dans le personnage de Christian « Bigfoot » Bjornsen, incarné par Josh Brolin -notamment lors d’une scène inoubliable où il avale du cannabis. En comparaison, Une bataille après l’autre se révèle plus accessible, tant sur le plan narratif qu’humoristique. Disons que si vous souhaitez approfondir l’univers de « PTA », Inherent Vice constitue une étape suivante parfaitement justifiée mais plus exigeante.

Eddington (2025) 

Après la sortie d’Une bataille après l’autre, les critiques se sont immédiatement mis à comparer le film à Eddington (2025) d’Ari Aster. À juste titre : les deux œuvres tentent de proposer un commentaire critique sur le paysage politique et social des États-Unis contemporains. Les échelles narratives des deux films diffèrent toutefois sensiblement. Celui d’Anderson adopte un récit ample, presque épique, qui s’étend sur près de deux décennies, même si son noyau émotionnel demeure ancré dans la relation père-fille. Aster, de son côté, dépeint un microcosme social et politique à travers une ville fictive située au Nouveau-Mexique.

L’intrigue d’Eddington repose sur la rivalité entre le maire Ted Garcia, incarné par un Pedro Pascal toujours aussi charmant et drôle, et le shérif Joe Cross, farouchement opposé aux mesures sanitaires imposées par Garcia. Sur le plan narratif, les deux films n’ont pas de véritables points communs ; en revanche, le traitement grotesque que les deux réalisateurs appliquent aux sphères militaires et politiques crée une proximité frappante. Par ailleurs, Joaquin Phoenix, collaborateur fidèle de Paul Thomas Anderson, porte dans Eddington les traces inévitables de ses performances dans The Master (2012) et Inherent Vice.

La portée critique des deux films fait encore débat et ne suscite pas l’unanimité. En termes de tonalité, Eddington penche nettement vers la satire et l’excès -des choix esthétiques propres à Aster qui peuvent dérouter certains spectateurs. Reste à voir lequel, avec le temps, continuera à résonner.

En quelques années, Jacob Elordi a pris un virage que tous les acteurs nés dans des fictions adolescentes ne sont pas parvenus à négocier. Révélé par une romance Netflix calibrée pour le binge-watching, il s’est progressivement détaché de cette image lisse pour explorer des rôles plus ambigus, voire dérangeants. Jusqu’à incarner une figure mondialement connue de la littérature et du cinéma : la créature de Frankenstein. 

Sans avoir encore 30 ans, le comédien australien fait preuve d’une maturité artistique et d’une capacité à se réinventer avec, à son actif, une filmographie cohérente autour de personnages complexes et ambivalents qui culmine aujourd’hui avec Hurlevent (2026) de Emerald Fennell aux côtés de Margot Robbie. Pour JustWatch, je vous propose mon classement de ses meilleurs rôles, du moins notable au meilleur.

The Kissing Booth (2018-2021)

C’est le point de départ, la première expérience, le mythe fondateur qui lui a valu de se faire connaître auprès de sa génération : la trilogie The Kissing Booth (2018-2021) ! Le pitch est classique pour cette bluette adolescente : une fille grandit auprès de son meilleur ami et tombe amoureuse du grand frère, joué par Jacob Elordi. 

Sur le plan artistique, le rôle est un peu limité, le comédien se contentant souvent de brandir son sourire charmeur avec fossettes intégrées et exposer à différentes occasions son long corps musclé (mais non, il n’est pas qu’un corps, insiste le scénario !). Cependant ce personnage de Noah Flynn, bad boy romantique, a permis à Jacob Elordi d’acquérir une visibilité mondiale et quelques codes de la célébrité. Conscient de sa carrière, et la prenant totalement en main, il a pu ensuite se détacher progressivement de ce genre de personnage. Si The Kissing Booth n’est pas son meilleur rôle, il n’en reste pas moins décisif.

Oh, Canada (2024)

Dans Oh, Canada (2024), Jacob Elordi s’inscrit dans un registre totalement différent de ses incarnations précédentes, en prêtant ses traits à Leonard Fife jeune dans les flashbacks d’un drame introspectif réalisé par Paul Schrader, adapté du roman Foregone de Russell Banks. Le film raconte l’histoire de Leonard « Leo » Fife, un documentariste de renommée qui, malade d’un cancer en phase terminale, accepte de livrer une ultime interview filmée pour faire la lumière sur sa vie, sa carrière et les mythes qui entourent son engagement politique et personnel.

À travers un montage fragmenté mêlant présent et souvenirs, Fife — incarné à l’écran par Richard Gere dans le présent et par Elordi dans ses années de jeunesse — se remémore sa fuite vers le Canada pour éviter la conscription pendant la guerre du Vietnam, la construction de sa réputation de cinéaste engagé, et les relations humaines qu’il a abandonnées, trahies ou embellies au fil des décennies. Dans ce contexte, Elordi incarne un héros idéaliste et contradictoire, pris entre ses convictions politiques et les conséquences personnelles de ses choix. Une expérience pour le jeune comédien, qui démontre sa maturité.

Euphoria (2019-)

La sulfureuse série Euphoria (2019-), qui suit Rue Bennett (Zendaya), ado toxicomane en rémission scolarisée dans un lycée où sexe, drogue et violence structurent les rapports humains, a donné à voir une image totalement différente de Jacob Elordi. Avec Nate Jacobs, le comédien compose l’un des personnages les plus dérangeants de la télévision contemporaine. Nate est violent, manipulateur, narcissique, profondément réprimé et hanté par une masculinité toxique héritée de son père.

Pas un personnage aimable, donc. D’autant que son physique imposant devient un outil narratif renforçant le sentiment de menace permanente sur les autres personnages. Avec cette série, dont la saison 3 devrait arriver sur HBO Max en avril 2026, Jacob Elordi montre aux critiques et au public qu’il est capable de livrer - aussi - des performances glaçantes, et incarner la violence avec une certaine retenue, suggérant le chaos intérieur constant.

Saltburn (2023)

Dans Saltburn (2023), Jacob Elordi est Felix Catton, figure aristocratique solaire autour de laquelle gravite tout le film. Plus qu’un personnage, Felix est une projection : celle du privilège absolu et du fantasme social entre beauté insouciante que l’on désire autant qu’on envie. Avec une apparente désinvolture et un jeu minimaliste, Jacob Elordi porte les chemises en lin de ce personnage avec une grande efficacité.

Son antagoniste n’en devient que plus inquiétant puisque le centre de gravité du film devient finalement Oliver Quick (Barry Keoghan), étudiant irrémédiablement attiré par la lumière, qui désire, absorbe et finit par vouloir posséder. Dans ce récit de l’obsession, le vrai héros se révèle être non pas celui qui brille mais celui qui regarde brûler. Conscient de ce qu’il dégage, Jacob Elordi a l’intelligence de ne pas jouer la profondeur mais le mirage social. Il joue avec son physique avantageux, en pleine conscience de son pouvoir d’attraction.

Priscilla (2023)

Deux ans avant Frankenstein, Jacob Elordi se frottait déjà à une autre bête, de scène cette fois, puisqu’il était Elvis dans le biopic consacré par Sofia Coppola à sa femme, Priscilla (2023). Loin de toute tentation hagiographique, le film adopte le point de vue intime et subjectif de Priscilla Presley, reléguant la star au second plan pour mieux en révéler les failles. Dans ce cadre délicat, Elordi relève un défi de taille : incarner l’une des figures les plus mythifiées de la culture populaire sans jamais chercher à l’imiter. 

Son Elvis n’est ni flamboyant ni spectaculaire mais feutré, parfois immature, souvent inquiétant dans son besoin de contrôle. Elordi joue la retenue dans son interprétation, faite de silences et de regards, et parvient à déconstruire le mythe pour faire émerger un homme prisonnier de son statut, incapable de vivre une relation d’égal à égal. Ce film marque une étape vers un cinéma d’auteur plus exigeant et introspectif dans les choix de l’acteur australien : la complexité psychologique avant la séduction !

Frankenstein (2025)

Est-ce l’ampleur du personnage, la réalisation virtuose du maître de l’horreur Guillermo de Toro ou bien l’addition des deux ? Le dernier rôle en date de Jacob Elordi, dans Frankenstein (2025), lui offre un registre encore jamais exploré. Ses 1m96 se glissent à merveille dans la peau cicatricielle et recousue de la créature, qui suscite tantôt l’effroi, tantôt la compassion, voire l’amour. Le cinéaste mexicain, fasciné par les figures marginales et les monstres tragiques, dirige impeccablement Elordi dans ce rôle mythique chargé d’un héritage cinématographique écrasant. 

Sorte de graal pour les acteurs américains, la transformation est une épreuve réussie haut la main pour Jacob Elordi qui fait une pierre deux coups en montrant à la profession sa capacité à se réinventer radicalement de rôle en rôle, tout en offrant au public de redéfinir définitivement la perception qu’il a de lui. On n’est pas si éloigné d’un virage à la Robert Pattinson qui, après avoir émoustillé les ados dans Harry Potter et la Coupe de feu (2005) et Twilight (2008-2012) s’est tourné vers des films indépendants (Cosmopolis, Maps to the Stars, The Lost City of Z, The Lighthouse).

Je me frotte déjà les mains des prochaines productions de Jacob Elordi : Hurlevent (2026) bien sûr, mais aussi la saison 3 d’Euphoria (2019-), le prochain film de Ridley Scott The Dog Stars (2026) et Outer Dark (pas de date).

C’est la dure loi du streaming : un phénomène « pop » en chasse un autre. Alors que les frères Duffer ont conclu Stranger Things (2016-2026) le 1er janvier dernier sur Netflix, le public n’a désormais d’yeux que pour l’univers post-apo de Fallout (2024-), les joutes de A Knight of the Seven Kingdoms (2026-) et la folie Heated Rivalry (2025-) qui enflamme les cœurs et les patinoires depuis quelques jours…

Mais même si nous avons quitté Hawkins, il serait injuste d’oublier les actrices et acteurs que nous avons accompagnés au cœur de l’Upside Down durant cinq saisons et une décennie. Car leurs carrières sont désormais lancées et, pour certaines, plutôt prometteuses. Pour JustWatch, je vous donne un petit aperçu des films et séries dans lesquels nous pourrons les retrouver prochainement (je me suis arrêté au casting principal, et sur les talents dont les projets sont confirmés et détaillés).

Joe Keery (Steve)

Il faut croire que les Demogorgons et autres monstres du monde à l’envers ne lui ont pas suffi ! Le 18 février, Joe Keery (en mode glandeur sympathique) fera équipe avec Georgina Campbell et Liam Neeson dans Cold Storage (2026) pour tenter de contenir un organisme mutant très contagieux, échappé de l’entrepôt où il était conservé. Lâché dans la nature, il va multiplier les créations bizarres et les explosions sanguinolentes... Au-delà de ce casting très sympathique, la présence de David Koepp (Jurassic Park, Hypnose, Spider-Man et le très attendu Disclosure Day) au scénario (d’après son propre roman) et de Gavin Polone (Zombieland) à la production annonce un délire chargé en hémoglobine, en bestioles étranges et en humour noir. Parallèlement à ce long métrage, Joe Keery poursuit sa carrière musicale et ses tournées sous le nom « Djo ».

Millie Bobby Brown (Eleven)

Quel que soit le destin que vous imaginez pour Eleven (les frères Duffer ont volontairement maintenu un flou sur ce qu’il advient de la jeune femme), Millie Bobby Brown continue, elle, son parcours hollywoodien. Du moins « netflixien », car c’est essentiellement sur la plateforme qu’elle développe ses projets (en tant qu’actrice et productrice exécutive). Le plus avancé, attendu en 2026 en streaming, c’est Enola Holmes 3 (2026) dans lequel elle reprend son rôle de petite sœur de Sherlock Holmes (Henry Cavill) devant la caméra du réalisateur de Adolescence. Egalement sur son agenda : la comédie romantique Just Picture It avec Gabriel LaBelle (The Fabelmans), le biopic Perfect consacré à la gymnaste américaine Kerri Strug et signé Gia Coppola (The Last Showgirl) et la série SF Prisme adaptée d’une nouvelle de Nick Shafir où elle tentera de sauver le monde d’apparitions mystérieuses.

Caleb McLaughlin (Lucas)

Vos retrouvailles avec Caleb McLaughlin sont plus proches que vous ne le pensez, puisque le comédien sera ce 11 février à l’affiche vocale du film d’animation GOAT - Rêver plus haut (2026). Dans ce projet produit par la star NBA Stephen Curry, il incarne un petit bouc avec un grand rêve : devenir un joueur professionnel de roarball, un sport mixte ultra-intense dérivé du basketball et réservé aux bêtes les plus rapides et féroces du règne animal. Entre Zootopie (2016), Tous en scène (2016), Space Jam (1996) et l’animation de Spider-Man : New Generation (2018), ce long métrage original (ça devient rare) devrait ravir petits et grands. A noter qu’on y entendra également la voix de David Harbour, alias le shérif Hopper de Stranger Things, qui donne vie ici à un rhino massif. 

David Harbour (Jim Hopper)

David Harbour est un acteur (très) occupé. Outre ce rôle dans GOAT, il participe à l’un des projets les plus attendus de l’année cinéma, celui qui peut relancer ou condamner Marvel : Avengers Doomsday (2026). Je suis très curieux de voir comment lui et les Thunderbolts* vont s’intégrer dans ce film super-choral face à la menace Robert Downey Jr. ! En décembre, l’acteur retrouvera également son costume de Père Noël badass dans Violent Night 2 (2026), qu’on souhaite aussi « diehardien » que le premier opus. Au programme également pour l’acteur : de l’horreur sur fond de mélancolie avec A Head Full of Ghosts, l’histoire vraie du pizza bomber racontée dans Evil Genius et le biopic The Trashers consacré au magnat du ramassage des déchets Jimmy Galante. Et dans quelques jours, le 2 mars sur HBO Max, vous pourrez le retrouver dans la série DTF St. Louis (2026-) aux côtés de Jason Bateman et Linda Cardellini.

Sadie Sink (Max)

Sadie Sink a elle aussi gagné son ticket d’entrée pour le MCU : elle débutera cette aventure en juillet 2026 face à Tom Holland et Zendaya dans Spider-Man: Brand New Day (2026). Si rien n’a filtré sur son rôle, les rumeurs vont bon train concernant l’identité de son personnage : la mutante Jean Grey, Rachel Cole-Alves célèbre acolyte du Punisher dans les comics, la super-méchante chasseuse d’araignées Shathra ou la propre fille de Peter Parker venue du futur ou d’une réalité alternative ? Quelle que soit la réponse, la comédienne semble s’inscrire sur la durée dans la famille Marvel puisqu'on l’annonce également dans Avengers Secret Wars (2027). A suivre également pour la comédienne de 23 ans : le drame John Proctor is the Villain (2024), qui croisera féminisme, luttes de pouvoir et pièce d’Arthur Miller dans une petite ville de Georgie.

Finn Wolfhard (Mike)

En juillet 2025, on découvrait Hell Of A Summer (2025), variation sur le slasher de camp de vacances et première co-réalisation de Finn Wolfhard avec son compère Billy Bryk. Les deux cinéastes remettront le couvert prochainement avec Idle Hands, remake de la comédie horrifique La Main qui tue (1999) dans laquelle un adolescent se découvrait une main droite douée d’une volonté propre aux tendances plutôt meurtrières. Également sur le planning de Finn Wolfhard dans les mois à venir : la comédie Crash Land (2026) signée Dempsey Bryk et centrée sur un groupe de cascadeurs amateurs façon Jackass, et un biopic musical consacré au groupe punk américain Replacements, dont l’influence a été majeure sur le rock alternatif made in USA.

Gaten Matarazzo (Dustin)

Attention, délire ! Dans Pizza Movie (2026), Gaten Matarazzo vivra une nouvelle aventure extraordinaire -qu’on lui souhaite moins sombre que Stranger Things- alors que cinq étudiants doivent réussir à monter les deux étages qui les séparent de la pizza qu’ils se sont faite livrer. Le duo Nick Kocher / Brian McElhaney, qui a fait ses armes au Saturday Night Live, est aux commandes de ce pitch savoureux (comme une quatre fromages !). Parallèlement, Gaten Matarazzo est annoncé au casting vocal de La Ferme des animaux (2026), adaptation animée du classique de George Orwell dans lequel les animaux prennent le pouvoir dans leur ferme, avant de voir un cochon-tyran prendre de plus en plus de place. Confié à Andy « Gollum » Serkis (Mowgli : la légende de la jungle), le film affiche une distribution impressionnante (Seth Rogen, Glenn Close, Woody Harrelson, Steve Buscemi, Kieran Culkin, Jim Parsons, Laverne Cox, Iman Vellani, Kathleen Turner…).

Natalia Dyer (Nancy)

Natalia Dyer reviendra t-elle à Hawkins, ou du moins dans l’univers des Duffer ? Les espoirs sont permis pour la comédienne américaine, puisque des rumeurs ont longtemps fait état d’un projet de série-dérivée centrée sur son personnage de Nancy Wheeler. Sachant que la jeune femme se lance dans la vie active en tant que journaliste à la fin de Stranger Things, on pourrait tout à fait imaginer suivre ses enquêtes dans un nouveau show ! En attendant d’en savoir plus, elle tournera dans la romcom Goodbye Girl centré sur une briseuse de cœurs professionnelle.

Charlie Heaton (Jonathan)

Compagnon de Natalia Dyer à la ville, Charlie Heaton est actuellement à l’affiche de la saison 4 de la série Industry (2020-) dans laquelle il incarne un journaliste financier en quête de scoops alors que sa vie personnelle s’effondre. Après cette interprétation fiévreuse, on le retrouvera face à la légende Al Pacino dans Billy Knight (2026) puis dans la comédie romantique Twice Over aux côtés de Mia Wasikowska. Il a par ailleurs toujours en projet d’incarner Joseph Merrick dans une série adaptée de Elephant Man (1980)

Maya Hawke (Robin)

Quand elle n’est pas derrière les platines de Radio WSQK, Maya Hawke tourne. Beaucoup. La fille de Ethan Hawke et Uma Thurman participera cette année à Hunger Games : Lever de soleil sur la moisson (2026), deuxième prequel de la célèbre saga adaptée des romans de Suzanne Collins, qui nous plongera au coeur des 50ème Jeux de la Faim aux côtés d’un jeune Haymitch Abernathy. En 2026, on croisera également la comédienne dans One Night Only, variation potache sur la Purge d’American Nightmare signée Will Gluck (Tout sauf toi) où les relations adultères sont autorisées une nuit par an. Maya Hawke devrait également s’illustrer chez Stephen Frears dans le film Wilder & Me face à Christoph Waltz en Billy Wilder, et dans Lucia dans le rôle de la fille de James Joyce (incarné par Rhys Ifans).

Jamie Campbell Bower (Henry Creel / Vecna)

Il a campé un vampire (Twilight), un chasseur de démons (Mortal Instruments), un sorcier du Wizarding World (Les Animaux Fantastiques), le monstre du Monde à l’envers… Dans quel univers fantastique Jamie Campbell Bower pourrait-il évoluer après Stranger Things ? En Terre du Milieu, évidemment ! Le comédien et chanteur est ainsi annoncé dans un rôle important de la saison 3 des Anneaux de Pouvoir (2022-), sans qu’aucun indice sur son personnage n’ait encore filtré. Elfe ? Homme ? Orc ? Réponse prochainement sur Prime Video. Il devrait également affronter des phénomènes étranges avec Erin Moriarty dans The Haunting in Wicker Park, l’histoire vraie d’un exorcisme couvert par NBC en 1971.

Les livres n’ont pas le monopole de l’adaptation ! Avant de devenir des succès sur les plateformes de streaming, ces séries ont commencé par des voix, des silences, des relances. Homecoming (2018-2020), Dirty John (2018-2020), Archive 81 (2022) et bien d’autres ont en commun d’avoir été du son avant d’être associées à l’image. 

Les récits audio intéressent l’industrie du streaming car ils portent en eux les ingrédients d’une série réussie : des intrigues déjà structurées, des personnages forts et une expérience peut-être plus immersive que pour des séries originales ou adaptées de livres. Un podcast qui a réussi à capter l’attention de son public part avec des points bonus pour intéresser les amateurs de séries ! Pour JustWatch, je vous fais une liste des adaptations les plus emblématiques.  

Homecoming (2018-2020)

Avant d’être une série portée par Julia Roberts, Homecoming (2018-2020) était un podcast audio de fiction, conçu comme une expérience d’écoute immersive. L’histoire d’une assistante sociale travaillant dans un centre de réinsertion pour soldats traumatisés s’y déployait à travers des appels téléphoniques, des séances enregistrées, des fragments de conversations et des comptes rendus administratifs. Peu à peu, derrière ce dispositif se dessinait une intrigue plus inquiétante, faite de manipulation institutionnelle et de non-dits. Le podcast plaçait l’auditeur dans une position active, obligé de recomposer le puzzle narratif à partir de bribes sonores.

C’est précisément ce hors-champ sonore que la série a dû traduire à l’image. Et elle le fait en assumant une mise en scène très écrite : cadres géométriques, formats d’image contraints, couleurs froides presque cliniques. Là où l’audio suggérait, l’image cadre, enferme, organise. Homecoming ne trahit pas son origine sonore, elle la prolonge autrement, en transformant le doute auditif en malaise visuel. Comme si la série cherchait moins à révéler qu’à faire ressentir, rappelant que cette histoire est née d’un dispositif où l’on écoute avant de comprendre, et où la vérité se cache toujours dans ce qui n’est pas dit.

Dirty John (2018-2020)

« Based on the Los Angeles Times series of articles and podcast by Christopher Goffard ». Le générique de Dirty John (2018-2020) ne peut pas être plus clair ! La série d’anthologie repose sur des documents journalistiques américains, en partie sonores. Des affaires criminelles bien réelles qui ont défrayé la chronique.

La première saison, « The John Meehan Story » raconte la vie de Debra Newell, femme divorcée aisée, et John Meehan, homme charismatique rencontré via une application de dating, qui vivent une belle histoire jusqu’à ce que le conte se fissure à coups de mensonges et de manipulations, jusqu’à la menace physique. À travers les témoignages audio de la vraie Debra et de ses proches, le podcast reconstituait a posteriori le piège de John. La série, elle, choisit de nous immerger dans la relation au présent, montrant comme la violence s’installe progressivement derrière des gestes en apparence anodins.

La saison 2, « The Betty Broderick Story », s’éloigne du podcast initial mais conserve son approche documentaire en explorant une autre affaire médiatisée : celle d’une femme abandonnée par son mari, avocat en pleine ascension, qui sombre dans une spirale de colère et de ressentiment jusqu’au drame. Plus ambivalente, cette saison interroge les frontières entre victime et bourreau. La série s’arrête après deux saisons, le concept ayant été pensé comme une anthologie d’histoires closes, chacune tirée de faits réels, sans volonté d’étirer artificiellement le dispositif. 

Dr. Death (2021-)

Christopher Duntsch, ça vous dit quelque chose ? Qualifié à sa sortie de « podcast le plus terrifiant de l’année », Dr Death (2021-) racontait en six épisodes le cas de ce neurochirurgien américain malveillant ayant fait plus d’une trentaine de victimes (qu’il mutilait pendant les opérations), dont deux morts. À l’écoute, l’horreur ne vient pas de la mise en scène mais de la réalité brute des faits, racontés avec une précision clinique qui laisse peu de place à l’imagination et glace le sang.

Le podcast à succès, disponible en français sur Spotify, prenait la forme d’une enquête rigoureuse, mais ne se contentait pas d’aligner les preuves. Il donnait une voix aux patients, aux familles, aux médecins lanceurs d’alerte, faisant émerger une question centrale et vertigineuse : comment un tel homme a-t-il pu continuer à opérer si longtemps ? En passant à l’écran, la série conserve cette tension morale et ce souci de l’humain, rappelant que Dr. Death n’est pas seulement le portrait d’un individu monstrueux, mais celui d’un système qui a préféré fermer les yeux. Une histoire où la véritable terreur ne vient pas du sensationnel, mais de ce qui a été laissé faire. 

The Dropout (2022)

Elizabeth Holmes existe vraiment mais son visage a, pour le grand public français, davantage les traits de la comédienne Amanda Seyfried. Pour cause : sa prestation dans The Dropout (2022) a été récompensée d’un Golden Globe. Cette série revient sur l’ascension fulgurante puis la chute tout aussi spectaculaire de la fondatrice de Theranos, start-up promettant de révolutionner les analyses sanguines à l’aide d’une technologie aussi séduisante qu’inexistante. Derrière le récit très médiatisé du scandale, la série s’attarde surtout sur la fabrication d’un mythe : celui d’une entrepreneuse visionnaire devenue icône avant même que ses inventions ne soient réellement éprouvées.

Avant d’être une fiction TV, The Dropout était un podcast d’enquête composé de deux saisons, la deuxième suivant le procès de la protagoniste. Porté par un travail journalistique minutieux, le podcast décortiquait les rouages du mensonge et de la mise en scène de soi, là où la série en révèle la dimension presque performative. Un podcast dont la qualité a été reconnue par la profession, avec même une nomination aux Emmy Awards dans la catégorie Meilleur reportage d’actualité.

Limetown (2019)

Limetown (2019) commence comme une enquête journalistique classique. Lia Haddock, journaliste radio, s’intéresse à la disparition inexpliquée de plus de 300 personnes dans une ville de recherche scientifique baptisée Limetown. Personne n’a jamais su ce qu’il s’y est réellement passé, et surtout, personne ne semble vouloir en parler. Le podcast, à l’origine du projet, adoptait la forme d’un faux reportage radiophonique : des interviews, des archives sonores et des témoignages fragmentés composaient un récit où la frontière entre fiction et documentaire se brouille volontairement. À l’écoute, on avait la sensation troublante d’entendre une histoire vraie jusqu’à ce que l’horreur dépasse le cadre du plausible.

En passant à l’écran, la série conserve cette structure d’enquête mais perd volontairement l’illusion du réel pour explorer une ambiance plus froide, presque clinique. Les images donnent un visage aux témoins, aux lieux et aux zones d’ombre, là où le podcast laissait l’imagination faire le travail. Limetown devient alors une réflexion sur la mémoire et le contrôle, mais aussi sur notre fascination pour les récits d’expériences scientifiques qui tournent mal. Une adaptation imparfaite mais fascinante, qui rappelle que certaines histoires gagnent à être entendues avant d’être vues et que le malaise naît souvent de ce que l’on ne peut pas totalement expliquer.

Archive 81 (2022)

Archive 81 (2022) commence par un geste presque anodin : la restauration de vieilles cassettes vidéo. Dan Turner, archiviste solitaire, est chargé de numériser les enregistrements réalisés par une étudiante en cinéma dans un immeuble new-yorkais aujourd’hui détruit par un incendie. Les vidéos révèlent des phénomènes inquiétants : portes qui claquent sans raison, ombres mouvantes, rituels occultes et indices d’une secte secrète dirigée par une mystérieuse femme appelée le « Compositeur ». Le podcast original construisait son suspense à travers ces fragments : les témoignages, les enregistrements partiels et les dialogues interrompus forçaient l’auditeur à combler les vides, accentuant le sentiment de mystère et d’inquiétude.

La série conserve cette logique d’archives retrouvées, mais la traduit à l’image en jouant sur les formats, grâce notamment à des ruptures temporelles mais aussi des séquences de found footage. Là où le podcast plongeait l’auditeur dans une écoute sage, la série matérialise l’horreur. Classé un temps parmi les plus gros succès de Netflix, Archive 81 joue avec de nombreuses références de films d’horreur - de The Ring (2003) à Sinister (2012) - tout en imposant sa propre esthétique avec des images granuleuses et une atmosphère oppressante. Dommage qu’elle ait été annulée après une saison.

The Ricky Gervais Show (2010-2012)

Difficile d’imaginer qu’avant d’être une série d’animation culte, The Ricky Gervais Show (2010-2012) était une série audio, et avant cela, un podcast. Ricky Gervais, Stephen Merchant et Karl Pilkington y menaient des conversations improvisées et forcément décalées sur la vie quotidienne et les absurdités du monde. On y parlait de tout : des rêves les plus fous de Karl, de ses théories absurdes sur la gravité ou le sens de la vie. Chaque épisode fonctionnait comme un microcosme d’humour : on ne savait jamais comment commencerait la conversation ni où elle finirait. Un chaos qui fascine les auditeurs. 

Illustrer ce matériau sonore, sans le transformer, dans une série animée n’a pas dû être une mince affaire. Mais le résultat est à la hauteur : l’alchimie entre les trois hommes perdure à l’écran. Les rires étouffés et les digressions conservent leur force comique, tandis que l’animation offre un supplément de fantaisie. Au final, la série, originale dans sa genèse, est un véritable objet culturel hybride et inattendu.

Mythes et croyances (2017-2018)

Les producteurs de Walking Dead et X-Files : Aux frontières du réel ont trouvé un vrai terrain de jeu avec Mythes et croyances (2017-2018), une série donnant vie au podcast Lore, de l’auteur et journaliste américain Aaron Mahnke. Basés sur des événements bien réels, chaque épisode explore les histoires étranges ou des légendes urbaines qui ont inspiré des peurs collectives. « Les histoires qui font le plus peur sont vraies », précise la série dans sa bande-annonce, et ce mantra structure l’expérience : derrière chaque frisson, il y a un élément tangible.

Le podcast qui la précède plonge l’auditeur dans des récits précis : le meurtre d’Elizabeth Báthory et sa réputation de comtesse sanglante, les lynchages dans le Sud des États-Unis et la façon dont ils ont nourri des superstitions locales, les fantômes du Titanic ou encore la légende du monstre du Loch Ness. Faits documentés par des archives, des journaux intimes et des témoignages, on les retrouve dans la version en images, traités fidèlement. De quoi alimenter encore un peu plus nos peurs.

Marqué par la victoire des Seattle Seahawks, le 60ème Super Bowl a également offert des images inédites de certains des films les plus attendus de 2026. Si rien de nouveau n’a filtré sur le « Dunesday », le programme était chargé entre Michael Jackson, Spielberg, les Minions et les retrouvailles de Fincher / Pitt !

The Adventures of Cliff Booth - en 2026 sur Netflix

Netflix a frappé fort cette nuit ! En dévoilant les premières images de The Adventures of Cliff Booth (2026), la plateforme ajoute un nouveau film-événement à un line-up 2026 déjà monstrueux. Et pas n’importe quel film puisqu'il s’agit de la suite du Once Upon A Time In… Hollywood (2019 de Quentin Tarantino, centrée sur le personnage de cascadeur cool incarné par Brad Pitt et pour laquelle le comédien retrouve David Fincher pour la quatrième fois après Seven (1995), Fight Club (1999) et Benjamin Button (2008). Au-delà de ces images qui montrent que le projet est bien plus avancé que ce qu’on imaginait, j’adore la « censure » ajoutée sur les images (nudité, insultes, tabac), dans un pur style Tyler Durden.

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Michael - au cinéma le 22 avril 2026

Les images de Michael (2026) me font le même effet que celles de Bohemian Rhapsody (2018) : je suis sidéré par la manière dont Jaafar Jackson -comme Rami Malek avant lui avec Freddie Mercury- a réussi à capturer le body language de Michael Jackson. L’idée n’est pas tant de ressembler au King Of Pop (et il lui ressemble vraiment !) que de parvenir à capturer sa gestuelle et son esprit. Et de ce qu’on voit dans ce nouveau trailer est juste ahurissant. Le moonwalk, Thriller, Beat It… : les moments les plus iconiques de la carrière de la plus grande star de l’Histoire de la musique reprennent vie. Et au-delà des concerts et des clips, le parcours d’émancipation de l’artiste face à son père Joe Jackson (Colman Domingo est méconnaissable) s’annonce extrêmement touchant et inspirant.

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Minions & Monsters - au cinéma le 1er juillet 2026

Les Minions font leur cinéma ! Pour leur troisième aventure solo, en parallèle de la franchise Moi, Moche et Méchant, les petits personnages délirants du studio Illumination s’invitent sur des plateaux de tournage pour concrétiser leur vision : un film de monstres. Convoquant une créature lovecraftienne -finalement très petite et plutôt mignonne-, ils vont la suivre à travers le monde à la rencontre de différents kaijus pour faire leur casting ! Au bout de sept longs métrages (et beaucoup de courts), je me demandais si les Minions pourraient encore me surprendre : la réponse est plutôt affirmative après ces images de Minions & Monsters, qui ont en plus le mérite de faire découvrir l’onomatopée « Couic » au public US ! Attention simplement à faire mieux que Monstres contre Aliens (2009), qui m’avait beaucoup déçu dans le même esprit.

• Voir la bande-annonce de « Minions & Monsters »

Disclosure Day - au cinéma le 10 juin 2026

Le retour de Steven Spiegel à la science-fiction -et plus spécifiquement au film d’extraterrestres-, c’est un immense oui ! Après Rencontres du troisième type (1977), E.T. (1982) et La Guerre des Mondes (2005), le cinéaste nous propose cette année le très attendu Disclosure Day (2026), qui parvient à garder tout son mystère au sein d’un genre pourtant codifié et essoré. Les images rappellent Signes (2002), Les Âmes Vagabondes (2013), Pluribus (2025-), Independence Day (1996) aussi, mais avec la patte unique du cinéaste récemment intronisé dans le club très fermé des « EGOT ». Et au-delà de ces « refs », je sais qu’il saura nous surprendre en nous entraînant là où on ne s’y attend pas (il a imaginé l’histoire, mise en forme par David Koepp, le scénariste de Jurassic Park, 1993). La hype est IMMENSE.

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Projet Dernière Chance - au cinéma le 18 mars 2026

Projet Dernière Chance (2026), c’est un peu un outsider au sein de cette année riche en blockbusters. Mais plus je vois des images du film de Phil Lord & Christopher Miller (La Grande Aventure Lego), plus je crois en cette histoire d’un scientifique (Ryan Gosling) envoyé en mission spatiale pour sauver le Soleil, et qui va rencontrer et se lier d’amitié avec une étrange créature extraterrestre rocailleuse qu’il baptise Rocky. Certains avaient regretté le fait que la première bande-annonce spoilait beaucoup cette surprise : le trailer final montre au contraire que c’est l’aventure et l'amitié entre les deux personnages qui va être au centre du long métrage, plus que la révélation de l’alien. Entre Sunshine (2007), Interstellar (2014) et Ad Astra (2019), mais avec plus de légèreté, je ne peux qu’attendre cette proposition SF !

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The Mandalorian and Grogu - au cinéma le 20 mai 2026

Un blizzard glacé, un chariot, de l’harmonica, la voix de Sam Elliott (en tout cas, ça y ressemble beaucoup !) : ça commence comme un western mystérieux. Et puis on devine des Tauntauns, et on découvre le gant d’un chasseur de primes laissant les rênes à une mignonne petite main verte. Le spot de The Mandalorian and Grogu (2026) joue la carte de la surprise et du décalage : ici pas vraiment de nouvelles images, mais un esprit pionnier et western qui s’inscrit dans l’ADN de la série The Mandalorian (2019-)... et une approche qui confirme que ce film ne sera pas tout à fait un Star Wars comme les autres. Oubliez la Force, c'est la Voie qui ramène la saga intergalactique sur grand écran après six ans d’absence.

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Supergirl - au cinéma le 24 juin 2026

« Superman voit le bon en chacun. Moi, je vois la vérité. » Cette réplique, lancée à la fin du teaser de Supergirl (2026), montre comment la cousine du Man of Steel va se différencier du personnage réinventé par James Gunn et David Corenswet l’année dernière. Réalisateur de Moi, Tonya (2018) et Cruella (2021), Craig Gillespie a prouvé qu’il n’a pas son pareil pour mettre en scène des personnages féminins complexes, attachants et un peu trash. Et cela se sent dans ces nouvelles images, où on accompagne Milly Alcock durant les derniers jours de Krypton mais aussi durant sa rencontre avec un Krypto encore chiot et donc super mignon (c’est le cas de le dire !).

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Jumpers - au cinéma le 4 mars 2026

À moins d’un mois de sa sortie, Jumpers (2026) joue la sécurité avec un spot efficace (le gag des émojis en musique est très sympa) qui vise surtout à bien faire comprendre le concept du nouveau film d’animation des studios Pixar : une technologie qui permet à une jeune passionnée de la faune de piloter un castor pour découvrir la vie secrète des animaux. Entre Avatar (2009), Lucas fourmi malgré lui (2006) et Nos voisins, les hommes (2006), le long métrage propose un chouette bestiaire et promet une aventure finalement réjouissante -alors que sur le papier, le film ne m’emballait pas que ça. On n'est pas à l'abri d’une belle surprise comme le fut Alerte Rouge (2022) ! C’est tout ce que je souhaite au studio après un Elio (2025) en demi-teinte. 

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Super Mario Galaxy, le film - au cinéma le 1er avril 2026

15 secondes, c’est un peu court pour le nouveau spot de Super Mario Galaxy, le film (2026) ! Mais on n’en veut pas au studio Illumination, qui avait dévoilé il y a peu un teaser présentant Yoshi. On retrouve donc le petit dinosaure à carapace, qui tente un rugissement glapissement face à l’un de ses cousins, en l'occurrence un T-Rex massif qui lui répond cette fois avec un vrai hurlement tout droit sorti de Jurassic Park ! C’est court donc, mais très efficace et très sympa. Et au-delà de la franchise Nintendo, c’est une séquence qui met à l’honneur le film-culte de Spielberg une deuxième fois dans le cadre de ce Super Bowl, après l’incroyable publicité qui convoque les stars du film original pour un week-end où tout se passe bien.

• Voir le spot de « Super Mario Galaxy, le film »

Avec plus de 100 millions d’Américain.es, c’est l’événement sportif le plus suivi chaque année outre-Atlantique. Le 60ème Super Bowl ne devrait pas faire exception. Et comme toujours, le spectacle se jouera sur le terrain mais aussi pendant les (nombreuses) pauses publicitaires.

A chaque nouvelle finale du championnat de football américain de la NFL, les annonceurs se pressent pour profiter de cette exposition massive (vendue 5 millions de dollars les 30 secondes, tout de même), redoublant de créativité et de moyens pour livrer LE spot publicitaire le plus marquant. Et si de nombreuses stars d’Hollywood en profitent pour jouer les hommes et les femmes sandwich, le cinéma et les séries eux-mêmes inspirent les agences créatives. La preuve en 16 publicités mémorables, que j’ai classées -en toute subjectivité- pour JustWatch.

16. The Brady Bunch - Snickers

The Brady Bunch, c’est une série iconique de la télévision américaine, qui n’a jamais traversé l’Atlantique. De 1969 à 1974, durant 5 saisons et 117 épisodes, le public a suivi avec passion le quotidien d’une famille recomposée, formée d’un veuf et ses trois fils d’un côté et une veuve et ses trois filles de l’autre. De quoi rendre le quotidien agité ! L’aspect « Madeleine de Proust » du show n’a pas échappé à Snickers, qui l’a revisité dans un spot étonnant, qui reprend un vrai extrait de la série mais dans lequel Danny « Machete » Trejo et Steve Buscemi remplacent respectivement les personnages de Marcia et Jane. Le résultat est… savoureux, forcément.

15. MacGyver - Mastercard

Du désodorisant, des chaussettes, un trombone, un stylo à billes, un élastique, une pince à épiler, du spray nasal et une pipette à dinde : ce sont les petites choses inestimables qui permettent à Richard Dean Anderson de survivre à sa journée explosive ! Et c’est avec sa carte de crédit Mastercard que l’interprète de MacGyver (1985-1992) a fait ses emplettes. Dans cette publicité, les codes du légendaire héros couteau-suisse-bricolo des années 80 sont détournés avec beaucoup d’humour et de nostalgie. Et quand je vois cette publicité, j’ai à nouveau 8 ans !

14. Looney Tunes - Nike

Quatre ans avant Space Jam (1996), Michael Jordan croisait déjà le chemin de Bugs Bunny dans cette publicité pour Nike. Réveillé par des joueurs arrogants qui tapent le ballon au-dessus de son terrier (quelle idée, en même temps, d’habiter sous un parquet de basket !), le célèbre lapin va trouver du renfort chez le légendaire N°23 des Chicago Bulls. Quand Air Jordan fait équipe avec Hare Jordan (jeu de mots sur « hare » / « lièvre »), le spectacle est forcément au rendez-vous et les dunks s’enchaînent. On retrouve dans ces 30 secondes le même esprit et la même mise en scène que le film qui ravira la planète basket quelques années plus tard.

13. Breaking Bad - Popcorners

« Say THEIR name ! » Walter White (Bryan Cranston) et Jesse Pinkman (Aaron Paul) s’invitent en personne dans ce spot pour Popcorners, qui détourne l’univers de Breaking Bad (2008-2013). Ici, pas de métamphétamines, mais des chips de maïs soufflées à l’air préparées par le génie de la chimie dans son camping-car, à partir « d’ingrédients de base ». Et quand Tuco Salamanca (Raymond Cruz) vient goûter la marchandise, il ne peut s’empêcher de manifester son intérêt… mais aussi de réclamer non pas six saveurs mais bien sept variétés à grignoter ! Une publicité à consommer sans modération pour tous les fans de la série culte.

12. Grease (et Scrubs) - T-Mobile

Dans une banlieue américaine, deux résidents (Zach Braff et Donald Faison de la série Scrubs !) voient débarquer un nouveau voisin. Et pas n’importe lequel : c’est John Travolta, et il est en train de faire installer la fibre. Il n’en faut pas plus pour que les deux compères viennent à sa rencontre pour lui vanter -en chanson- les mérites de la 5G T-Mobile. Le morceau, repris et dansé par les trois comédiens, détourne alors habilement les paroles de Summer Nights (l’un des tubes de Grease, 1978) pour que Travolta les invite à en dire plus sur les avantages du forfait (« Tell me more, tell me more… »). C’est très marrant, et on en oublie que c’est une pub !

11. Shining - Mountain Dew Zero

Le Ready Player One de Steven Spielberg et le Doctor Sleep avec Ewan McGregor ne sont pas les seuls à avoir eu le privilège de fouler les couloirs de l’Overlook Hotel : dans la publicité pour la version sans sucres de Mountain Dew, Bryan Cranston reprend le rôle (et la hache) de Jack Nicholson dans Shining (1980) pour s’amuser avec les scènes emblématiques du chef d’oeuvre de Stanley Kubrick. L'ascenseur (où les flots d’hémoglobine sont remplacés par la boisson verte), les deux jumelles flippantes et évidemment la séquence de la porte : tout est là ! « Here’s Mountain Dew Zero !!! » 

10. Austin Powers - General Motors

J’adore le Docteur Denfer. Beaucoup plus que son meilleur ennemi Austin Powers (1997-2002), d’ailleurs. Alors quel plaisir de retrouver Mike Myers, Seth Green (Scott Denfer), Mindy Sterling (Frau Farbissina) et Rob Lowe (Numéro Deux) dans leur QG alors qu’ils prennent le contrôle de General Motors le temps d’une publicité qui renoue avec les meilleurs moments de la trilogie. Le rire inimitable du méchant est toujours là, tout comme ses plans machiavéliques, sa relation compliquée avec son fils et son envie irrépressible d’utiliser ses pièges mortels. Ici, Denfer va accepter de devenir le gentil pour passer à l'électrique et réduire l’empreinte carbone des véhicules du constructeur automobile… pour ensuite mieux s’emparer du monde. Sauver la Terre pour mieux la conquérir, c’est brillant ! (rire machiavélique)

9. La Folle journée de Ferris Bueller - Honda

Beaucoup de gens ont (re)découvert La Folle journée de Ferris Bueller (1986) grâce à la scène post-générique de Deadpool (2016), qui parodiait le héros culte campé par Matthew Broderick quand il s’adresse directement au spectateur en brisant le quatrième mur. Quatre ans plus tôt, le comédien avait accepté de revivre une folle journée pour Honda, dans le cadre d’une publicité qui le balade à travers la ville au nez et à la barbe de son agent, alors qu’il est censé être cloué au lit par un microbe. Tous les plans du spot jusqu’à la réplique finale, et même la bande son, renvoient au film de John Hughes. Et on adore !

8. Seul au monde - FedEx

Vous vous souvenez de Seul au monde (2000) ? Un employé de FedEx s’y retrouvait naufragé sur une île déserte après le crash de son avion, et organisait sa survie en s’aidant des colis ramenés par la marée. Il les ouvrait tous, sauf un, et le film se terminait alors que, enfin rentré chez lui, il partait livrer ce paquet qui lui avait permis de tenir. La publicité FedEx proposée lors du Super Bowl 2003 fait un super clin d’oeil au long métrage de Robert Zemeckis, en mettant en scène ce moment : le héros découvre alors avec horreur le contenu du colis (un téléphone-satellite, un GPS, une canne à pêche, un purificateur d’eau et des graines). C’est juste génial… on regrette juste l’absence de Tom Hanks ! 

7. Star Wars - Volkswagen

Comme le spot FedEx l’a prouvé, on peut se passer de stars tant que la créativité est là et que les références sont bien amenées. Volkswagen l’a démontré en 2011, dans sa publicité pour la nouvelle Passat. On y suit un Dark Vador en herbe, vêtu du déguisement du Seigneur Sith de la saga Star Wars, qui tente -sans grande réussite- d’utiliser la Force et le pouvoir du côté obscur sur les objets de la maison familiale. Et même sur son pauvre chien qui aimerait bien terminer sa sieste. Désespéré par le manque de résultats, le garçon va être récompensé quand son papa, utilisant discrètement la télécommande du véhicule, met en marche les phares et le moteur de sa voiture de manière synchronisée avec les gestes de son fils. L’idée est juste parfaite, et le body language du gamin inoubliable !

6. Edward aux mains d’argent - Cadillac

Winona Ryder chez Tim Burton, c’est Beetlejuice (1988), bien sûr, Edward aux mains d’argent (1990), évidemment, et Frankenweenie (2012). Si la comédienne a repris son rôle dans Beetlejuice Beetlejuice (2024), il ne faut pas oublier son savoureux clin d'œil à Edward en 2021, dans un spot pour Cadillac. Elle y retrouve son personnage de Kim, désormais maman d’un jeune Edgar (Timothée Chalamet !) qui, comme son père, a les mains coupantes et se retrouve quelque peu inadapté au monde qui l’entoure. Heureusement, il pourra compter sur un véhicule électrique semi-autonome pour s’évader. C’est une jolie pirouette autour de l’univers du conte freak imaginé par Burton… en revanche, je ne suis pas certain que le cinéaste ait apprécié.

5. Quand Harry rencontre Sally - Hellmann’s

C’est assurément l’une des scènes les plus cultes de la romcom, et même du cinéma : l’orgasme simulé par Meg Ryan en plein dinner, face à Billy Crystal dans Quand Harry rencontre Sally (1989). Maintes fois parodiée, la séquence est rejouée à l’identique -ou presque- par les deux comédiens en 2025, pour vanter les mérites de la mayonnaise Hellmann’s. C’est en croquant dans son sandwich, assaisonné avec la sauce, que la comédienne renoue avec la jouissance sous le regard mi-amusé mi-gêné de son partenaire. Les valeurs de plans, les figurants, le lieu (le Katz’s Delicatessen à New York) : tout est repris à l’identique, jusqu’à la réplique finale lancée cette fois par Sydney Sweeney. Je valide !

4. Netflix Extended Universe - General Motors

Je suis un immense fan de Will Ferrell, génie comique injustement méconnu -voire inconnu- en France. Il amène sa bonhomie et son timing comique unique dans le spot imaginé par General Motors pour vanter les mérites de sa nouvelle gamme électrique durant le Super Bowl 2023. Le constructeur s’allie pour l’occasion à Netflix, et voilà notre Will Ferrell embarqué dans les différents univers de la plateforme : une invasion zombie de Army of the Dead, un passage dans les jeux de Squid Game (2021-2025), une escapade par les jardins de La Chronique des Bridgerton (2020-) et un échange très marrant avec Priah Ferguson/Erica dans le monde à l’envers de Stranger Things (2016-2026).

3. Will Hunting - Dunkin'

Ben Affleck est un habitué des spots Dunkin' Donuts. Il s'est déjà illustré à la caisse de l'une des enseignes en caméra caché (pour le plus grand bonheur des clients) ou dans un rap d'anthologie où il intègre son compère Matt Damon -visiblement contraint et forcé de faire plaisir à son « ami ». La nouvelle publicité, diffusée dans le cadre du Super Bowl 2026, est une nouvelle fois très réussie avec une parodie façon sitcom des années 90 de Will Hunting (1997) baptisée Good Will Dunkin. Cette fois, c'est Ben Affleck qui joue les génies, entouré de figures majeures de la télévision américaine (Jennifer Aniston et Matt LeBlanc de Friends, Alfonso Ribeiro du Prince de Bel-Air, mais aussi Jason Alexander, Ted Danson, Jaleel White et Jasmine Guy. C'est génial, même si Matt Damon n'est pas du délire !

2. Jurassic Park - Xfinity

C’est LE spot le plus réussi du cru publicitaire du Super Bowl 2026 : un retour à Jurassic Park (1993) avec Sam Neill, Laura Dern et Jeff Goldblum ! Alors que John Hammond opte pour les services du fournisseur d’accès Xfinity, la catastrophe dinosauresque devient un week-end des plus agréables pour le trio : selfie avec le T-Rex, farniente au bord de la piscine, buffet à volonté (« C’est vraiment un gros tas de crevettes ! »), running au milieu des gallimimus, tour de manège tricératops… tout se passe au mieux, comme dans une version alternative du film culte de Steven Spielberg sans technicien-traître ni panne générale (« Le wifi trouve toujours un chemin »). J’ai découvert les images avec un immense sourire, et je l’ai partagé dans la foulée à tous mes contacts. C’est, je pense, la preuve que la publicité est réussie.

1. Un jour sans fin - Jeep

J’ai écrit il y a quelques jours sur le film culte de Harold Ramis (Un jour sans fin est-il un film d’horreur ?). L’occasion de revoir le long métrage ET sa parodie légendaire, également portée par Bill Murray. Pour Jeep, le comédien revit le jour de la marmotte, sauf que ce qui ressemblait à un cauchemar dans Un jour sans fin (1993) devient ici un plaisir répété encore et encore, grâce au nouveau véhicule du constructeur. Punxsutawney n’a pas bougé, les habitants (Brian Doyle‑Murray et Stephen Tobolowsky en tête) sont toujours là, la chanson de Sonny & Cher se lance chaque matin à 6 heures, mais notre héros grincheux est heureux de reprendre la route avec sa marmotte préférée chaque matin. Et moi aussi, je peux revoir le spot en boucle.

HORS COMPÉTITION - Wallmart

Si j’ai choisi d’isoler le spot WallMart 2020 du reste du classement, c’est parce qu’il mêle plusieurs univers « pop », à travers des clins d'œil et du fan-service, sans forcément offrir une réinvention ou une variation autour d’un univers culte. Il n’en reste pas moins génial, puisqu’on y croise de nombreux « visiteurs », venus chercher leurs courses en click-and-collect auprès des employés du supermarché. L’équipage de Star Trek, Groot et les Gardiens de la Galaxie, Flash Gordon, Buzz l’éclair, Bill (Alex Winter) et Bill & Ted, les LEGO, les envahisseurs de Mars Attacks, Marv le Martien et les aliens de Men in Black sont ainsi au rendez-vous de la publicité ! Il ne manque personne, pas même C-3PO et R2-D2 ni les heptapodes de Premier Contact. C’est fort, et ça ravit le fan de SF que je suis.

The Hunt of Gollum est actuellement en production à Hobbiton, le lieu de tournage légendaire qui a vu naître les trilogies du Seigneur des Anneaux et du Hobbit en Nouvelle-Zélande. Andy Serkis réalisera ce nouvel opus, accompagné de Peter Jackson, Philippa Boyens et Fran Walsh à la production et au scénario, qui se déroulera entre Le Hobbit (2012) et La Communauté de l’anneau (2001) et suivra les efforts de Gandalf et Aragorn pour localiser Gollum, afin de l’empêcher de révéler à Sauron où se trouve l'anneau unique, s’il venait à être capturé.

Avec ou sans Viggo ?

Je fais personnellement partie de la team qui pense que Viggo Mortensen est irremplaçable (il n’a pas seulement incarné Aragorn, il EST Aragorn !). Cela étant dit, s’il s'avère que l’acteur ne souhaite plus -ou ne puisse pas- reprendre son rôle de rôdeur, il faudra trouver un autre « Grands Pas ». L’acteur américain a récemment annoncé qu’il n'était pas fermé à l'idée de retrouver ce personnage iconique (si le scénario était bon), et qu’il faisait entièrement confiance à Peter Jackson et au reste de l'équipe.

Aux dernières nouvelles, rien n'est encore joué puisque Philippa Boyens elle-même avait déclaré en 2024 que tout dépendrait de la décision de Viggo Mortensen, et de son choix d'utiliser ou non la technologie de rajeunissement numérique ou d'autres procédés. Cependant, si on en croit certaines rumeurs, il se pourrait que des auditions se tiennent en ce moment même à Londres et en Nouvelle-Zélande. D'après le toujours très bien renseigné The One Ring.Net, la production serait à la recherche d’un acteur plus jeune et inconnu.

Qui pour Aragorn ?

Personnellement, je trouve que c’est la meilleure approche à adopter si Viggo Mortensen n’est plus une option. En effet, Aragorn est un rôle qui marquera la vie et la filmographie du potentiel acteur en question au fer rouge. Or, caster un grand nom hollywoodien ou même un acteur qui a déjà été la tête d’affiche d’une franchise à succès ne serait -à mon humble avis- pas la meilleure direction à adopter.  

Ben Barnes ou encore Sebastian Stan ont souvent été « fancastés » mais il semblerait que les deux acteurs aient été écartés par les équipes de casting, jugés déjà un peu « trop vieux » pour cette version d’Aragorn. Pour rappel, la chasse de Gollum a eu lieu en plusieurs étapes, mais le chapitre choisi pour le film est celui qui se déroule un peu avant le début de la Communauté de l'Anneau, dans lequel Viggo Mortensen avait tout juste 41 ans.

On peut donc imaginer que les équipes du film s’orientent cette fois vers un acteur légèrement plus jeune ou du même âge que Mortensen lorsqu’il a commencé le tournage de la trilogie de Peter Jackson. Par ailleurs, rien n’est encore officiel en ce qui concerne le rôle, qu’il s’agisse du retour de Viggo Mortensen, ou du casting d’un autre acteur, ou même des deux (à l’instar du Hobbit, où le récit était narré par Ian Holmes, mais dans lequel Martin Freeman incarnait un Bilbon plus jeune) 

Pour JustWatch, je vous ai donc préparé une petite liste hypothétique et subjective de 5 acteurs qui pourraient potentiellement remplacer Viggo Mortensen dans ce rôle iconique. 

Michael Fassbender

Oui, j’ai bien conscience que Michael Fassbender est plus âgé que Viggo Mortensen lors du tournage de la trilogie. Et ce n’est pas un acteur « inconnu » non plus. Mais s’il est souvent cité comme étant remplaçant plausible, c’est pour plusieurs raisons. D’abord, l’acteur a des yeux similaires et une carrure relativement proche de celle de Viggo Mortensen. Ensuite, nous l’avons déjà vu avec des cheveux mi-longs, maniant l'épée ou tout simplement dans des drames historiques que ce soit Assassin’s Creed, Macbeth ou Slow West. Et il faut bien avouer que le côté guerrier/ baroudeur qui a tout vu et tout vécu lui va très bien !

Nicolaj Coster-Waldau 

Là encore, Nikolaj Coster-Waldau n’est pas inconnu au bataillon. Et oui, il a 55 ans soit pratiquement 15 ans de plus que Viggo Mortensen à l'époque. Pourtant, physiquement, il partage plusieurs points communs avec lui, en commençant là aussi par son regard, qui me fait parfois beaucoup penser à celui d'Aragorn. Nous savons aussi que les rôles de capes et d'épées sont monnaie courante pour lui, même s’il se peut que ses rôles marquants dans Game of Thrones ou King and Conqueror soient un peu trop distrayants et poussent même à la comparaison. Mais l’acteur danois a l’air expérimenté, un critère essentiel pour le rôle. 

Stuart Martin

L’acteur de Medici, Jamestown et Miss Scarlet n’est pas étranger aux personnages un peu sombres, mystérieux -voir grognons-, surtout dans des séries d'époque. Physiquement, sa carrure, ses yeux verts et ses cheveux noirs lui font cocher automatiquement quelques cases pour incarner Aragorn. C’est un très bon acteur qui est également passé par une formation dans le théâtre, et si vous regardez quelques photos de lui dans Medici, vous verrez qu’il campe très bien le rôle de guerrier sombre à dos de cheval.

Bart Edwards 

Si vous avez regardé The Witcher, vous avez sûrement croisé Bart Edwards qui incarnait Duny/ L’Empereur Emhyr. Donc l’univers de la fantasy, ça le connaît ! Je ne pense pas avoir déjà vu son nom apparaître dans les fancast pour le rôle d’Aragorn, mais le fait qu’il soit relativement inconnu du grand public et qu’il corresponde assez bien à la description physique de l'héritier du Gondor, pourrait peut- être permettre à l'acteur de 37 ans de s'essayer à ce rôle emblématique. 

Luke Thompson 

La star de Bridgerton correspond également au critère physique nécessaire pour incarner Grands Pas. Même s’il n’a pas encore manié l'épée à l'écran, il est apparu dans plusieurs drames historiques. Par ailleurs, son éducation et sa carrière au théâtre font de lui un acteur solide, avec un éventail varié. D’ailleurs, il est même apparu sur scène aux côtés de Ian Mckellen (notre très cher Gandalf) dans Le Roi Lear en 2018. Ça serait assez extraordinaire si les deux acteurs se retrouvaient cette fois-ci dans l’univers de Tolkien !

L’animation française, c’est un peu l’élève surdoué et turbulent au fond de la classe, celui qui refuse de colorier dans les cases. Entre la machine hollywoodienne et la poésie des studios japonais, la France a décidé de choisir une troisième voie : radicale, adulte, audacieuse graphiquement, créative.

Ici, on est souvent surpris par l’abondance de couleurs, ou par un trait brouillon, une animation saccadée. L’animation française est souvent synonyme de recherche artistique, de prise de risque. De l’OVNI psychédélique des années 70 jusqu’aux récents chefs-d'œuvre de science-fiction, il y a le choix. Ce sont des films avec ce petit truc en plus, qui vous marquent suffisamment pour vous pousser à vous poser des questions auxquelles vous n’auriez pas pensé.

Dans ce guide JustWatch, je vous présente 12 des films qui représentent le mieux l’animation française et son évolution à travers les dernières décennies. 

La Planète sauvage (1973)

La Planète sauvage (1973) est le genre de film capable de vous fasciner autant que vous mettre mal à l’aise. Premier long métrage de René Laloux, cette œuvre est une étrangeté totale de 72 minutes qui n’a pas pris une ride. Sur la planète Ygam, les Oms (nous, les humains) ne sont que de simples nuisibles ou animaux domestiques pour les Draags, des géants bleus à la technologie mystique.

C’est une fable de domination, de peur, de révolte. Visuellement, nous sommes dans un surréalisme qui ne pourrait que plaire à Max Ernst. L’animation est presque onirique avec une rigidité étrange. C’est un véritable trip hallucinogène amplifié par la bande-son d’Alan Goraguer. C’est cruel, rentre-dedans, dérangeant et laisse vivre une expérience sensorielle et philosophique qui reste gravée. 

Le Roi et l’Oiseau (1980)

Le Roi et l’Oiseau est très certainement le film référence de l’animation hexagonale. Hayao Miyazaki, l’un des grands maîtres du genre, cite lui-même ce long métrage comme une influence majeure. Nous le devons à Jacques Prévert et Paul Grimault, qui nous ont offert un moment de poésie assez exceptionnel. Un roi, au nom étonnant (Charles-V-et-trois-font-huit-et-huit-font-seize) cherche  à séduire une bergère amoureuse d’un ramoneur dans une cité verticale oppressante qui a des airs de Metropolis de Fritz Lang.

Derrière sa douceur apparente, il y a une critique du totalitarisme, du pouvoir, des tyrans. Ce film plaira aux enfants, mais les adultes n’ont pas le droit de passer à côté. Comme pour La Planète Sauvage, j’ai particulièrement apprécié la musique et le rôle qu’elle joue dans ce que l’on ressent en tant que spectateur. Si cela fait longtemps que vous ne l’avez pas vu, regardez le film avec vos yeux d’adultes : c’est beau, c’est triste, c’est mordant. 

Kirikou et la Sorcière (1998)

Kirikou. Prononcer ce mot me rend déjà nostalgique. A la fin des années 90, Michel Ocelot débarque pour bouleverser tout le cinéma français avec ce petit bonhomme « qui n'est pas grand mais qui est vaillant ». Le film est un véritable manifeste qui prône l’écoute, le pardon, l’empathie. Kirikou doit faire face à la sorcière Karaba, qui n’est pas méchante par nature, mais par souffrance. 

Le Douanier Rousseau verrait ce film comme une œuvre d’art, et il aurait raison. C’est un conte initiatique qui sait parler aux enfants sans craindre la complexité. Un film qui reste en tête vingt-huit ans après sa sortie, la preuve : j’en parle encore et j’en garde un souvenir ému.

Les Triplettes de Belleville (2003)

Avec Les Triplettes de Belleville (2003), Sylvain Chomet en dit long sans dialogue. Ces derniers se font rares, car tout passe par le design grotesque des personnages, l’ambiance crasseuse d’une ville croisée entre Paris, New York et Montréal, mais surtout, le swing. C’est le film hommage aux années 30, qui ravira celles et ceux qui claquent des doigts au rythme du jazz manouche. On s’amuse autant qu’on s’inquiète face à cette histoire de grand-mère portugaise, Madame Souza, prête à tout pour retrouver son petit-fils cycliste enlevé par la mafia. 

Vous l’aurez compris, le dessin est caricatural, exagéré, texturé. Loin de chercher le beau, n’ayant pas peur du repoussant, le film est unique et a de la « gueule ». Ici, c'est Jacques Tati qui serait ravi. Si vous aimez le jazz, le Tour de France, le caractère : regardez ce chef-d'œuvre de Sylvain Chomet ! Le réalisateur nous a aussi offert L'Illusionniste (2010), film magnifique qui aurait pu figurer dans cette liste.

Persepolis (2007)

Persepolis (2007), c’est tout d’abord une magnifique bande dessinée au style graphique à la hauteur de l’histoire. L’adapter en film paraît alors très risqué. Pourtant, le pari est plus que réussi, puisque Marjane Satrapi (aussi autrice de la BD) et Vincent Paronnaud réussissent à livrer l’un des meilleurs films d’animation que j’ai pu voir. 

L’histoire ne tombe jamais dans le pathos et arrive même à adopter un ton léger. Le film raconte l'adolescence, les galères en Autriche, la découverte du punk. Mais il arrive aussi à nous parler de la révolution iranienne vue par une petite fille rebelle. C’est politique, parfois explicatif, et toujours très enrichissant. C’est touchant, avec une énergie punk et un scénario à fleur de peau. Le style graphique sert parfaitement l’histoire : noir et blanc, oppressant parfois, poétique souvent. 

Ernest et Célestine (2012)

Dans Ernest et Célestine (2012), les traits semblent flotter sur le papier. L’aquarelle est délicate, et pourtant, derrière ses allures de livre d’images pour enfant se cache une petite bombe d’anarchie. Benjamin Renner s’associe aux déjantés Patar & Aubier (Panique au Village, 2009) pour dynamiter les conventions.

C’est l’histoire d’une amitié interdite entre Ernest, un ours au grand cœur, et Célestine, une souris orpheline. Le premier est marginal, la deuxième n’accepte ni les préjugés, ni l’ordre établi. Visuellement, le trait est vif, clair, léger et contraste intelligemment avec le propos. Car ici, ça parle de justice de classe, de droit fondamental, avec un véritable message politique et sociétal derrière. Comme quoi, la mignonnerie peut parfois être aussi efficace qu’un discours incisif. 

Ma vie de Courgette (2016)

Je dois avouer que j’ai toujours eu un gros faible pour les films en stop motion, donc je me retrouve assez facilement convaincu, même si l’histoire n’est pas passionnante. Cependant, dans Ma vie de Courgette (2016), tout est génial. L’animation image par image, bien sûr, et par ailleurs le scénario brillamment écrit par Céline Sciamma qui a réussi à adapter le roman de Gilles Paris.

C’est l’histoire d’un gamin qui tue accidentellement sa mère alcoolique et violente et atterrit en foyer. C’est un cinéma social à hauteur d’enfant. Un film qui montre des âmes abîmées qui tentent de se réparer ensemble. Préparez vos mouchoirs, le film a tendance à briser le cœur pour mieux le recoller après. Certes, il parle de deuil mais également d’amour, d’amitié, de solidarité, d’espoir. Il plaira aux fans de stop motion, ceux qui ont été attendris devant Mary et Max (2009). 

Tout en haut du monde (2016)

Rémi Chayé propose ici un film d'aventures au sens noble du terme. Dans Tout en haut du monde (2016), on suit Sacha, jeune fille aristocrate russe de Saint-Pétersbourg qui décide de tout plaquer pour braver le Grand Nord sur les traces de son grand-père explorateur. Ce qui frappe immédiatement, c’est bien l’absence de contours : personnages et décors sont des aplats de couleur donnant l’impression de tableau vivant. 

Pendant les 80 minutes de film, Sacha en bave. C’est physique, le froid mord, la faim se fait ressentir, tandis qu’elle doit s’immiscer dans un monde d’hommes. C’est le film parfait pour les aventuriers de canapé, qui rêvent de grand nord mais n’ont pas un navire et un équipage à portée de main pour se lancer. Un récit d’initiation bien loin des Disney, entre Jules Verne et Jack London. L’audace graphique rappelle celle de Klaus (2020), mais aussi l’autre film de Rémi Chayé : Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary (2020)

J’ai perdu mon corps (2019)

Le pitch de J’ai perdu mon corps (2019) est génial. Une main coupée s'échappe d’un labo pour retrouver son propriétaire. Dit comme ça, on imagine un spin-off de La Famille Addams avec La Chose qui rentre en crise existentielle, mais nous en sommes bien loin. Jérémy Clapin arrive à donner à ce film une mélancolie désarmante. On se lance dans un véritable périple macabre de cette main qui s’entrelace avec les souvenirs de Naoufel, le jeune homme à qui elle appartenait. 

L’animation capture un Paris contemporain, loin des cartes postales, un peu gris, un peu sale, mais vibrant. J’adore la musique électro de Dan Levy qui ajoute une touche planante collant parfaitement à l’atmosphère. C’est un film comme je les aime : une véritable expérience sensorielle qui nous fait ressentir le manque (au sens propre comme au figuré) et ce besoin de reconstruction. C’est bizarrement poétique et montre que l’animation française a suffisamment de créativité pour nous faire ressentir de l’empathie pour cinq doigts orphelins. Le film va plaire aux âmes solitaires, aux amoureux du vrai Paris (pas celui d’Emily) et celles et ceux qui ont particulièrement aimé l’incroyable film tout aussi sensoriel La Tortue Rouge (2016)

Mars Express (2023)

Après la série Lastman (2016), Jérémie Périn n’avait plus rien à prouver. Pourtant, avec Mars Express (2023), il passe à la vitesse supérieure. Il arrive à faire de la SF qui regarde Ghost in the Shell dans le blanc des yeux, sans bégayer. Nous sommes en 2200, sur une Mars terraformée, où l’on suit Aline Rubby, une détective privée têtue et tenace, et son partenaire androïde (dans lequel se trouve la sauvegarde de son ex décédé) dans une enquête où rien ne va.

C’est un véritable polar noir futuriste à la française qui réussit à imposer sa propre identité. L’intrigue part dans tous les sens, mais ça marche. Bio hacking, fermes de cerveaux, corruption d’IA : toutes nos inquiétudes sur l’avenir y passent. Il faut s'accrocher tellement l’histoire est dense, le montage est rythmé et la violence est graphique. C’est aussi cynique que visuellement magnifique, une vraie démonstration de force, terrifiante et fascinante.

Amélie et la Métaphysique des tubes (2025)

Adapter Amélie Nothomb et sa pensée n’était possible que par l’animation, et encore, c’était un pari risqué. Le duo Liane-Cho Han / Maïlys Vallade peut se vanter d’avoir parfaitement réussi avec Amélie et la Métaphysique des tubes (2025). Le film nous plonge dans le crâne d’un bébé qui se prend pour Dieu. On suit les trois premières années d’Amélie au Japon, période pendant laquelle elle se définit comme un simple « tube » avant de décider, par pur caprice, de commencer à vivre. 

On y entend un monologue intérieur philosophique et délirant d’un nourrisson, on y voit sa relation fusionnelle avec sa nounou, mais également son rapport au Japon, au neuf, à la perte. Le style graphique est doux et coloré, et ressemble presque à une peinture animée. La profondeur est remplacée par les couleurs, un style contrasté, qui nous laisse admirer chaque recoin de l’écran. On découvre un monde vu du sol, à hauteur de bébé. On voit une Amélie arrogante, charmante, narcissique, comme tous les bébés. C’est une proposition singulière, une curiosité littéraire, qui nous incite à regarder les tout-petits différemment à la sortie du cinéma. Le film parfait pour les inconditionnels d’Amélie Nothomb et les parents qui suspectent leur nourrisson de les juger en silence. 

Arco (2025)

Ugo Bienvenu à une patte bien à lui, qu’on retrouve autant dans ses romans graphiques que dans ses courts métrages. Avec Arco (2025), il passe enfin au long format, et le résultat est une continuité sublime de son univers rétro futuriste. Il y a de la couleur partout, un peu comme si un comics avait pris une dose de LSD. 

L’imagination d’Ugo Bienvenu dégouline dans le style, bien sûr, mais aussi dans l’histoire dans laquelle on suit un garçon arc-en-ciel qui vient d’un futur lointain, presque bucolique, où la présence de l’humain se fait si rare que la nature semble être harmonieuse. Son envie d’aventure le fait retourner dans le passé en 2075 (qui est toujours dans notre futur à nous). Cette fois, la terre chauffe, brûle, vente, comme un corps fiévreux qui veut éliminer un microbe. À cette époque où l’humain pense toujours pouvoir faire face à la nature, il rencontre une petite fille de 10 ans qui va l’aider à rentrer chez lui. 

On est entre du Moebius et du Ghibli autant dans l’art que dans les concepts. C’est stimulant, hypnotique, et parfois déroutant. Pendant le visionnage, je n’arrêtais pas de penser aux Maîtres du Temps (1982) de René Laloux, avec son style Métal Hurlant, sa science-fiction contemplative, psychédélique, surréaliste. Bref, une fois de plus, c’est un film qui montre que l’animation française a une très belle histoire mais également un magnifique avenir.

Le feu sur la glace. Cela pourrait être le sous-titre de la série Heated Rivalry (2025), enfin proposée au public français par la plateforme HBO Max après de longues semaines d’attente. Véritable phénomène streaming depuis sa diffusion outre-Atlantique, la saison 1 adapte à l’écran les romans de Rachel Reid, qui racontent la romance entre deux stars de la NHL, rivaux sur les patinoires et amants en coulisses.

A la fois touchants et (très) caliente, les six épisodes sont surtout profondément humains et mettent en avant un couple immédiatement iconique, traversé par la même évidence que les protagonistes de Normal People (2020). Sous les jerseys de Shane Hollander et Ilya Rozanov, Hudson Williams et Connor Storrie ont immédiatement conquis les fans comme ceux de la profession, au point de se voir propulsés sur la scène des Golden Globes pour remettre un prix début janvier.

Si vous aussi, vous êtes sous le charme -et je vous comprends-, je vous partage dans ce guide JustWatch quelques films et séries où les revoir pour patienter en attendant la saison 2.

Hudson Williams est Shane Hollander

Heated Rivalry n’est assurément que le début d’un long parcours pour Hudson Williams. Le comédien canadien, qui fête ses 25 ans dans quelques jours, était relativement inconnu du grand public avant la série-phénomène. Au-delà d'une trentaine (!) de courts métrages que ses fans vont sans doute exhumer de Youtube, depuis 2024 il s'est essentiellement illustré dans des petits rôles à la télévision (l’épisode S2E9 de Tracker, l’épisode S1E4 de Allegiance, un rôle de cadavre dans la mini-série Surface of Blood). Côté longs métrages, vous pourrez l’apercevoir dans le téléfilm Nobody Dumps My Daughter (2024) et sous le sapin de la production Hallmark Noël comme pour la première fois (2024).

Connor Storrie est Ilya Rozanov

Si le visage de Connor Storie vous a rappelé quelqu’un, c’est normal : avant ses ébats passionnés dans Heated Rivalry, le comédien américain incarnait l’inquiétant détenu de l’asile d’Arkham qui se confronte à Joaquin Phoenix à la fin de Joker : Folie à deux (2024). En quelques minutes à peine, il livre une prestation marquante. Comme son partenaire Hudson Williams, l’acteur -qui a passé une partie de son enfance en France- s’est illustré dans de nombreux courts métrages, quelques séries (S1E6 / S1E7 dans Stuck, S1E1 dans Tiny Beautiful Things) et des longs métrages comme le drame Riley (2025) qui mêlait déjà sport de haut niveau et questionnements sur l’identité sexuelle ou le film de science-fiction April X (2025) où il se lance à la recherche de sa jumelle disparue dans une Russie futuriste.

François Arnaud est Scott Hunter

François Arnaud est -pour moi- au centre du plus bel épisode de la saison 1 de Heated Rivalry, qui fait un pas de côté, un peu à la manière du segment Bill & Frank de The Last of Us, en racontant l’histoire d’amour entre son personnage, joueur de hockey émérite, et un barista rencontré au hasard d’un footing. Le comédien canadien a une longue carrière derrière lui, qui remonte à 2007. Il serait donc un peu long et laborieux d’évoquer tous ses rôles. Je vous invite surtout à le retrouver jeune dans J'ai tué ma mère (2009) de Xavier Dolan, puis par la suite dans les séries The Borgias (2011-2013), Blindspot (saisons 1 et 5), Midnight, Texas (2017-2018) et Surface (2022) et au cinéma face à Liam Neeson dans Marlowe (2023), Lili Taylor dans The Winter House (2021) et Lambert Wilson, Virginie Ledoyen et Franck Gastambide dans Enragés (2015).

Robbie G.K. est Kip Grady

Avant de préparer les smoothies de François Arnaud / Scott Hunter dans Heated Rivalry, Robbie G.K., de son vrai nom Robbie Graham-Kuntz et lui aussi canadien, a mené une carrière plutôt discrète, entre courts métrages, téléfilms, séries et longs métrages. Parmi ses apparitions notables, on peut citer les films d’horreur Antisocial 2 (2015) et Mary F*** Kill (2023), le drame sportif Full Out (2015) ainsi que des rôles récurrents dans les séries Surcompensation (3 épisodes en 2025) et Utopia Falls (2020) qui reste son succès le plus notable avec le rôle de Tempo 3 dans les 10 épisodes de la saison 1, qui confronte des adolescents d’une colonie futuriste à des reliques culturelles et musicales du passé. Mais c’est assurément pour le rôle de Kip qu’il sera désormais identifié.

Christina Chang est Yuna Hollander

Sans divulgâcher, le dernier épisode de la saison 1 de Heated Rivalry nous offre une très belle scène entre Shane et Yuna Hollander sur la terrasse de la maison familiale. Une séquence mère-fils sur laquelle plane la même douceur et la même émotion qu’entre Nick Robinson  et Jennifer Garner dans Love, Simon (2018) ou entre Timothée Chalamet et Michael Stuhlbarg dans Call Me By Your Name (2017). La comédienne américaine d’origine taïwanaise, adorée des fans de Good Doctor dans le rôle du Dr. Audrey Lim, apparue dans 115 épisodes du show, a entamé sa carrière à la fin des années 90, avec des rôles dans L'Ombre d'un soupçon (1999) ou 28 jours en sursis (2000). Par la suite, à l’exception d’une participation notable dans Die Hard 4 : Retour en enfer (2007), elle s’illustre essentiellement sur petit écran et devient un visage récurrent de la télévision américaine avec des participations à des programmes comme FBI - Portés disparus, Numb3rs, 24 heures chrono, Mentalist, Private Practice, Les Experts : Miami, Suits, Desperate Housewives, Nashville, NCIS, Lucifer ou Rizzoli & Isles.

Dylan Walsh est David Hollander

Avant de jouer les pères exigeants mais attachants dans Heated Rivalry, Dylan Walsh avait endossé la blouse du chirurgien plasticien Sean McNamara, associé du Dr Christian Troy dans la tranchante série Nip/Tuck (2003-2010) où il est confronté à des cas médicaux extrêmes et à ses propres crises personnelles. On a également pu voir l'acteur américain dans Unforgettable (2011-2015) où il fait équipe avec Poppy Montgomery, Superman et Lois (2021-2024) sous l’uniforme du Général Sam Lane et les saisons 10 à 14 de Blue Bloods où il campe le Maire Peter Chase. Au cinéma, s’il a pu donner la réplique à Mel Gibson dans Nous étions soldats (2002) et Clint Eastwood dans Créance de sang (2002), je ne peux m’empêcher de recommander Congo (1995), une aventure en Afrique avec un gorille « parlant » adaptée de Michael Crichton et pour laquelle j’ai une affection particulière que je ne m’explique pas. 

Sophie Nélisse est Rose Landry

Dans Heated Rivalry, Sophie Nélisse a un rôle très intéressant : love interest initial de Shane Hollander à qui elle apporte le glamour rêvé pour un couple-star médiatique athlète/actrice, c’est elle qui va réaliser que le jeune homme porte un profond secret et qui va l’amener à prendre conscience et verbaliser sa véritable orientation sexuelle. Dès lors, elle qui aurait pu être un obstacle majeur à la relation entre Shane et Ilya, devient un soutien et une confidente fidèle. La comédienne canadienne, révélée par Monsieur Lazhar (2011, La Voleuse de livres (2013) et La Fabuleuse Gilly Hopkins (2015), brille depuis trois saisons dans la série Yellowjackets (2021-) dans le rôle de la version adolescente du personnage campé par Melanie Lynskey. Elle a aussi affronté les requins blancs de 47 Meters Down: Uncaged (2019).

Bientôt le clap de fin pour Outlander (2014-2026). Après 8 saisons et 101 épisodes, la série Starz, diffusée en France sur Netflix, se conclura en 2026 au grand désespoir des fans de Claire et Jamie, le couple passionnel formé par une infirmière propulsée en 1743 (Caitríona Balfe) et un Highlander charismatique qui doit concilier clan, guerre et amour (Sam Heughan).

A quelques semaines du final, attendu le 7 mars sur Netflix et dont l’intrigue, gardée secrète, promet beaucoup de larmes, JustWatch s’est entretenu avec le couple iconique, qui a donné vie aux personnages imaginés par la romancière Diana Gabaldon. L’occasion pour eux de nous partager leurs sentiments à l’approche de la conclusion de leurs aventures épiques et romanesques. Préparez les mouchoirs !

Un final émouvant ?

Sam Heughan : « Vous allez pleurer, vous allez rire, vous allez être euphoriques et probablement... je ne dirais pas déprimés, mais la série touche à sa fin, alors il faut bien conclure. Mais nous espérons que cela servira l'histoire, les personnages et, bien sûr, les fans ! »

Caitriona Balfe : « Nous avons eu notre dernière journée de tournage officielle, et c'était vraiment incroyable. D'habitude, quand on tourne, le studio est calme et vide. Mais là, tous les producteurs, toute l'équipe, tous les acteurs étaient venus pour nous voir Sam et moi alors que nous essayions d’aller au bout d’une scène de sept pages. C'était très émouvant, un moment vraiment spécial, une vraie célébration et un vrai deuil à la fois. »

Sam Heughan : « Un sentiment doux-amer, c'est certain. »

Un message pour les fans ?

Caitriona Balfe : « Ce qui est formidable, c’est que la communauté de fans est devenue une entité à part entière, une communauté incroyable. Nous sommes tellement reconnaissants d’en faire partie et, vous savez, ça va continuer. Ils ont le prequel et ils peuvent regarder notre série en boucle… »

Sam Heughan : « On peut devenir fans avec eux maintenant ! Il y a plein d’épisodes à revoir, de choses à commenter, et puis, il y a toute cette saison à regarder. Je pense qu’ils vont vraiment apprécier. »

Outlander, pourquoi c’est culte ?

Caitriona Balfe : « Les séries comme celle-ci sont parfois étiquetées comme des programmes à l'eau de rose ou quelque chose du genre, mais ce sont des séries très difficiles à créer. Réaliser ces grands drames historiques demande énormément de temps. Et il faut aussi savoir les ancrer dans le réel. Revenir saison après saison, en essayant de renouveler l'histoire et de maintenir ce lien avec le public… C’était un défi immense, mais passionnant. »

Sam Heughan : « C’est une série énorme, une série épique. Et la qualité de la production est tellement élevée, c’est épique à tous les niveaux. C’est vraiment difficile de produire quelque chose d’un tel niveau, et Outlander l’a fait pendant plus de dix ans. »

Quelle vie après Outlander ?

Caitriona Balfe : « La vie continue ! Nous ne sommes pas complètement morts ! »

Sam Heughan : « Mais oui, c’est difficile, évidemment, car notre quotidien va changer. Mais nous sommes acteurs et c’est formidable de pouvoir explorer d’autres histoires, d’autres productions et d’autres récits. Alors oui, j’ai hâte de voir la suite. »

Caitriona Balfe : « Et je pense que nous ferons tous en sorte de nous voir et d’entretenir nos amitiés. Parce qu’après avoir passé autant de temps ensemble au fil des années, nous sommes une famille, liés pour la vie. Alors… non, tu ne te débarrasseras pas de moi aussi facilement ! »

Sam Heughan : « Parfait. »

Êtes-vous prêts pour l’événement cinématographique le plus attendu de l’année ? On imagine que, comme des milliers de cinéphiles à travers le monde, vous suivez de près la course aux Oscars 2026, alors que les favoris commencent peu à peu à se dessiner, à mesure que d’autres institutions professionnelles décernent leurs propres prix. 

En comparaison avec les nominations de l’année dernière, difficile de ne pas constater que, parmi les films en lice cette année, la concurrence est nettement plus intense et que les pronostics s’avèrent bien moins évidents -ce qui n’empêche évidemment pas de s’y risquer. Là où, en 2025, les Oscars du Meilleur acteur et du Meilleur second rôle semblaient promis bien avant la cérémonie -respectivement à Adrien Brody et à Kieran Culkin- rien ne semble cette fois joué d’avance dans les catégories majeures.

Qui pour l’Oscar de la Meilleure réalisation ?

Parmi elles, la catégorie de la Meilleure réalisation se distingue tout particulièrement, tant par la qualité des cinéastes nommé.es que par la portée culturelle et historique que pourrait revêtir la victoire de chacun.e. Au prix d’absences notables -celles de Kléber Mendonça Filho, Park Chan-wook ou encore Jafar Panahi- les nominations dans cette catégorie distinguent ainsi Chloé Zhao, Joachim Trier, Josh Safdie, Paul Thomas Anderson et Ryan Coogler. 

Certes, les votant.es de l’Académie prennent rarement en compte les enjeux de la diversité. Mais, à l’échelle de l’industrie, la valeur symbolique de ces récompenses demeure loin d’être négligeable. Dans ce guide JustWatch, je reviens sur ce que pourrait signifier la distinction de chacun.e de ces cinéastes, qui ont toutes et tous signé des films particulièrement aboutis et qui mériteraient, chacun.e pour des raisons propres, de l’emporter.

Chloé Zhao (Hamnet) 

Le parcours cinématographique de Chloé Zhao a été pour le moins tumultueux. En 2021, lorsque son Nomadland (2020) a remporté trois Oscars, dont Meilleur film et Meilleure réalisation, la réalisatrice était au sommet de sa carrière. Mais son film suivant, Les Éternels (2021), fut un échec critique, à tel point qu’on a commencé à douter de la capacité de la réalisatrice à se remettre de cette chute de popularité. 

Hamnet (2025) a prouvé qu’en elle était sûrement capable. Objectivement, Zhao n’est pas la favorite, mais en tant que la troisième réalisatrice qui a remporté l’Oscar de la Meilleure réalisation après Kathryn Bigelow et Jane Campion, elle pourrait devenir la toute première réalisatrice à recevoir deux Oscars dans la catégorie ! Sa victoire serait d’autant plus marquante que parmi les nommés, son film est vraiment le plus investi émotionnellement, et marqué par une sensibilité intime seulement propre aux vrais auteurs.  

Joachim Trier (Valeur sentimentale) 

Distribué par la société NEON aux États-Unis, Valeur sentimentale (2025) a débuté la saison des récompenses avec une belle visibilité sur la route des Oscars. Mais aujourd’hui, on pourrait dire que, parmi les cinq nommés, Joachim Trier se situe au dernier rang des pronostics. Néanmoins, si par miracle il l’emportait, il deviendrait le premier cinéaste norvégien, mais aussi scandinave, à recevoir une statuette dans cette catégorie.

Il est inutile de rappeler que l’Académie des Oscars est une institution très américano‑centrée, qui honore rarement les réalisateurs étrangers -Bong Joon-ho, Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón et Guillermo del Toro constituant des exceptions ces dernières années. Du côté des auteurs scandinaves, on retrouve des noms tels qu’Ingmar Bergman, Lasse Hallström, Morten Tyldum, Thomas Vinterberg et Ruben Östlund parmi le snommés. À cet égard, si Trier gagne, cela contribuerait à accroître la visibilité d’une région qui reste, historiquement, minoritaire au sein de l’institution.

Josh Safdie (Marty Supreme) 

En termes de diversité, la victoire de Josh Safdie n’aurait pas autant de valeur, c’est sûr. D’ailleurs, au sein de la catégorie, Safdie avait initialement de bonnes chances de l’emporter avec Marty Supreme (2025). Cependant, la mise en lumière polémique remontant au tournage de Good Time (2017) semble avoir considérablement entaché l’image du réalisateur, ce qui pourrait réduire significativement ses chances d’être récompensé.

Mais en même temps, à l’instar de Sean Baker qui, comme lui, était jusqu’à Anora (2024) associé au milieu niche et indépendant du cinéma américain, sa victoire n’est pas si improbable. Comme Baker, Safdie s’est tourné vers un style qui, sans renier l’esthétique de ses débuts indépendants, parle davantage au grand public. Du point de vue des Oscars, la reconnaissance de ce type de films témoigne également d’un changement : les biopics feel-good ou les drames historiques perdent en influence face aux films de circuits festivaliers ou aux œuvres d’auteur.

Paul Thomas Anderson (Une bataille après l’autre)

Avec 13 nominations au total, Une bataille après l’autre (2025) est l’un des films les plus marquants des Oscars 2026. Et Paul Thomas Anderson se distingue clairement comme le grand favori de la catégorie Meilleure réalisation. Sa victoire serait particulièrement significative au regard de son parcours et de sa position dans l’industrie. Avant cela, le cinéaste avait déjà été nommé 11 fois aux Oscars, dont 3 pour la catégorie de la Meilleure réalisation, mais de manière assez incompréhensible, il n’avait jamais soulevé le trophée.

« PTA » reste à ce jour l’un des auteurs contemporains les plus snobés par l’Académie. Sachant que l’institution a souvent tendance à récompenser les cinéastes et les comédien.nes oubliés non pas pour un film qui le mérite mais comme compensation des précédentes omissions, il y a de fortes chances que l’année 2026 soit celle du cinéaste.

Ryan Coogler (Sinners)

Sinners (2025) a créé la surprise avec ses 16 nominations, établissant ainsi un record historique. Si on ne sait évidemment pas dans combien de catégories il sera récompensé, une chose est sûre : ce n’est pas un film qui repartira bredouille. Quant à la catégorie de la Meilleure réalisation, la présence de Ryan Coogler représente un enjeu majeur, car il pourrait devenir le premier cinéaste noir à remporter ce prix. Oui, vous avez bien lu : dans l'histoire des Oscars, aucun réalisateur de couleur n’a jamais gagné dans cette catégorie.

Certes, avant Coogler, plusieurs réalisateurs afro-américains ont été nommés : John Singleton pour Boyz'n the Hood, la loi de la rue (1991), Lee Daniels pour Precious (2009), Steve McQueen pour 12 Years a Slave (2013), Barry Jenkins pour Moonlight (2016), Jordan Peele pour Get Out (2017) et Spike Lee pour BlacKkKlansman : J'ai infiltré le Ku Klux Klan (2018). Mais sans statuette à la clé. Un tableau sombre, fruit d’une longue histoire de discrimination et d’inégalités de chances.

Cette année marque la deuxième citation de Coogler dans la catégorie, après Black Panther : Wakanda Forever (2022). Compte tenu de l’importance historique de cette nomination et de l’accueil très positif réservé à Sinners, les chances semblent être de son côté. Sur le plan pratique, si le prix du Meilleur film revient à Une bataille après l’autre, les votant.es pourraient choisir de mettre en avant Coogler au niveau individuel. Verdict le 16 mars !

17 jours, 16 disciplines, 116 épreuves : du 6 au 22 février 2026, la flamme olympique va briller sur les pistes, les tremplins et les patinoires italiennes de Milan et Cortina d'Ampezzo. Cette 25ème olympiades d’hiver, animée par les hermines-mascottes Tina et Milo, enchaînera ski, glisse, patinage et hockey sur glace. L’occasion pour JustWatch de vous proposer une sélection cinéma « tout schuss » !

Certes, l’univers des Jeux n’a pas inspiré un grand nombre d'œuvres, mais il existe tout de même des longs métrages très emblématiques -voire culte- qui méritent d’être (re)découverts à cette occasion. Alors on chausse les skis et les patins, on prépare les luges et les bobsleighs, on enfile les bonnets et les combinaisons, et on se lance !

Rasta Rockett (1993)

C’est un film dont le titre français a toujours étonné ses comédiens : d’un sage Cool Runnings, on est ainsi passé à un beaucoup plus réjouissant Rasta Rockett (1993), qui symbolise bien mieux l’aura du long métrage de Jon Turteltaub, passé du statut de « petit projet » (14 millions de dollars de budget) à film culte (plus de 150 millions de dollars de recettes et 2,5 millions d'entrées en France). Je faisais partie à l’époque de ce public embarqué par la vague jamaïcaine de l’histoire de la première équipe de bobsleigh du pays… et cela reste un formidable souvenir en salles, et un vrai plaisir à chaque revisionnage.

Bien sûr, tous les événements relatés dans le film ne sont pas vraiment fidèles à la réalité (certains réécrivent même l’histoire vraie !). Bien sûr la patte Disney se fait sentir dans la manière de livrer un spectacle grand public caricatural et simpliste (jusqu’à l’américanisation des accents des acteurs, imposée par la studio…). Bien sûr que tout ceci est empreint d’une grande naïveté. Mais Rasta Rockett est un VRAI feel-good movie. Quel kiff de suivre Derice, Sanka, Yul Brenner, Junior Bevil et Coach Blitzer dans le froid de Calgary ! Et quelle émotion dans ce parcours d’underdogs qui défendent une seule idée « coubertiniste » : avoir le droit de participer pour représenter son pays. La scène finale me fait pleurer à chaque fois. 

Eddie the Eagle (2016)

Eddie the Eagle (2016), c’est un peu le Rasta Rockett du saut à ski. Même histoire incroyable mais vraie, même anti-héros qui embrasse son rêve olympique, même relation athlète/entraîneur… et même plaisir au moment du visionnage. Devant la caméra de Dexter Fletcher (qui retrouvera son acteur Taron Egerton sur Rocketman, 2019), on découvre le destin du Britannique Michael David Edwards, un natif du Gloucestershire passionné par le ski : ne parvenant pas à briller en ski alpin, il opte -de manière aussi improbable que maligne- pour le saut à ski dont il sera le premier et seul représentant national, parvenant à se qualifier pour les JO d'hiver de 1988.

Comme dans Rasta Rockett (dont un visionnage avec ses enfants a inspiré le producteur Matthew Vaughn pour relancer un projet de biopic au point mort), assez peu de choses sont fidèles aux véritables événements. À peine 10% selon Michael David Edwards. Mais cela ne doit pas vous empêcher d’apprécier le long métrage,  extrêmement sincère, touchant et inspirant, porté par un tandem Taron Egerton / Hugh Jackman dont l'alchimie fait mouche. Le personnage interprété par ce dernier, par exemple, est totalement fictif ! Ce qui ne l’est pas en revanche, c’est la manière dont notre Eddie s’est accroché à son rêve : même s’il a amené le CIO à modifier les règles de qualifications aux épreuves de saut à ski, il a incarné l’esprit olympique, célébré lors de la cérémonie de clôture (« Vous avez battu des records du monde et établi des records personnels. Certains d'entre vous ont même volé comme des aigles »). C’est beau, non ?

Moi, Tonya (2017)

Aux antipodes du côté feel good des deux films précédents, il y a Moi, Tonya (2017) qui revisite l’agression dont a été victime la patineuse artistique américaine Nancy Kerrigan en janvier 1994, orchestrée par un assaillant engagé par l’ex-compagnon de sa grande rivale Tonya Harding. L’affaire, extrêmement médiatisée, a inspiré la pop culture à travers des chansons, des parodies, des fictions (Tonya & Nancy: The Inside Story, 1994 ; Attack of the 5 Ft. 2 Women 1994) et des documentaires (The Price of Gold, 2014 ; Nancy & Tonya, 2014). Mais le film de Craig Gillespie est assurément le plus abouti. Et le plus intéressant.

En mêlant reconstitutions d’interviews/confessions, scènes de fiction et répliques à la caméra, Moi, Tonya donne la parole aux différents protagonistes de l’affaire, et joue avec les versions, sans jamais trancher. « Tout le monde a sa propre vérité. C’est l’histoire de ma vie, et c’est ça, la foutue vérité ! » lance ainsi au public l'anti-héroïne à la fin du film, sous les traits d’une Margot Robbie habitée (elle décroche sa première nomination à l’Oscar pour son interprétation). Le film, au croisement de Pam et Tommy (2022) et du cinéma des frères Coen, est avant tout le portrait d’une femme né avec la mauvaise vie et la mauvaise image et embourbée dans des relations toxiques avec sa mère (Allison Janney) et son mari (Sebastian Stan). Côté patinage, les reconstitutions sont assez bluffantes et nous entraînent notamment sur la glace des Jeux d’Albertville (1992) et de Lillehammer (1994).

Miracle (2004)

« Est-ce que vous croyez aux miracles ? » C’est un exploit qui nous parle peu, de ce côté de l’Atlantique, mais qui a considérablement marqué le public américain. Le 22 février 1980, sur la glace des Jeux de Lake Placid, l’équipe de hockey sur glace des Etats-Unis, essentiellement composée d’étudiants amateurs et de professionnels issues de ligues mineures, affronte l’équipe soviétique. Une armada annoncée comme invincible, championne des quatre dernières olympiades et intégrant des joueurs professionnels chevronnés. Sur le papier, le match était plié d’avance, mais parfois des miracles surviennent.

C’est la belle (ou dure, selon le point de vue qu’on adopte) loi du sport, et forcément elle ne peut qu’inspirer le cinéma. Passé relativement inaperçu en France, Miracle (2004) raconte cette prouesse sportive historique avec Gavin O'Connor (Warrior, 2011) derrière la caméra et Kurt Russell sous le costume (et la coupe so eighties) de l’entraîneur Herb Brooks. Si Rasta Rockett est un peu un Rocky en bobsleigh, Miracle est un Rocky IV en patins à glace ! Un hymne (très patriotique) au dépassement de soi pour accomplir l’impossible, et dont les discours dans les vestiaires sont presque du niveau de ceux d’Al Pacino dans L’Enfer du dimanche (1999). A prolonger avec le téléfilm Miracle on Ice (1981) et les documentaires Do you believe in miracles ? (2002) et Of Miracles and Men (2010).

Le Feu sur la glace (1992-2010)

Relativement méconnu en France, l’univers de Cutting Edge / Le Feu sur la glace (1992) est un classique de la romcom US des années 90. Dans ce « Dirty Dancing en patins », on vit la rencontre et la collaboration entre une patineuse arrogante et un hockeyeur qui rêve des Jeux, qui vont s’associer pour briller en couple sur la patinoire d’Albertville en 1992. Evidemment, les premières semaines vont être tendues mais les deux athlètes vont finir par se comprendre, s’accepter et s’aimer avant de se lancer sur la glace à la conquête de l’or olympique.

Oui, c’est cheesy à souhait, on ne va pas se mentir. Et rien ne semble très réaliste dans cette histoire. Mais est-ce vraiment important quand on est venu chercher de l’amour, du feel good et de l’inspiration chez ce duo improbable (Moira Kelly & D.B. Sweeney) qui met donc le feu sur la glace (le titre VF est vraiment bon !). Au-delà des suites (Le Feu sur la glace - En route vers la gloire, 2006 ; Le Feu sur la glace 3, 2008 ; Duo de glace, duo de feu, 2010), on pense aussi à Sexy Dance et l’association ballet / hip hop. Et puis, évidemment, à la brûlante série Heated Rivalry (2026-), enfin disponible sur HBO Max.

Take Off (2009)

Take Off (2009), c’est un peu la rencontre entre Rasta Rockett (1993) et Eddie the Eagle (2016). Ou comment la Corée du Sud, pour renforcer son dossier de candidature pour les Jeux de 2002 (finalement attribués à Salt Lake City, aux Etats-Unis), décide de former la toute première équipe de sauteurs à ski de son histoire en 1996. Un entraîneur est alors chargé de recruter et de former cinq athlètes (où l’on reconnaît Ha Jung-woo, vu dans Mademoiselle ou Tunnel), et de composer avec leurs parcours et leurs personnalités très différentes. Les aléas sportifs et budgétaires vont évidemment compliquer les choses pour cette équipe longtemps restée dans l’ombre et méconnue du grand public…

La sortie du film -qui prend, comme toujours, de grandes libertés avec l’histoire vraie- va tout changer. Avec plus de 8 millions d’entrées en salles et une vingtaine de prix durant diverses cérémonies, Take Off est un immense succès. Les spectateurs sud-coréens sont conquis par ce mélange feel good entre drame sportif, comédie et histoire vraie, qui a un peu des airs de Dodgeball (2004), The Full Monty - Le grand jeu (1997) et du Grand Bain (2018) et qui célèbre le collectif, la résilience et l’identité nationale. Une suite, portée par une distribution entièrement féminine et consacrée à l’équipe de hockey sur glace de Corée du Sud, est sortie en 2016.

Les Rois du Patin (2007)

Will Ferrell et Jon Heder enchaînant des figures sur la glace en justaucorps à paillettes : cette image seule devrait vous donner le sourire… et surtout vous donner envie de regarder Les Rois du patin (2007) ! Dans cette comédie potache, deux ennemis jurés du patinage artistique, bannis à vie en individuel pour s’être battus en public sur le podium où ils recevaient une médaille d’or ex aequo, découvrent une faille dans le règlement : ils peuvent revenir dans la compétition en tant que couple.

Oui, vous avez bien lu : ce film, c'est l'histoire du premier couple entièrement masculin lancé sur des patins à glace ! Et vous allez adorer rire et virevolter aux côtés du tandem Chazz Michael Michaels / Jimmy McElroy, deux patineurs fictifs et hauts en couleurs lancés à la reconquête de leur gloire glacée. Les films de Will Ferrell (un génie comique à mes yeux, et je pèse mes mots) sont malheureusement méconnus en France où ils bénéficient d’une très faible exposition en salles… Je vous invite VRAIMENT à y jeter un oeil, que ce soit dans le sport (Les Rois du patins, Ricky Bobby, roi du circuit et Semi-Pro) ou la comédie pure (Présentateur Vedette, Légendes vivantes, Frangins malgré eux ou Very Bad Cops). Vous ne le regretterez pas ! 

Breaking Through (2022)

Breaking Through (2022), c’est l’histoire de la conquête de la toute première médaille d’or chinoise aux Jeux d’hiver. Et celle de Yang Yang, une athlète légendaire qui concrétisa tous les espoirs du pays en 2002 à Salt Lake City, en remportant les titres du 500 mètres et du 1000 mètres en patinage sur piste courte, ainsi qu’une médaille d’argent en relais sur 3000 mètres. Véritable pionnière, tout comme certains de ses compatriotes Chen Lu, Shen Xue et Zhao Hongbo en patinage artistique, elle a contribué à populariser les sports d’hivers dans le pays, qui ont culminé en 2022 avec les Jeux de Pékin où la Chine remporte 15 médailles dont 9 en or.

Devant la caméra de Fang Fang Wang, Meng Meiqi enfile les patins et la combinaison de Yang Yang (rebaptisée ici Yang Fan), accompagnée par son entraîneur campé par Yu Xia. Si le long métrage ne réinvente pas le film biographique sportif, dont il reprend la plupart des codes, il reste intéressant à voir pour son message inspirant, où la résilience permet à ces deux pionniers de conquérir les patinoires mondiales, et pour la mise en lumière de cette histoire relativement méconnue des spectateurs occidentaux (qui s’inscrit dans la « trilogie olympique chinoise » aux côtés de The One Man Olympics et Champion). Et puis, aussi, pour un biopic centré sur une athlète féminine. A poursuivre sur les rings de The Fire Inside (2024) et Christy (2025) ou dans les eaux agitées de Insubmersible (2023).

L'annonce a fait l'effet d'un « Genki Dama » au sein de la communauté anime : Dragon Ball Super revient avec l'adaptation de La Patrouille Galactique. Il y en a eu des rumeurs, des faux espoirs, des débats au fin fond de Reddit, et voilà la suite des aventures de Goku et Vegeta enfin annoncée ! Surtout, cet arc marque l'arrivée de Moro, ce grand méchant qui a fait un bien fou au manga et relancé son succès. 

Le problème, c’est que l'univers d'Akira Toriyama est un véritable sac de nœuds. Entre les films canon, ceux qui ne le sont pas, les anime, les remakes, les nouvelles annonces… on s'emmêle les pinceaux ! Pour ne pas arriver à la saison 2 comme un touriste, il faut réviser ses classiques. Pour JustWatch, j'ai donc compilé l'ensemble des œuvres à voir et à revoir pour vraiment tout comprendre des enjeux qui vont se jouer lors de ce nouvel arc tant attendu.

Dragon Ball Z (1989-1996)

Dragon Ball Z, c'est la base. L'Évangile selon Saint Toriyama. Impossible de comprendre toute la profondeur et les émotions d'un nouveau projet Dragon Ball sans passer par la carte DBZ. Je ne vais pas me lancer dans l'explication de l'intrigue, mais c'est là que tout commence. Les Saiyans, la relation compliquée entre Goku et Vegeta, mais surtout une histoire qui a défini le genre shonen sur des générations. 

Le problème, c’est qu'il y a… 291 épisodes ! Alors si la longueur vous fait peur (même si les fans de One Piece vont vous rire au nez sachant qu'ils ont regardé plus de 1000 épisodes des aventures de Luffy depuis 1999), concentrez-vous simplement sur les arcs Freezer et Buu. DBZ a vieilli, certes. Et les scènes tirent parfois en longueur. Mais en termes d'intensité, d'énergie, d'enjeux, c'est parfait. 

Dragon Ball Super (2015-)

Alors là, on attaque le sujet qui fâche. Soyons honnête : le début de Dragon Ball Super (131 épisodes) est une rude épreuve pour les nerfs, avec une animation qui semblait avoir été faite sous Windows 95. C’est d’ailleurs pour cette raison que Toei a annoncé le projet Dragon Ball Super : Beerus, un remake des premiers arcs afin qu’on ne soit pas obligé de le regarder avec des lunettes anti-éclipse.

Malheureusement, l’anime de base est un passage obligé pour tout comprendre. Dieux de la Destruction, Anges, Multivers… toutes les fondations de la saga actuelle et des futurs combats contre Moro sont posées là. Il y a de ces séries et anime pour lesquels il faut résister. Passer le début affreux, pour enfin arriver à la partie acceptable. La série finit par trouver son rythme de croisière et nous prouve que Goku est toujours le boss. Sinon, patientez fin 2026 que Dragon Ball Super: Beerus sorte ! 

Dragon Ball Super :  Broly (2018)

Avec ce film, on change de registre. Oubliez les dessins parfois hasardeux, Dragon Ball Super : Broly est une claque technique. Sous le regard avisé de Naohiro Shintani, le style visuel est fluide, rond, dynamique, et d’une violence inouïe. Ce film s’insère directement après Le Tournoi du Pouvoir, et réintroduit Broly, non plus comme une brute écervelée des films des années 90, mais comme un personnage tout aussi tragique que surpuissant.

S’il y a un film à voir absolument, c’est celui-là, car les événements de La Patrouille Galactique prennent en compte l’existence de ce Saiyan légendaire. Cette réécriture de Broly pourrait ne pas plaire aux puristes, car elle rend le personnage plus accessible. Mais si vous entrez dans l’univers Dragon Ball, vous aimerez certainement ce film. C’est 1h40 d’adrénaline qui vous épuise. Un peu comme si on regardait Mad Max: Fury Road version animation japonaise. 

Dragon Ball Super: Super Hero (2022)

À la sortie de la bande-annonce de ce film d’1h39, la méfiance s’est installée. Les fans d’anime ne sont généralement pas friands du CGI en cel-shading, encore moins les fans de DBZ de la première heure. Effectivement, cette 3D qui se répand dans l’animation japonaise a une vraie tendance à dénaturer le trait organique de la 2D traditionnelle. Dragon Ball Super: Super Hero se rattrape légèrement avec une très belle mise en scène, mais rate le coche côté scénario. 

En effet, le script n’est pas des plus intéressants, l’écriture est paresseuse, et on ne vibre pas comme on vibrait par le passé. L’idée de mettre Goku et Vegeta sur la touche pour mettre Gohan et Piccolo en avant était une excellente idée, mais là aussi, l'exécution n’est pas réellement réussie. Malgré tout, le long métrage est indispensable pour attaquer la suite : on y assiste à la naissance de Gohan Beast et Orange Piccolo et prépare le terrain pour Galactic Patrol. 

Dragon Ball Daima (2024)

C’est la dernière pièce du puzzle et sans doute la plus forte émotionnellement : Dragon Ball Daima est le dernier projet porté par Akira Toriyama avant sa disparition. Sur 20 épisodes, on retrouve l’ambiance de Dragon Ball GT avec les héros transformés en enfants par un complot démoniaque. C’est un back to basics rafraîchissant mais qui a fait grincer des dents aux fans. 

Avec toutes ces séries et ces films sortis ces dernières années, il semblerait que le but soit d’accrocher un nouveau public et de rendre l’histoire la plus accessible possible. Les plus de 30 ans seront donc souvent déçus par ces dernières sorties. Cependant, avec le remake de l’arc Beerus et la sortie prochaine de Dragon Ball Super : Galactic Patrol, il y a de l’espoir !

Josh O’Connor est aujourd’hui considéré comme l’un des acteurs les plus prolifiques et les plus travailleurs de sa génération. Révélé avec le drame indépendant Seule la terre (2017) de Francis Lee, l’acteur britannique a bâti une carrière très solide, presque sans aucune fausse note dans ses choix de films, de séries et de rôles.

Après avoir travaillé avec des auteurs comme Luca Guadagnino et Alice Rohrwacher, l’année 2025 s’est annoncée particulièrement abondante pour l’acteur, puisqu’on l’a vu en tête d’affiche dans quatre films. À l’occasion des sorties françaises de The Mastermind (2025) et Le Son des souvenirs (2025), mais aussi en vue du très attendu Disclosure Day (2026) de Steven Spielberg où O’Connor donnera la réplique à Emily Blunt et Colin Firth, j’ai classé ses meilleures performances au cinéma et à la télévision dans ce guide JustWatch.

8. Le Son des souvenirs (2025)

Réalisé par Oliver Hermanus, que certains connaissent également pour son film Vivre (2022), Le Son des souvenirs est, en théorie, un choix parfait pour les fans de Josh O’Connor, puisqu’il partage l’affiche avec une autre star tout aussi connue (et belle, d’ailleurs) : Paul Mescal. Mais le résultat s’avère plutôt décevant sur le plan cinématographique.

Présenté en 2025 en compétition officielle à Cannes, le film raconte l’histoire d’amour entre deux étudiants en musique -Lionel et David- qui partent en voyage dans le Maine rural afin de recueillir et d’enregistrer des chansons folkloriques vers la fin des années 1910. Inutile de préciser que, compte tenu de l’époque, leur relation est condamnée à rester impossible. O’Connor y incarne David, dont la mélancolie et la solitude sont bien plus marquantes que celles du personnage joué par Paul Mescal. Son attitude ostensiblement insouciante, qui dissimule une intériorité plus profonde, rappelle d’ailleurs quelque peu son rôle dans Challengers.

Malgré les performances touchantes de ses acteurs principaux, le film peine à capturer l’intimité et la chimie entre Lionel et David, sans doute en raison des ellipses temporelles qui rythment le récit. À noter, pour les fans de Josh O'Connor, que le film pourrait s’avérer quelque peu décevant, car dans sa seconde moitié, on ne le voit presque plus. Quoi qu’il en soit, la sortie est prévue le 25 février, si vous souhaitez découvrir ce film que je pourrais présenter comme un Secret de Brokeback Mountain (2005) dépourvu de toute sexualité. 

7. Wake Up Dead Man : Une histoire à couteaux tirés (2025)

Même si le terme de « hot priest » nous est venu à l’esprit grâce à l’ingénieuse performance d’Andrew Scott dans Fleabag (2016-2019), le titre semble aujourd’hui être passé à son compatriote Josh O’Connor, qui incarne, dans le troisième volet de la saga Knives Out, un prêtre faussement accusé du meurtre d’un autre prêtre avec lequel il était en conflit. Le fait que la carrière de l’acteur soit aussi prolifique rend la comparaison entre ses rôles assez délicate ; mais comme Wake Up Dead Man : Une histoire à couteaux tirés (2025) propose un récit choral, porté par de nombreux·ses comédien·nes apportant chacun·e sa propre singularité, il se retrouve ici relégué au septième rang. 

Cet aspect du récit n’enlève rien à la performance de Josh O’Connor ; au contraire, le très sensible prêtre Jud constitue le véritable centre moral et émotionnel du film. D’ailleurs, la saga Knives Out est connue pour ses personnages excentriques et hauts en couleur. Même si celui de Josh O’Connor n’est pas au même niveau d'extravagance que celui de Daniel Craig, par exemple, le fait qu’il soit un ex-boxeur au passé sombre enrichit et approfondit les doutes qu’il éprouve envers lui-même. Wake Up Dead Man est également à ne pas manquer, car c'est l'un des rares cas où le comédien verse dans le registre comique. Enfin, au-delà de notre appréciation pour Josh O’Connor, c’est un délicieux whodunit.

6. Rebuilding (2025) 

Max Walker-Silverman est un cinéaste plutôt apprécié dans le circuit du cinéma indépendant américain, notamment à Sundance. Mais son deuxième long métrage, Rebuilding (2025), n’a malheureusement pas fait de buzz au box-office dans l’Hexagone (à peine 50 000 entrées). Dans ce néo-western, qui rappelle la subtilité des premiers films de Chloé Zhao, Josh O’Connor livre une performance très solide et convaincante. D'autant plus que l'acteur britannique y joue un cowboy de Colorado qui a perdu son ranch dans des incendies et qui, entouré des personnes qui se retrouvent dans la même situation que lui, essaye de « reconstruire » sa vie. 

Rebuilding est un film qui travaille beaucoup avec le silence et les non-dits, et O’Connor est vraiment doué pour capter les états d’âme d’un homme qui n’arrive pas à se servir des mots pour exprimer ses émotions. Même si son personnage reste central au récit, le film met davantage l’accent sur le sens de la communauté et la résilience que l’on apprend à assumer à travers nos proches -la présence de l’acteur repose donc beaucoup sur l’effacement de soi, afin d’atteindre une certaine universalité sentimentale. La tonalité de Rebuilding est assez rare dans le cinéma contemporain, dotée d’une sincérité et d’une foi en l’humanité que je vous conseille vivement de découvrir.

5. Challengers (2024)

Le drame sportif et romantique électrisant de Luca Guadagnino a beaucoup contribué à la reconnaissance de Josh O’Connor auprès du grand public, car les rôles qu’on lui confiait jusqu’alors étaient davantage limités au cinéma d’art et d’essai. Challengers (2024) chronique des relations à la fois amoureuses et compétitives entre trois joueurs de tennis. Aux côtés de Zendaya et Mike Faist, Josh O’Connor y incarne Patrick Zweig, un personnage frontal, charmeur, instable mais aussi très ambitieux -des attributs qui contrastaient avec ceux de son ami et rival, Art Donaldson, incarné par Mike Faist.

L’acteur a confié que jouer Patrick représentait un véritable défi, sa personnalité étant assez différente de la sienne -ajoutons également qu’il s’agissait de sa première production majeure où il incarnait un personnage américain. Nul besoin de dire qu’il a parfaitement assuré. Même si le film dessine un triangle amoureux entre Patrick, Art et Tashi, c’est en réalité la tension presque homoérotique entre eux qui laisse le plus d’impression dans la mémoire des spectateurs. Et ça, on le doit énormément au duo Faist–O’Connor ! Oui, oui, je sais, moi non plus je n’arrive pas à oublier la scène du churro, ni celle du sauna !

4. The Mastermind (2025) 

À titre personnel, The Mastermind est mon film préféré parmi les œuvres évoquées dans cette liste, mais si l’on établit un classement fondé uniquement sur les performances de Josh O’Connor, celle qu’il livre dans le film de Kelly Reichardt reste, disons, moins piquante. The Mastermind se concentre sur un certain J. B. Mooney, père de famille et charpentier au chômage qui, succombant à son ego démesuré, se croit capable de voler des œuvres d’art dans un musée du Massachusetts. Mais ses plans s’avèrent complètement désastreux et Mooney se retrouve rapidement dépassé, à la fois par le système et par le climat politique et social du début des années 1970.

Qu’il s’agisse du début du XIXème siècle ou de notre époque, les films de Kelly Reichardt ont toujours été dotés d’un regard très incisif et lucide sur la société américaine, et The Mastermind n’y fait pas exception. On pourrait être tenté de qualifier le long métrage de film de braquage, mais il s’agit plutôt d’un anti-film de braquage, dans la mesure où la réalisatrice démonte un à un tous ses clichés pour aboutir à un exercice de style à portée politique. Dans cette perspective, le jeu du comédien joue un rôle indispensable, par la manière dont il incarne un protagoniste auquel le film ôte tout moyen de s’identifier ou de se sentir proche. Sa présence corporelle dans le cadre est travaillée avec une grande subtilité afin de convoquer, chez le spectateur, sa maladresse et son inaptitude existentielle. Une performance digne des films de Robert Bresson, qui restera sans doute sous-estimée par rapport à ses rôles plus connus.

3. Seule la terre (2017)

Le premier long métrage de Francis Lee est le film qui a véritablement révélé le talent de Josh O’Connor au public et, dans un entretien qu’il a donné à Letterboxd, l’acteur a lui-même confirmé combien il était fier de ce film, précisant qu’il regarde souvent ses dix dernières minutes pour « sentir quelque chose ». Sur le plan thématique, Seule la terre (2017) pourrait être comparé au Son des souvenirs, mais il se montre beaucoup plus nuancé et profond dans sa manière d’aborder la sensualité homosexuelle. O’Connor y incarne Johnny, un jeune fermier qui s’occupe de la ferme familiale dans le Yorkshire. C’est un travailleur frustré qui cherche à compenser ses angoisses par l’alcool et des relations sexuelles sans attaches avec des hommes, jusqu’à ce que Gheorghe, un ouvrier saisonnier roumain, fasse irruption dans sa vie.

La singularité de Seule la terre réside dans l’équilibre impressionnant qu’il instaure entre le réalisme social et la profondeur émotionnelle, qui déterminent respectivement les comportements de ses personnages. La physicalité, le langage corporel — non seulement entre Johnny et Gheorghe, mais aussi dans leurs gestes quotidiens de manière plus générale — y occupent une place centrale. Dans ce rôle révélateur, le jeune acteur fait coexister la cruauté et la fragilité dans un même regard, un même geste. Aux côtés d’O’Connor, il faut également saluer l’interprétation d’Alec Secăreanu dans le rôle de Gheorghe, car la force du film découle précisément du magnétisme entre les deux acteurs. Un équilibre qui ne s’atteint pas aussi facilement qu’on pourrait le croire.

2. La Chimère (2023)

Un autre film qui tient particulièrement à cœur à l’acteur britannique est La Chimère (2023) d’Alice Rohrwacher, et ce n’est évidemment pas sans raison ! Josh O’Connor s’est beaucoup investi pour incarner Arthur, un homme hanté par un amour perdu, mais aussi par les fantômes des reliques qu’il exhume de la terre grâce à ses dons de médium. Comme le film se déroule en Toscane, l’acteur a appris l’italien ; et pour capter la solitude et la mélancolie de son personnage, il a vécu dans un camping-car pendant le tournage, préparé sa propre nourriture et s’est même lavé dans un lac !

Le réalisme magique a toujours été très caractéristique du cinéma d’Alice Rohrwacher. Dans La Chimère également, vêtu d’un costume blanc cassé tout froissé, le regard reculé mais mystérieux, le personnage d’Arthur est dépeint comme une sorte d’anti-héros mythique. Parmi tous les rôles que l’acteur a incarnés jusqu’à présent, Arthur reste sans doute le plus atypique, le plus singulier, porté par la vision idiosyncrasique de la réalisatrice. Dans la même veine que La Chimère, Les Merveilles (2014) et Heureux comme Lazzaro (2018) sont également à ne pas manquer.

1. The Crown (2019 - 2020)

Certains peuvent trouver cette série biographique sur la vie de la reine Elizabeth II trop niche à leur goût, mais, dans le parcours de Josh O’Connor, The Crown (2016-2023) lui a offert son rôle le plus récompensé. L’acteur a rejoint le casting dans le rôle du roi Charles III et l’a incarné durant les troisième et quatrième saisons. Interpréter une personne réelle, dont la vie privée tumultueuse a été largement médiatisée, sans tomber dans une imitation grotesque, constituait le principal défi de ce rôle.

Josh O’Connor a pourtant réussi à saisir le cœur des conflits intérieurs du Prince à travers des détails très subtils dans sa manière de parler ou de se tenir, qui auraient très bien pu passer inaperçus. L’inclinaison de la tête, le sifflement de ses dents lorsqu’il parle — O’Connor intègre toutes ces nuances dans son interprétation. Surtout dans le dixième épisode de la quatrième saison, lors de la confrontation de Charles avec Diana à propos de Camilla, son jeu atteint un nouveau sommet : son visage est traversé par de multiples émotions et réactions en l’espace de quelques secondes. Heureusement, le monde de la télévision n’est pas resté indifférent à sa prestation : en 2021, l’acteur a ainsi remporté à la fois un Emmy et un Golden Globe dans la catégorie du Meilleur acteur dans une série dramatique.

C’est l’histoire d’une bande qui a conquis le box-office français et le cœur des spectateurs. Philippe Lacheau, Tarek Boudali, Julien Arruti, Elodie Fontan et Reem Kherici forment la bien nommée « Bande à Fifi », passée avec succès des plateaux de CANAL+ aux planches parisiennes puis au cinéma où les entrées pleuvent depuis 2013.

Près de 3 millions d’entrées par film !

Chef de file du groupe, Philippe Lacheau a réalisé sept longs métrages, avec la même approche décomplexée, populaire et bienveillante de l’humour, un sens du gag cartoonesque qui fait rire toute la famille, et une fidélité sans faille qui l'amène à construire tous les scénarios autour de la bande. Rarement pris en casting, les ami.es ont ainsi écrit leurs propres rôles et leur propre histoire, qui a fait d’eux un collectif aussi incontournable que le furent les Charlots, le Splendid ou les Inconnus.

Affichant une insolente moyenne au-delà des 2,8 millions d’entrées par film -que le Marsupilami (2026) va assurément encore faire grimper- Philippe Lacheau est devenu LA valeur sûre de la comédie hexagonale, que ce soit en salles sous la bannière de sa société BAF Prod, ou en streaming (il anime LOL qui rit sort sur Prime Video, dont la nouvelle saison sort ce 6 février). Pour JustWatch, je reviens sur les réalisations du monsieur, pas toujours appréciées des cinéphiles il est vrai, mais devant lesquelles je me marre. Beaucoup.

Babysitting (2014) - 2 358 733 entrées

Un an après Paris à tout prix (2013), qui marquait la première réalisation de Reem Kherici avec Philippe Lacheau au scénario, ce dernier se lance dans le grand bain de la mise en scène, en binôme avec Nicolas Benamou. L’ambition est potache et familiale et détourne les codes du found footage (les films montées à partir d’images retrouvées) en dévoilant à deux parents atterrés (Gérard Jugnot et Clotilde Courau) ce qu’il est advenu de la soirée de Babysitting que devait assurer leur employé modèle auprès de leur fils unique.

Les images retrouvées, telles une loi de Murphy festive, sont légendaires. Entre Projet X (2012) et Le Jouet (1976), le film enchaîne les séquences culte, d’une soirée apocalyptique dans la maison du patron à une course façon Mario Kart en plein Bois de Vincennes en passant par une séance de Surra de Bunda (une danse brésilienne durant laquelle la danseuse gifle un homme… avec ses fesses). Avec deux prix au Festival de l’Alpe d’Huez, plus de 2,3 millions de spectateurs hilares et des critiques globalement positives, l’essai est transformé.

Babysitting 2 (2015) - 3 241 965 entrées

Succès oblige, la bande remet ça dès l’année suivante dans Babysitting 2 (2015). Comme un symbole, c’est un autre membre illustre du Splendid qui succède à Gérard Jugnot dans ce second volet : dans le rôle du père de la compagne de Franck (Philippe Lacheau), Christian Clavier invite sa fille, son gendre et leurs amis dans son hôtel écologique au Brésil. Ce qui devait être un séjour paradisiaque va vite tourner au cauchemar (hilarant, rassurez-vous), dont on découvre les péripéties grâce à une GoPro retrouvée…

Babysitting 2 repose sur la même structure que son prédécesseur : 20 minutes d’exposition en prises de vue traditionnelles, puis une alternance entre gags found footage et visages défaits de celles et ceux qui découvrent les images (dont le couple Jérôme Commandeur / Valérie Karsenti, très drôles). En changeant de cadre, le film parvient à réinventer l’original et offre même des séquences épiques qui, found footage oblige, ont forcé les comédiens à se passer de cascadeurs : c’est ainsi que le plongeon dans la rivière ou le saut en parachute ont été tournés sans doublure ! Et comme dans Babysitting, là encore, personne n’est oublié et chacun a ses moments de gloire, à commencer par une grand-mère destroy et hilarante.

Alibi.com (2017) - 3 603 775 entrées

Avec Alibi.com (2017), la bande intègre un nouveau membre : Elodie Fontan, rencontrée sur Babysitting 2 et devenue entre-temps la compagne de Philippe Lacheau. La comédienne amène une féminité bienvenue au sein du trio Lacheau / Boudali / Arruti, qui incarnent ici les fondateurs d’une société chargée de « couvrir » les mensonges et autres tromperies de ses clients. Alors que l’un d’eux tombe sous le charme de la demoiselle -qui déteste le mensonge-, il découvre que le père de son nouveau crush vient de faire appel à ses services pour couvrir son adultère…

On oublie le found footage : ici, on mise tout sur le quiproquo et le gag potache ! Entre un collègue narcoleptique, un kidnapping de zèbre, une starlette en quête de likes (Nawell Madani) et un faux voyage en Tanzanie, le délire est au rendez-vous, rehaussé par des petits clins d’oeil à Star Wars, Fast & Furious, Assassin’s Creed, Thor et Bloodsport. Preuve de la dimension qu’a pris la bande, Didier Bourdon et Nathalie Baye se joignent au délire, où l'on croise également Medi Sadoun, Michèle Laroque, Kad Merad, La Fouine et JoeyStarr. Et au-delà de l’humour, j’avoue être touché par l’amour qui se dégage du couple Lacheau / Fontan, notamment dans un love-montage très sympathique dans la première partie du film : on a l’impression d’assister à la naissance d’une idylle (qui dure depuis !), et c’est touchant !

Nicky Larson et le Parfum de Cupidon (2019) - 1 684 404 entrées

Alors que tout le monde réclame un Babysitting 3 ou une suite à Alibi.com, le quatrième film de Philippe Lacheau est un choix surprenant. Et un vrai défi. Adapter en prises de vues réelles le manga culte City Hunter / Nicky Larson de Tsukasa Hojo, déjà transposé en anime entre 1987 et 1991 puis en live action par Jackie Chan en 1993. Biberonné au Club Dorothée dans sa jeunesse, le réalisateur-scénariste-acteur se lance ainsi dans son projet le plus ambitieux avec Nicky Larson et le Parfum de Cupidon (2019). Cheveux noir corbeau, veste bleue sur t-shirt rouge, le regard lubrique, Philippe Lacheau devient littéralement le célèbre détective, lancé sur les traces d’une phéromone qui provoque une attirance irrésistible.

Si on peut regretter un humour un peu trop tourné vers les quiproquos homosexuels (comme Epouse-moi mon pote de son compère Tarek Boudali), on adore les innombrables clins d’oeil à la génération Club Do, la prestation d’Élodie Fontan très convaincante en Laura, et les séquences visuellement très abouties (le combat dans l'hôpital, la baston dans la casse automobile, le gunfight final). Sans oublier Chantal Ladesou ET Pamela Anderson (!) sous le charme d’un Julien Arruti chevelu. C’est le film de Philippe Lacheau qui a le moins marché en salles… et c’est pourtant la suite qu’on lui réclame le plus ! Alors, bientôt un crossover avec les voleuses de la série Cat’s Eyes (2024-) qui appartient au même univers  ?

Super-héros malgré lui (2021) - 1 835 528 entrées

Alors que Marvel et DC ont inondé la planète avec leurs personnages et leurs productions, Philippe Lacheau s’empare du genre super-héroïque, dans la foulée de quelques tentatives françaises (Black Snake en 2019 ou Comment je suis devenu super-héros en 2020). Mais il y ajoute évidemment sa patte et son sens du quiproquo, en mettant en scène un comédien, interprète de Badman à l’écran et devenu amnésique après un accident de voiture : découvrant son masque et son costume dans le véhicule, il pense alors être un vrai justicier !

Vous l’avez compris, on est ici dans la lignée de héros très normaux comme Super (2010) ou Kick-Ass (2010), mais passés à la moulinette de l’humour « Bande à Fifi ». C’est, de mon point de vue, le moins réussi des films de Philippe Lacheau. Les gags sont un peu poussifs, et renvoient même une sensation de déjà-vu, alors que le reste de la bande est mal exploité (mention spéciale, tout de même, à la relation beau-père / beau-fils de Tarek Boudali et Julien Arruti). Restent tout de même une belle mise en image, un plan Avengers très malin et un Georges Corraface surprenant en Joker du pauvre baptisé « Le Clown ».  

Alibi.com 2 (2023) - 4 277 971 entrées

Après deux films sous la barre des 2 millions d’entrées, il était temps de retrouver les cimes du box-office. C’est chose faite avec Alibi.com 2 (2023), qui reste le plus grand succès public de Philippe Lacheau à ce jour avec plus de 4 millions de spectateurs conquis par ce festivals de mensonges, de quiproquos et de gags. Alors qu’il a promis à sa chère et tendre de fermer son agence et de cesser ses mensonges, notre héros doit renoncer à son engagement et mettre en place un dernier stratagème pour empêcher sa belle-famille de rencontrer ses parents, respectivement escroc à la petite semaine et actrice de charme…

Évidemment, rien ne va se passer comme prévu, et on assiste à un double mariage dans deux maisons voisines, Philippe Lacheau devant passer de l’une à l’autre pour assurer une vraie union avec sa fiancée et une fausse union devant ses parents ! Pour l’occasion, du (très) beau monde est convié aux noces, entre Nathalie Baye, Didier Bourdon, Gérard Jugnot, Arielle Dombasle, Georges Corraface, Catherine Benguigui, Reem Kherici, Medi Sadoun, Redouane Bougheraba, Gad Elmaleh et des apparitions surprises de Pascal Obispo et Patrick Fiori ! Le délire culmine avec une garden party où le sens du gag de la bande fait une nouvelle fois merveille.

Marsupilami (2026) - actuellement au cinéma

Attention, carton monumental en vue ! Je vais partager ici une expérience familiale très personnelle : je n’ai JAMAIS vu mes enfants rire autant devant un film que ce Marsupilami (2026), découvert en avant-première il y a quelques jours. Quatorze ans après la version signée Alain Chabat (Sur la piste du Marsupilami, 2012), Philippe Lacheau orchestre une suite-reboot dans laquelle Jamel Debbouze reprend son rôle de Pablito Camaron, protecteur de la faune de la forêt palombienne. Il embarque ici en clandestin sur un bateau de croisière pour empêcher qu’un bébé Marsu ne soit ramené en France.

La très bonne idée du film, c’est de quitter la jungle pour concentrer l’action sur un immense paquebot. Dans cet univers clos, terrain de jeu gaguesque idéal, « Bibi » provoque d’innombrables catastrophes, qui bénéficient une nouvelle fois du timing comique texaveryesque de Philippe Lacheau. Il y a ainsi dans le film (au moins) trois séquences de chutes, de chocs et de gags qui devraient faire résonner les salles obscures de rires bruyants. Et, au-delà de cet humour burlesque et familial (et bien moins sous la ceinture que dans ses précédents films), il y a une vraie émotion touchante dans la relation qui se noue entre un petit garçon et la bestiole, qui prend vie grâce à un savant mélange d’animatroniques et d’images de synthèse. Finalement, ce Marsupilami, c’est un Gremlins très très très fun… et sans aucun doute le futur plus grand succès de son réalisateur (je prends le pari !).

Dans l’univers du jeu vidéo, j’ai l’impression qu’il y a eu deux types de gamers : celles et ceux qui aiment flinguer du zombie dans Resident Evil, et les autres qui préfèrent une plongée dans l’atmosphère inquiétante de Silent Hill. Si la première franchise a été largement déclinée (essorée ?) au cinéma avec pas moins de sept films et une adaptation attendue en 2026, la seconde s’est faite plus rare.

Il faut dire que le succès de Resident Evil est massif, avec plus de 170 millions de copies écoulées depuis la sortie du premier jeu en 1996. Là où Silent Hill, en misant sur une horreur plus psychologique, est resté un univers de « niche » pour les amateurs et amatrices de cauchemars éveillés. A l’occasion de la sortie du nouvel opus au cinéma, JustWatch fait le point sur les films inspirés de la saga imaginée par Keiichiro Toyama et Team Silent / Konami.

Silent Hill (2006)

Après leurs premières collaborations fructueuses sur Crying Freeman (1995) et Le Pacte des Loups (2001), les producteurs Samuel et Victor Hadida (Resident Evil, 2002) et le réalisateur Christophe Gans allient leurs forces pour transposer Silent Hill (2006) sur grand écran. Et il en faut, car le réalisateur français tente pendant cinq ans de convaincre Konami de lui confier les rênes de cette adaptation, avant d’obtenir leur accord de mêler différents aspects des quatre premiers jeux tout en prenant de vraies libertés, et de féminiser le protagoniste (le film est finalement très féminin, emmené par Radha Mitchell, Laurie Holden, Deborah Kara Unger, Alice Krige et la jeune Jodelle Ferland). Ce que cherche avant tout à faire ici Christophe Gans, c’est de restituer en 2h05mn son expérience de gamer et l’atmosphère cauchemardesque du survival-horror. Son iconographie, aussi, avec l’élaboration d’une centaine de décors confiés à Carol Spier (La Mouche, Mimic, eXistenZ, Blade II) et des créatures imaginées par Patrick Tatopoulos (Stargate, Pitch Black).

C’est la grande force du film, qui vous bluffe par son ambiance pesante et impressionnante dans sa première moitié, alors que son héroïne découvre les différentes facettes de ce « Triangle des Bermudes urbain » dont on ne ressort jamais : une ville fantôme baignée de brume et de cendres le jour, une horreur sans nom quand les ténèbres déferlent. La suite est moins engageante, alors que le film verse dans une narration surécrite pour expliquer l’inexplicable et livrer un récit clé-en-main. C’est là la vraie différence entre une expérience vidéoludique personnelle et le cinéma grand public, finalement. Reste, toutefois, la meilleure adaptation d’un jeu vidéo à l’écran, à l’époque. Et ce n’est pas rien après plus d’une décennie de ratages emmenés par Super Mario Bros. (1993) et Alone in the Dark (2005) !

Silent Hill Révélation (2012)

Avec des recettes solides (100 millions de dollars dans le monde et un peu plus de 800 000 entrées en France pour un budget de 50 millions de billets verts), Silent Hill est un succès. Christophe Gans ne va toutefois pas rempiler, et laisse la place à M.J. Bassett, révélée par son travail sur La Tranchée (2002), Wilderness (2006) et Solomon Kane (2009). Dans Silent Hill : Révélation 3D (2012), la réalisatrice poursuit l’histoire initiée dans le premier opus, en inversant la dynamique : cette fois, c’est la fille, Heather Mason, qui doit retourner à Silent Hill pour tenter de retrouver son père disparu.

Plus ramassée (1h34mn à peine), moins léchée aussi, cette nouvelle enquête horrifique offre quelques nouveautés, à l’image de l’iconographie cirque/freak/manège de l’horreur qui ouvre et clôture le long métrage ou cette araignée-mannequin très creepy, tout en réinvitant certaines des créatures les plus emblématiques de l’univers (les infirmières désarticulées et l’incontournable Pyramide-Head). Côté casting, on est content de croiser Carrie-Anne Moss et Malcolm McDowell, alors que Radha Mitchell et Deborah Kara Unger font une petite apparition et que Sean « Ned Stark » Bean retrouve Kit « Jon Snow » Harington de Game of Thrones. C’est au final tout ce qu’on retient du film, qui avec 55 millions de dollars de recettes et 230 000 entrées-France ne marque malheureusement pas grand monde.

Retour à Silent Hill (2026)

Il aura fallu vingt ans à Christophe Gans pour retrouver le chemin de Silent Hill. Entre-temps, le cinéaste a livré sa version de La Belle et la Bête (2014) et tenté de développer des adaptations de Bob Morane et de Rahan pour le cinéma. Avec Retour à Silent Hill (2026), il adapte le deuxième jeu vidéo, sorti en 2001 et considéré comme l’un des plus grands titres vidéoludiques de tous les temps. Et l’un des plus effrayants aussi. Et pour renforcer l’expérience, il retrouve l’illustre compositeur Akira Yamaoka, déjà à l'œuvre sur les jeux, pour signer la bande originale de ce nouveau cauchemar.

Lorsqu’il reçoit une mystérieuse lettre de Mary (Hannah Emily Anderson), son amour perdu, James (Jeremy Irvine) est attiré vers Silent Hill, une ville autrefois familière, aujourd’hui engloutie par les ténèbres. En partant à sa recherche, le jeune homme affronte des créatures monstrueuses et découvre une vérité terrifiante qui le poussera aux limites de la folie… Sans être tout à fait une suite, le film se présente comme un nouveau chapitre au sein d’une anthologie horrifique. Avec de nouveaux personnages donc, mais un univers similaire (la brume, les cendres, les sirènes, les ténèbres) et le retour de certaines créatures iconiques (le Pyramide-Head et les infirmières sont toujours au rendez-vous !). Est-ce que cela suffit à réinventer l’expérience, deux décennies plus tard ? La réponse au cinéma.

Issue de la scène indépendante new-yorkaise, Kelly Reichardt est de retour au cinéma avec Mastermind (2025), présenté en compétition au Festival de Cannes en mai dernier. Emmené par Josh O’Connor, le film se passe dans le Massachussetts des années 70 où un charpentier et père de famille en quête de renouveau se met en tête d’organiser un vol d'œuvres d’art.

Avant de découvrir le nouveau film de la cinéaste, je vous propose, pour JustWatch, un guide de sa filmographie passionnante regroupant tous ses longs-métrages et leur disponibilité en streaming. Idéal pour des séances de rattrapages avant ou après Mastermind !

River of Grass (1994)

Le premier long-métrage de Kelly Reichardt, River of Grass (1994), met en scène Cozy, une femme au foyer malheureuse en mariage et rêvant d’aventures. Un soir dans un bar, elle rencontre Lee, un homme solitaire et également insatisfait de sa vie. Après avoir passé la soirée ensemble, Lee apprend à Cozy à tirer et pense avoir tué quelqu'un. Les deux personnages fuient alors la ville et se retrouvent en cavale, en recherchent une solution à la frustration de leur vie respective. Le film a été restauré en 2015 et a été présenté en 2016 à nouveau à Sundance où il avait déjà fait ses débuts en 1994.

Old Joy (2006)

Dans Old Joy (2006), deux amis de longue date partent camper en forêt le temps d’un weekend. L’un est marié et s'apprête à devenir père, l’autre est encore ancré dans ses jeunes années. Cette expédition est l’occasion pour les deux hommes de crever l'abcès sur des non-dits et de voir si leur amitié, qui commence à s'étioler, peut encore être sauvée. Le film est adapté de la nouvelle du même nom écrite par Jonathan Raymond. 

Wendy et Lucy (2008) 

Avec Wendy et Lucy (2018), Reichardt signe un drame bouleversant dans lequel l’une de ses actrices fétiches, Michelle Williams, joue le role de Wendy, une jeune femme voyageant avec sa chienne Lucy, jusqu’en Alaska afin de trouver un nouveau travail. Les deux amies se retrouvent bloquées en Oregon lorsque la voiture de Wendy tombe en panne. N’ayant pas les moyens de réparer son véhicule, la jeune femme se met à voler dans un petit supermarché, mais quand elle ressort, Lucy a disparu. Lucy a notamment reçu le prix de la Palm Dog, remis durant le Festival de Cannes en 2008. 

La Dernière Piste (2010) 

Avec La Dernière Piste (2010) Kelly Reichardt signe un western original et poignant sur le destin de trois familles suivant la piste de l'Oregon en 1845, guidées par un homme qui prétend pouvoir les aider dans ce périlleux voyage. Sur le chemin, ils rencontrent un autochtone cherchant à les aider également. Face aux doutes et aux nombreux dangers, ces voyageurs devront choisir à qui faire confiance... La Dernière Piste a été sélectionné à la Mostra de Venise en 2010, aux côtés de Black Swan (2010) de Darren Aronofsky entre autres. Le film marque également l’une des quatre collaborations entre Michelle Williams et Kelly Reichardt. 

Night Moves (2013)

Emmené par Jesse Eisenberg et Dakota Fanning, Night Moves (2013) nous embarque dans une aventure à grand suspense aux allures de thriller écologique, lorsque Josh, un homme travaillant dans une ferme biologique de l’Oregon, rencontre des activistes et voit ses convictions se radicaliser. Le long métrage a été présenté lors de nombreux festivals, incluant la Mostra de Venise, le Toronto International Film Festival (TIFF) ainsi que le Festival du film américain de Deauville, pour lequel il a remporté le Grand Prix. 

Certaines Femmes (2016)

Dans Certaines Femmes (2016), nous suivons les destins -parfois croisés-, la vie personnelle et la carrière de quatre femmes de classe moyenne. A travers Laura Dern, Lily Gladstone, Michelle Williams et Kristen Stewart, le film interroge de façon poétique et engagée les relations entre les différentes classes sociales et entre les communautés plus marginalisées. Il avait remporté le Prix du meilleur film lors du Festival de Londres en 2016, où il était notamment en compétition avec Moonlight (2016) et Brimstone (2016). 

First Cow (2019) 

First Cow (2019) est décrit comme un western sur les origines du rêve américain. Dans les années 1820, un jeune cuisinier solitaire se dirige vers l’Oregon dans le grand ouest. Sur la route, il rencontre un immigrant chinois également à la recherche d’un avenir meilleur. Les deux hommes vont par la suite monter un plan pour utiliser le lait d’une vache appartenant à un homme aisé, propriétaire du tout premier bovin de ce territoire. First Cow a été présenté lors de plusieurs festivals, et il a notamment remporté le Prix du Jury au Festival du cinéma américain de Deauville en 2020.

Showing Up  (2022) 

Dans Showing Up (2022), Michelle Williams joue le rôle d’une sculptrice devant jongler entre les aléas  de son quotidien et le stress de son travail d’artiste, alors qu’elle s'apprête à exposer dans une galerie. La comédienne partage l'affiche avec Hong Chau et John Magaro. Showing Up avait été sélectionné en compétition officielle au Festival de Cannes en 2022, face à Armageddon Time de James Gray, Sans Filtre (2022) de Ruben Östlund, Decision to Leave (2022) de Park Chan-wook ou encore Les Crimes du Futur (2022) de David Cronenberg. 

C’est probablement le projet le plus curieux de la phase actuelle du MCU. Oubliez les invasions extraterrestres et les multivers en folie : Marvel a besoin de retrouver du nerf, du style, et surtout une originalité. Avec la série Wonder Man (2026), le grand public va enfin rencontrer Simon Williams, un héros culte et pas comme les autres, surpuissant, et franchement dysfonctionnel. 

La sortie de Wonder Man sur Disney+ marque un véritable tournant pour Marvel. Pilotée en majeure partie par Destin Daniel Cretton (réalisateur de Shang-Chi et la Légende des Dix Anneaux, 2021), la série en huit épisodes est une satire incisive du milieu hollywoodien et du star system, en même temps qu’un destin super-héroïque à hauteur d’homme.

Alors que Yahya Abdul-Mateen II débarque sur nos écrans, voici tout ce qu'il faut savoir sur cet Avenger pas comme les autres, sans avoir à fouiller dans 60 ans d'archives. Et revenons d’abord sur les origines de ce héros méconnu du grand public.

Une Origin Story réinventée : le grand écart entre les comics et la série

Les puristes grincent certainement des dents en voyant le scénario de la série qui diverge totalement de l’histoire originale. Il va falloir résister et donner une chance à cette proposition qui prend des risques et nous fait comprendre que Marvel tente quelque chose de nouveau. 

Dans les comics, l’histoire de Wonder Man est sombre. Créé en 1964 par Stan Lee et Jack Kirby, Simon Williams n’est pas un acteur raté, mais un héritier déchu. C'est le fils d’un riche industriel, Sanford Williams. À sa mort, la boîte coule car elle fait face à la plus rude des concurrences : Stark Industries. Et, on ne gagne pas contre Tony Stark. Au fond du trou, il finit en prison après avoir détourné des fonds. Là, son destin bascule, puisque sa porte de sortie est le Baron Zemo.

Vous remettez ? C’est le Sokovien, joué par Daniel Brühl, brisé par la mort de sa famille dans Civil War (2016). Dans le comics, il est à la tête des Maîtres du Mal et propose un pacte à Simon : la liberté et des pouvoirs pour qu’il infiltre les Avengers et les trahisse de l’intérieur. Si l’on résume, Simon Williams est alors un traître, raté, qui vend son âme pour sauver sa peau. Pas top, le superhéros. Pourtant, c’est un personnage fascinant qui passe sa vie à pourchasser la rédemption, loin du boy-scout habituel,

Dans la série, il n’y a ni Tony Stark, ni Zemo qui a d’autres chats à fouetter. Ici, Simon Williams n’en a que faire de sauver le monde. Lui veut d’abord réussir sa carrière à Hollywood, décrocher ce rôle qui va le faire percer. Et ce rôle, c’est celui de Wonder Man ! Il doit donc prendre son courage à deux mains et passer le casting. Mais, pour espérer sortir de l’anonymat, il doit cacher ses pouvoirs à cause de la « Doorman Clause », qui bannit les acteurs dotés de pouvoirs des plateaux. Si ça se sait, c’est terminé.

Ainsi, dans la BD, nous avons un homme fabriqué, dans un moment de faiblesse, par un vilain et rattrapé par sa conscience ; alors que la série l'ancre dans le réel, la peur de l’échec, de l’anonymat. Dans la série, Simon Williams n’est pas Wonder Man, mais n’a qu’un but, en jouer le rôle. 

Ses pouvoirs : ioniques, ironiques et iconiques

Dans les comics, Simon Williams ne plaisante pas et peut rivaliser avec n’importe quel Avengers. Force, durabilité, endurance, réflexes : tout y est, au point de ne plus avoir besoin de manger ou boire ! Tout cela grâce à ses pouvoirs ioniques après que Zemo l’a soumis à un bombardement de rayons. Simon n’est plus vraiment humain alors que sa chair et ses os ont muté. 

Dans la série, Simon est tout aussi puissant, mais ici c’est l’ironie qui prime. Imaginez pouvoir rivaliser avec Thor mais devoir se retenir pour ne pas montrer sa force surhumaine. C’est tout le comico-tragique de la série : voir un demi-dieu stresser pour des choses futiles du quotidien. 

L’antagoniste : Simon Williams contre l’Etat

Si l’histoire sort totalement des sentiers battus, Destin Daniel Cretton devait bien se plier à la règle principale de tous récits de superhéros. Il faut un antagoniste de poids. Cependant, si vous pensez que c’est un conquérant galactique à la Thanos, vous risquez d’être surpris. Ici, l’ennemi ne porte pas de cape, mais une cravate et un col blanc : le DODC (Department of Damage Control). 

Au début, le Damage Control n’était là que pour nettoyer derrière les batailles des Avengers (et ils avaient du boulot). Mais au fil des années, l’organisation a muté. L’Agent Cleary a transformé ce DODC en agence de surveillance qui traque les « individus améliorés » qui pourraient présenter une menace.  Pour cela, ils sont prêts à toutes les manipulations psychologiques les plus crasses.

Considérant Simon Williams comme une bombe nucléaire ambulante, le DODC utilise Trevor Slattery (joué par Ben Kingsley, qui se faisait passer pour le Mandarin dans Iron Man 3 puis dans Shang-Chi). L’agence lui pose un terrible ultimatum : infiltrer la vie de Simon et le trahir ou être jeté dans une cellule de haute sécurité pour le restant de sa vie. L’ennemi ici n’est donc pas un personnage charismatique, mais une surveillance d'État oppressante. 

Comment Wonder Man s’ancre dans le MCU ?

Est-ce que Wonder Man va réussir à réconcilier les sceptiques avec Marvel ? C’est probable. En délaissant les enjeux cosmiques, les capes et les marteaux divins pour laisser place à une satire sociale d’Hollywood, Marvel essaie de prouver qu’il sait encore se renouveler. On entre dans du Meta, une industrie qui se regarde et nous montre ce qu’elle voit.

Finalement, Wonder Man s’emboite assez discrètement dans le MCU. On retrouve le DODC, qui est loin d’être nouveau pour les fans les plus attentifs : on les a déjà vus à l’œuvre dans Spider-Man: Homecoming (2017), Spider-Man: No Way Home (2021) ou Ms. Marvel (2022). Ensuite, Trevor Slattery, personnage historique du MCU, est utilisé ici comme passerelle narrative. Non seulement il permet de relier Simon Williams à l’univers global d’une manière plus concrète, mais son côté menteur pathologique est fort utile pour développer une satire d’Hollywood et du star-system. 

Quelle suite cela laisse présager ? Difficile de répondre, car Wonder Man pourrait poser les jalons de beaucoup d’histoires. Dans les comics, il a des liens très forts avec les X-Men, mais aussi avec les West Coast Avengers. Wonder Man nous rapproche grandement d’Avengers : Doomsday qui devrait sortir en décembre 2026. Sera-t-il présent ? Est-ce que Simon Williams a un plus grand rôle à jouer dans la phase 6 du MCU ? Espérons-le !

Pour le grand public, l’acronyme « EGOT » reste assez méconnu. Et même, avouons-le, carrément cryptique. Mais pour les professionnels de l’industrie du divertissement outre-Atlantique, c’est un club très fermé regroupant de véritables légendes de l’entertainment Made In USA. Mais ne vous fiez pas à la sonorité française : contrairement à ce que l’on pourrait croire, il ne s’agit pas ici de flatter l’ego de ses membres triés sur le volet mais bien une preuve de la qualité de leur carrière sous les feux de la rampe et en coulisses. 

Ça veut dire quoi « EGOT » ?

« EGOT », c’est tout simplement l’acronyme de Emmy (Awards) / Grammy (Awards) / Oscar / Tony (Awards). Soit les trophées majeurs des quatre principaux champs des arts du spectacle : la télévision (Emmy), la musique (Grammy), le cinéma (Oscar) et le théâtre (Tony). Devenir un « EGOT », c’est donc réussir à briller dans ces quatre milieux au cours de sa carrière, au point d’être récompensé par les votante.es de chaque Académie. C’est un peu comme réussir le grand chelem sur les courts de tennis ATP. Et c’est extrêmement rare.

Qui sont les « EGOT » ?

Ainsi, depuis la création des différents prix, seules 28 personnes ont décroché ce Graal artistique dont la paternité de la dénomination appartiendrait à Philip Michael Thomas (le Ricardo Tubbs de la série Deux flics à Miami), qui rêvait d’accrocher les quatre distinctions à son palmarès… sans jamais décrocher une seule nomination. Parmi elles, un talent particulier se distingue : l'auteur-compositeur Robert Lopez est non seulement devenu le plus jeune « EGOT » de l’histoire à 39 ans… mais il a depuis réitéré l’exploit en s’offrant un double « EGOT » !

• EGOT 1962 - Richard Rodgers - compositeur

• EGOT 1977 - Helen Hayes - actrice

• EGOT 1977 - Rita Moreno - actrice et chanteuse

• EGOT 1970 - Barbra Streisand - chanteuse et actrice

• EGOT 1990 - Liza Minnelli - chanteuse et actrice

• EGOT 1991 - John Gielgud - acteur et réalisateur

• EGOT 1994 - Audrey Hepburn - actrice

• EGOT 1995 - Marvin Hamlisch - compositeur

• EGOT 1997 - Jonathan Tunick - compositeur

• EGOT 2001 - Mel Brooks - acteur, scénariste, réalisateur et compositeur

• EGOT 2001 - Mike Nichols - réalisateur et humoriste

• EGOT 2002 - Whoopi Goldberg - actrice, productrice, humoriste et animatrice

• EGOT 2011 - James Earl Jones - acteur

• EGOT 2012 - Scott Rudin - producteur

• EGOT 2014 - Harry Belafonte - acteur et chanteur

• EGOT 2014 - Robert Lopez - auteur-compositeur

• EGOT 2016 - Quincy Jones - auteur-compositeur et producteur

• EGOT 2018 - Andrew Lloyd Webber - compositeur et producteur

• EGOT 2018 - Tim Rice - parolier et producteur

• EGOT 2018 - John Legend - chanteur, compositeur et producteur

• EGOT 2020 - Alan Menken - compositeur et producteur

• EGOT 2022 - Jennifer Hudson - chanteuse, actrice et productrice

• EGOT 2023 - Viola Davis - actrice et productrice

• EGOT 2023 - Frank Marshall - réalisateur et producteur

• EGOT 2024 - Elton John - chanteur, auteur-compositeur et producteur

• EGOT 2024 - Benj Pasek - auteur-compositeur et producteur

• EGOT 2024 - Justin Paul - auteur-compositeur et producteur

• EGOT 2026 - Steven Spielberg - réalisateur et producteur

Pour quelles œuvres Steven Spielberg est-il un « EGOT » ?

À 79 ans, Steven Spielberg est donc le tout dernier « EGOT » à rejoindre cette liste prestigieuse. Il aura fallu au réalisateur-producteur -dont le Jurassic Park vient d’être revisité par une publicité savoureuse pour le SuperBowl- trente-cinq années pour y parvenir, entre son tout premier Emmy en 1991 et son Grammy reçu cette année pour le documentaire consacré à son compositeur-fétiche John Williams, Music by John Williams (2024), dont il assure la production… en compagnie d’un autre complice hollywoodien, Frank Marshall, lui aussi « EGOT » depuis 2023. Voici la liste des prix qui ont permis à Spielberg de réaliser cet exploit :

Emmy Awards

• 1991 - Meilleur programme animé (daytime) - Les Tiny Toons

• 1993 - Meilleur programme animé (daytime) - Les Tiny Toons

• 1996 - Meilleur programme animé (daytime) - Les Animaniacs

• 1996 - Meilleur programme animé (primetime) - Minus et Cortex

• 1997 - Meilleur programme scolaire animé (daytime) - Freakazoid!

• 1997 - Meilleur programme animé (daytime) - Les Animaniacs

• 1999 - Meilleur programme scolaire animé (daytime) - Minus et Cortex

• 2000 - Meilleur programme animé (daytime) - Minus, Elmira et Cortex

• 2002 - Meilleure mini-série (primetime) - Frères d'armes

• 2003 - Meilleure mini-série (primetime) - Disparition

• 2010 - Meilleure mini-série (primetime) - Band of Brothers: L'enfer du Pacifique

Grammy Awards

• 2026 - Meilleur documentaire musical - Music by John Williams

Oscars / Academy Awards

• 1994 - Meilleur film - La liste de Schindler

• 1994 - Meilleur réalisateur - La liste de Schindler

• 1999 - Meilleur réalisateur - Il faut sauver le soldat Ryan

Tony Awards

• 2022 - Meilleure comédie musicale - A Strange Loop

Qui pourraient être les prochains « EGOT » ?

A Hollywood, quelques talents peuvent prétendre à un statut « EGOT » dans les années à venir ! Voici une liste -non exhaustive- de personnes qui ne sont plus qu’à un trophée de la consécration suprême : il manque ainsi un Oscar à Cynthia Erivo, Hugh Jackman, Lin-Manuel Miranda ou encore Trey Parker / Matt Stone (oui, oui, le tandem de South Park !) ; il manque un Grammy à Ellen Burstyn, Jeremy Irons, Jessica Lange, Helen Mirren, Al Pacino ou Geoffrey Rush ; il manque un Tony à Adele, Julie Andrews, Cher, Eminem, Lady Gaga, Martin Scorsese, Kate Winslet et… John Williams. Et si le compositeur, qui fête ses 94 ans le 8 février, finissait par rejoindre son ami Steven Spielberg dans ce Hall of Fame ? L'histoire serait belle, et il lui faut pour cela composer pour les planches. Et gagner.

C'est quand le nouveau Spielberg ?

Voilà plus de trois ans que nous attendons le prochain film de Steven Spielberg, après le bouleversant The Fabelmans (2022). Et ce sera en 2026, avec un retour aux sources extraterrestre réjouissant : Disclosure Day (2026), le quatrième film d'aliens du cinéaste après Rencontres du troisième type (1977), E.T. (1982) et La Guerre des Mondes (2005). « Si vous découvriez que nous ne sommes pas seuls, si quelqu'un vous le montrait, vous le prouvait, cela vous effraierait-il ? », annonce le synopsis officiel, en écho à une bande-annonce énigmatique où Emily Blunt, Josh O'Connor, Colin Firth, Eve Hewson et Colman Domingo -entre autres- sont confrontés à d'étranges phénomènes et une vérité qui pourrait changer la vie de 7 milliards de personnes. Imaginée par Spielberg lui-même et développée par le scénariste David Koepp (Jurassic Park), cette histoire dévoilera ses réponses le 10 juin, inaugurant un été cinéma qui s'annonce spectaculaire.

Plus que quelques jours avant le coup d’envoi du 60ème SuperBowl, la grande finale du championnat de football américain de la NFL. Alors que les New England Patriots et les Seattle Seahawks peaufinent leur préparation et leurs stratégies en vue du match du 9 février au Levi’s Stadium de Santa Clara, les grandes marques commencent à dévoiler leurs publicités prévues pour accompagner l’événement.

Un match… et des pubs !

Cette vague marketing, c’est une tradition communicationnelle très attendue. Profitant de la fenêtre de diffusion de l’événement sportif le plus regardé par les Américains (127 millions de téléspectateurs pour la précédente édition), les marques redoublent de créativité -et de budget- pour livrer LE spot ultime. Celui dont tout le monde parlera. Un match dans le match, en somme. Et ces dernières années, profitant des réseaux sociaux et de Youtube, elles dévoilent leurs productions de plus en plus tôt, bien en amont du SuperBowl, pour générer le plus de vues et faire monter le buzz dans les jours qui précèdent la rencontre.

Le cinéma comme inspiration

Si certains spots restent très traditionnels malgré leur ambition, d’autres ancrent leur message dans la pop culture en convoquant des univers et des stars de cinéma pour proposer des versions alternatives d'œuvres cultes. On se souvient ainsi des retrouvailles savoureuses de Billy Crystal / Harry et Meg Ryan / Sally pour la mayonnaise Hellmann’s, du nouveau Jour sans fin vécu par Billy Murray (et sa marmotte) pour Jeep, de Matthew Broderick rejouant La Folle journée de Ferris Bueller pour Honda, du retour du Docteur Denfer et de ses sbires pour General Motors, de Winona Ryder et Timothée Chalamet réinventant Edward aux mains d’argent pour Cadillac, ou de Bryan Cranston s'amusant avec Shining pour Mountain Dew Zero. De vraies réussites !

Bienvenue Retour à Jurassic Park !

Cette année, Xfinity frappe fort en revisitant Jurassic Park (1993). La société, qui propose des services téléphoniques, connexions haut débit et autres abonnements médias, nous replonge sur Isla Nublar, aux côtés d’Alan Grant, Ellie Sattler et Ian Malcolm. Les comédiens Sam Neill, Laura Dern et Jeff Goldblum reprennent leur rôle pour cette version alternative du film culte de Steven Spielberg, qui imagine comment leur week-end chez les dinosaures aurait pu parfaitement se dérouler si John Hammond (le monsieur qui aime dépense sans compter, sauf sur la maintenance informatique) avait confié à Xfinity la gestion des ordinateurs et du réseau de son parc. « Le Wifi trouve toujours son chemin », comme le lance avec malice le mathématicien au bord de la piscine.

Buffet, piscine et selfie

Si on avait pu voir le parc fonctionner correctement dans la première partie de Jurassic World (2015), avant que l’Indominus, les vélociraptors et d’autres ptérosaures ne s’échappent, on n’a pour ainsi dire jamais vu Jurassic Park proposer à ses visiteurs la prestation premium imaginée par John Hammond. Le spot corrige cela en montrant un lieu paradisiaque, où les clôtures, les grilles et l’éclairage fonctionnent, où l’on aime se détendre au bord de la piscine (à la mosaïque dinosauresque) en grignotant un énorme tas de crevettes au buffet, où on apprécie l’instant selfie avec le T-Rex ou un petit running matinal avec les gallimimus… Jusqu'à un tour en manège tricératops avec Alan Grant, qui « rajeunit de 33 ans » grâce à cette escapade.

Un spot réjouissant

Alors bien sûr, on pourrait reprocher à la publicité Xfinity de verser un peu trop dans l’IA et de proposer des rajeunissements numériques pas tout à fait aboutis (notamment Sam Neill sur la colline qui surplombe le marécage des parasaurolophus et des brachiosaures). Mais quelle bonne idée, qui détourne avec respect et humour un long métrage qui a traversé toutes les générations depuis 1993. J’ai personnellement été profondément marqué par ma première séance en octobre 1993 (au point de tout dater dans ma vie « avant ou après JP », véridique !), j’ai grandi avec le film, et j’aurais adoré avoir cette idée géniale : « Et si on imaginait que tout avait fonctionné, ça donnerait quoi ? ». Voir cette réalité parallèle prendre vie est sincèrement réjouissant. Encore plus avec les stars originales… qui font ainsi oublier leurs retrouvailles quelque peu ratées dans Jurassic World : le monde d’après (2022).

Alors qu’Hollywood reste absorbée par la course aux Oscars, les premiers festivals de 2026 ont également commencé, offrant un premier aperçu des nouveaux films du circuit dont on parlera au cours de l’année. Même si le titre de premier grand festival est généralement attribué à Sundance, celui-ci demeure assez niche et principalement axé sur le cinéma indépendant américain. C’est donc plutôt avec la Berlinale que commence, chez nous, en Europe, la saison des festivals.

200 films au programme Wim Wenders au Jury

Cette année, la 76ème édition du Festival International du Film de Berlin se déroulera du 12 au 22 février 2026. Parmi les plus de 200 films qui composent sa programmation, 22 titres concourent pour le très prestigieux Ours d’or. Le jury de cette édition est présidé par le grand réalisateur Wim Wenders, et compte parmi ses membres Min Bahadur Bham, Bae Doona, Shivendra Singh Dungarpur, Reinaldo Marcus Green, HIKARI et Ewa Puszczyńska.

Avec une programmation particulièrement variée, allant d’œuvres expérimentales aux films et séries grand public, la Berlinale s’adresse à des audiences très diverses. Dans ce guide Justwatch, j’ai regroupé huit films qui, avant même d’être dévoilés au public, ont déjà suscité un fort retentissement et que j’ai, moi aussi, hâte de découvrir.

L’arrivée des films berlinois dans l’Hexagone prenant généralement plus de temps que celle des films cannois, il est possible que certains d’entre eux ne soient visibles qu’au cours de la seconde moitié de 2026. Voire plus tard.

At the Sea (2026)

À partir des années 2000, le cinéaste hongrois Kornél Mundruczó s’est imposé comme un habitué de la sélection cannoise. On a surtout retenu White God (2014), qui a remporté le prix Un Certain Regard, tandis que La Lune de Jupiter (2017), qui lui a succédé, a été relativement mal accueilli. Les deux films suivants du cinéaste -Pieces of a Woman (2020) et Evolution (2021)- ont, d’une certaine manière, été victimes de la pandémie.

Malgré un casting prestigieux réunissant Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Sarah Snook et Benny Safdie, Pieces of a Woman n’a pas réussi à laisser une impression durable auprès du public. Après cinq ans d’absence, il n’est pas surprenant que certains cinéphiles l’aient quelque peu oublié, mais avec At the Sea (2026), on espère qu’il saura raviver les mémoires.

Pour ce nouveau film présenté en compétition, le réalisateur collabore à nouveau avec sa femme Kata Wéber à l’écriture du scénario. Selon le synopsis, le récit suit Laura, qui séjourne dans un centre de réhabilitation à la suite d’un accident lié à l’alcool, avant de retourner dans la maison familiale située au bord de la mer. On peut ainsi s’attendre à un drame psychologique proche de Pieces of a Woman, mais davantage orienté vers les thèmes de la guérison et de la confrontation. Côté casting, Amy Adams incarne Laura, entourée de Murray Bartlett, Chloe East, Brett Goldstein, Dan Levy, Jenny Slate et Rainn Wilson.

Josephine (2026)

Si vous avez un peu suivi le festival de Sundance, vous avez probablement entendu parler de Josephine (2026), réalisé par la cinéaste américaine Beth de Araújo. Le film a fait pas mal de bruit la semaine dernière, puisqu’il y a remporté à la fois le Grand Prix du Jury dans la compétition dramatique et le Prix du public. Ce doublé est à retenir, car les deux derniers films à avoir reçu ces honneurs étaient Minari (2020) et CODA (2021), ce qui constitue d’ores et déjà un fort présage en vue des Oscars 2027.

Josephine est le deuxième long-métrage de la réalisatrice, après un premier thriller psychologique produit sous l’égide de Jason Blum et de sa société Blumhouse Productions. D’après le synopsis, le film se concentre sur une fillette de huit ans qui est témoin d’un viol alors qu’elle jouait dans le parc de Golden Gate, à San Francisco, avec son père. Cet événement traumatique, malgré tous les soutiens affectifs qui l’entourent, bouleverse complètement la vie de la jeune fille, qui devient à son tour très violente envers les autres.

Selon la critique, Beth de Araújo adopte une approche frontale sur le plan dramatique, tout en restant subtile dans le traitement des émotions. La jeune actrice Mason Reeves interprète Josephine dans son tout premier rôle. Channing Tatum, qui incarne le père, est unanimement salué pour une performance qualifiée comme la meilleure de sa carrière, tandis que celle de Gemma Chan -connue notamment pour Les Éternels (2021)-  dans le rôle de la mère ne manque pas non plus d’éloges. Au vu de ce fort engouement festivalier, il y a de grandes chances que Josephine reparte également de la Berlinale avec un prix important.

Rosebush Pruning (2026)

Au cours des deux dernières décennies, l’œuvre du réalisateur brésilien Karim Aïnouz a été mise en avant dans de nombreux festivals -à Venise, Cannes et Berlin, entre autres. Or, en comparaison avec ses compatriotes Walter Salles ou Kleber Mendonça Filho, les films d’Aïnouz n’ont jamais été autant sous le feu des projecteurs, comme en témoigne notamment l’accueil peu favorable réservé à ses deux derniers films, Le Jeu de la reine (2023) et Motel Destino (2024). Mais ces déceptions critiques ne semblent pas avoir découragé le réalisateur, puisque son nouveau film s’annonce encore plus ambitieux.

En lice pour l’Ours d’Or, Rosebush Pruning (2026) est décrit comme étant librement inspiré de Les Poings dans les poches (1965) de Marco Bellocchio. Au scénario, on retrouve un nom pour le moins intrigant : Efthimis Filippou, jusqu’alors surtout connu pour avoir coécrit plusieurs films de Yorgos Lanthimos. À la lumière de l’œuvre de ce dernier, il est certain qu’on ne manquera pas d’une satire bien tranchante -d’autant plus qu’à la lecture du pitch, les échos thématiques à Canine (2009) se font pleinement sentir.

Le synopsis révèle que le film est centré sur des frères et sœurs -Jack, Ed, Anna et Robert- qui vivent dans une ville espagnole avec leur père aveugle et profitent de leur fortune de manière insolente. Leur équilibre intime est brisé lorsque Jack décide d’emménager avec sa petite amie, Martha, tandis qu’Ed révèle la véritable cause de la mort de leur mère. Probablement appuyé sur un récit choral, le casting donne particulièrement envie de découvrir le film : Riley Keough, Callum Turner, Elle Fanning, Jamie Bell, Tracy Letts et Pamela Anderson devraient y livrer des performances à la fois inventives et décalées.

Dao (2026)

Le réalisateur franco-sénégalais Alain Gomis se distingue comme l’une des voix les plus singulières du cinéma d’auteur contemporain. Certes relativement peu connu en comparaison de certains grands noms, son œuvre, qui aborde la question de l’identité à la fois à travers la sphère intime et le milieu social, constitue une force politique indispensable dans le contexte d’un cinéma postcolonial.

Gomis est un habitué de la Berlinale depuis son troisième long métrage, Aujourd’hui (2013). Son quatrième film, Félicité (2016), y a d’ailleurs reçu le Grand Prix du Jury. Si, du côté de la fiction, les dix années écoulées depuis son dernier long métrage peuvent sembler particulièrement longues, le réalisateur s’est néanmoins fait remarquer avec Rewind & Play (2022), un documentaire d’archives sur Thelonious Monk présenté à la section Forum et qui cherchait à exposer les mécanismes cachés du racisme.

Son nouveau film, Dao (2026), qui sera présenté en compétition, met au centre Gloria, qui, avec peu d’intervalle, fait marier sa fille en banlieue parisienne et participe à une commémoration en hommage à son père décédé en Guinée-Bissau. Selon les informations communiquées jusqu’à présent, le récit du film semble jouer avec les tensions entre passé et présent, ainsi qu’entre forme documentaire et fiction. Avec une durée de 185 minutes, Dao est l’un des films les plus ambitieux de la compétition. Heureusement, sa sortie est prévue pour le 29 avril : on ne tardera donc pas à découvrir de quoi il retourne !

À voix basse (2026)

La réalisatrice tunisienne Leyla Bouzid est également en lice cette année à la Berlinale avec son troisième long métrage, À voix basse (2026). Dans son premier film, À peine j’ouvre les yeux (2015), elle signait, au cœur d’une révolution à l’horizon, le portrait d’une jeune femme assumant sa quête de liberté à travers la musique et la politique, en conflit avec les attentes de sa mère. Son deuxième film, Une histoire d’amour et de désir (2021) -comme son titre l’indique- proposait un récit sensoriel autour de la relation entre deux étudiants : l’un issu de la banlieue parisienne, l’autre fraîchement arrivée de Tunisie.

Bouzid est une cinéaste très attentive à la confrontation entre identité personnelle et traditions ou mœurs qui la façonnent, mais aussi à celles auxquelles elle résiste. Dans À voix basse, l’histoire de Lilia, qui rentre en Tunisie pour les funérailles de son oncle et se retrouve confrontée aux secrets de sa famille, semble nourrie par ces mêmes thématiques. On a surtout hâte de découvrir les performances d’Eya Bouteraa (potentielle révélation César 2027 ?) et de Hiam Abbass. À noter : la sortie du film est déjà annoncée pour le 22 avril !

The Blood Countess (2026)

Nous avons vraiment de la chance que l’une des figures les plus emblématiques de l’avant-garde allemande soit encore vivante et qu’à l’âge de 83 ans, elle nous honore d’un nouveau film. Bien évidemment, il s’agit d’Ulrike Ottinger, dont le très attendu The Blood Countess (2026) sera présenté dans la section Berlinale Special Gala.

Le film s’inspire d’un personnage historique réel, Élisabeth Báthory, comtesse hongroise que l’on croyait meurtrière en série et que l’on surnommait « Comtesse Dracula ». Ottinger s’empare donc de ce mythe vampirique avec la participation scénaristique de la grande écrivaine Elfriede Jelinek, et le transforme en un récit excentrique et mystérieux, avec les paysages urbains de Vienne en toile de fond.

L’aspect le plus excitant du film est que la comtesse est interprétée par Isabelle Huppert, LA reine du cinéma français. Selon le synopsis, la comtesse revient du monde souterrain pour retrouver l’élixir rouge de la vie, accompagnée de sa fidèle servante. Mais sa quête risque d’être perturbée par son neveu végétarien, son psychothérapeute, deux vampirologues et un inspecteur de police !

On sait qu’Ottinger est une artiste polyvalente, et ses films combinent souvent des éléments formels issus de diverses expressions artistiques -qu’il s’agisse du théâtre ou des arts visuels- leur conférant une plasticité très singulière. Nul doute que le mélange des genres -mystère, comédie et fantastique- que promet The Blood Countess sera également à la hauteur de la vision artistique que la réalisatrice n’a cessé de réinventer depuis plus de soixante ans.

Good Luck, Have Fun, Don’t Die! (2025)

De temps à autre, et beaucoup plus souvent ces derniers temps, les réseaux sociaux font surgir des séquences ou des images des trois premiers films de Pirates des Caraïbes, et une synergie se produit : des centaines d’utilisateurs saluent de concert le génie de Gore Verbinski. En réalité, depuis les aventures de Jack Sparrow, la carrière du réalisateur n’a pas vraiment connu de nouveaux sommets, à l’exception peut-être de son avant-dernier film, A Cure for Life (2016). 

Après une absence d’une décennie sur le grand écran, le retour de Verbinski avec Good Luck, Have Fun, Don’t Die! (2025) semble s’annoncer beaucoup plus prometteur, et certainement au-delà d’un simple objet de curiosité découlant de notre nostalgie cinéphile. Écrit par le réalisateur et scénariste Matthew Robinson, le film a déjà fait sa première mondiale à Fantastic Fest en septembre, mais c’est surtout après sa première internationale à la Berlinale, dans la section Special Gala, qu’il pourra réellement toucher des audiences plus variées. D’après le résumé, on y découvrira une satire sociale anti-IA, à travers l’histoire d’un homme venu du futur pour empêcher une catastrophe causée par l’intelligence artificielle.

Certains commentaires décrivent le film comme une version décalée et sci-fi de Un jour sans fin (1993), tandis que d’autres évoquent une tonalité exubérante proche de Everything Everywhere All at Once (2022). Avec Sam Rockwell dans le rôle de l’homme du futur, entouré de Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz et Juno Temple, le casting donne lui aussi très envie de découvrir le film.

The Moment (2026)

Peut-on dire que l’on va bientôt entrer dans « l’hiver de brat » ? En tout cas, c’est ce qui semble s’annoncer avec The Moment (2026), le faux documentaire signé Aidan Zamiri, consacré à l’icône de l’électro-pop Charli xcx et qui, après sa première à Sundance, sera présenté en compétition dans la section Panorama de la Berlinale.

Ceux et celles qui sont un peu familiers avec l’artiste connaissent sans doute déjà sa cinéphilie -son usage actif de Letterboxd ou encore ses micro-commentaires postés sur TikTok- mais à partir de 2025, elle s’est également mise à s’investir devant la caméra. D’abord avec son rôle dans Erupcja (2025) de Pete Ohs, pour lequel elle est aussi créditée comme scénariste et productrice. À partir de là, il devient difficile de l’arrêter : en 2026, elle sera à l’affiche de quatre films !

Parmi ces quatre projets, The Moment semble être celui qui se rapproche le plus d’elle-même et dans lequel elle s’est le plus impliquée, là encore en tant que productrice et scénariste. Charli xcx y incarne une version fictive d’elle-même, alors qu’elle prépare la tournée mondiale de son album sensationnel brat en 2024. La bande-annonce, dévoilée il y a quelque temps, laisse déjà entrevoir -non sans humour- les coulisses chaotiques d’une industrie musicale cherchant à rentabiliser chaque geste artistique à tout prix, où l’authenticité devient elle-même un produit.

Au-delà de la musicienne, le film bénéficie d’un casting bien fourni. On y retrouve notamment Rosanna Arquette et Alexander Skarsgård, qui interprètent des personnages fictifs, mais aussi plusieurs personnalités proches de Charli xcx -Rachel Sennott, Julia Fox ou encore Kylie Jenner- apparaissant sous des versions fictionnalisées d’elles-mêmes. Le film est distribué par A24 aux États-Unis ; reste à voir s’il suscitera suffisamment d’intérêt pour espérer une sortie en France.

L’univers de Game of Thrones n’a pas fini de déployer ses ailes (de dragon). Après le succès de House of the Dragon (2022-), HBO Max explore une nouvelle facette de Westeros avec A Knight of Seven Kingdoms (2026-), une série très attendue par les fans de l’univers moyenâgeux de George R.R. Martin.

Moins spectaculaire, mais baignant les téléspectateurs dans le même univers à succès, la série se laisse regarder avec plaisir, en attendant la saison 3 de House of the Dragon. Dans cette série inédite, pas de grandes batailles entre dragons ni de luttes pour le Trône de fer à chaque épisode : A Knight of the Seven Kingdoms s’intéresse à une période plus calme de l’histoire des Sept Couronnes, en mettant en avant des personnages modestes et une vision plus intime de la chevalerie. JustWatch vous parle de cette manière complémentaire de raconter Westeros.

De quoi parle « A Knight of the Seven Kingdoms » ?

Adaptée des Tales of Dunk and Egg, un ensemble de romans courts écrits par George R.R. Martin, A Knight of the Seven Kingdoms suit Ser Duncan le Grand, un chevalier errant sans nom ni fortune, et son jeune écuyer Egg/Œuf, un garçon intelligent et audacieux dont l’identité réelle s’avère bien plus importante qu’attendue.

Le héros errant est interprété par Peter Claffey, un acteur irlandais et joueur de rugby à XV qui avait déjà fait ses armes devant une caméra avec de courtes apparitions dans la saison 3 de Vikings : Valhalla (2022-2024). Son écuyer a quant à lui une jolie expérience pour son âge : il a joué dans Hunger Games : La Ballade du serpent et de l’oiseau chanteur (2023) et The Midwich Cuckoos (2022).

Le duo chevalier/écuyer voyage à Westeros, la série racontant le quotidien des routes, des tournois et des petits conflits locaux, bien loin des salles de Port-Réal, Winterfell ou Peyredragon. Ici, c’est la chevalerie à hauteur d’homme, avec ses idéaux et ses contradictions dans un monde où l’honneur ne garantit jamais la survie. 

Où se situe le spin-off dans la franchise ?

Sur le plan chronologique, A Knight of the Seven Kingdoms se déroule environ 90 ans avant les événements de Game of Thrones (2011-2019) et plusieurs décennies après House of the Dragon. Donc pour regarder dans l’ordre chronologique les trois séries de la franchise, il faut commencer par House of the Dragon, enchaîner avec A Knight of the Seven Kingdoms et finir en (sanglante) beauté par Game of Thrones.

Dans cette nouvelle série, l’époque est celle où les Targaryen, toujours sur le Trône de Fer, ont vu leur puissance s'affaiblir : les dragons ont disparu et le royaume traverse une période de relative stabilité, sans guerre généralisée ni menace surnaturelle imminente. Une accalmie apparente qui permet d’explorer Westeros sous un autre angle, en montrant comment les grandes décisions du passé continuent d’influencer la vie quotidienne.

Cette ère intermédiaire s’avère donc moins spectaculaire que les deux autres époques que les fans connaissent bien, mais semble être un maillon essentiel pour comprendre l’évolution du continent. Elle montre un monde en transition, où l’héritage des grandes guerres passées continue de peser sur les générations suivantes, sans pour autant dominer chaque aspect du quotidien. 

Une autre façon de raconter Westeros

Avec A Knight of the Seven Kingdoms, HBO Max fait le choix d’un récit plus intime, presque initiatique. Là où Game of Thrones racontait la chute et l’ascension des grandes maisons à travers des intrigues politiques complexes, cette série met un coup de projecteur sur des figures secondaires, qui vivent dans l’ombre des plus puissants.

Ce changement de focale permet d’enrichir l’univers sans l’alourdir. En se concentrant sur des trajectoires individuelles, la série approfondit les thèmes chers à George R.R. Martin (l’honneur, la loyauté, la justice), tout en offrant un rythme plus accessible. Pour les fans de longue date, c’est une plongée précieuse dans une période souvent évoquée mais rarement montrée. Pour les nouveaux venus, c’est une porte d’entrée plus accessible vers Westeros, avant — ou après — de se confronter aux grandes sagas de la franchise.

« Debout les campeurs et haut les cœurs ! » Si ces mots résonnent à vos oreilles -et avec eux la chanson I Got You Babe de Sonny & Cher-, c’est que vous avez vu et revu Un jour sans fin (1993). Comme moi. Comme beaucoup de gens, dont certains voient dans la comédie culte… un film d’horreur ! En ce 2 février, Jour de la Marmotte, pour JustWatch, je fais le point sur cette analyse certes originale mais pas tout à fait dénuée de sens.

C’est quoi « Un jour sans fin » ?

Il était une fois l’histoire de Phil Connors, un présentateur météo grincheux, méprisant et arrogant, envoyé comme chaque année dans la petite ville de Punxsutawney en Pennsylvanie, pour mettre en boîte son reportage annuel consacré au Jour de la Marmotte (ou Groundhog Day, le titre original du film). Devant la ville émerveillée, un rongeur est sorti de sa boîte et, selon son attitude, on en déduit si l’hiver durera ou pas. Phil déteste cette cérémonie, ne rêve que de repartir, mais se retrouve coincé dans une boucle temporelle qui l’amène à revivre encore et encore cette journée de festivités.

Pour beaucoup, dont je fais partie, Un jour sans fin s’inscrit dans la courte liste des films parfaits. L’interprétation de Bill Murray, l’ambiance douillette d’un conte de Noël, la répétition générée à l’infini dans les rues de la ville, l’arc narratif de ce anti-héros qui va découvrir le sens de la vie tel un Scrooge télévisuel (que l’acteur avait déjà incarné dans Fantômes en fêtes, 1988)... Tout s’imbrique pour former une partition exemplaire, inscrite notamment au National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès des Etats-Unis pour son importance culturelle.

Et même si le film n’a été -à sa sortie- qu’un succès d’estime (70 millions de dollars au box-office US, 521 000 entrées en France), il fait désormais partie des « refs » cinéphiles incontournables… et des plus grands films de tous les temps, comme Les Évadés (1994) dont le destin sera similaire l’année suivante. Et surtout LE long métrage emblématique du sous-genre du « film de boucle temporelle ». D'ailleurs, preuve de son aura et de sa qualité, Un jour sans fin n’a jamais été refait, remaké, rebooté… Un cas rare à l’heure où Hollywood aime remouliner ses succès passés.

Une comédie… ou un film d’horreur ?

Parler « d’horreur » quand on évoque Un jour sans fin pourrait faire légitimement vous faire tiquer. Après tout, cette journée est quand même loin de la boucle-slasher de Happy Birthdead (2017) ou de l’invasion extraterrestre qui se répète de Edge of Tomorrow (2014). Mais il est intéressant, déjà, de savoir que le film a vu se confronter trois visions. Si le réalisateur Harold Ramis a emmené l’histoire vers la comédie, son interprète Bill Murray (ingérable sur le tournage, il coupera les ponts avec le cinéaste pendant vingt ans par la suite) souhaitait lui donner une dimension plus subversive alors que le scénariste Danny Rubin voulait en faire un conte beaucoup plus sombre, quasiment désespéré, avec un héros piégé 10 000 ans dans cette journée.

L’écriture elle-même a été nourrie par les grandes étapes du deuil, identifiées par la psychiatre Elisabeth Kübler-Ross : le déni, la colère, le marchandage, la dépression et enfin l’acceptation. Autant d’états par lequel passe Phil Connors au fil du récit, au point même, à un moment du film, d’enchaîner les suicides pour tenter d’échapper à cet enfer « marmottien ». Le montage, évidemment, rend cette répétition morbide hilarante. Mais si l’aventure dure pour nous 1h41mn, elle s’étale en réalité pour lui pendant plus de 30 ans à revivre le 2 février. Et c’est là, en réalité, qu’on touche à l’horreur.

La boucle temporelle comme horreur existentielle

Phil Connors est coincé. Dans une prison sans barreau, sans fenêtre, sans échappatoire. Quoi qu’il fasse, il reviendra inévitablement à son point de départ, sous sa couette de la charmante pension tenue par Madame Lancaster. Il sera réveillé chaque matin par I Got You Babe et ces deux sympathiques animateurs radio qui enchaînent les jeux de mots faciles. Il croisera les mêmes personnes, dont l’assureur envahissant Ned Ryerson (Stephen Tobolowsky). Même la mort ne peut l’empêcher de retrouver les mêmes événements, les mêmes conversations, les mêmes personnes « bloquées » dans cette journée de leur vie, comme les PNJ d'une bourgade enneigée.

Ce que traverse Phil, c'est un cauchemar éveillé. Une torture psychologique. Un enfer quotidien lancé par la sonnerie d’un réveil à qui il ne peut échapper. Ce qui était autrefois sympathique, au pire un peu gênant, devient à la longue insupportable. J'exagère ? Vous avez forcément déjà vécu cette situation où vous expliquez quelque chose à quelqu’un, qui finit par oublier le propos ou par refaire la même erreur sur laquelle vous l'aviez alerté. C’est déjà un peu horripilant. Alors imaginez vivre ça avec tout le monde, jour après jour. Il y a eu Sisyphe et son rocher poussé, il y a eu Prométhée et son foie dévoré… et il y a Phil Connors et sa journée de la marmotte répétée telle un purgatoire éternel. « L'enfer, c'est les autres », comme disait Jean-Paul Sartre.

La solitude et la folie

Au-delà de cette répétition usante, abrutissante même, il y a la solitude. Phil est seul dans un monde figé, et ne peut par définition, nouer aucune relation avec quiconque puisque tout sera effacé et à refaire le lendemain. Alors bien sûr, cela permet de trouver quelques astuces de séduction, comme cette conquête d’un de plusieurs soirs dont il finit par maîtriser les leviers émotionnels pour la ramener dans son lit (on verse d'ailleurs ici dans quelque chose très proche de la prédation). Mais au-delà de ce plaisir physique, manipulateur et égotique, Phil reste seul, sans personne pour évoluer avec lui ni le comprendre. Le monde devient un décor, et Phil un être perdu comme une valise qui tournerait en boucle sur un tapis roulant d’aéroport, sans destination.

C’est aussi ce qui provoque -avant une acceptation salutaire qui va faire de Phil un véritable génie multidisciplinaire omniscient et bienveillant- sa plongée dans la folie. 12 000 jours à revivre continuellement la même chose, il y a de quoi légitimement perdre la raison. Et le segment sombre du long métrage montre d’ailleurs un personnage en plein désespoir, qui veut juste que ce grand manège injuste et arbitraire s’arrête. S’il y avait une issue -spoiler alert, il finira par en trouver une-, même mortifère, le cauchemar pourrait cesser. Mais il reprend encore et encore, porté par cette idée terrifiante et vertigineuse que cela pourrait durer pour toujours. « L'éternité c'est long, surtout vers la fin », comme disait Franz Kafka.

L’angoisse et le malaise

Pour toutes ces raisons, Un jour sans fin est assurément angoissant. Du moins, il peut aisément provoquer un vrai sentiment de malaise chez le spectateur, que les rires amenés par Harold Ramis et le visage défait de Bill Murray -qui est quand même l'acteur parfait pour ce rôle avec sa tête de chien battu- viennent tenter d’exorciser. L’humour et l’absurde pour contrer la détresse d’un « faux bonheur » immuable, qui semble tout droit sorti de La Quatrième Dimension (1959-1964) ou d'un épisode de Black Mirror (2011-).

Mais au-delà du cinéma, est-ce que ce n'est pas le miroir tendu qui est effrayant ? Il nous interroge, déjà, sur ce que nous ferions nous-mêmes d’un tel « pouvoir » : sans lendemain, il n’y a plus de conséquences ; et sans conséquences, la seule limite devient notre propre morale, apte à vaciller dans un monde sans issue et infini. Et puis surtout, face aux biais anxiogènes du monde contemporain (la routine, le quotidien qui se répète, la stagnation de la vie autour de soi.), il nous incite à nous réveiller. A l’image de Phil, qui devient pianiste émérite et sculpteur sur glace, qui se réinvente sauveur et bienfaiteur, Un jour sans fin rappelle que ce sont nos choix qui dictent nos vies. « Pas de destin, mais ce que nous faisons », comme disait Sarah Connor.

Le point commun entre l’univers connecté de Gourou (2026) et le monde post-apocalyptique de 28 ans plus tard : le temps des morts (2026) ? Deux personnages de leaders influents, capables d'ôter tout libre-arbitre à celles et ceux qui, aveuglés par leur aura, sont prêt.es à les suivre dans leurs philosophies, au point de passer à l’acte.

La figure du gourou ou du cult leader a régulièrement influencé le grand écran, nous livrant des personnages certes fascinants, mais souvent inquiétants. Voire carrément dangereux. JustWatch vous propose une sélection de quelques grandes figures oratoires imaginées par la fiction, qu’on adore regarder (et détester ?). Nous ne traiterons donc pas ici de documentaires ou de longs métrages adaptés de figures réelles.

Sir Lord Jimmy Crystal - 28 ans plus tard : le temple des morts (100 mots minimum)

Il était apparu de manière rapide -prophétique ?- dans 28 ans plus tard (2025) : Sir Lord Jimmy Crystal est au centre de la suite, Le Temple des morts (2026). Cheveux peroxydés, chaînes en or, survêtement : le personnage campé par Jack O'Connell (qui livre une nouvelle performance majeure après Sinners) se revendique comme le fils et héritier de Satan, et mène sa bande de Jimmys à travers la campagne infectée pour faire acte de « charité » en torturant celles et ceux qui ont le malheur de croiser leur chemin. A ce titre, la séquence de la grange où une famille est dépecée vivante est très perturbante. On ne sait jamais si Sir Lord Jimmy Crystal croit vraiment être l’Antéchrist ou s’il adopte ce mécanisme de protection pour assurer sa survie ; en revanche, je sais qu’il est terrifiant, notamment dans sa capacité à faire commettre à son groupe emperruqué les pires atrocités au nom de « Old Nick » et... des Télétubbies.

Lancaster Dodd - The Master (2012)

Cinq ans après There Will Be Blood (2007), où il explore déjà une figure charismatique, flamboyante et écrasante, Paul Thomas Anderson dévoile The Master (2012) centré sur la rencontre entre un vétéran traumatisé par la guerre (Joaquin Phoenix) et le leader d’un mouvement baptisé La Cause (Philip Seymour Hoffman). Le film, qui est le préféré de « PTA » au sein de sa propre filmographie, est exigeant dans son rythme et sa narration. Troublant aussi, parce qu’il refuse le manichéisme et s’attache à explorer ls mécanismes de « processing », de pression psychologique, d’isolement, de fatigue mentale, d’emprise et de dépendance au guide. Inspiré de Ron Hubbard, le fondateur de la scientologie, Lancaster Dodd est une figure marquante qui interroge le spectateur, justement parce que le film refuse de trancher sur sa vraie nature. C’est ce qui fait tout son intérêt d’ailleurs. 

Mola Ram - Indiana Jones et le Temple Maudit (1984)

Toute personne qui a grandi dans les années 80 devant les aventures d’Indiana Jones a été traumatisée par Mola Ram, leader de la secte Thuggee, adoratrice de la déesse Kali dans Le Temple Maudit. Campé par l'impressionnant Amrish Puri, acteur légendaire du cinéma indien, le personnage a laissé un souvenir mémorable lors de la séquence du sacrifice, arrachant à main nue le cœur d’un malheureux (maintenu en vie grâce à la magie noire) avant de le plonger dans la lave rougeoyante. Grâce à l’intensité machiavélique de son interprétation (c’est LE méchant préféré du réalisateur Steven Spielberg) !, le long métrage est assurément le plus sombre de la franchise, avec scènes sacrificielles rougeoyantes, esclavage d’enfants, lavage de cerveau d’Indy et séquence acrobatique sur un pont suspendu au-dessus des crocodiles.

Thulsa Doom - Conan le barbare (1995)

J’ai toujours été hanté par la performance de James Earl Jones dans Conan le barbare (1982). Que ce soit lors de l’attaque sur le village du futur guerrier campé par Arnold Schwarzenegger, durant cette séquence où il invite avec une grande délicatesse une disciple à se jeter dans le vide ou pendant la scène de cérémonie/orgie, le comédien joue Thulsa Doom avec un calme total, une voix grave et posée, un regard hypnotique et des gestes contrôlés. Quelque chose de très reptilien, finalement, qui fait écho au culte du dieu-serpent Seth dont il est le gourou suprême. Également sorcier, le personnage peut se métamorphoser en reptile géant (voilà un autre moment qui m’a vraiment marqué !) et se distingue par l’emprise totale qu’il exerce sur ses fidèles, qui s’abandonnent totalement à lui et à sa volonté. « L'acier n'a aucune force mon garçon, la chair est plus forte » lance t-il au Cimmérien, démontrant sa toute-puissance dans le contrôle d’une foi aveugle.

Tyler Durden - Fight Club (1999)

La première règle du Fight Club (1999), c’est de ne pas parler du Fight Club. Ni de Tyler Durden, son cofondateur et leader charismatique incarné par Brad Pitt. Aussi magnétique qu’inquiétant, le comédien donne vie à cette figure d’anarchie et de chaos, qui va d’abord libérer ses membres dans des pugilats clandestins et anonymes, avant de les embarquer, en bons « Space Monkeys », dans son « Project Mayhem » qui vise à détruire la société de consommation. Révolutionnaire flamboyant et manipulateur, Tyler utilise les questionnements modernes sur la masculinité, la frustration sociale et économique et la perte de repères pour annihiler toute individualité chez ses disciples et transformer un discours radical en idéologie totalitaire. Le film, bien sûr, dénonce tout cela en sous-texte. Mais David Fincher a constaté et regretté que le propos ait été détourné et même retourné… On ne peut qu'être, hélas, d'accord avec ce constat.

Rose the Hat - Doctor Sleep (2019)

Doctor Sleep (2019), la suite de Shining (1980) m’a marqué pour deux raisons. La reconstitution de l’Hôtel Overlook dont Ewan McGregor arpente les pièces et les couloirs un an après le magnifique clin d'œil de Spielberg à Kubrick dans Ready Player One (2018). Et la mise à mort prolongée (et glaçante) d’un enfant par les vampires psychiques menés par Rose the Hat (Rebecca Ferguson). Son groupe de marginaux, baptisé « Nœud Vrai », forme une communauté itinérante à la recherche d’enfants possédant eux aussi le Shining : en les torturant durant de longues minutes, ils peuvent alors se nourrir -avec délectation- de ce pouvoir pour ralentir leur vieillissement et prolonger leur vie. Rose est la plus puissante de ces goules impitoyables, et dirige sa communauté prédatrice avec un mélange d'amour maternel et de calcul froid, qui rend tous les membres dépendants de ses décisions. Une secte surnaturelle, donc, mais une secte, assurément. Comme dans Le Maître des illusions (1995).

Paul Atreides - Dune (2001-2026)

A la sortie de Dune : Première Partie (2021) et Dune : Deuxième Partie (2024), celles et ceux qui ne connaissaient pas l’œuvre de Frank Herbert ont sans doute vu dans le personnage campé par Timothée Chalamet une sorte de Luke Skywalker moderne (même si le roman est sorti avant Star Wars, je suis d’accord). Pourtant, alors qu’il embrasse son statut d’élu, Paul Atreides, désormais vu comme le « Lisan al-Gaib », va mener une croisade politique et religieuse intersidérale, sous la bannière de la Maison dont il a hérité de son père le Duc Leto. La vision d’une bataille, livrée dans le premier film, montrait comment le jeune homme contemplait avec froideur ses disciples déferler sur l’univers. Le cri de guerre lancé par Stilgar (Javier Bardem) à la toute fin du deuxième volet en donnait justement le coup d’envoi. Et c’est sur cette toute-puissance messianique, manipulée dans l’ombre par sa mère Dame Jessica devenue révérende-mère des Fremen (tiens, encore Rebecca Ferguson !), que le récit d’Herbert nous alerte. Cet arc passionnant, que Denis Villeneuve conclura dans Dune : Troisième Partie le 16 décembre prochain lors du Dunesday, changera assurément le regard du public sur son « héros ». De la même manière que sa chère Chani (Zendaya) le voit désormais autrement.

Immortan Joe - Mad Max : Fury Road (2015)

« Soyez témoins !!! » C’est sur ce cri, les dents étincelantes grâce à un spray chromé, que les War Boys d’Immortan Joe se jettent dans la bataille de Mad Max : Fury Road (2015), prêts à mourir pour celui qui leur a promis une chevauchée éternelle sur les routes du Valhalla. Dans l’univers post-apocalyptique imaginé par George Miller, ce personnage masqué est un ancien chef militaire devenu despote, où il contrôle l’eau depuis les hauteurs de sa Citadelle. A la fois dieu vivant, chef de guerre et père spirituel de cette armée de jeunes hommes fanatisés depuis l’enfance, il utilise leur loyauté aveugle et sa mainmise sur les ressources pour dominer la région qu’il se partage avec le People Eater (John Howard) et le Bullet Farmer (Richard Carter). Comme toute figure érigée en divinité, il est néanmoins très fragile, lui qui glorifie la mort en façade quand, en coulisses, il exploite un harem pour obtenir une descendance viable. Pour l’anecdote, le personnage est incarné à l’écran par Hugh Keays-Byrne, qui campait le motard Toecutter dans le tout premier Mad Max (1979).

Voldemort - Harry Potter (2001-2011)

On l’oublie, mais dans le Wizarding World de J.K. Rowling, les Mangemorts s’apparentent à une secte. Toutefois, dans l’univers de la saga Harry Potter (2011-2011), pas de prisme spirituel (quoique, la magie noire pourrait être vue comme une religion) mais une croyance idéologique et politique qui vise à instaurer le pouvoir absolu pour les sorciers de sang pur. Et à célébrer le pouvoir de leur chef, « celui dont on ne doit pas prononcer le nom » alias « vous-savez-qui » alias le Seigneur des Ténèbres alias Lord Voldemort. Sous les traits reptiliens d’un Ralph Fiennes méconnaissable, le mage aime étaler sa toute-puissance à des disciples soumis (gare à celui ou celle qui ne rirait pas à une tirade du Maître ou qui refuserait une mission !) : en mêlant aura, intimidation, promesse, contrôle, charisme et image quasi-divine, il attire à lui ses partisans et exploite leurs faiblesses et leurs ambitions pour les fidéliser sous sa marque des ténèbres.

Le Colonel Kurtz - Apocalypse Now (1979)

« L’horreur… L’horreur… » Marlon Brando n’apparaît qu’une quinzaine de minutes dans Apocalypse Now (1979). Pourtant, son personnage, l’énigmatique et mythique Colonel Kurz, hante tout le long métrage de Francis Ford Coppola alors que le Capitaine Willard (Martin Sheen) se voit confier par sa hiérarchie la mission de remonter au coeur des ténèbres vietnamiennes et cambodgiennes pour retrouver cet officier renégat et l’éliminer. Vénéré par ses soldats (américains et locaux) soumis à sa volonté et son idéologie, à l’image du photographe de guerre campé par Dennis Hopper, Kurtz vit dans un temple en pleine jungle, décoré des têtes tranchées et des corps pendus ou crucifiés de ses ennemis, où il professe sa vision. Entre le gourou et le poète guerrier, c’est une figure majeure du cinéma. Et de cette liste.

Lord Summerisle - Wicker Man (1973)

Oubliez le Wicker Man (2006) emmené par Nicolas Cage ! Avant ce monument du nanar WTF qui a fait le bonheur des premiers memes à la fin des années 2000, il y a eu The Wicker Man (1973) de Robin Hardy, figure de proue du sous-genre du folk-horror où l’on retrouve également Midsommar (2019), The Witch (2015) ou Les Démons du maïs (1984). Et au centre du film, il y a la figure charismatique de Christopher Lee, chef politique et religieux d’une petite île isolée qui se livre à des rituels païens (et sacrificiels) pour assurer la prospérité de la communauté. Débarqué sur l’archipel pour tenter de retrouver une jeune femme disparue, un policier va plonger au coeur de la folie fanatique de Summerisle, dont le quotidien est bercé par les croyances et les rites collectifs organisés depuis des générations par la famille du maître des lieux. Avec des masques animaliers VRAIMENT dérangeants.

Mathieu Vasseur - Gourou (2026)

Gourou (2026) est né d’une idée et d’une envie de Pierre Niney d’explorer l’une de ces figures d’influence, alors que les coachs et autres motivateurs autoproclamés profitent de l’essor des réseaux sociaux pour prodiguer leurs conseils, développer leur communauté et monnayer ensuite des séances one-to-one ou des séminaires de groupe. Où s’arrête l’accompagnement et où commence la manipulation ? C’est la question que creuse le troisième long métrage porté par le comédien et le réalisateur Yann Gozlan (après Un homme idéal et Boîte noire) qui, s’il se perd un peu dans plusieurs sous-intrigues, réussit à capter l’électricité, l’énergie et la frénésie des séances collectives, où la foule s’abandonne à ce gourou si inspirant. Avec notamment trois moments très forts : la confession d’Anthony Bajon (toujours aussi juste), le face-à-face avec une journaliste incognito et la démission d’un participant par téléphone. Des scènes puissantes. 

Et aussi…

• Julian Karswell (Niall MacGinnis) - Rendez-vous avec la peur (1957)

• Roman et Minnie Castevet (Sidney Blackmer et Ruth Gordon) - Rosemary’s baby (1968)

• Night Slasher (Brian Thompson) - Cobra (1985)

• Sal (Tilda Swinton) - La Plage (2000)

• Patrick (John Hawkes) - Martha Marcy May Marlene (2011)

• Abin Cooper (Michael Parks) - Red State (2011)

• Maggie (Brit Marling) - Sound of My Voice (2011)

• Hal (Tate Ellington) - The Endless (2017)

• Jeremiah Sand (Linus Roache) - Mandy (2018)

• Miss Novak (Mia Wasikowska) - Club Zero (2023)

Chers lecteurs, chères lectrices, la saison des bals est officiellement ouverte !  Et c’est à Benedict (Luke Thompson) et Sophie (Yerin Ha) que nous le devons (« Benophie », pour les intimes). Cette semaine, nous avons enfin retrouvé les Bridgerton, presque deux ans après la saison 3, le mariage de Colin et Pénélope, la révélation de l'identité de Lady Whistledown et le départ de Kate et Anthony pour l'Inde.

La première partie de la saison 4 de La Chronique des Bridgerton (2021-) s’achève bien évidemment sur un cliffhanger qui rendra l’attente jusqu'au 26 février encore plus insupportable, puisque beaucoup de questions sont laissées sans réponse par Netflix à ce stade. Pour Justwatch, je vous ai donc préparé un petit récapitulatif des enjeux essentiels laissés en suspens à la fin de l’épisode 4, intitulé L’offre d’un gentleman.  

1. Sophie va-t-elle finalement accepter la proposition de Benedict ?

Lors de la fameuse « scène des escaliers », Benedict et Sophie franchissent un pas décisif et beaucoup plus intime dans leur relation. La jeune femme a même droit à une déclaration épique et romanesque comme seuls les frères Bridgerton savent le faire. Benedict promet à Sophie de lui offrir une vie merveilleuse et bien plus encore… avant de tout gâcher en lui demandant de devenir sa maîtresse. Dès lors, le charme est rompu et les classes sociales sont plus apparentes que jamais.

Jess Brownell, la showrunneuse de la série, a récemment clarifié que pour la jeune femme, il n’y aurait pas pire situation que de devenir la maîtresse de Benedict. En effet, étant elle-même issue d’une union similaire, elle refuse de reproduire le schéma et de faire subir une vie similaire à la sienne à ses propres enfants, s’ils devaient en avoir. 

Même si cette proposition était la seule option qu’avait un aristocrate dans cette situation, la deuxième partie nous montrera enfin si Benedict a le courage de voir au- delà des classes sociales. Et surtout de s’engager sur le long terme, ce qui a toujours été son point faible. 

D’ailleurs, si vous avez bien observé, cette scène se déroule dans les escaliers entre la cuisine des domestiques et les chambres de la famille : une belle métaphore traduisant le conflit de classes que les deux personnages doivent affronter, mais qui représente également le statut que Benedict propose à Sophie d’adopter.

2. Que signifie l'arrivée d’Araminta à Grosvenor Square ? 

À la fin de la première partie, Lady Araminta Gun (Katie Leung), la belle-mère de Sophie, emménage à Grosvenor Square, devenant ainsi une voisine directe des Bridgerton. C’est d’ailleurs Mrs. Varley (Lorraine Ashbourne), l’ancienne intendante des Featherington qui accueille les Penwood dans leur nouvelle demeure.

L'arrivée d’Araminta (qui semble décidée à gâcher la vie de sa belle-fille) dans le voisinage n’augure rien de bon pour Sophie, qui a gardé une grande partie de son identité secrète. Se pourrait-il que Mrs. Varley joue un rôle décisif dans cette affaire ? Pourrait-elle agir comme une « espionne » qui partagerait aux Bridgerton et aux Featheringhton les plans d’Araminta ? Une chose est sûre : dans l’univers Bridgerton, rien n’est laissé au hasard !

3. Quel futur pour Francesca et John après l'arrivée de Michaela ?

Francesca (Hannah Dodd) et John (Victor Alli) ont vu apparaître quelques difficultés dans leur vie intime, même s’ils ont toujours été les plus « calmes » et les plus sereins de tous les couples. Dans une interview avec Deadline, Jess Brownell a expliqué que ces problèmes étaient avant tout là pour montrer que Francesca ne se connait pas du tout. Et bien qu'elle soit déjà une épouse, elle a encore beaucoup de choses à apprendre sur elle-même.

Par ailleurs, même si le couple est réellement amoureux, l'arrivée de Michaela (Masali Baduza), la cousine de John, va encore un peu plus semer le doute dans l’esprit de la jeune mariée, qui semble très éprise de la nouvelle venue. Lors du Today Show, Hannah Dodd révélait que nous allions bientôt en découvrir plus sur la relation des deux femmes, et notamment sur les événements durant leur séjour en Ecosse. 

4. Lady Violet et Lord Danbury vont-ils officialiser les choses ?  

S’il y a bien un personnage qui mérite le bonheur par-dessus tout, c'est Lady Violet (Ruth Gemmell). La matriarche de la famille s’est toujours pliée en quatre pour le bonheur de ses enfants et n’a que très rarement pensé à elle depuis la mort de son mari, Edmund. D’ailleurs, elle ne s’est jamais autorisée à rencontrer quelqu'un d'autre tant elle a été marquée par la perte de l’amour de sa vie.

Mais depuis la saison 3, il est évident que Lady Violet a développé des sentiments, ou du moins une attirance pour Lord Danbury (Cyril Nri). Les deux amis s’avouent enfin leurs sentiments dans L’offre d’un gentleman, et ils passent la nuit ensemble en secret, grâce à l’aide de la femme de chambre de Lady Violet. Vont-ils officialiser les choses dans la seconde partie de la saison ? Un mariage est-il à prévoir ? Les enfants seront-ils mis au courant ? J'espère vraiment qu’on aura de bonnes nouvelles en ce qui concerne Violet dans la suite de cette saison !

5. Kate et Anthony vont-ils faire leur grand retour ?  

Benedict a temporairement pris la place de son frère, Anthony (Jonathan Bailey), en ce qui concerne ses devoirs de Vicomte. Et il est plus qu'évident que le cadet ne se sent ni comblé, ni épanoui par ses nouvelles responsabilités. Il serait donc grand temps que « Kanthony » rentrent d’Inde !

C’est justement ce que Jess Brownell a récemment teasé dans une interview en annonçant que les fans allaient enfin revoir le couple dans la seconde partie. De plus, la scénariste a annoncé que les deux personnages auraient un rôle décisif à jouer au sein de leur famille de par leur statut social, mais également en aidant et en conseillant la fratrie.

6. Quel avenir pour Lady Whistledown ? 

Pénélope (Nicola Coughlan) a acquis un nouveau statut en épousant un Bridgerton, mais c’est surtout le fait que son identité secrète ait été révélée dans la saison précédente qui fait d’elle -en théorie- quelqu’un d’encore plus puissant qu'auparavant. En effet, Lady Whistledown est maintenant proche de la Reine, mais sa liberté et son omnipotence résidaient avant tout dans son anonymat.

La Reine attend maintenant d’elle qu’elle continue à rendre compte de tous les potins de la société… mais à quel prix, puisque son indépendance est désormais remise en question ? Dans une interview, Jess Brownell a annoncé que Pénélope allait devoir décider du nouveau rôle de Whistledown. Et surtout de quelle façon elle allait utiliser ce nouveau pouvoir et sa voix.

Maintenant que les nominations aux Oscars ont été dévoilées, les cinéphiles sont à leur tour entrés en lice pour tenter les meilleurs pronostics en vue de la cérémonie, qui se tiendra le 16 mars 2026. Nommé dans 16 catégories -un record dans l’histoire de l’Académie- Sinners (2025), de Ryan Coogler, semble dominer cette 98ᵉ édition.

Reste à savoir si ce record se traduira réellement en récompenses. Selon les experts, et surtout d’après mon propre goût et mon jugement de cinéphile, Paul Thomas Anderson pourrait bien sortir grand vainqueur de la cérémonie et, espérons-le, remporter les prix. « Un prix après l’autre », pour ainsi dire !

Signé « PTA »

Une bataille après l’autre (2025) est le dixième long métrage du cinéaste américain qui, malgré une carrière couvrant trois décennies, est connu pour une filmographie modeste en apparence mais monumentale dans son rendu. Longtemps célébré par les adeptes du cinéma indépendant américain, le cinéma de « PTA », en vertu de sa radicalité postmoderne, était généralement tenu à l’écart de noms comme Nolan, Villeneuve ou Tarantino — des cinéastes associés à ce que l’on appelle aujourd’hui la culture « filmbro ».

Or, Une bataille après l’autre (2025) apparaît comme un véritable bond vers le cinéma mainstream : en étant l’un des films les plus accessibles de son œuvre, il marque un moment où la renommée du cinéaste dépasse désormais le cadre purement cinéphile.

Vous venez découvrir son cinéma avec Une bataille après l’autre, et êtes curieux-se d’en explorer davantage ? Alors vous êtes à la bonne adresse. Avec ce guide JustWatch qui regroupe les cinq œuvres les plus distinctives de sa filmographie, vous pouvez choisir les films en phase avec vos goûts et éviter de mauvaises surprises !

Boogie Nights (1997)

Tourné alors qu’il n’avait à peine 26 ans, le deuxième long métrage de Paul Thomas Anderson (après Double Mise, 1997) est le film qui a véritablement lancé sa carrière et manifesté une vraie touche d’auteur. Flamboyant, excessif et divertissant, Boogie Nights (1997) raconte l’histoire du jeune Eddie Adams qui, alors qu’il travaille dans une boîte de nuit comme plongeur, est repéré par un réalisateur de films pornographiques, Jack Horner, et devient une superstar de l’industrie sous le nom de « Dirk Diggler ».

De la fin des années soixante-dix jusqu’au milieu des années quatre-vingt, le film dépeint avant tout un paysage social et culturel, ancré dans la San Fernando Valley natale du cinéaste. Caractérisé par un récit choral, très riche en personnages excentriques, Boogie Nights s’inscrit clairement dans la lignée du cinéma de Robert Altman, rappelant en particulier Nashville (1975). 

Eddie est campé par un très jeune et encore vert Mark Wahlberg, tandis que le vétéran Burt Reynolds -qui a supposément détesté le film- interprète Jack Horner. Le casting est complété par un ensemble copieux de talents hollywoodiens, avec Julianne Moore, Don Cheadle, Philip Seymour Hoffman, John C. Reilly et Alfred Molina, pour n’en citer que quelques-uns.  

There Will Be Blood (2007)

Après une période « altmanesque », suivie d’une comédie sensorielle beaucoup plus modeste par son ampleur (Punch-Drunk Love, 2002), Paul Thomas Anderson franchit un nouveau cap dans sa carrière en réalisant l’un des plus grands films épiques modernes du cinéma américain. There Will Be Blood (2007) est considéré par beaucoup comme le chef-d’œuvre de sa filmographie, même s’il existe, bien sûr, des exceptions parmi les fans du cinéaste. Comme moi, d’ailleurs… mais j’y viendrai !

Librement inspiré du roman Pétrole ! d’Upton Sinclair, le film prend pour contexte historique le boom pétrolier en Californie au tournant du 20ème siècle et construit son récit autour de la rivalité entre le prospecteur ambitieux Daniel Plainview et Eli Sunday, un pasteur non moins obsessionnel dont Plainview cherche à acquérir la propriété. D’un rythme volontairement pesant, ce film-fresque interroge les défaillances de valeurs telles que la moralité, la famille et la religion, progressivement dévorées par le rêve américain et le système capitaliste.

Certes, cette attention très appuyée portée à l’histoire, à l’économie et aux questions morales n’est pas du goût de tout le monde, et le film peut paraître énigmatique, voire ennuyeux, à celles et ceux qui ne sont pas particulièrement sensibles à ces sujets. En revanche, c’est un véritable délice en ce qui concerne les performances des acteurs. À commencer par le légendaire Daniel Day-Lewis, au sommet de sa fameuse Method Acting, qui lui a valu l’Oscar du Meilleur Acteur en 2008. Dans le rôle d’Eli Sunday -et de son frère jumeau Paul- Paul Dano incarne avec finesse la dimension à la fois tragique et grotesque de son personnage, que Quentin Tarantino a récemment osé contester par des propos disproportionnés et injustes.

The Master (2012)

La démarche artistique du cinéaste peut être résumée à une sorte de psychanalyse de l’histoire des États-Unis et, dans son sixième long métrage, il s’attaque à la période de l’après-guerre. Dans The Master (2012), on ressent également une prolifération de références thématiques, issues d’influences diverses, qui transforment presque le film en casse-tête intertextuel.

Au premier abord, nous suivons l’histoire de Freddie Quell, un ex-soldat alcoolique traumatisé par la guerre, qui cherche à retrouver un nouveau sens à sa vie après sa rencontre avec Lancaster Dodd, leader captivant d’un mouvement spirituel. À travers une dynamique très décalée et poussée à l’extrême entre le maître et le disciple, le cinéaste explore les questions de l’autorité, de l’identité et de la croyance. De la Scientologie à Thomas Pynchon, les inspirations d’Anderson marquent un tournant beaucoup plus abstrait et postmoderne dans son cinéma. Même si There Will Be Blood présente une certaine lourdeur sur le plan thématique, c’est plutôt l’aspect elliptique du récit qui peut le rendre difficile à digérer pour certains spectateurs.

Mais en même temps, malgré toutes les confusions qu’il peut susciter, les performances de ses acteurs principaux à elles seules devraient suffire à donner envie de regarder The Master. Joaquin Phoenix, dans la peau de Freddie Quell -rôle qui a exigé de lui un jeu reposant fortement sur la physicalité, préfigurant d’ailleurs certains de ses rôles ultérieurs, notamment chez Ari Aster ou encore dans Joker (2019)- hante le cadre par son énergie chaotique et imprévisible.

Philip Seymour Hoffman, quant à lui, livre sa performance la plus emblématique et incarne une figure paternelle à la fois magnétique et manipulatrice avec une maîtrise impressionnante. Le cinéma de « PTA » n’a jamais manqué d’interprétations singulières, mais ici, ce que Phoenix et Hoffman ont créé procure, selon moi, un plaisir de spectateur inégalé. Un avis rare, certes, mais encore plus intense que celui que Daniel Day-Lewis suscite dans There Will Be Blood.

Inherent Vice (2014)

Adapté du livre éponyme de Thomas Pynchon -l’une des grandes sources d’inspiration d’Anderson, on l’a bien vu-  Inherent Vice (2014) est peut-être le film le plus « andersonien » de sa filmographie, ce qui en fait paradoxalement le plus inaccessible. Disons-le d’emblée : si vous n’avez jamais vu un film de « PTA », il ne faut surtout pas commencer par celui-ci, car il peut en résulter, comme chez ses personnages, de terribles bad trips. 

Au cœur du film, on retrouve Larry « Doc » Sportello, sollicité par son ex-petite amie pour l’aider à sauver son nouvel amant fortuné d’un complot orchestré par la femme de ce dernier. À mesure que Doc approfondit son enquête, il se retrouve confronté à toute une chaîne de conspirations où se mêlent le FBI et une organisation de trafic de drogue appelée le Golden Fang. Reste à dire qu’aucun résumé ne peut réellement faire justice au film lui-même.

Interprété par Joaquin Phoenix, qui défie ici ses propres limites en matière de performance, le personnage de Doc constitue l’ancrage narratif du film. Avec sa rouflaquette, ses joints et son allure atypique aux accents hippies, Anderson l’érige au rang des figures emblématiques du genre noir, à l’image de Philip Marlowe.

Même si la démarche du cinéaste ne se réduit pas aux films d’époque, Inherent Vice s’empare pleinement de l’esprit psychédélique des années soixante-dix à Los Angeles et transforme sa narration en une expérience déroutante, proche de l’hallucination. Vous pouvez penser que j’exagère, mais le caractère conspirationnel de l’intrigue dissipe progressivement toute attente de cohérence sur le plan du sens et incite le spectateur à simplement « enjoy the ride » !

Phantom Thread (2017)

Phantom Thread (2017) marque un autre tournant dans le parcours du cinéaste, puisqu’il quitte pour la première fois ses territoires familiaux américains pour raconter une histoire se déroulant dans le Londres des années cinquante. Il s’agit également du film le plus sensoriel et formellement le plus maîtrisé de son œuvre, notamment en lien avec le monde de la haute couture dans lequel il se situe.

Daniel Day-Lewis y incarne Reynolds Woodcock, un couturier renommé, très talentueux mais perfectionniste, à un niveau obsessionnel. Sa rencontre avec Alma, une jeune serveuse, transforme totalement sa vie : elle devient sa muse, mais leur amour passionnel évolue progressivement vers une co-dépendance toxique et des jeux d’autorité.

Le cinéma de « PTA » est riche en personnages toujours poussés aux extrêmes, atypiques voire grotesques, mais très peu d’entre eux sont dessinés avec la complexité et la profondeur psychologique de Reynolds et Alma. L’élégance, mais aussi le côté maniaque du jeu de Lewis, n’a rien d’irréprochable, mais la véritable vedette du film est incontestablement Vicky Krieps, dont l’énergie, la beauté et l’intelligence apportent une fraîcheur bienvenue à l’univers andersonien.

Phantom Thread est aussi, pour ainsi dire, son film le plus féminin, ses œuvres précédentes se concentrant sans exception sur des personnages masculins. En raison de son ancrage géographique et social, ainsi que de sa tonalité esthétique, Phantom Thread reste un peu à part dans sa filmographie. Mais la postérité du film auprès des cinéphiles prouve qu’il s’agit d’une œuvre majeure, au-delà de l’univers caractéristique de son cinéaste.

Une révolution culturelle est-elle en train d’opérer en silence ?  Cette crainte est légitime et vous l’aurez très certainement expérimentée sans même vous en rendre compte. De quoi parle-t-on ? De ce que les Américains appellent le « Visual Muzak », une expression qui concentre une sacrée dose d’angoisse pour la cinéphile et la sériephile que je suis…

Derrière cette expression se cache une réalité de consommation : regarder tellement distraitement les films et séries, qu’ils pourraient être adaptés à cette écoute de plus en plus flottante. Horreur, malheur. Est-ce que notre attention de plus en plus diluée entre nos différents appareils électroniques pourrait coûter à l’industrie du cinéma et de l'audiovisuel sa qualité ? Pour JustWatch, je fais le point pour vous. 

Le « Visual Muzak », c’est quoi exactement ?

Avant d’être « Visual », le mot « Muzak » tout seul a eu une vie. En musique, le « Muzak » désigne la musique d’ascenseur fade, omniprésente, pensée non pour être écoutée mais pour combler le vide. On la trouve aussi dans les supermarchés, dans les aéroports ou dans les restaurants à service rapide !

Pour la petite histoire, Muzak vient du nom de la société Muzak Holdings, pionnière dans ce domaine. Pour arriver à la définition de ce que nous attendons, il suffit alors de penser à son équivalent visuel. Et paf : le « Visual Muzak » est en train de redéfinir nos pratiques aussi sûrement que le « Muzak » occupe nos oreilles de manière passive. 

Donc oui, le « Visual Muzak » a bien sûr à voir avec notre passivité : il s’agit des images et vidéos que nous consommons sans réellement les regarder. Elles tournent en arrière-plan pendant que nous scrollons sur notre téléphone, répondons aux messages, travaillons sur notre ordinateur ou - dans une attitude plus « verticale »- cuisinons ou faisons le ménage. Le « Visual Muzak », c’est la façon que l’on a de regarder d’un œil du contenu à la télévision. Que retenons-nous alors de ce que nous ne percevons que comme du flux ?

Pourquoi le streaming est en danger

Vous l’aurez compris, le « Visual Muzak » est peut-être en train de redéfinir les codes de fabrication de nos fictions et nos documentaires en voulant s’adapter aux nouveaux usages des consommateurs. Les plateformes, les chaînes, obsédées par le temps de visionnage, adaptent leurs contenus : récits simplifiés, dialogues sur-explicatifs (Matt Damon, dans des propos qui ont fait le tour des réseaux au moment de la sortie de The Rip, explique comment une intrigue doit désormais être rappelée verbalement à plusieurs reprises au cours du récit), intrigues peu exigeantes, formats immédiatement compréhensibles. 

Le risque est double pour nos productions chéries. D’un côté, on s’expose à ne voir que des œuvres pensées pour être « consommables » plutôt que regardées. De l’autre, le public, en s’habituant à une expérience appauvrie, pourrait perdre de son engagement émotionnel quand il visionne une œuvre. Or, pour l’instant, le modèle économique du streaming repose sur l’attachement : aux arènes proposées, aux personnages qui y gravitent et aux récits qui les animent. Quelle angoisse d’imaginer que les prochaines œuvres ne seront réduites qu’à un bruit de fond ! Et dans le pire des scénarios, le « Visual Muzak » pourrait scier la branche sur laquelle le streaming est assis.

Reprendre conscience de nos usages

Loin de moi l’idée de condamner le smartphone (la cuisine et le vernissage des ongles en ce qui me concerne) ni même le streaming. Mais il serait temps de prendre conscience que nous sommes peut-être en train de perdre notre capacité d’attention, notre capacité à regarder vraiment. À être pleinement présents devant une œuvre en acceptant qu’un film ou une série exige du temps, de l’attention, voire même - en ces temps de contenus très courts - des efforts ! 

Les plateformes sont-elles en train de demander à leurs scénaristes de simplifier les dialogues et d’enlever les nuances pour « parler » aux spectateurs plus facilement ? Les usagers doivent faire savoir que leur exigence n’a pas changé, et même que le public, de plus en plus expert en fictions et documentaires, veut être challengé, secoué, dérangé. Et surtout ne pas se contenter d’une télévision d’ambiance. Alors, on s’installe confortablement dans notre canapé, on pose l’ordi, le portable, on garde la tasse de thé, le plaid et le chat… et on ouvre grands les yeux, sur un seul écran !

Avis à tous les fans de séries d’époque et particulièrement de romances historiques : 2026 va être une année riche en émotions ! La première partie de la quatrième saison des Chroniques de Bridgerton, centrée sur le couple Benedict / Sophie, a d'ailleurs ouvert les festivités ce jeudi 29 janvier sur Netflix dans une ambiance bal masquée.

Ces prochains mois marqueront également le clap de fin de certains de vos shows historiques préférés… ou leur grand retour. Ils apporteront également un vent de renouveau avec de toutes nouvelles séries historiques originales, et peut-être même que l’une d’entre elles deviendra votre prochaine obsession streaming.

Pour Justwatch, je vous ai préparé un petit guide des séries d'époque et romances historiques les plus attendues de 2026. Demandez le programme !

La Chronique des Bridgerton, saison 4 - disponible sur Netflix

Lady Whistledown est ENFIN de retour en ce début d'année 2026 et elle vous apprendra tout ce que vous devez savoir sur la haute société londonienne depuis le mariage de Colin et Pénélope dans la saison 3 de La Chronique des Bridgerton (2021-). Cette fois-ci, c’est le frère que je préfère, Benedict, qui a le droit à sa propre histoire d’amour. La première partie, disponible sur Netflix depuis hier, sera suivie d’une deuxième salve d’épisodes le 22 février.

Lors d’un bal masqué organisé par sa mère, Benedict rencontre une mystérieuse jeune femme qui s’enfuira avant de lui avoir donné son nom, en ne laissant rien d’autre qu’un gant blanc derrière elle. Benedict n’a dès lors qu’une seule idée en tête, retrouver sa belle inconnue par tous les moyens. C’est alors qu’un soir, il vient en aide à Sophie, une domestique à laquelle il propose de venir travailler au sein de la maison Bridgerton. Bals masqués, quiproquos et amours interdits s’invitent dans cette nouvelle saison aux allures de véritable conte de fées, emmenée par Luke Thompson Luke, Yerin Ha et Katie Leung.

Outlander, saison 8 - sur Netflix le 7 mars 2026

Comme je vous le disais précédemment, les fans d’Outlander (dont je fais partie) s'apprêtent à dire au revoir à Claire et Jamie : la huitième saison de ce qui est, pour moi, l’une des meilleures séries historiques de ces dernières années, sera bel et bien la dernière. Après douze ans d'aventures épiques et romanesques (soit une vie toute entière pour nos deux personnages), nous nous apprêtons à retrouver le couple iconique sur nos écrans, une dernière fois.  

Si l'intrigue de cette ultime saison est gardée relativement secrète, la bande-annonce nous apporte tout de même quelques indices quant au destin des Frasers. Alors que la révolution américaine bat son plein, Jamie apprend qu’il va mourir au combat, laissant Claire dans un désespoir immense, le suppliant de ne pas y aller. Le sort du couple semble plus incertain que jamais… Préparez les mouchoirs !

The Forsytes - Prochainement

Si vous êtes fans de Downton Abbey (2010-2015) ou de The Gilded Age (2022-), j’ai trouvé trouvé votre prochaine obsession : The Forsytes (2025-), une série basée sur les romans de John Galsworthy qui a déjà été adaptée pour la télévision par deux fois auparavant. Cette fois-ci, nous pouvons nous attendre à un remake peut-être un peu plus moderne, voire plus explicite dans le traitement de certains sujets abordés.

Dans cette mini-série de 6 épisodes, nous suivrons les péripéties d’une famille d'aristocrates à la fin de l'époque victorienne à Londres. Si vous avez autant hâte que moi de la découvrir, sachez qu’une deuxième saison est d’ores et déjà en production ! Il manque juste un diffuseur français : avis aux chaînes et aux plateformes !

L’Autre Sœur Bennet - Prochainement 

2025 a été une année importante pour les fans de Jane Austen : du 250ème anniversaire de l'écrivaine au 20ème anniversaire d'Orgueil et préjugés (2005), les célébrations étaient au rendez-vous. Mais cette année, de nouvelles adaptations dérivées de l'œuvre de la romancière anglaise auront aussi le droit au traitement du petit écran, tout comme L’Autre Sœur Bennet (2026-), une nouvelle série produite par la BBC.

Basée sur le roman de Janice Hadlow, l’histoire se concentre sur Marie Bennet, l'une des cinq sœurs de la famille Bennet d'Orgueil et Préjugés. Mary est sans aucun doute la moins considérée de la famille, alors si comme moi, vous vous êtes toujours demandé si elle avait fini par trouver le bonheur ou à s'émanciper de ses parents, L’autre Soeur Bennet est une série faite pour vous. 

Orgueil et Préjugés - Prochainement sur Netflix 

Je vous en parlais il y a quelques semaines, Netflix est en train d'adapter Orgueil et Préjugés (2026-) en série. Cette œuvre incontournable de la littérature anglaise a déjà fait l’objet de nombreuses adaptations au cinéma comme à la télévision. Elizabeth Bennet, qui n’a jamais vraiment prêté attention au mariage (ou en tout cas, au mariage sans amour), rencontre un soir de bal, le fier et mystérieux Mr. Darcy.

Malgré leurs différences, les malentendus et les idées préconçues qu’ils ont l’un de l’autre, l'amour pourrait bien se frayer un chemin entre eux. J’ai personnellement très hâte de découvrir ce que nous réserve cette distribution incroyable incluant Emma Corrin (Lizzie Bennet), Jack Lowden (Mr. Darcy) et Olivia Colman (Mrs. Bennet) !

Young Sherlock - sur Prime Video le 4 mars 2026  

On change complètement de registre pour cette fois parler d’une autre figure phare de la littérature anglaise : Sherlock Holmes. Guy Ritchie, le réalisateur des films Sherlock Holmes (2009) et Sherlock Holmes: Jeux d’ombres (2011), revisite cette fois une itération bien plus jeune du célèbre détective anglais. Hero Fiennes, Joseph Fiennes et Colin Firth font partie du casting très prometteur de cette nouvelle série.

Young Sherlock (2026-) se concentre sur la jeunesse du personnage légendaire, alors qu’il est encore étudiant à Oxford. Comme le tease la bande-annonce, le détective en herbe rencontrera même son futur plus grand ennemi, James Moriarty. Cette version n'aura, semble-t-il, aucun rapport avec les deux films mettant en scène Robert Downey Jr. et Jude Law, même si on retrouvera quand même le côté bagarreur et provocateur de la version de l'interprète d’Iron Man. Après tout, c’est une série signée Guy Ritchie ! 

Le Renard : Prince des voleurs, saison 2 - sur Disney+ le 10 février 2026

Si vous aviez adoré la première saison de Renard : Prince des voleurs (2023-) et que vous attendiez désespérément la suite, il vous faudra encore un tout petit peu de patience (à peine quinze jours)avant de retrouver vos personnages préférés après plus de deux ans d’attente. Et pour celles et ceux qui avaient loupé cette pépite australienne passée relativement inaperçue à sa sortie, il est encore temps de découvrir la première saison sur Disney+. 

Le Renard, ici incarné par Thomas Brodie-Sangster, est l’un des personnages principaux d’Oliver Twist de Charles Dickens. La série se déroule des années après les événements du roman, et on retrouve donc Jack Dawkins, dit « Le Renard », devenu un médecin respecté de Port Victory en Australie. Malheureusement pour lui, Fagin, un autre personnage essentiel du roman de Dickens, réapparaît dans la vie du jeune homme et pourrait bien tout chambouler. D’autant plus que Jack va tomber amoureux de la fille du gouverneur, Lady Belle Fox...

Qui succèdera à Emilia Pérez (2024), Meilleur film de la 50e cérémonie des César ? L'Académie des arts et techniques du cinéma vient de dévoiler les oeuvres et talents en lice pour l’édition 2026, qui se tiendra le 26 février (la date a été avancée d'une journée), sous la Présidence de Camille Cottin et la supervision de Benjamin Lavernhe, chef d’orchestre de En fanfare (2024) intronisé maître de cérémonie cette année.

Un seul lauréat est connu à ce jour : Jim Carrey, qui recevra le César d'honneur sur la scène de L'Olympia. En attendant le reste du palmarès, JustWatch vous accompagne dans vos séances de rattrapage et vous dit où et comment revoir les longs métrages retenus par les 4 955 votant.es de l’Académie. Le meilleur du cinéma français vous attend ci-dessous !

Nouvelle Vague (10 nominations) - actuellement au cinéma

Quand le cinéma français célèbre… le plus célèbre des films français grâce à un réalisateur américain (vous suivez ?). Comme son titre l’indique, Nouvelle Vague (2025) nous plonge à la toute fin des années 50, à Paris, alors que le 7e Art va être bouleversé à jamais par l’arrivée d’une nouvelle génération de cinéastes et d'une révolution dans la manière de tourner. Dans un exercice de style réjouissant, Richard Linklater raconte la création et le tournage de À bout de souffle (1960) dans le style et l’esprit de Godard tournant À bout de souffle. Le nouveau venu Guillaume Marbeck, qui se glisse dans la peau du cinéaste, a été plébiscité par l’Académie, tout comme la reconstitution globale du long métrage, en lice pour 10 César dont ceux du Meilleur film et de la Meilleure réalisation.

Nominations :

• Meilleur film

• Meilleure réalisation - Richard Linklater

• Meilleur espoir masculin - Guillaume Marbeck

• Meilleur scénario original

• Meilleure photographie

• Meilleurs costumes

• Meilleurs décors

• Meilleur son

• Meilleur montage

• Meilleur effets visuels

Dossier 137 (8 nominations) - actuellement au cinéma

Il y a trois ans, La Nuit du 12 (2022) avait été une claque de noirceur, saluée par 6 César. Dominik Moll est revenu avec Dossier 137 (2025), exploration glaciale, méthodique, procédurale même, d’une enquête menée par la police des polices après un incident impliquant les forces de l’ordre survenu dans le cadre d’une manifestation. Léa Drucker, prise entre les versions, les pressions et les résistances institutionnelles, est impeccable en anti-héroïne attachée au devoir de vérité. Si Nouvelle Vague pourra sans doute briller au palmarès pour ses qualités techniques et sa dimension cinéphile, Dossier 137, par son réalisme, son approche méthodique et son écho sociétal et politique, est un candidat majeur au César du Meilleur film.

Nominations :

• Meilleur film

• Meilleure réalisation - Dominik Moll

• Meilleure actrice - Léa Drucker

• Meilleur scénario original

• Meilleure photographie

• Meilleur son

• Meilleur montage

• Meilleure musique originale - Olivier Marguerit

L’Attachement (8 nominations) - disponible sur CANAL+ et en VOD

Révélée avec La Tête de maman (2007) et Du vent dans mes mollets (2012), Carine Tardieu a brillé avec L’Attachement, qui lui vaut son plus gros succès en salles (près de 780 000 entrées). La réalisatrice a aussi beaucoup ému en adaptant le roman L’intimité d’Alice Ferney, l’histoire d’une quinquagénaire farouchement indépendante qui s’attache aux enfants de son voisin de palier, jeune veuf dévasté par la mort de sa femme. Le long métrage, sobre, juste et bouleversant, pourrait valoir à Valeria Bruni Tedeschi un deuxième César, 22 ans après sa statuette du Meilleur espoir pour Les Gens normaux n'ont rien d'exceptionnel (1993). Et marquer le premier trophée de Pio Marmaï, lui qui s’est privé de sommeil pour capturer l’émotion à fleur de peau de son personnage.

Nominations :

• Meilleur film

• Meilleure réalisation - Carine Tardieu

• Meilleure actrice - Valeria Bruni Tedeschi

• Meilleur acteur - Pio Marmaï

• Meilleure actrice dans un second rôle - Vimala Pons

• Meilleure adaptation

• Meilleure photographie

• Meilleur montage

L'Inconnu de la Grande Arche (8 nominations) - actuellement au cinéma

Un film sur la création du monument emblématique de La Défense, sans star à l’affiche, au cœur des années 80 : L’Inconnu de la Grande Arche (2025) est un vrai pari de cinéma. Et un pari réussi pour Stéphane Demoustier (La Fille au bracelet, 2020), qui adapte le roman de Laurence Cossé en s’attachant à suivre l’architecte danois propulsé à la tête de ce chantier pharaonique. Outre les grandes qualités d’interprétation (quatre comédiens nommés, dont Claes Bang, révélé par The Square et le Dracula de Netflix), le film brille par sa reconstitution de l’époque, en utilisant les effets visuels pour intégrer les prises de vues dans des images d’archives. Si le César de cette catégorie s'adresserait, normalement, à des films plus « démonstratifs », il pourrait bien venir saluer cette proposition.

Nominations :

• Meilleure réalisation - Stéphane Demoustier

• Meilleur acteur - Claes Bang

• Meilleur acteur dans un second rôle - Swann Arlaud

• Meilleur acteur dans un second rôle - Xavier Dolan

• Meilleur acteur dans un second rôle - Michel Fau

• Meilleure adaptation

• Meilleurs décors

• Meilleur effets visuels

La Petite dernière (7 nominations) - actuellement au cinéma

Quel parcours artistique pour Hafsia Herzi depuis son César du Meilleur espoir féminin pour La Graine et le Mulet (2007) ! César de la Meilleure actrice l’an dernier pour Borgo (2024), la comédienne-réalisatrice place sa Petite dernière (2025) dans pas moins de sept catégories aux César 2026, dont Meilleur film et Meilleure réalisation. Passée par Cannes, son troisième film (après Tu mérites un amour et Bonne Mère), adaptation du roman autobiographique de Fatima Daas, interroge les questions de la foi, de la culture et de l’orientation sexuelle à travers le parcours émancipateur de Fatima, benjamine d’une famille franco-algérienne vivant en banlieue parisienne. Déjà primée sur la Croisette pour son interprétation lumineuse et habitée, Nadia Melliti est la grande favorite pour le César du meilleur espoir féminin, comme un beau passage de relais avec sa réalisatrice.

Nominations :

• Meilleur film

• Meilleure réalisation - Hafsia Herzi

• Meilleure actrice dans un second rôle - Ji-Min Park

• Meilleur espoir féminin - Nadia Melliti

• Meilleure adaptation

• Meilleur montage

• Meilleure musique originale - Amine Bouhafa

La Femme la plus riche du monde (6 nominations) - actuellement au cinéma

La Femme la plus riche du monde (2025) ajoute six nominations aux César à sa fortune personnelle. Un joli butin pour le film de Thierry Klifa, librement inspiré de l’Affaire Bettencourt et dont le rôle principal a spécifiquement été écrit pour Isabelle Huppert avec une plume acérée, qui fait osciller le récit de ce fait divers entre satire sociale, jeux de pouvoirs et comédie féroce. Entourée dans ce Succession à la française de Laurent Lafitte, Marina Foïs et Raphaël Personnaz, tous nommés par l’Académie à ses côtés, l’actrice se distingue par son jeu -c’est sa 17e nomination, un record !- mais aussi par une impressionnante garde-robe de 70 costumes, dont la variété et la qualité ont tapé dans l'œil des votant.es.

Nominations :

• Meilleure actrice - Isabelle Huppert

• Meilleur acteur - Laurent Lafitte

• Meilleure actrice dans un second rôle - Marina Foïs

• Meilleur acteur dans un second rôle - Raphaël Personnaz

• Meilleurs costumes

• Meilleure musique originale - Alex Beaupain

Arco (4 nominations) - actuellement au cinéma

Arco (2025), c’est l’histoire d’un premier film d’animation, conte poétique, écologique et futuriste, qui a conquis la planète cinéma depuis son passage par le Festival de Cannes en mai dernier. Ce Ghibli à la française raconte la jolie rencontre entre un petit garçon venu d’un futur lointain et d’une petite fille qui vit dans un futur proche, surveillée avec bienveillance par un robot babysitter bouleversant. Parallèlement aux César, où il « déborde » de sa case animée pour glaner trois autres nominations (dont Meilleur premier film), le long métrage d’Ugo Bienvenu est également en lice aux Oscars, aux côtés de Amélie et la métaphysique des tubes (2025). Côté glamour, ces quatre citations sonnent comme une promesse de la présence de Natalie Portman, productrice du film, dans les travées de L’Olympia.

• Nominations :

• Meilleur film d’animation

• Meilleur premier film

• Meilleur son

• Meilleure musique originale - Arnaud Toulon

L’Etranger (4 nominations) - actuellement au cinéma

En dix-neuf nominations, François Ozon n’a jamais été récompensé aux César. Cette 51e cérémonie confirme pour une nouvelle année le statut de « mal-aimé » du réalisateur français au sein de la grand famille du cinéma français : si son adaptation de L’Etranger (2025) est saluée pour ses comédiens (Benjamin Voisin et Pierre Lottin que j’adore !), la musique atmosphérique de Fatima Al Qadiri et sa superbe photographie en noir et blanc, le réalisateur n’est distingué ni pour sa réalisation, ni pour son scénario, ni pour son film. Des votes quelque peu injustes alors qu’il a livré une transposition solide de l’inadaptable chef d'œuvre littéraire d’Albert Camus, où transparaît la distance froide et l’ennui existentiel de Meursault sous le soleil de plomb de l’Algérie de 1938. Un travail que les votant.es des Lumières ont tenu, au contraire, à saluer en lui décernant le Prix du meilleur film il y a quelques jours.

Nominations :

• Meilleur acteur - Benjamin Voisin

• Meilleur acteur dans un second rôle - Pierre Lottin

• Meilleure photographie

• Meilleure musique originale - Fatima Al Qadiri

Nino (4 nominations) - actuellement au cinéma

Dévoilé à Cannes, primé à Rome et à Deauville, Nino (2025) conclut son joli parcours aux César, avec quatre nominations dont Meilleur premier film, catégorie pour laquelle la réalisatrice Pauline Loques fait figure de grande favorite. Son comédien, Théodore Pellerin, ne devrait pas non plus faire de figuration le 26 février, lui qui impose son jeu et sa grâce étrange projet après projet depuis Chien de Garde (2018), Beau Is Afraid (2023) et Becoming Karl Lagerfeld (2024). Centré sur le parcours introspectif d’un jeune homme, à quelques jours du début de son traitement contre un cancer de la gorge, Nino est un coup d’essai délicat, intime et sensible. Et un premier coup de maître pour une réalisatrice définitivement à suivre.

Nominations :

• Meilleur premier film

• Meilleure actrice dans un second rôle - Jeanne Balibar

• Meilleur espoir masculin - Théodore Pellerin

• Meilleur scénario original

Partir un jour (4 nominations) - disponible sur CANAL+ et en VOD

Une autre réalisatrice prometteuse, c’est Amélie Bonnin. Son premier film, Partir un jour (2025) a affronté avec délicatesse et en musique le Festival de Cannes où il a fait l’ouverture en mai dernier, avant de toucher un large public (660 000 entrées), embarqué dans ce retour au source de Juliette Armanet dans son village d’enfance. La chanteuse aurait d’ailleurs mérité -selon moi- de figurer parmi les nominations du film, aux côtés de sa réalisatrice, de Dominique Blanc et de Bastien Bouillon. Nommé dans la catégorie Meilleur acteur, le comédien poursuit sa prometteuse ascension, lui qui avait été sacré Meilleur espoir pour La Nuit du 12 avant d’être nommé en Meilleur second rôle pour Monte-Cristo. Pour l’anecdote, il incarnait le héros du court métrage Partir un jour (2021) qui a inspiré le long métrage, et c’est intéressant de jeter un oeil aux deux pour comparer les différences entre les deux visions d’Amélie Bonnin, et ce changement d’un héros à une héroïne.

Nominations :

• Meilleur premier film

• Meilleur acteur - Bastien Bouillon

• Meilleure actrice dans un second rôle - Dominique Blanc

• Meilleur son

L'Épreuve du feu (3 nominations) - disponible en VOD

Sorti en plein été, L'Épreuve du feu (2025) a émergé comme l’un des chouchous des jeunes cinéphiles. Aurélien Peyre y adapte son propre moyen métrage, Coqueluche (2018), et raconte l’été vécu par un jeune homme timide auprès de sa famille et de ses amis, accompagné de sa petite amie esthéticienne et exubérante. Les railleries des un.es et les convoitises des autres vont alors mettre à mal les certitudes du couple. Nommé au César du Meilleur espoir pour Été 85 (avec Benjamin Voisin, d'ailleurs), Félix Lefebvre retrouve la catégorie pour la deuxième fois, aux côtés de sa partenaire Anja Verderosa. D’un casting sauvage à la cérémonie des César, la jeune femme connaît une ascension fulgurante dans le rôle de celle qui va déclencher une réflexion profonde sur la manière dont les interactions sociales façonnent notre construction.

Nominations :

• Meilleur premier film

• Meilleur espoir féminin - Anja Verderosa

• Meilleur espoir masculin - Félix Lefebvre

La Venue de l’avenir (3 nominations) - disponible en VOD

Avec son, casting de « fils et filles de », le quinzième long métrage de Cédric Klapisch s’est traîné pendant un petit moment une étiquette de « film de nepo-babies ». Succès en salles (près d’un million d’entrées), La Venue de l’avenir (2025) a finalement convaincu le public, la critique et les votants avec ce  voyage introspectif sur deux temporalités, qui interroge la culture, le temps, la famille et l’identité avec poésie. Au-delà de la performance de Suzanne Lindon, citée au César du Meilleur espoir (remporté il y a trente ans par… sa propre maman, Sandrine Kiberlain pour En avoir (ou pas) !), la reconstitution de la fin du XIXème siècle proposée par le cinéaste a obtenu les suffrages des votant.es avec une présence dans les catégories Meilleurs décors et Meilleurs costumes.

Nominations :

• Meilleur espoir féminin - Suzanne Lindon

• Meilleurs costumes

• Meilleurs décors

Chien 51 (2 nominations) - actuellement au cinéma

Avec ses 42 millions d’euros de budget, Chien 51 (2025) était le projet français le plus ambitieux de l’année avec le Dracula réimaginé par Luc Besson. Le polar dystopique de Cédric Jimenez (BAC Nord, Novembre) a depuis connu une carrière en demi-teinte, avec « seulement » 1,3 millions de billets vendus dans l’Hexagone. Si le scénario du film -adapté du roman de Laurent Gaudé et centré sur une enquête dans un Paris divisé en castes sociales- n’a pas forcément convaincu, l’univers et l’ambition ont été unanimement loués. Les nominations dans les catégories Meilleurs décors et Meilleurs effets visuels, finalement très complémentaires sur un projet de science-fiction de cette envergure, en attestent. 

Nominations :

• Meilleurs décors

• Meilleurs effets visuels

La Pampa (2 nominations) - disponible sur OCS et en VOD

Au-delà de leurs interprétations puissantes à l’écran, Damien Bonnard et Artus font presque office de « parrains » de ce premier film d’Antoine Chevrollier, qui a touché critiques et spectateurs aux tripes dès sa sortie il y a près d’un an. La Pampa (2025), c’est une histoire d’amitié dans la campagne française, qui brille par sa représentation d’une jeunesse rurale tiraillée entre rêves de liberté et contraintes sociales. A ce titre, le duo formé par Sayyid El Alami (la révélation du film, nommé au César du Meilleur espoir et déjà l’affiche de la série coup de poing Oussekine) et Amaury Foucher est le cœur battant de cette histoire. Qu’on se le dise : entre La Pampa, Arco, Partir un jour, Nino et L'Épreuve du feu, la course au César du Meilleur premier film s’annonce serrée !

Nominations :

• Meilleur premier film

• Meilleur espoir masculin - Sayyid El Alami

Le Chant des forêts (2 nominations) - actuellement au cinéma

Plébiscité pour le sublime La Panthère des neiges (2021), récompensé par le César du Meilleur documentaire il y a quatre ans, Vincent Munier est de retour dans la catégorie, sans sa coréalisatrice Marie Amiguet. Pour Le Chant des forêts (2026) -dont l’affiche est sans aucun doute l’une des plus belles de l’année passée, le cinéaste a posé sa caméra dans ses Vosges natales, pendant près de dix ans, pour capter des instants offerts par la Nature, entre paysages, cerfs, renards, lynx et oiseaux rares. Le film croise son regard, celui de son père naturaliste et celui de son propre fils : trois générations mais une même fascination pour le miracle du vivant, qui profite d’un travail exceptionnel sur le son pour renforcer la dimension immersive, contemplative, méditative et poétique de l'œuvre.

Nominations :

• Meilleur film documentaire

• Meilleur son

Ma Mère, Dieu et Sylvie Vartan (2 nominations) - disponible en VOD

Dans Ma Mère, Dieu et Sylvie Vartan (2025), Leïla Bekhti incarne la mère de son ami Jonathan Cohen. Un pari d’interprétation et de maquillage réussi, qui lui permet de donner vie à la maman-courage de Roland Perez, dont le film adapte l’histoire vraie, un homme né avec un pied-bot et pour qui sa mère se battra toute sa vie pour ne jamais réduire son existence à son handicap. Devant la caméra humaniste de Ken Scott (Starbuck, 2011), la comédienne donne au personnage toute sa force, sa tendresse et son amour. Avec à la clé, une sixième nomination aux César. Et si l’Académie lui offrait la statuette de la consécration, quinze ans après son trophée du Meilleur espoir féminin pour Tout ce qui brille (2010) ?

Nominations :

• Meilleure actrice - Leïla Bekhti

• Meilleurs décors

Un simple accident (2 nominations) - actuellement au cinéma

La France ayant choisi le long métrage de Jafar Panahi pour représenter le cinéma hexagonal dans la course aux Oscars, il aurait été inconcevable de ne pas le retrouver aux César ! Palme d’Or à Cannes en mai dernier, Un simple accident (2025) émerge ainsi dans la catégorie reine, ainsi que dans celle du Meilleur scénario original. Deux nominations logiques pour ce drame politique, qui flirte parfois avec la comédie décalée et qui confronte d’anciens prisonniers politiques iraniens à un homme en qui ils croient reconnaître leur ancien bourreau. A partir d’un quiproquo, le cinéaste -qui a tourné dans la clandestinité et dont certains comédiens sont toujours bloqués en Iran- offre une réflexion puissante et profonde sur la justice, la vengeance et le pardon.

Nominations :

• Meilleur film

• Meilleur scénario original

Et aussi (1 nomination) :

13 jours, 13 nuits (2025) - disponible sur CANAL+ et en VOD

• Meilleur montage

A bicyclette ! (2025) - disponible sur CANAL+ et en VOD

• Meilleur film documentaire

Amélie et la métaphysique des tubes (2025) - disponible en VOD

• Meilleur film d’animation

Black Dog (2024) - disponible en VOD

• Meilleur film étranger

Dracula (2025) - disponible en VOD

• Meilleurs costumes

Jane Austen a gâché ma vie (2025) - disponible sur CANAL+ et en VOD

• Meilleur espoir féminin - Camille Rutherford

Kika (2025) - actuellement au cinéma

• Meilleur espoir féminin - Marion Clavel

L’Agent Secret (2025)

• Meilleur film étranger

L’Engloutie (2025) - actuellement au cinéma

• Meilleure photographie

L’Homme qui rétrécit (2025) - actuellement au cinéma

• Meilleurs effets visuels

La Chambre de Mariana (2025) - disponible en VOD

• Meilleure actrice - Mélanie Thierry

La Condition (2025) - actuellement au cinéma

• Meilleurs costumes

La Vie de château, mon enfance à Versailles (2025) - actuellement au cinéma

• Meilleur film d’animation

Le Cinquième plan de La Jetée (2025)

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Personne n’y comprend rien (2025) - disponible en VOD

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Put Your Soul On Your Hand And Walk (2025) - disponible en VOD

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Une bataille après l’autre (2025) - disponible en VOD

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Vous avez dévoré Les Sept Cadrans, la nouvelle mini-série en mode whodunit de Netflix ? On vous comprend ! Cette nouvelle adaptation du roman d’Agatha Christie cartonne en France et occupe actuellement la deuxième place des programmes les plus regardés sur la plateforme de streaming.

Helena Bonham Carter, Martin Freeman et Mia Mckenna Bruce sont à l'affiche de cette enquête mettant en scène le Superintendant Battle, un enquêteur de Scotland Yard qui apparaît dans cinq des romans d'Agatha Christie. Il est certes un peu moins connu que ses confrères Hercule Poirot ou Miss Marple, mais il est néanmoins tout aussi efficace. Dans Les Sept Cadrans (2025) un bal masqué somptueux tourne au drame lorsque le jeune Gerry Wade est retrouvé mort dans sa chambre par son amie de toujours, Lady Eileen, au lendemain de la fête. Battle va alors mener l’enquête.

Si les romans de la reine du crime ont longtemps été associés à une vision assez classique et « datée » du roman policier, le petit comme le grand écran ont proposé ces dernières années de nouvelles adaptations plus contemporaines, ou en tout cas bordées d’une mise en scène plus sombre et plus modernes sans pour autant se défaire de cette ambiance si typique des whodunits des années 30, 40 ou 50.

Pour JustWatch, je vous ai donc préparé une sélection des meilleures adaptations modernes d’Agatha Christie en mini-séries, si vous êtes déjà à la recherche de votre prochain whodunit préféré !

Témoin Indésirable (2018) 

Témoin Indésirable (2018) est l’une de mes adaptations préférées, d'autant plus qu’il s’agit de l’une des histoires les plus sombres écrites par Agatha Christie. La très riche mère de famille Rachel Argyle est retrouvée morte dans son somptueux manoir, et l’un de ses fils adoptifs, Jack, est très vite inculpé pour meurtre. Il décède en prison, bien qu’il ait toujours clamé son innocence. Quelques années après, un homme mystérieux se présente auprès de la famille comme étant la seule personne pouvant disculper Jack. 

Cette adaptation est élevée par des performances brillantes de la part de Bill Nighy, Anna Chancellor, Anthony Boyle, Ella Purnell, Eleanor Tomlinson ou encore Alice Eve. Les séquences de flashbacks donnent notamment un excellent aperçu des dynamiques malsaines qui ont trouvé leur place au sein de cette famille, et l’acteur irlandais Anthony Boyle apporte une dualité et un magnétisme très intéressant au personnage de Jack.

Ils étaient dix (2015)

La première fois que j’ai vu Ils étaient dix (2015), j’ai été immédiatement happée par l'atmosphère sinistre et tempétueuse de l'île et de cette maison de l’horreur. Dix invités se retrouvent dans une maison isolée sur un archipel isolé au large des côtes anglaises. Ils ne se connaissent pas, et ne savent même pas ce qu’ils font là. Lors du premier dîner qu’ils partagent, une première mort choquante se déroule devant leurs yeux : ils comprennent alors que ce n'était pas un accident, et que leur temps est compté. 

Une ambiance brumeuse, voire horrifique, des prestations d’acteurs toutes plus impressionnantes les unes que les autres: Cette adaptation doit absolument rejoindre votre watchlist si vous ne l'avez pas encore vue. A prolonger avec la version française Ils étaient dix (2021) emmenée par Samuel Le Bihan, Guillaume De Tonquédec, Marianne Denicourt et Roman Bohringer.

Pourquoi pas Evans ? (2022)

Will Poulter et Lucy Boynton mènent avec brio cette enquête complexe, réalisée par Hugh Laurie (Dr. House). Emma Thompson fait même une apparition dans cette mini-série de 3 épisodes ! Quand le jeune Bobby Jones découvre un blessé au pied d’une falaise, il lui vient immédiatement en aide, avant que l'homme ne succombe finalement à ses blessures. Mais avant de mourir, il pose à Bobby une question énigmatique : « Pourquoi pas Evans ? ».

Il trouve également la photo d’une belle jeune femme mystérieuse dans sa veste. Bobby et son amie Frankie se jettent alors au coeur de cette enquête, afin de découvrir ce que l’homme a bien pu vouloir dire, mais également identifier la femme sur la photo. J’ai adoré cette mini-série qui vous tient en haleine jusqu'à la résolution finale ! De plus, Lucy Boynton apporte une véritable espièglerie, un charme et un excellent sens de l'humour au personnage de Frankie. 

Un meurtre est-il facile ? (2023)

Un meurtre est-il facile ? (2023) met en scène Luke Fitzwilliam, un jeune détective qui fait la connaissance d’une certaine Lavinia Pinkerton à bord d’un train anglais. Elle lui raconte qu’elle s'apprête à dénoncer à la police un meurtre ayant été commis dans son village. Fitzwilliam, intrigué par la situation -et par le peu d’information que Pinkerton partage avec lui-, se rend dans le bourg et commence à enquêter non pas sur un meurtre, mais sur une série de morts suspectes. 

Portée par David Jonsson, Morfydd Clarke et Penelope Wilton, cette adaptation plus moderne du roman publié par Agatha Christie en 1939 adopte quelques changements par rapport au livre original, notamment en transposant l’histoire dans les années 1950. Néanmoins, tous les ingrédients clés pour un whodunit efficace et agréable sont à nouveau ici réunis.

ABC contre Poirot (2018)

John Malkovich incarne un Hercule Poirot cerné par le doute et par le sentiment d'avoir perdu de sa superbe dans ABC contre Poirot (2018), adapté par la BBC. Le célèbre détective d’Agatha Christie est sur les traces d’un tueur en série qui assassine toutes ses victimes en fonction de leurs initiales, de leur ville et de l’ordre alphabétique. Poirot est également confronté à l'inspecteur Crome (Rupert Grint), qui essayera par tous les moyens de s’imposer alors même que le célèbre détective belge semble être la clé du mystère. 

John Malkovich est excellent dans cette version de Poirot, que nous connaissons finalement assez peu. En effet, il n’a plus sa fameuse moustache, et son aura ainsi que sa gloire semblent appartenir au passé. Pourtant, les fans de Christie ne pourront que se réjouir de voir ce personnage qu’ils aiment tant retrouver sa confiance en lui et résoudre l’une des plus grandes énigmes de sa carrière.

L’Heure Zéro (2025)

Cette mini-série de 3 épisodes est la plus récente de cette liste, puisqu’elle est sortie en 2025 outre-Atlantique. Elle commence par le divorce d’une star du tennis, Nevile Strange : Nevile est tombé amoureux d’une autre femme et pourtant, le couple fraîchement séparé décide de passer des vacances ensemble dans la maison de leur tante richissime, Lady Tressilian (Angelica Huston). La nouvelle fiancée de Nevile étant également de la partie, cette situation n'est pas pour plaire à Lady Tressilian, qui s’insurge contre cette désacralisation du mariage. 

Et comme dans tout bon whodunit qui se respecte, une galerie de personnages se retrouvent également dans cette somptueuse demeure. Secrets, mensonges et jalousies diverses et variées font leur apparitions, jusqu'à ce qu’un meurtre soit commis, et que tous se retrouvent suspects. Entre l'enquête qui bat son plein et les règlements de comptes personnels, L’Heure Zéro (2025) saura vous tenir en haleine jusqu'au bout. 

Le Cheval Pâle (2020)

Superstitions et sorcellerie s’invitent dans cette adaptation du Cheval Pâle (2020), menée par une distribution incroyable incluant Rufus Sewell et Kaya Scodelario. Dans un petit village tranquille, Mark Easterboork, un antiquaire, se retrouve dans la tourmente lorsque son nom apparait sur une liste trouvée dans la chaussure d’une femme morte : toutes les personnes de la liste ont été assassinées… et Mark est le prochain.

Cette mini-série en trois épisodes est une véritable réussite -même si n’ayant pas lu le livre, je ne peux donc pas comparer avec l'œuvre originale. Les éléments d’horreur et d’occulte ajoutés à cette enquête sont particulièrement efficaces et rendent la série vraiment prenante.

Témoin à Charge (2016)

Toby Jones, Kim Cattrall et Andrea Riseborough se donnent la réplique dans cette adaptation captivante de la pièce de théâtre -et de la nouvelle avant ça- d'Agatha Christie. Lorsque qu'Emily French, une riche héritière est retrouvée morte chez elle, son amant est immédiatement accusé du meurtre. Il plaide non coupable, mais sa femme témoigne également devant le tribunal et accuse son mari du meurtre. 

Témoin à Charge (2016), c’est une enquête prenante soutenue par des performances d’acteurs excellents. Et c’est l’une des meilleures mini-séries de cette liste. Kim Cattrall y est extrêmement émouvante en riche et solitaire héritière.

Stranger Things (2016-2026) vous manque déjà ? Après la mise en ligne du dernier épisode de la série le 1er janvier, Netflix continue à faire vivre l’univers imaginé par les frères Duffer grâce à toute une gamme de programmes dérivés, bonus ou expériences immersives qui prolongent, chacun à leur manière, le séjour à Hawkins.

Coulisses, pièce de théâtre, feu de cheminée… tout ce qui a trait à Stranger Things est regroupé dans un corner spécial, la « Collection Stranger Things », qui compte cinq vignettes dont celle introduisant la série. On vous propose de découvrir les autres programmes ci-dessous, bientôt rejoints par une série animée très attendue.

La dernière aventure : le making-of de Stranger Things 5

Sortez les mouchoirs ! Pendant deux heures avec La Dernière aventure : le making-of de Stranger Things 5 (2026), on joue les petites souris dans les coulisses de la cinquième et ultime saison de la série, avec une intensité émotionnelle difficile à ignorer. De quoi réaliser à quel point le show a occupé une place centrale dans la vie de ses comédiens, parfois pendant plus d’une décennie.

L’un des moments forts est la lecture collective du dernier épisode. Réunis dans une grande salle, assis à même le sol, sur des chaises ou canapés, l’équipe laisse éclater son émotion. Les larmes coulent, puis un silence très éloquent s’installe après le point final. Les frères Duffer expliquent le moment : « On a vécu une expérience cathartique en écrivant ces dernières scènes » dit l’un. « Je me souviens du moment où j’ai écrit les mots ‘FIN DE LA SERIE’, ça a eu un énorme impact et on les écrit alors qu’on est encore en train de tourner », confie l’autre. 

Pendant cette incursion en coulisses, on observe aussi la conception des décors des scènes les plus marquantes. SPOILERS. Et au moment de la répétition de la scène fatale à Vecna, on surprend même les acteurs danser après cet événement scénaristique, comme pour relâcher une tension accumulée depuis des années ! Fun fact : d’autres anecdotes plus légères filtrent de ce reportage derrière l’écran. On apprend par exemple que la mère des Duffer, choquée, a arrêté de regarder la série après la mort de Bob dans la saison 2.

Beyond Stranger Things - Les coulisses de la saison 2

Pour ceux qui avaient loupé cette mini-série documentaire, il est toujours temps de rattraper Beyond Stranger Things (2017). Diffusée à l’issue de la saison 2, elle se compose de cinq épisodes, chacun consacré à un ou plusieurs moments clés de ce deuxième chapitre.

Animée par Jim Rash, acteur et scénariste oscarisé (Community, The Descendants), elle rassemble autour d’une table les frères Duffer, le producteur Shawn Levy et une partie du casting pour des discussions à bâtons rompus autour du décryptage des épisodes, avec anecdotes de tournage à l’appui. Le ton est volontairement léger et complice, à l’image d’une équipe encore portée par l’enthousiasme d’un succès en pleine ascension. Gros coup de cœur pour les vidéos d’auditions des enfants de la série, dont on perçoit l’évident talent.

Avec le recul, Beyond Stranger Things fonctionne aussi comme une véritable capsule temporelle. On y retrouve les jeunes acteurs à un moment charnière de leur carrière, encore loin du statut d’icônes mondiales, et les frères Duffer en pleine construction de leur univers. Sans prétendre à l’exhaustivité, cette mini-série offre un regard sincère et accessible sur la fabrication de la saison 2, et constitue un complément idéal pour les fans curieux de comprendre les coulisses du phénomène.

Stranger Things : The First Shadow - Les coulisses de la pièce

La majorité des addicts à la série n’ont pas vu la pièce de théâtre Stranger Things : The First Shadow (2025), qui joue au London Theatre de Londres jusqu’en avril et au moins jusqu’au mois de juillet à Broadway à New York. Mais ils seront peut-être intéressés par ce documentaire d’1h30 sur l’incroyable travail en coulisses pour produire ce spectacle.

De l’avancée du script à l’imagination et fabrication des décors jusqu’au casting, rien n’est laissé au hasard, tout en se faisant dans une grande urgence. « Sans montage, sans coupe… l’adaptation est un véritable défi », raconte la scénariste, tandis que le designer des effets spéciaux évoque la difficulté de « recréer l’ampleur des effets que l’on voit de la série, en direct, sur scène, huit fois par semaine ». 

De quoi parle la pièce de théâtre ? D’après une histoire originale signée par les frères Duffer, Jack Thorne et Kate Trefry, elle explore les origines d’Henry Creel et des événements qui ont forgé l’univers de Stranger Things. L’histoire se passe à Hawkins, dans l'Indiana, en 1959. La famille Creel est en quête d’un nouveau départ, surtout Henry, un ado pressé de laisser derrière lui un passé trouble. Après des débuts sans histoire où Henry se fait des amis et intègre la pièce de théâtre de l’école, la ville est frappée par une vague de crimes choquants qui le forcent à affronter une vérité terrifiante : est-il lié aux horreurs qui se déroulent autour de lui ?

Stranger Things Fireplace

Les ampoules de toutes les couleurs s’allument et clignotent au-dessus des lettres de l’alphabet sur le mur de papier peint du salon eighties… Juste au-dessus d’une cheminée où une flambée crépitante attire notre œil de fan. Vous êtes bien dans le Stranger Things Fireplace (2025) !

D’étranges bruits se font entendre, presque imperceptibles au départ, comme des frottements venus d’ailleurs. L’image semble figée, rassurante, presque décorative, mais très vite, quelque chose cloche. Des ombres traversent le foyer, des bruits bizarres se font entendre, et l’Upside Down s’invite dans ce moment faussement paisible.

Le Stranger Things Fireplace détourne l’un des programmes les plus anodins de Netflix — le feu de cheminée d’ambiance — pour en faire une expérience délicieusement inquiétante, fidèle à l’ADN de la série : transformer le quotidien en terrain de jeu pour l’étrange. Plus qu’un simple gadget, ce feu de cheminée en direct d’Hawkins agit comme un clin d'œil qui ne raconte pas une histoire à proprement parler, mais convoque un imaginaire immédiatement reconnaissable, entre nostalgie et menace diffuse.

n peut le laisser tourner en fond sonore lors d’une soirée d’hiver, le regarder distraitement ou guetter chaque apparition surnaturelle comme un mini jump scare improvisé. En refusant la narration classique, Stranger Things Fireplace prolonge l’univers de la série de manière presque sensorielle, rappelant que l’une de ses grandes forces a toujours été de créer une atmosphère.

« Suite à la première bande-annonce, les gens demandaient : ‘Yoshi ne sera pas dans le film ?’ Bien sûr que si ! ». Shigeru Miyamoto, légende Nintendo et créateur -entre autres- de Mario Bros., a rassuré les fans en dévoilant les nouvelles images de Super Mario Galaxy - le film, attendu le 1er avril 2026 au cinéma. Une suite où le célèbre dino sera bien présent !

Un personnage iconique depuis 1990

Le personnage, initialement imaginé comme une simple monture pour le plombier sur Super Nintendo en 1990, est vite devenu une icône incontournable de l’univers avec son corps de reptile à carapace, sa langue étirable, son design tout mignon et sa voix inimitable créée par le compositeur, directeur artistique sonore et comédien de doublage Kazumi Totaka.

« Depuis plus de 30 ans, Yoshi fait partie intégrante des aventures de Mario », explique  Shigeru Miyamoto. « Lorsque nous avons lancé le développement de Super Mario World, Yoshi est né de l’envie de se déplacer sur le dos d’un petit dinosaure. M. Kondo a ajouté des percussions à la musique d’ambiance, et Yoshi, avec qui c’est un plaisir de courir, sauter, écraser, avaler et pondre des œufs, a vu le jour. Ensuite, dans Super Mario World 2 Yoshi’s Island, il protège Bébé Mario et peut lancer des œufs. »

Yoshi sera bien dans Super Mario Galaxy

« Yoshi a ensuite évolué vers la 3D et a continué à jouer un rôle actif dans différents jeux. Pour ce film, nous avons collaboré avec les artistes d’Illumination pour porter Yoshi sur grand écran ». Un long métrage où les deux frangins croisent le chemin de Yoshi dans les ruines d’une mystérieuse pyramide issue de Super Mario Odyssey, avant de l’intégrer à leur aventure et à leur groupe (au grand dam de Toad !).

Si son rôle au sein de l’intrigue n’est pas encore spécifié, Yoshi sera assurément central comme en témoigne la nouvelle affiche mais aussi sa présence aux côtés de Bébé Mario et Bébé Luigi, qu’il protège armé d’un Super Scope 6 (nostalgie totale !). Avec la promesse d’une rencontre inattendue avec un tyrannosaure qui emprunte son rugissement au T-Rex de Spielberg ! A quelques semaines de la sortie, alors que les équipes terminent la post-production et le design sonore, JustWatch retrace les précédentes apparitions de Yoshi sur petit et grand écran.

Super Mario Bros., le film (2023)

Si les fans n’ont cessé de chercher une confirmation de la présence de Yoshi dans Super Mario Galaxy - le film (2026) depuis la sortie de Super Mario Bros. le film (2023), c’est que le personnage y était teasé à deux reprises ! Au-delà d’une rapide apparition d’un troupeau de Yoshis de différentes couleurs pendant que Mario, Peach et leurs amis traversent certaines zones du Royaume Champignon, c’est surtout la scène post-générique du long métrage qui annonçaient son arrivée : dans des sous-sols gris et humides, un œuf blanc à points verts, immédiatement reconnaissable, est dévoilé… avant de se craqueler et de laisser sortir le son iconique du dinosaure. Si vous faites partie des 7,3 millions de spectateurs en salles mais que vous êtes partis avant la fin, vous l’avez loupé ! C’est donc une bonne occasion de revoir le film.

Super Mario Bros. (1993)

C’est le film que Nintendo aimerait effacer ! En 1993, l’adaptation de Super Mario Bros. en prises de vues réelles est une catastrophe artistique et industrielle, qui transpose l’univers coloré et joyeux des jeux vidéo dans le monde parallèle de Dinohattan, dirigé par Koopa (Dennis Hopper en roue libre). Dans cette production improbable et kitsch où Bob Hoskins, John Leguizamo et Samantha Mathis font ce qu’ils peuvent, Toad devient un géant benêt, les champignons prennent la forme de filaments façon The Last of Us, et Yoshi est un « vrai » dinosaure, sorte de mini-T Rex utilisé comme animal de compagnie par la famille royale.  Neuf marionnettistes étaient nécessaires pour donner vie à cette animatronique d’un mètre de haut, qui fait pâle figure à côté de ses cousins de Jurassic Park sortis la même année.

Super Mario World : Yoshi The Superstar (1991)

Super Mario World : Yoshi The Superstar (1991) est une série animée de 13 épisodes, qui suit les aventures de Mario, Luigi, Peach et Yoshi (Toad est absent, remplacé par le garçon des cavernes Oogtar) dans un univers croisant les paysages du jeu vidéo et un univers préhistorique. Personnage central et ressort comique de la joyeuse bande, le dinosaure y est poltron, affamé et attachant… une sorte de Scooby-Doo d’écailles en quelque sorte, qui peut toutefois devenir légèrement horripilant à la longue. Avant tout destiné au jeune public, le programme a trouvé un bel écho chez les gamers fans, notamment l’épisode Mama Luigi qui raconte comment Luigi a trouvé l'œuf de Yoshi et l’a élevé comme son enfant. Deux autres séries animées ont précédé le show : Super Mario Bros. (1989) et Les Aventures de Super Mario Bros. 3 (1990).

2026 s’annonce comme une ÉNORME année de cinéma. Entre les blockbusters US avec le « Dunesday » en point d’orgue, le retour de grand.es cinéastes, les productions françaises attendues et les adaptations de romans, l’agenda des sorties promet du très grand spectacle. Ajoutez à cela un line-up animé aussi chargé que diversifié, et les entrées devraient pleuvoir par millions !

Cette année, le cinéma d’animation promet en effet une grande variété d’œuvres, où se croiseront jouets Pixar, Minions délirants, irréductibles Gaulois, Toons déjantés, animaux rigolos et univers poétiques. Pour JustWatch, je vous propose un petit calendrier des sorties cinéma du genre, qui ne prend en compte ni les programmes pour tout-petits, ni les animé attendus en streaming.

Alice au pays des merveilles : Dive in Wonderland - au cinéma le 14 janvier 2026

L’imagerie d’Alice au pays des merveilles est tellement associée au classique Disney (1951) puis à l’adaptation live action de Tim Burton (2010) qu’on en oublie que d’autres peuvent livrer leur vision de l’univers fantastique imaginé par Lewis Carroll. C’est ce que propose Dive in Wonderland de Toshiya Shinohara, qui mise sur les qualités visuelles et émotionnelles du studio japonais P.A. Works pour réinventer cette histoire entre poésie et onirisme. 

Tafiti - au cinéma le 21 janvier 2026

Un suricate et un potamochère ? Toute ressemblance avec Timon et Pumbaa, l’inénarrable duo du Roi Lion (1994), serait purement fortuite ! Si on fait abstraction de ces similitudes, la quête de Tafiti et Mèchefol à travers le désert (et au-delà) promet un joli moment d’évasion, avec des personnages attachants et amusants et un joli travail sur les décors. Si vous avez aimé Le Cristal magique (2019), précédent film de Nina Wels, vous devriez aimer cette aventure !

Olivia - au cinéma le 21 janvier 2026

Avec Olivia, Irene Iborra signe son premier long métrage en adaptant le roman éponyme de Maite Carranza. La réalisatrice espagnole utilise la stop motion (l’animation d'objets image par image) pour donner vie à une histoire vraie et tendre, qui voit une mère et ses deux enfants confrontés à la précarité. Ou comment l’animation peut être un formidable médium pour traiter de sujets de société et sensibiliser les enfants à l’amitié, la solidarité et la résilience. 

Les Légendaires - au cinéma le 28 janvier 2026

Mes enfants ont grandi en lisant dévorant les albums des aventures de Danaël, Jadina, Gryf, Shimy et Razzia. Certes, ils ont pu profiter de la série animée, mais la sortie d’un film autour des Légendaires est un vrai événement. Pour moi aussi, car j’aime beaucoup la patte de Guillaume Ivernel (Chasseurs de dragons, Spycies). On a donc tous vraiment hâte de voir nos petits héros affronter le sorcier Darkhell sur grand écran.

Biscuit le chien fantastique - au cinéma le 4 février 2026

Dans l’univers des super-héros à quatre pattes, il n’y a pas que Krypto et les super-animaux (2022) ! La preuve avec Biscuit le chien fantastique, production canadienne développée par Icon Creative Studio (Star Wars: Les Aventures des Petits Jedi, Transformers : Earthspark) qui voit un toutou gourmand se transformer en super-justicier face à un chat super-méchant. Avec la voix d’Artus en version française ou d’Owen Wilson en VO, vous êtes servis !

200% Loup - au cinéma le 4 février 2026

En 2020, j'avais bien aimé 100% Loup et son caniche-garou à mèche rose (!) qui tentait de trouver sa place au milieu de sa famille de lycanthropes. Cette année, Freddy Lupin est de retour dans 200% Loup, et s’il est intégré à la meute, il n’y a toutefois pas encore trouvé le respect dont il rêvait. Un vœu va alors le transformer en vrai loup grâce aux pouvoirs d’un lutin lunaire… mais provoquer l’Apocalypse en menaçant de collision la Terre et la Lune !

Goat - rêver plus haut - au cinéma le 11 février 2026

Goat - rêver plus haut, c’est un peu la rencontre entre Tous en scène (2016), Zootopie (2016) et Space Jam (1996). Un univers animalier où les créatures les plus rapides et féroces brillent sur les parquets de roarball. Un petit bouc va alors tout faire pour intégrer son équipe préférée. Profitant d’une animation léchée, dans la lignée de Spider-Man Across The Spiderverse, le film est notamment produit par Stephen Curry, star des parquets NBA.

The Dangers in My Heart : The Movie - au cinéma le 11 février 2026

Il y a un peu de Harold Crick (2006) dans l’anime The Dangers in My Heart (2023-), avec son héros persuadé d’être un personnage de roman. Psychopathe sur les bords, il décide de faire d’une camarade sa potentielle victime… avant de s’attacher à elle. L’adaptation du manga de Norio Sakurai est déclinée en long métrage reprenant les deux premières saisons avec des scènes inédites. L’occasion de découvrir cette romance adolescente tendre et maladroite.

Super Charlie - au cinéma le 18 février 2026

Si comme moi, vous adorez Les Indestructibles (2004), vous serez d’accord sur le fait que le meilleur personnage de la super-famille était Jack-Jack. Le film d’animation suédois Super Charlie rappelle beaucoup le super nourrisson des studios Pixar, avec un bébé doté de pouvoirs variés qui va affronter un grand méchant, coaché par son grand frère. L’animation scandinave offrant souvent de bons délires (Ronal le Barbare, Mon ninja et moi), pourquoi pas ?

Jumpers - au cinéma le 4 mars 2026

Il était une fois une amoureuse de la nature qui transférait sa conscience à un robot castor : introduite dans la communauté de la forêt, elle va se retrouver au cœur d’un conflit entre animaux et humains ! Ce pitch, quelque part entre Avatar, Lucas fourmi malgré lui et Nos voisins les hommes, c’est celui de Jumpers, le nouveau film original des studios Pixar, par le créateur de We Bare Bears. On n’est pas à l’abri d’une pépite comme Alerte Rouge.

Allah n'est pas obligé - au cinéma le 4 mars 2026

Passé par le Festival d’Annecy en juin dernier, Allah n'est pas obligé est le premier long métrage de Zaven Najjar. Accompagné par les voix de SK 07, Thomas Ngijol, Marc Zinga et Annabelle Lengronne, il adapté le roman d’Ahmadou Kourouma -prix Renaudot et prix Goncourt des Lycéens 2000 - et suit les pas de Birahima, un orphelin guinéen d’une dizaine d’années lancé sur la route entre la Côte d’Ivoire et le Libéria, où il sera enrôlé comme enfant-soldat.

Planètes - au cinéma le 11 mars 2026

J’adore l’animation et tous les films listés sur cette page… mais Planètes est incontestablement l'œuvre qui m’interpelle le plus. Passée par Cannes et Annecy, cette épopée de quatre graines de pissenlit à la recherche d’un sol pour perpétuer leur espèce s’annonce comme un voyage merveilleux, sensoriel et muet au cœur du vivant. En mêlant prises de vues réelles et animation, la réalisatrice japonaise Momoko Seto nous propose une pépite unique en son genre.

Scarlet et l'éternité - au cinéma le 11 mars 2026

La Traversée du temps (2006), Summer Wars (2009), Les Enfants Loups, Ame & Yuki (2012), Le Garçon et la Bête (2015), Miraï, ma petite soeur (2018), Belle (2021) : autant de bijoux animés à mettre au crédit de Mamoru Hosoda. Le réalisateur revient avec Scarlet et l'éternité, une aventure fantasy au Pays des Morts en compagnie d’une princesse médiévale habitée par le deuil et la vengeance. Et on va le dire clairement : ça s’annonce sublime.

David - au cinéma le 18 mars 2026

L'histoire de David contre Goliath a, finalement, assez peu inspiré le cinéma. C’est cet affrontement entre le petit berger israélite et le géant philistin qui est raconté dans David, film d’animation ambitieux et musical qui rappelle les grandes heures du Prince d’Egypte (1998). C’est Timeo, révélé par The Voice Kids, qui prête son timbre lumineux au héros à la fronde, aux côtés d’Elie Semoun, Fabienne Carat et Féodor Atkine.

Art College 1994 - au cinéma le 18 mars 2026

Sélectionné en compétition aux festivals de Berlin et d’Annecy, Art College 1994 de Jian Liu (Have a Nice Day, 2018) nous ramène dans les années 90 en Chine, où un groupe d’étudiants va s’interroger sur la signification et le pouvoir de l’Art. De grands cinéastes comme Bi Gan (Un grand voyage vers la nuit) ou Jia Zhang-ke (Les Éternels / Ash is purest white) participent vocalement à ce projet animé pointu et cinéphile.

Lupin the IIIrd the Movie: la lignée immortelle - au cinéma le 25 mars 2026

Le petit-fils d’Arsène Lupin, également connu par certaines générations comme Edgar de la Cambriole, se lance dans sa treizième aventure cinéma avec La Lignée immortelle. Accessible aux fans comme aux néophytes, le long métrage entraîne le gentleman voleur et sa bande dans le Triangle des Bermudes, sur une île mystérieuse. L’occasion de renouer notamment avec les racines visuelles du personnage, imaginé en 1967 par Monkey Punch.

Walter Lapin - au cinéma le 25 mars 2026

Attention, pitch improbable mais très sympathique : Walter Lapin, c’est la rencontre entre une petite hérissonne qui rêve d’aventures et un lapin amnésique -et épuisé, il a tout de même 53 enfants !- qui se prend pour un chevalier. Voilà présenté le duo du nouveau film d’animation de la réalisatrice de Magic ! (2022), produit entre le Luxembourg et la France, qui devrait vivre de folles aventures entre des pirates et les habitants hauts en couleurs de leur ville.

Super Mario Galaxy Le Film - au cinéma le 1er avril 2026

La première collaboration entre Nintendo et Illumination a fait des étincelles avec Super Mario Bros., le film (2023). Les frangins plombiers, Peach et Bowser sont de retour dans Super Mario Galaxy Le Film, qui élargit le terrain de jeu (vidéo) et invite de nouveaux personnages comme Bowser Jr. et la Princesse Harmonie (ou Rosalina pour les puristes). Objectif pour cette suite : faire aussi bien -voire mieux- que les 1,3 milliards de dollars au box-office du premier film. Here We Go !!!

Elfie et les Super Elfkins - au cinéma le 6 mai 2026

Pendant les fêtes de Noël 2021, on s’était régalés avec Les Elfkins : Opération pâtisserie. Les espiègles lutins sont de retour cette année (il y a décidément beaucoup de suites animées en 2026 !) dans Elfie et les Super Elfkins, pour une nouvelle aventure où il ne s’agit plus de sauver une pâtisserie mais leur monde magique, menacé par les humains. Heureusement, Elfie pourra compter sur de nouveaux amis et leurs inventions plus loufoques les unes que les autres !

Junk World - au cinéma le 13 mai 2026

En 2022, on découvrait Junk Head : un OVNI de science-fiction en stop motion tourné en autodidacte et en solo par Takahide Hori pendant sept ans, dont l’univers singuliers, dérangeant et fascinant interroge l’immortalité et l’Humanité. Le Japonais revient en 2026 avec Junk World, qui poursuit son exploration de ce monde souterrain, entre humains, clones, cyborgs et robots, un millénaire avant le film original. Avec une nouvelle claque au rendez-vous ?

ChaO - au cinéma le 13 mai 2026

Prix du jury du Festival du Film d’Animation d’Annecy l’an dernier, ChaO nous plonge (littéralement) au pays des sirènes, où un modeste employé de bureau humain va tomber sous le charme d’une princesse à nageoire. Cette romance entre deux mondes, inattendue et touchante, marque le premier long métrage de Yasuhiro Aoki, animateur sur Le Seigneur des Anneaux : La Guerre des Rohirrim (2024) et Mutafukaz (2018).

Nouveaux copains à Puffin Rock - au cinéma le 3 juin 2026

Puffin Rock, c’est une série adorée des jeunes abonné.es Netflix. Depuis 2015, on y suit les aventures du petit oiseau Oona sur une île au large de l'Irlande. L’univers chaleureux et coloré s’invite sur grand écran dans Nouveaux copains à Puffin Rock, avec un bestiaire élargi et un œuf à sauver. Cette sortie pourrait sembler anecdotique, mais rappelons que Gabby et la Maison Magique, également né sur la plateforme, a dépassé les 600 000 entrées en France !

Toy Story 5 - au cinéma le 17 juin 2026

On pensait que les aventures de Buzz, Woody et des jouets d’Andy avaient trouvé une conclusion (bouleversante) dans Toy Story 3 (2010). Pixar continue pourtant de revisiter ses personnages cultes, et après les adieux de Toy Story 4 (2019) et l’aventure spatiale de Buzz l’éclair (2022), la petite bande se retrouve dans Toy Story 5 face à une nouvelle menace : les tablettes. Est-ce que ce nouvel opus sera le film de trop ? Ou un renouveau réussi ? Réponse en juin ! 

Jim Queen - au cinéma le 17 juin 2026

« Un long métrage d'animation de dur à queer ! » C’est ainsi que se présente Jim Queen, projet participatif qui raconte l’histoire d’une icône de la scène gay parisienne qui voit sa vie basculer lorsqu’il contracte un virus qui transforme les hommes gays en hétérosexuels. Il se met en quête d’un remède pour sauver la communauté LGBTQIA+ ! Alex Ramires, Jérémy Gillet et Shirley Souagnon donnent de la voix dans ce délire aussi étonnant que rafraîchissant.

Minions 3 - au cinéma le 1er juillet 2026

Depuis leurs débuts dans Moi, Moche et Méchant (2010), les Minions sont devenus des personnages adorés des spectateurs et de vraies icônes de la pop culture. Leurs bêtises hilarantes, leur langue improbable et leur naïveté touchante ont fait des petits bonhommes jaunes en salopette des créatures qu’on adore retrouver régulièrement. Ce sera le cas cette année dans Les Minions 3, dont l’intrigue est gardée secrète. On sait juste que ce sera drôle, comme toujours !

La Fille dans les nuages - au cinéma le 22 juillet 2026

Après les univers poétiques de L'Ecume des jours (2013) et L'Extraordinaire voyage du Fakir (2018), les équipes de Brio Films se lancent dans le premier projet animé. Adapté du roman La Fille qui avala un nuage gros comme la tour Eiffel de Romain Puertolas, La Fille dans les nuages entraîne une jeune Parisienne (Louane Emera) dans une aventure enchantée et écologique au pays des contes, accompagnée du hamster Airbag (Jamel Debbouze) et d'une plume magique.

La Pat' Patrouille : Le film mission Dino - au cinéma le 5 août 2026

Ryder et ses chiens Chase, Marcus, Ruben, Rocky, Zuma et Stella sont de retour au cinéma ! Parallèlement à la série animée qui enchante petits et grands (moi j’adore !) depuis 2013, la Pat’ Patrouille enchaîne les succès sur grand écran : 1,4 millions d’entrées en 2021, 2,3 millions d’entrées en 2023… le succès devrait donc encore être au rendez-vous pour La Pat' Patrouille : Le film mission Dino, encore plus si on ajoute des sauriens au programme !

Coyote vs. Acme - au cinéma le 26 août 2026

Voilà un film qu’on ne pensait jamais voir : annulé avant sa sortie par la Warner, Coyote vs. Acme a été sauvé grâce à la mobilisation des fans et sortira bien au cinéma, sous la bannière d’un autre studio. Le pitch est savoureux : le pauvre Coyote décide d’intenter un procès au fabricant de gadgets ACME, dont les produits se sont toujours avérés défectueux. Il sera aidé dans son dossier par l’avocat John Cena. Et si on tenait le nouveau Roger Rabbit ?

Tad l’explorateur et la lampe merveilleuse - au cinéma le 26 août 2026

Dans la grande famille des aventuriers de cinéma, il y a Indiana Jones, Lara Croft, Benjamin Gates et… Tad l’explorateur ! J’ai découvert ce personnage -et son compagnon momie- en 2013, et je regarde à chaque fois avec plaisir leurs nouvelles aventures. Après la Cité perdue, Le Secret du Roi Midas et la Table d’Emeraude, l’archéologue imaginé par Enrique Gato tentera de mettre la main sur une lampe merveilleuse. Un génie sera t-il de la partie ? Réponse cet été !

Ma famille de samouraïs - au cinéma le 23 septembre 2026

Il était une fois une histoire d’origines et de racines, entre le Japon et le Brésil. C’est cette quête que raconte Célia Catunda (Tarsilinha, 2021) dans son nouveau film d’animation Ma famille de samouraïs. Ou comment un jeune garçon, dans les années 80, demande à son grand-père de lui raconter sa jeunesse dans les années 1920, au moment où il a quitté l’Asie pour l’Amérique du Sud. Il y a quelque chose de Pachinko (2022-) dans cette histoire, et ça me plaît beaucoup.

Le Corset - au cinéma le 14 octobre 2026

Louis Clichy a été animateur chez Pixar (WALL.E, Là-haut) avant de co-réaliser Astérix - Le Domaine des Dieux (2014) et Astérix - Le Secret de la Potion Magique (2018) en compagnie de Alexandre Astier. Avec Le Corset, dont le coup de crayon est plus que prometteur, il signe son premier long métrage en solo en racontant l’histoire d’un jeune garçon de ferme « qui penche », et que son père affuble d’un appareil orthopédique. Je suis très curieux de découvrir ce film.

Mochy, le chien le plus moche du monde - au cinéma le 14 octobre 2026

On pensait que le toutou le plus laid de la planète avait été immortalisé dans Deadpool & Wolverine. L’animation a peut-être trouvé encore plus repoussant que Dogpool avec Mochy, le chien le plus moche du monde (de son vrai nom Yugly, en version originale). On sait très peu de choses sur cette production franco-belge développée par nWave Pictures (Les Inséparables, Royal Corgi, Hopper et le Secret de la Marmotte), mais au vu du titre, ça s’annonce rigolo !

Carmen l'oiseau rebelle - au cinéma le 21 octobre 2026

Voilà une autre proposition hexagonale qui s’annonce originale et unique. Et c’est ce que j’aime dans l’animation, cette variété de styles, d’univers et d’histoires ! Après La Jeune Fille Sans Mains (2016) et Linda veut du poulet ! (2023), Sébastien Laudenbach nous entraîne en Andalousie, en 1840, aux côtés de Carmen l'oiseau rebelle, une chanteuse gitane menacée par un funeste présage et qu’une bande de gamins des rues va tenter de sauver. 

Shaun le Mouton : La Bêêête d'Halloween - au cinéma le 21 octobre 2026

Dans le monde de la stop motion, la patte Aardman est unique. Leurs créations aussi. Wallace et Gromit, les poulets de Chicken Run et l’hilarant mouton Shaun composent ainsi le bestiaire en pattes à modeler de ces génies britanniques, qui s’attaquent cette année à La Bêêête d'Halloween, une histoire pleine de (gentils) frissons pour la Toussaint. Si c’est aussi bien que Le Mystère du Lapin-Garou (2005), c’est un grand oui ! Ou un grand « Bêêê ! », au choix.

L'Île oubliée - au cinéma le 21 octobre 2026

L’entrée 2026 des studios DreamWorks (Shrek, Kung Fu Panda, Dragons) est un film original. Dans L'Île oubliée, deux amies se retrouvent échouées sur la mystérieuse Nakali : le seul moyen de rentrer chez elles pourrait alors leur coûter toute une vie de souvenirs et d'émotions. Réalisateurs sur Le Chat Potté 2, Joel Crawford et Januel P. Mercado sont chargés de mettre en images ce pitch énigmatique, inspiré du folklore philippin.

Le Chat Chapeauté - au cinéma le 4 novembre 2026

Du Chat Potté au Chat Chapeauté, il n’y a qu’un pas ! Ou qu'une moustache, au chat au choix ! Le personnage né de l’imagination du Dr. Seuss, déjà adapté en 2003 avec Mike Myers sous le maquillage, prend vie en animation, avec pour mission d’aider deux frères et sœurs qui ont du mal à s'installer dans une nouvelle ville. La voix et l’humour de Bill Hader devraient y faire des merveilles, tout comme la bande de « Trucs » teasée par la bande-annonce.

Hexed - au cinéma le 25 novembre 2026

Hexed (que l’on peut traduire par « ensorcelée » en français), c’est le Disney de Noël 2026. Un film original qui tentera de faire aussi bien que les 8 millions d’entrées de Zootopie 2 (2025), en explorant un nouvel univers plein de magie et de sortilèges. Seules quelques images ont filtré sur cette production prometteuse, qui semble croiser les ambiances de Alice au pays des merveilles (1951), Encanto (2021) et L’Etrange Noël de M. Jack (1993). 

Astérix – Le Royaume de Nubie - au cinéma le 2 décembre 2026

Le dernier film d’animation autour des irréductibles Gaulois remonte à 2018, avec Le Secret de la potion magique. Entre-temps, Netflix nous a proposé un réjouissant Combat des Chefs (2025). Le tandem Alexandre De La Patellière & Matthieu Delaporte (Le Comte de Monte-Cristo) prend la relève d’Alexandre Astier et Alain Chabat pour Astérix – Le Royaume de Nubie, une aventure originale en Afrique qui prolonge l’héritage de Goscinny et Uderzo.

Le Royaume des mers - au cinéma le 16 décembre 2026

Depuis Le Vilain Petit Canard, les contes pour enfants aiment raconter les destins de personnages ostracisés par le groupe, qui finissent par prendre leur envol. C’est un schéma qui revient régulièrement dans le cinéma d’animation, et qu’on retrouvera dans Le Royaume des mers, où un monstre marin qui ne sait pas nager trouvera les ressources nécessaires pour se dépasser. Entre Luca et Happy Feet, ça devrait être un joli moment pour un Noël au cinéma. 

Angry Birds 3 - au cinéma le 23 décembre 2026

Les volatiles énervés imaginés par Rovio Entertainment ont fait du chemin depuis leur création en 2009. L’application (très addictive, je parle d'expérience) a ainsi donné lieu à des séries animées et une trilogie sur grand écran dont le dernier chapitre clôturera l’année cinéma. On sait encore peu de choses sur Angry Birds 3, qui verra revenir Red, Chuck et Bomb, accompagnés d’un petit nouveau doublé par Psalm West, le fils de Kanye West et Kim Kardashian.

C’est un sacré paradoxe de voir que l’IA soulève des débats houleux et des craintes existentielles sur notre propre obsolescence,  tandis que le cinéma s’évertue à nous prouver que les machines ont une âme. Peut-être est-ce pour nous rassurer nous-mêmes ? Si les robots sont gentils, alors nous n’avons rien à craindre d’eux.

En tout cas, dans certains films, ces machines sont souvent plus gentilles que les humains, et sont prêtes aux plus grands sacrifices pour le prouver. Qu’ils soient des nounous dévouées, des guerriers repentis, des nettoyeurs solitaires ou des robots qui aimeraient être humains, ils partagent tous un point commun : ils ont réussi à nous faire verser une larme. Pour JustWatch, je vous partage les 9 circuits imprimés les plus bouleversants du grand écran.

WALL·E (2008)

WALL·E (1h37) n’est pas seulement un film sur l’écologie, c’est aussi une romcom muette post-apocalyptique. C’est d’ailleurs l’un des exploits de Pixar : réussir à véhiculer les émotions à travers des bruits de vérins hydrauliques et des « bips » électroniques, sans un mot, pendant toute une partie du film. Ce qui marque, c’est l’immense solitude de ce petit robot dernier gardien d’une humanité qui a fui, triant nos erreurs depuis 700 ans. WALL·E est un archiviste du futur, condamné au silence perpétuel. Puis un jour, il tombe amoureux d’EVE, un robot au design épuré, et se lance dans une folle aventure dans le seul but de lui tenir la main. 

Finalement, WALL·E est le personnage avec la plus grande humanité du film, nous rappelant que ce n’est pas une question de biologie, mais bien de liens et de sentiments. C’est le film parfait pour les romantiques et les défenseurs de l’environnement, à la recherche d’une oeuvre bien plus adulte qu’il n’y paraît.

Roz - Le Robot Sauvage (2024)

Dans la même veine que WALL·E, on pourrait croire que Le Robot sauvage (1h41) est un film sur l’écologie destiné aux enfants. Détrompez-vous. Si l’écologie est effectivement au cœur de l’histoire, les adultes sont assurés de verser leur larme. Visuellement, c’est une claque, une sorte de peinture en mouvement. Roz (l'unité ROZZUM 7134) s'échoue sur une île hostile avec son mode d'emploi d'assistante parfaite pour les humains. Elle cherche désespérément une tâche à accomplir au milieu de la nature et des bêtes sauvages qui la voient comme un monstre.

Pourtant, une mission lui tombe tragiquement dessus, puisqu’elle se retrouve à devoir élever Joli-Bec, un oison chétif et orphelin dont elle a accidentellement tué la famille. Roz doit alors dépasser sa programmation pour pouvoir comprendre les besoins du vivant. Elle essaie, échoue, recommence, tout cela pour pouvoir s’occuper de Joli-Bec et lui apprendre à voler pour qu’il puisse migrer avant l’hiver. 

Mikki - Arco (2025)

Arco (1h29), c’est de la SF silencieuse, précise, poétique, signée Ugo Bienvenu, qui n’a pas besoin de trop en dire. Arco, c’est le nom d’un petit garçon qui vient de l’année 2932, une époque presque idyllique où la nature a repris ses droits, et voyage en 2075. Il y rencontre Iris, une gamine dont les parents trop occupés ne sont plus que des hologrammes. Fort heureusement, elle peut compter sur Mikki, un robot qui s’occupe de tout.

Il aime, ne juge pas, rassure, et se montre présent pour affronter tous les dangers. Au milieu d’un monde où les catastrophes naturelles sont quotidiennes, où les robots remplacent les profs, la police et les services publics, Mikki est une lueur d’humanité. Ici, c’est une sorte de fable à la Miyazaki version française et futuriste. Un film qui en met plein la vue, avec la mélancolie comme couleur primaire. Pour continuer dans la SF française animée, Mars Express (2023) est un incontournable. 

Baymax - Les Nouveaux Héros (2014)

Dans Les Nouveaux Héros (1h42), contrairement à ce qu’on pourrait croire, Baymax n’est pas un guerrier robotique, mais plutôt un infirmier personnel, un « marshmallow » technologique programmé pour l’empathie et le soin. Le résultat de toute la bonté et l’amour de son créateur : Tadashi, le frère défunt du jeune Hiro.

Dévasté par la mort brutale de son frère, il tente de transformer ce robot de soin en machine de vengeance. Mais Baymax ne comprend pas la haine.  A l’opposé de Roz, qu’on a vu plus haut, Baymax est programmé pour l’empathie, et c’est probablement le plus touchant. Cette rencontre animée entre Marvel et Disney, c’est le film câlin par excellence, qui nous tire une larme autant qu’il nous fait rire. 

Le Géant de fer (1999)

Le Géant de fer (1h26) nous plonge en 1957, en pleine paranoïa de la Guerre Froide, où tout ce qui vient du ciel est suspect. C’est là qu’Hogarth, un gamin solitaire élevé par une mère célibataire, découvre et cache un titan de métal de 30 mètres, qui est en fait une arme de destruction massive venue d’ailleurs. Comme Roz, nous voyons ce géant de fer lutter contre sa propre nature.

Conçu pour tuer, armé dans chaque recoin de sa carcasse, il choisit de s’inspirer d’Hogarth et de Superman plutôt que de la guerre. Tout le film est une course contre la fatalité :  d’un côté l’armée américaine voulant le détruire, de l’autre, son propre apprentissage. C’est un fable loin du cynisme, qui nous montre qu’on est ce qu’on a choisi d’être. Le film parfait pour les fans d’E.T. l’extra terrestre, qui aiment voir l'innocence d’un enfant donner une chance à quelque chose qui fait peur. 

T-800 - Terminator 2 : Le Jugement dernier (1991)

James Cameron a réussi à nous faire pleurer pour un robot tueur dans Terminator 2 : Le Jugement dernier (2h17), c’est fort non ? Pourtant, il n’est pas gentil, il est juste en mission. Le T-800, ce vieux modèle obsolète par rapport au T-1000, doit protéger l’adolescent John Connor sous les yeux d’une Sarah Connor terrifiée. Le cyborg, joué par un Arnold Schwarzenegger au sommet de son art, apprend l’humanité par mimétisme et discipline, en assimilant le jargon, l’humour, les codes sociaux. 

On se souvient de cette fameuse phrase « Je sais maintenant pourquoi vous pleurez, mais c’est quelque chose que je ne pourrai jamais faire », qui nous rappelle que c’est un robot qui a suffisamment compris l’humanité pour avoir le sens du sacrifice. Mais ce n’est que lors de ce fameux pouce levé que j’ai versé ma larme. C’est brutal. 

Le Robot - Robot & Frank (2012)

Dans Robot & Frank (1h29), on suit Frank (l'immense Frank Langella), un ancien cambrioleur à la retraite dont la mémoire part en lambeaux, forcé par son fils d'accepter un robot d'assistance médicale. Au départ, le ton reste léger, surtout lorsque Frank voit en cette machine une opportunité de relancer sa carrière de voleur de bijoux. Mais les choses se détériorent et le robot devient littéralement la mémoire externe de Frank, son dernier point d’ancrage au réel.

Ce film traite de la technologie avec beaucoup de douceur, et comme un prétexte pour parler de la solitude et de la perte de soi. C’est aussi une bonne manière de parler de la fin de vie et de la dignité sans tomber dans le pathos excessif. Si vous avez aimé Robot & Frank, The Father (2020) est un incontournable, même s’il brise le cœur en 1000 morceaux. 

Andrew - L’Homme bicentenaire (1999)

L’Homme bicentenaire (2h12) de Chris Columbus peut être regardé de deux manières différentes : soit c’est une comédie familiale à la Mrs. Doubtfire, soit c’est une tragédie existentielle qui nous laisse sur le carreau. On y suit Andrew (Robin Williams, bouleversant de retenue sous ses prothèses), un robot domestique livré à la famille Martin qui, sur une période vertigineuse de deux siècles, va développer quelque chose d’inimaginable pour un robot : une âme. Alors qu’il voit ses proches vieillir et mourir, il finit par vouloir devenir humain.

Le film a beaucoup de longueurs, la mise en scène de Chris Columbus est parfois chargée en bons sentiments hollywoodiens, et nous sommes loin de la rigueur d’Isaac Asimov (l’auteur de l'œuvre d’origine). Cependant, l’histoire est vraiment émouvante, et on ne peut résister au visage rempli d’empathie de Robin Williams. Si vous n’avez pas peur des films un peu Kitsch, et que vous aimez la filmographie de Columbus (Maman j’ai raté l’avion, Harry Potter), lancez vous ! Rien que pour la réflexion philosophique que nous impose le film, ça vaut le coup.

David - A.I. Intelligence artificielle (2001)

A.I. Intelligence artificielle (2h26) est le bébé né du cynisme froid de Stanley Kubrick (qui a initié le projet) et du sentimentalisme de Steven Spielberg. Résultat ? Un conte de fées qui se transforme en cauchemar existentiel. Le concept de base est d’une cruauté absolue : David (Haley Joel Osment), est un « Mecha » enfant programmé à aimer d’un amour inconditionnel. Le problème est qu’il est condamné à aimer sa mère, Monica, qui ne l’aime pas en retour.

Ce film, c’est un peu la version hardcore de Pinocchio. David a pour seul but de devenir un véritable petit garçon pour être un bon fils et enfin être aimé. Il nous interroge sur des questions existentielles qui empêcheraient de dormir le plus fatigué des koalas. Quelles responsabilités avons-nous envers nos créations ? Quels droits pouvons-nous exercer sur elles à partir du moment où elles ont une conscience ? A l’heure où les IA inondent notre quotidien et ne cessent de progresser, c’est un film particulièrement d’actualité. On est à mi-chemin entre le Pinocchio (2022) de Guillermo del Toro et Ex Machina (2015) d’Alex Garland.

Après un cru français 2024 exceptionnel emmené par Un p’tit truc en plus, Le Comte de Monte-Cristo et L’Amour ouf, 2025 a marqué le pas, avec des succès mitigés… voire décevants, à l’image d’une année cinéma en demi-teinte. Qu’on se rassure, 2026 devrait relancer la machine tricolore et à nouveau faire le plein d’entrées !

Comédies populaires, thrillers prenants, biopics autour de grands destins, adaptation ambitieuses : il y en aura pour tous les goûts tout au long de ces douze mois de cinéma made in France. JustWatch vous propose un calendrier des œuvres qui devraient faire l’événement, hors films d’animation (qui auront droit à leur propre liste) et hors films non datés (beaucoup sont en montage... et en attente de sélections en festivals).

Gourou - au cinéma le 28 janvier 2026

Absent des écrans depuis le triomphe de Monte-Cristo (près de 9,5 millions d’entrées), Pierre Niney fait son grand retour au cinéma avec Gourou. Devant la caméra du réalisateur de Boîte Noire (2021), Yann Gozlan, il se glisse dans la peau du coach personnel le plus influent de France, et interroge la frontière entre libre arbitre et influence et explore le business de la motivation alors que ces figures ne cessent d’émerger sur les réseaux sociaux.

Marsupilami - au cinéma le 4 février 2026

Quatorze ans après l’adaptation d’Alain Chabat (Sur la piste du Marsupilami, 2012), Philippe Lacheau s’empare de l’adorable bestiole jaune et noire pour une comédie où devrait briller son sens du gag. Toujours accompagné de sa bande, mais aussi de Jamel Debbouze qui reprend son rôle, le réalisateur, désormais incontournable dans la comédie française, quitte les forêts de Palombie pour lâcher le Marsupilami en mer. La croisière va s’amuser… et nous avec !

LOL 2.0 - au cinéma le 11 février 2026

En 2009, LOL de Lisa Azuelos était un vrai film générationnel, dont les histoires et amours adolescentes ont bercé de nombreux spectatrices et spectateurs (plus de 3 millions d’entrées et des revisionnages en boucle en vidéo). Dix-sept ans plus tard, la réalisatrice retrouve Sophie Marceau et sa propre fille Thaïs Alessandrin -qui jouait la petite sœur dans le premier film- pour suivre sa vie de jeune adulte à Paris dans LOL 2.0, entre métro, boulot, « potos » et réseaux. 

Les Enfants de la Résistance - au cinéma le 11 février 2026

Ils s’appellent François, Eusèbe et Lisa, et ils traversent la Seconde Guerre mondiale et l’Occupation en tentant de résister aux Nazis, à hauteur d’enfants. Après Les Choristes (2004) et Faubourg 36 (2008), Christophe Barratier revisite la BD à succès Les Enfants de la Résistance, où le trio Lucas Hector / Nina Filbrandt / Octave Gerbi est notamment entouré de Artus, Gérard Jugnot et Pierre Deladonchamps.

L’Infiltrée - au cinéma le 11 février 2026

Que ce soit sur scène ou au cinéma, Ahmed Sylla est l’un des visages les plus attachants de l’humour français. Et un expert dans l’art de disparaître derrière ses personnages. Avec L’Infiltrée, il coiffe aussi la casquette de réalisateur pour raconter son enquête délirante sous la perruque de Lupita au sein d’une organisation criminelle menée par Kaaris (à contre-emploi total !). On lui souhaite de retrouver les cimes du box-office de L'Ascension (2017). 

Le Rêve américain - au cinéma le 18 février 2026

Il était une fois le fabuleux destin de Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana. Dans Le Rêve américain, Jean-Pascal Zadi et Raphaël Quenard revivent le parcours semé d’embûches des deux amis de Grigny, qui ont réalisé leur rêve en devenant deux des agents NBA les plus influents de la ligue de basketball américaine (ils gèrent les affaires de Victor Wembanyama, notamment). C’est Anthony Marciano (Les Gamins, Play) qui raconte cette histoire aussi émouvante qu’inspirante.

Coutures - au cinéma le 18 février 2026

Quatre ans après Revoir Paris (2022), qui avait offert à Virginie Efira le César de la Meilleure actrice, Alice Winocour dirige Angelina Jolie, Ella Rumpf et Anyier Anei dans le rôle de trois femmes dont les destins vont se croiser durant le tumulte de la Fashion Week. Dans Coutures, devraient une nouvelle fois briller la sensibilité, la pudeur et la délicatesse de la cinéaste, mais également un esprit de sororité et de solidarité entre ses trois protagonistes.

Les K D'OR - au cinéma le 11 mars 2026

Avec Les K D’OR, Jeremy Ferrari passe derrière la caméra, et on est très curieux de voir comment l’humour corrosif et engagé du comique pourra résonner dans cette aventure dans le désert du Sahel, sur les traces de l’or de Kadhafi (dont il est le fils caché !). Laura Felpin et Eric Judor l’accompagnent pour ce délire ensablé, qui devrait offrir son lot de gags politiquement incorrects et de caméos, ses amis Arnaud Tsamère et Baptiste Lecaplain en tête.

Les Rayons et les ombres - au cinéma le 18 mars 2026

Voilà cinq ans que Illusions Perdues (2021) a triomphé aux César. Xavier Giannoli revient avec un drame historique, qui raconte trois destins sous l’Occupation : un grand patron de presse ardent promoteur de la Collaboration avec l'occupant ; sa fille qui se lance dans une carrière d’actrice ; et un jeune francophile allemand devenu ambassadeur du Reich à Paris. Pour ce récit en eaux troubles, le cinéaste dirige pour la première fois Jean Dujardin.

Fausse note - au cinéma le 25 mars 2026

Kad Merad face à Benoît Poelvoorde, ça pourrait annoncer une comédie énorme. Fausse note sera pourtant un drame, en huis clos, qui confronte un célèbre chef d’orchestre et un admirateur envahissant le temps d’une nuit où un passé commun et des vérités majeures vont remonter à la surface. Le film, très intrigant sur le papier, pourrait marquer le retour en grâce d’Alexandre Arcady, lui qui avait brillé au box-office avec Le Grand pardon (1982) et L'Union sacrée (1989). 

Mauvaise Pioche - au cinéma le 1er avril 2026

2026 s’annonce comme une année chargée pour Gérard Jugnot : acteur dans Marsupilami, Les Enfants de la Résistance et Ducobu et le fantôme de Saint-Potache, le comédien retrouve aussi son fauteuil de réalisateur avec Mauvaise Pioche, l’histoire d’un paisible retraité confondu avec l’homme le plus recherché de France. Philippe Lacheau, Thierry Lhermitte, Jean-Pierre Darroussin, Michèle Laroque et Zabou Breitman -entre autres- seront sur sa route.

Compostelle - au cinéma le 1er avril 2026

Voilà une autre histoire qui prend la route : Compostelle s'engage sur le chemin du célèbre pèlerinage, sur les pas d’une femme (Alexandra Lamy) et d’un adolescent en rupture, réunis par une association. Adapté de l’histoire vraie racontée dans le roman Marche et invente ta vie de Bernard Olivier, ce drame racontera comment les épreuves de la randonnée tisseront des liens entre ces deux êtres blessés. Avec à la clé un succès similaire à Sur les chemins noirs (2023) ?

Pour le meilleur - au cinéma le 15 avril 2026

En 2015, la réalisatrice Marie-Castille Mention-Schaar avait ému les spectateurs avec sa pépite Les Héritiers. Cette année, dans Pour le meilleur, elle raconte comment Philippe Croizon, amputé des quatre membres après un accident domestique, va découvrir sa deuxième vie, rencontrer l’amour et se lancer dans une traversée de la Manche à la nage. A l’écran, Pierre Rabine et Lilly-Fleur Pointeaux incarnent ce destin hors du commun.

Pour le plaisir - au cinéma le 6 mai 2026

Pour le plaisir, c’est une chanson mythique d’Herbert Léonard. C’est aussi le titre de cette comédie signée Reem Kherici (Chien & Chat), librement inspirée de l’histoire des inventeurs… du Womanizer ! François Cluzet et Alexandra Lamy incarnent ce couple qui va révolutionner le monde des sextoys et offrir l’orgasme à des millions de femmes à travers le monde. 15 ans après, c’est un peu l’héritier du film britannique Oh My God ! (2011).

La Bataille de Gaulle : L’âge de fer - au cinéma le 10 juin 2026

La Bataille de Gaulle : J’écris ton nom - au cinéma le 3 juillet 2026

Après Le Chant du loup (1,5 millions d’entrées en 2019), Antonin Baudry replonge dans le film de guerre avec un projet aussi ambitieux qu’attendu : une évocation du destin de Charles de Gaulle entre 1940 et 1945. Le réalisateur livre pour l’occasion non pas un mais deux longs métrages (L’Âge de fer et J’écris ton nom), qui sortiront à un mois d’intervalle, emmenés par Simon Abkarian sous l’uniforme du Général.

Les Caprices de l’Enfant Roi - au cinéma le 24 juin 2026

Artus en Cyrano de Bergerac, Franck Dubosc en D'Artagnan, Nemo Schiffman en Molière, Julia Piaton en Madeleine Béjart, Doria Tillier en Anne d'Autriche : Michel Leclerc (Le Nom des gens) convoque une superbe distribution pour Les Caprices de l’Enfant Roi, fantaisie historique qui revisite la jeunesse du futur Roi Soleil Louis XIV, caché au sein d’une troupe de théâtre où il découvre la vie, l’art, le courage et la stratégie qui feront de lui un souverain légendaire.

De la Comédie-Française - au cinéma le 22 juillet 2026

Découvert avec le génial programme court Broute (2018-2022), Bertrand Usclat passe derrière la caméra avec son cocréateur Martin Darondeau. Dans De la Comédie-Française, ils arpentent les coulisses d’une pièce de théâtre, alors que la troupe, confrontée à de multiples aléas à quelques heures du lever de rideau, va tout faire pour maintenir et assurer la représentation. Quatre prix et beaucoup d'applaudissements sont venus saluer le film au Festival de Comédie de l'Alpe d'Huez.

Tu me diras - au cinéma le 19 août 2026

J’adore Pierre Lottin. Au-delà de son rôle hilarant dans la saga Les Tuche, le comédien a brillé dans Un Triomphe (2020), La Bataille du rail (2021) et En fanfare (2024). Cet été, il sera en tête d’affiche de Tu me diras, en sous-officier du RAID en charge de la sécurité de l’Ambassade de France à Kaboul alors que les Talibans entrent dans la ville. La présence de Radu Mihaileanu (Le Concert, La Source des femmes), absent des plateaux depuis dix ans, devrait apporter beaucoup d’émotions à cette histoire. 

Le Fantôme de l'Opéra - au cinéma le 23 août 2026

On oublie souvent que Le Fantôme de l’Opéra est une œuvre française, publiée en 1910 par Gaston Leroux. Si cette histoire à la lisière du fantastique a beaucoup été adaptée outre-Atlantique, elle n’a jamais eu de version hexagonale majeure. 2026 va changer cela avec un projet ambitieux porté par Alexandre Castagnetti (Tamara), où on retrouvera Deva Cassel en héroïne tragique confrontée au fantôme Julien De Saint-Jean. Vous avez dit prometteur ?

Les Misérables - au cinéma le 14 octobre 2026

Vincent Lindon en Jean Valjean, Tahar Rahim en Javert, Camille Cottin et Benjamin Lavernhe en Thénardier, Noémie Merlant en Fantine, Vassili Schneider en Marius, Megan Northam en Cosette… La nouvelle adaptation des Misérables, signée Fred Cavayé, est l’un des événements de la rentrée. Et même de l’année, avec 33 millions d’euros de budget et une ambition majeure. C’est le rôle dont rêvait Vincent Lindon, et on a hâte de le voir en Valjean. 

Juste une illusion - au cinéma le 14 octobre 2026

Une année difficile (2023) avait quelque peu déçu les amoureux du cinéma de Olivier Nakache et Eric Toledano. Les réalisateurs de Intouchables (2011) et Le Sens de la fête (2017) reviennent cette année avec Juste une illusion, portrait d’un jeune ado de 13 ans, bloqué entre deux âges et dans ses réflexions et ses doutes sur l’identité, l’amitié, la famille, la religion, le désir et l’amour. Ça s’annonce drôle, touchant et humain, et c’est ce qu’on aime chez le duo.

Karma - au cinéma le 21 octobre 2026

Remis du rouleau compresseur Astérix et Obélix : L'Empire du Milieu (2023), qui l’avait confronté à des critiques violentes (et pas toujours fondées d'ailleurs), Guillaume Canet signe son neuvième long métrage avec Karma, un retour au thriller après le succès de Ne le dis à personne (2006). Le film marquera aussi sa neuvième collaboration avec Marion Cotillard, dans le rôle d’une femme qui fuit son passé entre l’Espagne et la France. 

Moulin - au cinéma le 28 octobre 2026

La même année que le diptyque dédié à Charles de Gaulle, les spectateurs français découvriront un autre biopic majeur, dédié à Jean Moulin. Devant la caméra de László Nemes (Le Fils de Saul, 2015), Gilles Lellouche campe cette figure majeure, parachuté en France occupée pour unifier les réseaux de la Résistance et qui, capturé, ne cédera jamais malgré la torture de la Gestapo et de Klaus Barbie (Lars Eidinger).

Kaamelott – Deuxième Volet [partie 2] - au cinéma le 11 novembre 2026

Avec à peine 1 million d’entrées (contre 2,7 millions pour son prédécesseur), Kaamelott – Deuxième Volet partie 1 (2025) a été l’une des déceptions de l’année cinéma. On espère que les spectateurs seront au rendez-vous de la partie 2 pour permettre à Alexandre Astier et ses chevaliers de poursuivre (et conclure ?) leur quête du Graal dans un quatrième et dernier film. Avec le retour de Perceval ? (on croise les doigts)

Badinter - au cinéma le 11 novembre 2026

De Gaulle, Moulin… et Badinter : quelle année pour les biopics français ! C’est Jérémie Renier qui incarnera cette grande figure de la politique hexagonale, célébré pour son combat pour l’abolition de la peine de mort et la dignité de ses discours. Avant le comédien belge, Charles Berling avait incarné Robert Badinter dans l’unitaire L’Abolition (2008). A noter qu’un autre film, porté par Guillaume Canet, est également en projet autour de son parcours.

Un bon patron - au cinéma le 11 novembre 2026

Après sa trilogie Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu (2014-2021), Philippe de Chauveron adapte le succès espagnol El buen patrón (2021). Didier Bourdon y reprend le rôle de Javier Bardem, un dirigeant qui va tenter de sauver son usine, entre paternalisme et autorité. Avec la patte populaire du réalisateur et une sortie arrêtée sur un jour férié traditionnellement générateur d’entrées, Un bon patron a tout pour devenir l’un des grands succès français de l’année.

2026 va être une année bien remplie. Entre les retours de séries événement, les nouvelles œuvres et les reboots, il n’y aura aucun répit ! Cette nouvelle année laisse aussi entrevoir quelques paris risqués qui peuvent soit connaître un immense succès, soit totalement se casser la figure.

Tout ce qu’on espère, ce sont de bons scénarios, de bons acteurs et actrices, et plein d’émotions. Et je sais à quel point ça peut être angoissant de se demander ce qu’on pourrait regarder… Même pour moi, alors que c’est mon métier ! J’ai donc essayé de vous faire une belle liste de séries attendues au tournant en 2026, et qui vont sans doute être au centre de plein de conversations… en bien ou en moins bien ! 

A Knight of the Seven Kingdoms — disponible sur HBO Max

C’est Game of Thrones (2011-2019) à échelle humaine. Loin des effets visuels et pyrotechniques qui veulent en mettre plein la vue comme House of the Dragon (2022-) et ses batailles épiques à dos de dragons, A Knight of the Seven Kingdoms (2026-) fait le pari de l’intimité. On y suit les pérégrinations de Ser Duncan le Grand, un chevalier errant un peu naïf, et de son écuyer Egg/Oeuf, sur les routes accidentées d’un Westeros encore « paisible », sans que le Trône de Fer soit encore le centre d’une partie de chaises musicales. La série a l’air d’être un western médiéval, avec un humour sec et plus de cœur. 

Avatar : Le Dernier Maître de l’air, saison 2 - courant 2026 sur Netflix

La saison 1 d’Avatar : Le Dernier Maître de l’air (2024) avait une mission impossible : rassurer les puristes tout en séduisant un public qui n’a pas grandi avec l’anime. Je n’y croyais vraiment pas, et pourtant, c’est un succès ! La saison 2, elle, joue gros : la série prend de l’ampleur, du sérieux, gagne en émotion mais aussi en trauma. Fini le voyage touristique, Aang et ses compagnons doivent mettre les bouchées doubles dans le Royaume de la Terre, alors que la Nation du Feu leur colle aux fesses et que Aang a encore besoin d’améliorer sa maîtrise des éléments. L’immense nouvelle, c’est l’arrivée de Toph, un personnage adoré par les fans.

The Pitt, saison 2 - disponible sur Apple TV+

Dans The Pitt (2024-), on est dans l’arène. C’est l’anti-Grey’s Anatomy par excellence. La série veut faire de l’hôpital non pas un lieu de romance, mais une zone de guerre psychologique. La tension est palpable à chaque seconde et pour cause, tout se passe en temps réel : 1 minute de série = 1 minute d’histoire. La caméra colle à la peau, la fatigue des soignants devient palpable, et tout devient étouffant. La saison 2 a du pain sur la planche pour réussir à nous faire ressentir l’intensité de la saison 1 tout en maintenant notre intérêt. On va finir sur les rotules, mais vu le chef d'œuvre qu’a pu être la première saison, on a hâte. 

Shrinking, saison 3 - le 28 janvier 2026 sur Apple TV+

La grande force de Shrinking (2023-), c’est bien sa capacité à nous faire rire (vraiment rire) et à nous faire pleurer (vraiment pleurer) à deux minutes d'intervalles. C’est un feel-good cabossé, qui nous montre toute la douleur de la vie et comment la rendre un peu plus douce. C’est une histoire d’amitié, de deuil, de famille, de traumatismes, et qui ne cherche jamais à éviter les conversations difficiles. Aucun personnage n’est parfait, tout le monde est faillible, et à l’inverse, aucun personnage n’est totalement mauvais. Shrinking est une série précieuse car elle place l’humanité au centre sans jamais être mielleuse. C’est le rendez-vous qui nous répare un peu, qui nous fait penser à nos propres problèmes. La thérapie dont on ne pensait pas avoir besoin. Les deux premières saisons étaient géniales, il n’y a donc aucune raison pour que la saison 3 soit décevante.

La Chronique des Bridgerton, saison 4 - le 29 janvier 2026 sur Netflix

La Chronique des Bridgerton (2020-), c’est la machine à dopamine de Netflix. Et elle reprend du service ! On peut faire les snobs autant qu’on veut, il faut bien avouer que les costumes hors de prix, les reprises pop au violon et les tensions sexuelles qui feraient fondre un iceberg, ça marche. Cette saison 4 promet le renouveau : nouveau couple, nouvelle dynamique, nouveaux scandales. Le défi sera de maintenir l’intérêt des téléspectatrices et téléspectateurs. C’est le « bonbon » télévisuel de l’année, celui que votre mec va regarder en secret.

The Night Agent, saison 3 - le 19 février 2026 sur Netflix

The Night Agent (2023-), c’est le piège ultime : vous voulez juste tester, puis vous enchaînez parce que ça avance, parce que ça complote, parce que ça vous tient. Vous regardez le premier épisode, puis vous relevez la tête au dernier, et il est 4h du matin. Oups ! On attend de la saison 3 la même efficacité, pas de chichi, pas de recherches artistiques, juste des trahisons dans tous les recoins de la Maison Blanche et une histoire à binger. Si vous cherchez un équivalent moderne des séries d’espionnage grand public, c’est exactement ça. Il va juste falloir que Netflix hausse un peu son écriture pour nous garder intéressés. 

Paradise, saison 2 - le 23 février 2026 sur Disney+

Les séries comme Paradise (2025-) fonctionnent quand elles comprennent un truc essentiel : on aime le mystère, et on aime ne pas comprendre grand chose. Ici, l’intrigue compte presque moins que l’atmosphère où tout semble faux et qui nous pousse à la paranoïa. On attend cette saison 2 au tournant : va-t-elle élargir l'univers ou s'effondrer sous son propre poids ? Si les scénaristes gardent le cap, préparez-vous à perdre le sommeil. Je vous vois venir, vous allez échafauder toutes les théories fumeuses possibles, et la série vous donnera tort ! Je vous rassure, mes théories sont tout aussi fumeuses…

Outlander, saison 8 - le 6 mars 2026 sur Netflix

C’est l’heure des adieux pour Claire et Jamie Fraser. Cela fait plus d’une décennie qu’Outlander (2014-2026) arrive à captiver un très large public en réussissant étonnamment à se renouveler à chaque saison. Il fallait trouver l’équilibre entre récit historique, histoire d’amour et intrigues en fil rouge, et ça a été fait avec succès. Évidemment, on ne regarde pas cette série pour sa rigueur scientifique, ni pour un scénario digne des premières saisons de Game Of Thrones. Non, on la regarde pour ses sentiments, ses amours et ses déchirements. Je dois dire que même si les histoires trop sentimentales ne sont pas vraiment ma tasse de thé, j’ai particulièrement apprécié car l’histoire nous surprend et ne cherche pas à satisfaire ses fans. On attend donc de cette ultime saison qu’elle finisse sans être trop aseptisée, dans la surprise, les déchirements et l’amour. 

One Piece, saison 2 - le 10 mars 2026 sur Netflix

Avec One Piece (2023-), c’est le même constat que pour Avatar. Je m’attendais vraiment à être déçu, et pourtant, l'adaptation a réussi l’impensable : briser la malédiction des adaptations d’anime en capturant le cœur de l'œuvre d’Oda. Je regarde One Piece (1999-) depuis plus de 20 ans, et lorsque j’ai vu toute la folie, toute l’humanité, toutes les exagérations toujours présentes dans la série live-action, j’avoue avoir été ému. Alors maintenant, on attend la série au tournant car fini East Blue, les pirates au chapeau de paille entre sur Grand Line et le niveau de difficulté explose. L’univers devient plus vaste et bizarre, les aventures sont de plus en plus folles, et on attend l’arrivée de nouveaux personnages (Chopper ! j’ai hâte !). Netflix doit absolument garder la naïveté de la série et son sens immense de l’aventure, de l’amitié, de la révolte et de vivre à contre-courant.

Hijack, saison 2 - disponible sur Apple TV+

Hijack (2023-) partage un point commun avec The Night Agent : on ne s’arrête pas de le regarder. Préparez vos anxiolytiques, car la saison 1 mettait nos nerfs à rude épreuve grâce à un huis clos très bien géré et un Idris Elba toujours aussi viscéral. La saison 2 aura la tâche difficile de maintenir cette tension si bien amenée lors du premier volet de l’histoire. Est-ce que nous aurons plus d’explications ? Est-ce que la deuxième saison continuera de jouer sur la panique claustrophobe ? On sait déjà que le métro berlinois sera le théâtre de ces nouveaux épisodes. De quoi avoir peur des petits espaces après ça ! On espère que Hijack restera un thriller en temps réel qui nous donne l’impression de manquer d’air, mais aussi que la série réussira à se renouveler sans faire un copier coller de la première saison. 

The Boys, saison 5 - le 8 avril 2026 sur Prime Video

The Boys (2019-2026) touche à sa fin, et s’il y a une série qu’on attend au tournant, c’est bien celle-ci. C’est l’heure de régler l’addition et on espère qu’elle va être salée. La série a passé quatre saisons à démolir le mythe du super-héros et l’Amérique corporate. On a aimé la satire, la violence, l’ironie, mais aussi une vraie rage politique qui fait écho au monde actuel. Le but de cette saison 5 est de ne pas tourner en boucle, et de rester tout aussi incisif, sans jamais essayer de nous plaire coûte que coûte. On veut voir jusqu’où l’histoire peut aller. Si la série réussit, ça peut être une conclusion sale, brillante, et très satisfaisante — le genre de final qui vous fait rire jaune. Et si vous aimez les univers où personne n’est vraiment « sauvé », c’est littéralement leur terrain de jeu.

Euphoria, saison 3 - le 13 avril 2026 sur HBO Max

Euphoria (2019-2026) n’est pas juste une série, c’est un mood : une beauté toxique, les émotions à vif, la musique qui vous colle à la peau, et une mise en scène qui essaie de donner de la beauté à tous les moments de malaise. Ce qui peut être dérangeant pour beaucoup. Ce troisième acte joue gros après un silence assourdissant et doit prouver que la série a encore quelque chose à dire au-delà de son aura. La direction artistique léchée ne suffit plus, il faut maintenant réussir à captiver avec un fond qui accroche et une écriture qui tienne la distance. Le récit de cette saison fait un saut dans le temps d’environ cinq ans, montrant la bande d’East Highland dans le chaos de la vingtaine. Si cette transition vers l'âge adulte conserve l'intensité caractéristique du show tout en renouvelant ses enjeux, ça peut redevenir l’événement pop que tout le monde commente.

Malcolm : rien n’a changé - le 11 avril 2026 sur Disney+

S’attaquer à un monument de la sitcom tel que Malcolm (2000-2006), c’est dangereux : la nostalgie est une drogue, et l’époque a changé. Mais c’est aussi excitant parce que l’ADN de la série — ce mélange incroyable de chaos familial, de montage hystérique, de regards caméra complices — n’a pas pris une ride. L’intérêt, c’est de voir comment ces personnages existent aujourd’hui : ce qu’ils sont devenus, ce qu’ils ont raté, ce qu’ils répètent malgré eux. Mais le grand défi de Malcolm : rien n’a changé (2026-) sera de ne pas tomber dans ce fameux « c’était mieux avant » dont on se lasse très vite. Les premiers signes sont vraiment prometteurs, puisqu’on sait que Bryan Cranston - qui a énormément gagné en aura depuis la première série - a travaillé d’arrache pied pour nous pondre un scénario digne de la série originale. Ici, ce n’est plus Malcolm in the middle (titre original de la série), mais Malcolm in the Mid-life crisis : Hal et Lois sont grands-parents, tandis que Malcolm et ses frères font face à la parentalité, toujours dans un joyeux chaos. Si le revival garde la cruauté sans tomber dans le fan service paresseux ça peut être un retour qui fait du bien… et qui rappelle que grandir n’a jamais vraiment réglé le problème.

House of the Dragon, saison 3 - été 2026 sur HBO Max

Quand House of the Dragon (2022-) est au meilleur de sa forme, c’est une tragédie familiale avec des dragons en arrière-plan, pas l’inverse. Une sorte de Succession en cotte de mailles. Mais pour cela, il faut lâcher la tentation du blockbuster, des effets spéciaux à tout va, et des dragons de partout. La saison 3 est attendue parce que la l’acte 2 a été long, lent, et a pris le temps de tout bien mettre en place. Maintenant on veut que ça décolle : alliances, humiliations, décisions irréversibles. La promesse, c’est du feu — mais surtout des conséquences, des trahisons qui coûtent, et des personnages vrillent. La série s’attaque maintenant au cœur saignant de la « Danse des Dragons », adaptant les passages les plus violents de l'œuvre de George R.R. Martin. Finie la guerre froide, le temps des batailles est arrivé. On veut retrouver cette histoire où la couronne n’est pas un trophée mais une malédiction.

Wonder Man - le 27 janvier 2026 sur Disney+

La curiosité autour de Wonder Man (2026), c’est de savoir quel Marvel on va avoir. La série « plus humaine » qui ose la satire du star-system, ou le produit formaté qui se contente de cocher des cases créées par algorithme ? Sur le papier, l'angle d'attaque est pourtant savoureux : explorer la vanité d'Hollywood à travers un héros pour qui l'image compte plus que l'héroïsme, c'est le terrain de jeu idéal pour un pamphlet méta du star-system. Personnellement, j’ai très envie de voir une série sur l’obsession d’être aimé, sur la mise en scène de soi, l'égo qui prend toute la place. The Boys l’a montré, le personnage du super héros est parfait pour grossir le trait et nous forcer à nous regarder dans le miroir. Si Disney+ assume une tonalité plus mordante et un vrai angle, Wonder Man peut être la surprise 2026, un peu comme l’a été Loki (2021-) qui a su surprendre et émouvoir. 

The Bear, saison 5 - en 2026 sur Disney+

Il y a des séries qui vous divertissent, et il y a The Bear (2022-), qui vous secoue comme un service du samedi soir. On ne peut qu’être essoufflé à la fin d’un épisode, avec du bruit, du mouvement, des engueulades, des « Chef! » toutes les 10 secondes. C’est la série nerveuse par excellence, et c’est exactement ce qu’on adore. La saison 5 est attendue parce que la série a toujours cette capacité rare : faire de la cuisine un thriller émotionnel. Le vrai suspense n’est pas « est-ce qu’ils vont réussir ? », c’est « qu’est-ce que ça leur coûte, à chaque fois ? », « que vont-ils sacrifier sur l’autel de la perfection » ? Carmy Berzatto et son équipe doivent maintenant gérer le poids écrasant du succès, réussir à maintenir le cap tout en repoussant les limites. Si la série continue à creuser la famille, la loyauté, la pression, et ce besoin violent de faire bien, elle restera l’une des meilleures écritures de personnages à la télévision actuelle. Car The Bear a cette capacité à filmer le stress comme un film de braquage, et cela c’est aussi grâce à un casting extraordinaire qui ne cesse de m’impressionner au fil des épisodes.

Blade Runner 2099 - en 2026 sur Prime Video

L’univers de Blade Runner est un piège : dès que ça marche, ça vous hante. 2099 est attendue parce qu’elle peut ramener ce que beaucoup de films et séries de SF ont perdu : une mélancolie froide, un spleen futuriste, une réflexion sur l’identité, et ce sentiment que le futur est moins une promesse qu’un vertige. Il faut impérativement que Blade Runner 2099 évite le piège de la série SF premium aseptisée, mais retrouve une mélancolie crasseuse et philosophique. On veut des silences qui nous poussent au questionnement, une expérience visuelle hypnotique, et un scénario qui ne déçoit pas les fans de la première heure. Sous la supervision de Ridley Scott, le récit fait un bond de cinquante ans après le film de Denis Villeneuve, explorant une Los Angeles transformée et toujours aussi inhospitalière. L’intrigue s’articule autour de Cora (Hunter Schafer), une jeune femme habituée à la clandestinitée, et Olwen (Michelle Yeoh), une Réplicante en fin de cycle cherchant un sens à on existence prolongée. Ensemble, elles vont devoir déjouer une conspiration qui menace la ville. Si la série comprend que Blade Runner vit dans les silences, les regards, les néons mouillés et une histoire qui chuchote, elle peut devenir l’une des œuvres les plus marquantes de 2026 — lente, belle, et un peu désespérée.

The Night Manager, saison 2 - disponible sur Prime Video

Le retour de The Night Manager (2016-) est attendu après dix ans d’absence. La saison 1 avait ce mélange parfait d’espionnage feutré, de luxe et de menace, avec une tension presque sensuelle dans la manière de filmer le pouvoir. Tom Hiddleston reprend donc son rôle de Jonathan Pine dans une saison 2 qui doit retrouver cette classe tout en prouvant qu’il y a encore une histoire à raconter, pas juste une marque à relancer. Si vous aimez les thrillers où la violence est psychologique plutôt que sanglante, c’est la série idéale. Dans la première, nous étions loin des fusillades qui nous font baisser le son, privilégiant les duels de regards dans des costumes sur mesure. Après une décennie d’absence, on espère que le scénario aura autant de classe que Tom Hiddleston, sinon, on risque de ne pas être contents.

Young Sherlock - en courant 2026 sur Prime Video

S’attaquer aux origines de Sherlock Holmes est un terrain miné. Trop sage, c’est inutile ; trop exagéré, les puristes seront en colère. En tant que fan du détective et de ses histoires, j’espère que Young Sherlock (2026-) approfondira la psychologie du personnage, ses imperfections, ses obsessions, ses addictions. Car Sherlock, aussi brillant soit-il, est avant tout névrosé par un cerveau qui tourne trop vite pour son propre bien. 

Mais voilà, avec Guy Ritchie aux manettes, il y a de l’espoir. Il avait revisité le personnage à travers ses films, mais là, on attend un ton sombre et émotionnel pour éviter le piège du énième teen drama qui ressemble aux autres. Mais Ritchie nous a prouvé à de nombreuses reprises qu’il pouvait écrire un scénario en s'immisçant dans les failles de ses personnages. 

Spider-Noir - en 2026 sur Prime Video

Spider-Noir (2026), c’est de la pluie, des ruelles, un héros qui n’a pas l’air d’avoir dormi depuis une semaine et Nicolas Cage sous le trench-coat. C’est sans doute le projet le plus excitant de l'année chez les super-héros, car il promet d’apporter une nouvelle ambiance, une esthétique, et pas juste une nouvelle histoire qui cherche à étendre un multivers. On espère une atmosphère de film noir assumée (sans se transformer en parodie), avec une morale aussi grise que la photographie, une enquête de détective avec des super-pouvoirs, et une voix off qui gratte. Le pari est audacieux : plonger l'homme-araignée dans le New York de la Grande Dépression, loin des gadgets high-tech et des vannes d'ados.

Vecna n’est plus qu’un lointain cauchemar ? Les frères Duffer ne l’entendent pas de cette oreille ! Les jumeaux et Netflix ne comptent pas laisser tomber les fans de Stranger Things (2016-2026) qui aura marqué toute une génération, mais bien les abreuver de projets tirés de l’univers… et étendre ainsi leur franchise.

Après 5 saisons, 42 épisodes et une conclusion longue de 2h pleine d’émotions, Matt et Ross Duffer ne referment pas tout à fait le livre. Au contraire, les projets se multiplient pour prolonger l’aventure et explorer de nouvelles histoires. Voici notre guide JustWatch pour  en savoir plus.

Stranger Things : Chroniques de 85

C’est l’un des premiers prolongements directs de la franchise, déjà annoncé pour 2026. Stranger Things : Chroniques de 85 est une série animée de science-fiction qui se situe entre les saisons 2 et 3 du show original et met en scène les jeunes héros d’Hawkins — Eleven, Mike, Will, Lucas, Dustin et Max — face à de nouvelles menaces paranormales.

« On a pu capturer différemment la magie de Hawkins », a fait savoir Eric Robles (Fanboy et Chum Chum), le showrunner et producteur exécutif. « On découvre que rien n’est comme on le croyait. Alors, à vos lampes torches et sacs à dos, ça va être génial ! ». Pensé pour capter l’esprit des dessins animés des années 80, le programme promet d’être une porte d’entrée parfaite pour les plus jeunes et un clin d'œil nostalgique pour les fans de la première heure. 

Une série dérivée évoquant les origines de Vecna

Ils veulent vite se remettre au boulot : c’est le message que les frères Duffer ont fait passer via le magazine américain Variety. Mais pas pour imaginer une suite à Stranger Things, non. Les showrunners veulent un tout nouvel univers, avec de nouveaux personnages, une nouvelle ville et une nouvelle mythologie. Aucun personnage connu ne reviendrait car les frangins veulent repartir d’une feuille blanche et travailler sans contraintes liées à la série originale.

Certaines questions cependant, comme celle du Flagelleur Mental, pourraient être expliquées mais sans être le cœur du spin-off. « Ce sera une histoire inédite et originale, mais qui apportera des réponses à certaines questions restées en suspens », a précisé Matt Duffer. On pourrait notamment en savoir plus sur l’épisode de la grotte où Henry Creel, enfant, tire sur un homme porteur d’une mallette contenant le pouvoir du Flagelleur Mental.

Un spin-off sur Nancy Wheeler ?

Natalia Dyer sera-t-elle la nouvelle héroïne des Duffer après Millie Bobby Brown ? Son personnage de Nancy Wheeler, jeune journaliste qui n’a pas froid aux yeux, a suffisamment gagné en épaisseur pour espérer être le centre de l’attention. Mais attention à ne pas se tromper de projet : Netflix a bien lancé quelque chose autour de la sœur de Mike mais… un livre !

Sorti le 8 janvier dernier aux éditions Lumen, ce roman écrit par Caitlin Schneiderhan, qui avait déjà écrit un précédent tome sur Eddie Munson, se focalise sur les événements survenus entre les 4e et 5e saisons. La suite logique qu’espèrent tous les fans de la franchise, c’est l’adaptation de ce livre et des autres, mais ni Netflix ni les frères Duffer n’ont confirmé ou donné le moindre espoir sur cette rumeur tenace d’un passage sur petit écran.