Outlander (2014-2026) pronto estrenará su última temporada…y no estamos listas. Esta historia nunca ha sido sobre viajes en el tiempo o guerras, sino sobre el destino,  el hogar, la familia y un amor tan grande que ni siquiera el tiempo puede romperlo. Con la serie acercándose a su final, es inevitable preguntarnos cómo podría cerrarse la historia de Jamie y Claire de una forma que se sienta fiel a todo lo que hemos vivido con ellos. 

Porque sí, necesitamos lágrimas. Necesitamos un cierre. Y necesitamos sentir que todo tuvo sentido. Y tenemos un nudo en el corazón porque este show nunca ha tenido miedo de rompernos el corazón… pero tampoco de recordarnos que el amor verdadero siempre encuentra el camino. Así que, si no puedes dejar de darle vueltas a la cabeza, es el momento perfecto de adentrarte en nuestra lista de los 5 mejores finales para Outlander.

El Fantasma de Jamie Explica el Bucle Temporal

Desde el primer capítulo, cuando Frank ve ese misterioso fantasma en Inverness en 1945 observando a Claire mientras se peina, la serie nos dejó claro que había algo más grande en juego. Un final muy probable del show es que ese fantasma sea Jamie, cuyo espíritu está atrapado esperando que Claire viaje a través de las piedras… o visitándola tras su muerte en el siglo XVIII. 

Esto encaja perfectamente con lo que descubrimos en Outlander: Sangre de mi sangre (2025-), donde se confirma que los padres de Claire no murieron en un accidente, como ella— y todos— siempre pensamos, sino que eran viajeros. Así, todo apunta a que la historia de Jamie y Claire estaba predestinada, conectada con las piedras y con sus familias desde el principio. Esto cerraría el círculo, ya que volveríamos al principio, con Jamie esperando para reunirse con el espíritu de Claire, demostrando que su amor estaba destinado, escrito en el tiempo.

Un Final Feliz en el Cerro

Después de tanta guerra, pérdidas y sacrificios, ver a Jamie y Claire vivir sus últimos años en el Cerro, se sentiría como el final que todos necesitamos para esta historia. Rodeados de su familia —William, Brianna, Roger, sus nietos, Ian y Rachel, Fanny, Fergus y Marsali— podrían finalmente entregar las riendas a la siguiente generación. La serie podría cerrar con la familia a salvo, viviendo en libertad y felices, mientras Jamie y Claire observan orgullosos el legado que construyeron juntos. 

Y sí, ya tenemos en mente esa última escena: Jamie y Claire abrazados en su cama, cumpliendo su promesa de no separarse nunca, escuchando a su familia reír cerca, tal y como soñaba Jamie. Un final que pondría el foco en el hogar y en la familia que tanto les costó construir. Si nos preguntáis, este final + la escena final del Jamie fantasma = el final perfecto.

Un Final Feliz “en Otra Vida”

Con la Guerra de Independencia como una sombra acechando a los Fraser y sabiendo lo que sugiere el libro de Frank —que Jamie muere en batalla luchando por la independencia—, no sería raro que la serie optara por un final agridulce. Además, ¿recordáis esa pareja que, en los libros, Jamie y Claire encuentran en una cueva en Francia? Ellos murieron abrazados, juntos. Eso bien puede ser un presagio, ya que sabemos que en esta historia nada es casualidad. 

En este escenario, Jamie podría morir primero y cuando lo hiciera Claire, se volverían a reunir, teniendo su “final feliz” en otra vida. Sería devastador y uno de los peores finales para nosotros junto con el siguiente en esta lista, eso por descontado, pero también sería uno de los más fieles al espíritu de la serie: un amor tan fuerte que trasciende el tiempo, la historia y la vida misma.

Claire Regresa al Futuro

Aunque Claire tiene muy claro que nunca va a volver a dejar a Jamie, la necesidad de proteger a su familia podría obligarla a hacerlo. Si Jamie muere en batalla, tal y como parece señalar el libro de Frank, puede que Claire vuelva al siglo XX por seguridad o por el bien de sus hijos y nietos, como ya hizo una vez. Al fin y al cabo, tal y como Jamie le dijo, el futuro es un lugar mucho más seguro para ellos. Así, Claire viviría sus últimos años rodeada de sus nietos, manteniendo viva la memoria de Jamie, demostrando que su amor sobrevivió a la guerra y al tiempo. 

Sin embargo, aunque este final honraría los sacrificios que han definido la historia de Jamie y Claire, no pensamos que sea el más probable. No sólo porque es, junto con el anterior, el que menos nos gusta, si no porque no toda la familia puede viajar a través de las piedras, y no pensamos que Claire dejaría atrás a parte de su familia para volver al futuro, a menos que no tuviera otro remedio. 

La vuelta a Escocia

Después de años de peligros en América, con una guerra incluida, no sería descabellado que Jamie y Claire decidieran poner rumbo de vuelta a sus raíces, a donde comenzó su historia, a Escocia. Con su legado asegurado y el Cerro establecido, podrían volver a Lallybroch, junto a Jenny, para pasar allí sus últimos años. Así, cumplirían la promesa que ambos hicieron de volver a hacer Escocia su hogar justo antes de tener que refugiarse en Francia tras lo que sucedió con Jack Randall El Negro. También sería una forma simbólica de dejar atrás los fantasmas del pasado, incluidos esos recuerdos, viviendo finalmente en paz. Ese sería el final más nostálgico y nuestro segundo favorito porque, al fin y al cabo, para Jamie y Claire, el hogar y la familia siempre fueron el destino.

El agente nocturno se ha consolidado como una de las series de acción y suspense más adictivas del catálogo de Netflix. Su tercera temporada se apoya en un reparto que combina caras reconocibles con intérpretes que llevan años construyendo carreras sólidas en la sombra. Es probable que al ver algunos de sus rostros hayas sentido ese pálpito de familiaridad sin saber exactamente de dónde viene.

En esta guía repasamos dónde has visto antes a los protagonistas de la tercera temporada de la serie, qué tipo de personajes solían encarnar y cómo ese bagaje se relaciona —por continuidad o por contraste— con los roles que interpretan ahora en la ficción de Netflix.

Gabriel Basso – Peter Sutherland

Gabriel Basso no es precisamente un recién llegado, aunque El Agente nocturno es sin duda el proyecto que lo ha lanzado a la primera línea del reconocimiento global. Muchos lo recordarán por Con C mayúscula o por su papel en The Kings of Summer, aquella película indie que lo mostró como un joven actor con una naturalidad desarmante y una capacidad especial para transmitir conflicto interior sin forzar nada.

Peter Sutherland supone la culminación lógica de toda esa trayectoria. Basso lleva aquí el peso de la serie sobre sus hombros y lo hace con una solidez que sorprende si uno repasa sus trabajos anteriores: el salto de escala es enorme, pero no lo acusa. 

Su Sutherland conserva esa autenticidad que ya asomaba en sus papeles juveniles, pero ahora filtrada a través de un personaje más duro, más experimentado y con una carga moral mucho mayor. Comparado con sus roles previos, este es el más exigente y el que mejor aprovecha todo lo que Basso tiene para ofrecer como intérprete.

Luciane Buchanan – Rose Larkin

Luciane Buchanan es una actriz neozelandesa que llegó a El agente nocturno con una filmografía todavía en construcción, pero con títulos suficientes para intuir su potencial. La intérprete acumuló experiencia en producciones televisivas de su país antes de dar el salto internacional.

Rose Larkin la convirtió en una revelación en la primera temporada, y su regreso en la tercera confirma que no fue un golpe de suerte. A diferencia de sus apariciones anteriores, donde el peso de la historia recaía sobre otros personajes, aquí Buchanan sostiene su propio arco con convicción. 

Su química con Basso sigue siendo uno de los motores emocionales de la serie, y lo que en un principio podría parecer el típico papel femenino de apoyo ha ido evolucionando hacia algo más complejo y autónomo. 

Hong Chau – Diane Farr

Hong Chau es, sin duda, el nombre con más pedigree interpretativo de todo el reparto de la serie. Su carrera es un catálogo de elecciones arriesgadas y brillantes: la recordamos en Una vida a lo grande, donde logró una nominación al Globo de Oro con un papel que robaba cada escena en la que aparecía. Más recientemente ha brillado en La ballena, junto a Brendan Fraser, y en El menú, donde volvió a demostrar que tiene una capacidad casi única para moverse entre el drama más descarnado y la tensión de género sin perder ni un ápice de credibilidad.

Diane Farr encaja a la perfección en su historial de personajes que esconden más de lo que muestran. Hong Chau tiene una forma de construir la ambigüedad moral que resulta fascinante: nunca sabes del todo si confiar en sus personajes, y eso es exactamente lo que necesita El agente nocturno para funcionar en sus tramas de espionaje y traición. 

Comparada con sus trabajos más recientes en cine de autor, aquí opera en un registro más contenido y estratégico, pero no por ello menos efectivo. Es la incorporación más poderosa del reparto y cada escena suya tiene un peso específico diferente al del resto.

Sarah Desjardins – Maddie Redfield

Sarah Desjardins es un rostro muy familiar para los seguidores de las ficciones de género canadienses y norteamericanas. La vimos en Riverdale, donde interpretó a Donna Sweett, y también en Impulse y en Yellowjackets, serie en la que tiene una participación que confirma su capacidad para el drama intenso y con aristas psicológicas. 

Su trayectoria está marcada por personajes que se mueven en zonas de sombra, jóvenes con secretos o heridas que no terminan de cicatrizar.

Maddie Redfield sigue esa línea, pero con una escritura más elaborada que la que había tenido en trabajos anteriores. En El Agente nocturno, Desjardins trabaja con un personaje que tiene motivaciones propias, no simplemente reactivas, y eso se nota en su interpretación. 

Comparada con su paso por Riverdale, donde el material no siempre acompañaba, aquí la serie le da herramientas reales para construir algo. Es un papel que consolida lo que ya se intuye en Yellowjackets: que Desjardins tiene mucho más que ofrecer cuando el guión está a la altura.

Fola Evans-Akingbola – Chelsea Arrington

Fola Evans-Akingbola es una actriz británica que ha ido ganando visibilidad a buen ritmo en los últimos años. Muchos la conocen por Siren, y por participar en otras producciones de la televisión británica como Ciclos.

Chelsea Arrington supone un cambio de registro interesante respecto a Maddie Bishop, su papel más reconocido. Arrington supone una gran dosis de acción contemporánea, espionaje y dilemas morales mucho más terrenales. 

Evans-Akingbola maneja ese tránsito con soltura: su presencia física y su capacidad para proyectar autoridad sin necesidad de subrayarla son lo que el personaje requiere. Su papel en El agente nocturno le da un contexto más realista y, paradójicamente, eso hace que se vea mejor actriz todavía. 

Está a punto de estrenarse la tercera temporada de Euforia (2019-presente). Y con ella vuelve Colman Domingo, un actor que está viviendo el mejor momento de su carrera, aunque cuando hablamos de alguien que lleva décadas haciendo grandes interpretaciones puede tener que ver con que antes nadie le prestara la atención que merecía. Este año también estrena El día de la revelación de Spielberg y Michael, el biopic de Michael Jackson que va a dar que hablar.

Y es que su éxito no explotó de la noche a la mañana, sino que fue construyendo ladrillo a ladrillo una filmografía donde lo mismo hace de padre bondadoso que de proxeneta peligroso, una víctima del racismo sistémico o un líder del movimiento por los derechos civiles. Actor de teatro, dramaturgo, director, abiertamente gay y negro en una industria que todavía tiene muchos deberes pendientes con la diversidad, estos son sus nueve mejores trabajos en cine y tv, de peor a mejor.

9. El blues de Beale Street (2018)

Tras arrasar con Moonlight (2016), Barry Jenkins se propuso adaptar a James Baldwin y su historia de amor en un sistema racista. Domingo sale como el padre de Tish, uno de los papeles secundarios que fueron cimentando su presencia en pantalla, una calidez que rema emocionalmente con el núcleo de la película, la vida que se desmorona alrededor de su hija y su futuro yerno injustamente encarcelado.

Jenkins filma cada plano de forma preciosista, haciendo de El blues de Beale Street (2018) una obra elegante, poética, muy diferente al realismo de Fruitvale Station (2013) de Ryan Coogler. Ambas hablan del racismo, pero esta lo hace casi susurrando, y Domingo no necesita muchas escenas para hacerse imprescindible, dándole el mismo tono melancólico que otro de sus papeles más comprometidos: El color púrpura (2023).

8. Euforia (2019-presente)

No todo el reparto de éxito de la serie de HBO que catapultó a Zendaya eran adolescentes. Domingo es Ali, el padrino de Rue en su desintoxicación, un mentor sabio en recuperación que en manos de otro actor podría haber sido un cliché. Pero Ali está lleno de grietas, contradicciones, y una humanidad que incomoda porque sabes que él también está luchando, también a punto de recaer mientras intenta salvar a una adolescente.

El episodio "Trouble Don't Last Always", en el que básicamente Rue y Ali hablan durante horas en una cafetería vacía a las tantas de la madrugada, parece teatro de prestigio rodado, con Zendaya y Domingo haciendo silencios más elocuentes que muchas líneas del guio dignas de su Emmy. Aunque no tenga la naturaleza autoconclusiva de La locura (2024), al no ser una miniserie, Euforia (2019-presente), gracias a estas interpretaciones no tiene nada que envidiar a los momentos más profundos de The Bear (2022-presente).

7. Candyman (2021)

Colman Domingo no es el principal protagonista de esta reinterpretación/secuela del clásico del cine de terror moderno, sino que interpreta a William Burke, un tipo del barrio que conoce la historia real detrás del mito y que intenta advertir al protagonista sobre los peligros de jugar con leyendas que nacieron del dolor. Nia DaCosta y Jordan Peele desenterraron la leyenda de Cabrini-Green para hablar de gentrificación y el borrado de comunidades enteras en las ciudades.

Candyman (2021) muestra que Domingo tiene también buena mano para el terror, pese a ser muy diferente a Fear the Walking Dead (2015-2023), y funcionar casi más como un ensayo que una película de miedo propiamente dicha, con momentos que retuercen el estómago. Burke es la conciencia del barrio, y su escena donde narra los orígenes es más inquietante que cualquier jumpscare, pero lo cierto es que la obra solo tiene sentido como complemento a la Candyman: el dominio de la mente (1992) original.

6. Fear the Walking Dead (2015-2023)

Victor Strand puede ser uno de los personajes más complejos de todo el universo The Walking Dead (2010-2022), lo que no es poco decir. Un estafador vestido con trajes elegantes que va mutando de superviviente oportunista a líder autoritario, pasando por todas las tonalidades morales de gris imaginables. Pocos actores aguantan un arco así durante ocho temporadas sin que el personaje se convierta en una caricatura.

Nunca sabes del todo de qué lado está Strand, y Domingo juega esa ambigüedad con un carisma que hace que sigas simpatizando con él incluso cuando toma decisiones imperdonables. Aunque no sea una película “de prestigio” como Rustin (2023), la longitud de Fear the Walking Dead (2015-2023) le dio espacio para brillar, especialmente en las temporadas donde Strand se convierte en una especie de dictador de su propia torre post-apocalíptica, en la línea de antihéroes que caminan por la cuerda floja entre el bien y el mal, a lo Breaking Bad (2008-2013).

5. La locura (2024)

La miniserie de Netflix donde Domingo hace de Muncie Daniels, comentarista político que presencia un asesinato por accidente y de repente se convierte en el sospechoso número uno. Un thriller paranoico sobre conspiración, supremacismo blanco, desinformación y cómo los medios pueden destruir a alguien en cuestión de horas.

Domingo despliega todo su arsenal de carisma, pero también de vulnerabilidad, con una capacidad para navegar entre escenas de acción y drama sin que el registro se resienta. La locura (2024) se ajusta al habitual tropo del "hombre perseguido injustamente" tipo El fugitivo (1993), pero actualizado a nuestra época de fake news y teorías de la conspiración que se viralizan antes de que puedas desmentirlas, curiosamente con puntos en común con The Running Man (2025), y no por los motivos de la persecución.

4. Zola (2020)

La película nacida de 148 tweets. Un hilo de Twitter salvaje convertido en cine por Janicza Bravo. Un viaje a Florida que empieza como plan de fin de semana para hacer dinero como stripper y acaba siendo una locura que solo puede pasar en Florida. Domingo interpreta a X, el proxeneta que convierte la escapada en pesadilla, un explotador de manual, al que le da una teatralidad y tensión en cada escena donde aparece, que nunca sabes cuándo va a estallar.

Zola (2020) tiene una energía frenética, caótica, que recuerda al mejor cine de los hermanos Safdie tipo Diamantes en bruto (2019), la misma sensación de "esto va a salirse de madre en cualquier momento y no sé si quiero mirar ". Un tono a medio camino entre comedia negra y thriller, bastante diferente a Las vidas de Sing Sing (2023), que explora el estado fallido en el que se ha convertido Florida, casi como una historia de Así es Florida, tío (2025-)

3. The Running Man (2025)

Edgar Wright + Stephen King + Glen Powell es demasiado bueno como para fallar. Esta distopía donde los pobres compiten en un reality show mortal para ganar dinero mientras América entera mira se está acercando demasiado a la realidad. Domingo es Bobby Thompson, el venerado presentador del programa que persigue a los "runners" durante 30 días.

Wright actualiza el texto de 1982 con deepfakes y manipulación mediática que resuenan de forma escalofriante en 2025. The Running Man (2025) funciona como crítica al capitalismo salvaje y al entretenimiento como opio del pueblo, pero sin dejar de ser nunca una película de acción descerebrada. Domingo aporta locura como un showman propio de Los juegos del hambre (2012) en el que es el papel más opuesto a El blues de Beale Street de toda la lista.

2. Las vidas de Sing Sing (2023)

Un drama carcelario basado en hechos reales sobre Divine G, un preso condenado injustamente que encuentra redención a través del teatro dentro de Sing Sing, la célebre prisión de máxima seguridad. Domingo da una de las interpretaciones de su vida con un personaje lleno de dignidad, dolor contenido, y una bondad que nunca se siente impostada o naïf, de nuevo mostrando un rango tremendo si lo comparas, por ejemplo, como Zola.

Lo extraordinario de Las vidas de Sing Sing (2023) es que el 90% del elenco son antiguos presos que realmente participaron en el programa de teatro, incluyendo a Clarence Maclin interpretándose a sí mismo. La secuencia final, cuando montan la obra, es casi tan emotiva como la de Hamnet (2026) y hermana espiritual de César debe morir (2012) de los Taviani, que también usaba teatro como vehículo de transformación en prisión.

1. Rustin (2023)

Un biopic sobre Bayard Rustin, el hombre que organizó la Marcha sobre Washington de 1963, uno de los momentos más icónicos de la historia estadounidense. Un hombre abiertamente gay en una época donde era peligroso y fue borrado de la historia precisamente por eso, siendo demasiado inconveniente para el relato oficial del movimiento por los derechos civiles.

Domingo desaparece en el personaje capturando los manierismos de Rustin, y aunque la película en sí es bastante tradicional en estructura, el actor la eleva con sus monólogos y Rustin (2023) le valió su primera nominación al Oscar. Una película que completa el retrato del movimiento por los derechos civiles junto a Selma (2014) y Malcolm X (1992), mostrando junto a El blues de Beale Street, el compromiso del actor con la causa racial.

Hay algo en las series ambientadas en pueblos pequeños que simplemente nos atrapa. Todo el mundo se conoce y eso puede ser un problema bastante grande pero, a la misma vez, precisamente por eso sientes que formas parte de algo más grande, una comunidad, una familia. Un lugar donde no importa tu pasado, sólo importas tú. Y todo el mundo estará ahí para ayudarte cuando lo necesites. 

Y si hay algo mejor que un pueblo pequeñito, son las grandes historias de amor que surgen en él, para muestra, un botón: ¡Un lugar para soñar (2019-) nos tiene obsesionados y nos morimos por ver su nueva temporada! Así que si te molan tanto como a nosotros las historias de amor en los pueblos pequeñitos y encantadores, este es el momento perfecto para adentrarte en nuestra lista de las 10 series de romance en pueblos pequeños que nos vuelven locas.

Un lugar para soñar (2019– )

Un lugar para soñar (2019-) es ese tipo de serie que empiezas pensando que sólo vas a ver un episodio y cuando te quieres dar cuenta son las dos de la mañana y sigues en el sofá. Porque el show hace que Mel y Jack te importen. Porque quieres que todo salga bien y ellos estén juntos. Y poco a poco, también te preocupas por el resto de las personas que están en ese pueblo y son como una familia, complicada a veces, pero una familia al fin y al cabo. Y se convierten en tu familia también. Comparada con Sullivan’s Crossing (2023-), este show es menos intenso, pero esa calma te hace sentir que estás en un lugar seguro, que estás en casa. Si esto es lo que te va, tienes que probar a ver The Way Home (2023-).

Sullivan’s Crossing (2023– )

Sullivan’s Crossing (2023-) es más seria e intensa que Un lugar para soñar (2019-). Y eso me gusta porque lo hace todo más real, más humano. Maggie no llega lista para enamorarse. Llega hecha un lío. Y totalmente rota. Su presente se desmorona y volver a Sullivan’s Crossing significa enfrentarse a un pasado para el que aún no está lista. Y Cal tampoco está listo para dejar ir su pasado. Pero cuando se encuentran, todo cambia. Es como si el mundo se parara por un momento y después comenzara a girar de nuevo bajo otro eje. Ninguno de los dos se da cuenta o lo acepta, pero ambos van a cambiar toda su vida debido a ese momento. Así que sí, este show va a tardar en darte ese beso que te haga suspirar, pero entre medio te vas a derretir de amor. Y si quieres una historia parecida, Heartland (2007-2021) te va a encantar.

Doctora en Alabama (2011–2015)

Doctora en Alabama (2011-2015) es divertida. Mucho. Y ese pueblo, en medio de Alabama es exasperate, caótico y lo vas a amar, como pasa en Historias de Chesapeake (2016-2022). Pero lo que más te va a gustar es que la historia de amor de Zoey y Wade no es fácil ni perfecta. Y por eso es preciosa. Él se enamoró de ella sin remedio mientras Zoey tenía un crush con un hombre muy parecido a ella, demasiado. Pero cuando Zoey estuvo lista para aceptar lo que sentía por Wade ya no hubo vuelta atrás. Y sí, en esta historia hay orgullo y celos y a los dos les cuesta admitir lo que realmente sienten. Así que prepárate para sufrir…pero también para obsesionarte con ellos. No vas a poder dejar de mirarlos. Si esto te mola, échale un vistazo a Men in Trees (2006-2008).

Historias de Chesapeake (2016–2022)

Historias de Chesapeake (2016-2022) al igual que Doctora en Alabama (2011-2015), se siente como volver a casa, a tus orígenes. Y preguntarte si todavía queda algo o si cambiaste demasiado para encajar. Me encanta la forma en que los protagonistas al principio no saben si merece la pena intentarlo de nuevo. No tienen idea si apostar el uno por el otro es la decisión correcta…pero aún así se quedan a averiguarlo. El show se trata de que ellos lo averigüen, de qué decidan qué camino elegir: el de las segundas oportunidades o seguir adelante. Así que si este tipo de historias te gustan, Cuando habla el corazón (2014- ) es para ti.

Dulces Magnolias (2020– )

Dulces Magnolias (2020-) va de amor, pero también de amistad. Las relaciones son complicadas, la vida en un pueblo donde todo el mundo te conoce es un caos, parecido a lo que vemos en Everwood (2002-2006), pero tus amigas siempre estarán a tu lado. Las mismas que han estado en tus mejores momentos. Pero también en los peores. En esos en los que ni siquiera sabes qué hacer. Esas amigas que son tremendamente sinceras, incluso a veces demasiado. Así que prepárate para amar a este grupo de amigas locas y a sufrir con sus amores y desamores. Y para apoyarlas hasta el final. Si estas son las historias que te van, Rescate en el norte (2019) te va a gustar mucho.

Everwood (2002–2006)

Everwood (2002-2006) te deja con algún que otro nudo en el corazón, al estilo de Dulces Magnolias (2020-). En esta serie el amor no es un cuento de hadas. Se trata de crecer, equivocarte y volver a intentarlo. Se trata de madurar a base de golpes. Porque los personajes no lo hacen todo bien. Se equivocan. Se hieren. Y aun así vuelven a elegirse. Porque aprenden de sus propios errores y verlos madurar así, ver lo lejos que llegan, hace que te sientas como una mamá gallina orgullosa. Por lo que sí, vas a sufrir, pero va a merecer la pena. Y si esta te encanta, la próxima en tu lista tiene que ser Hermanos, la familia es todo (2006-2011).

Las chicas Gilmore (2000–2007)

Las chicas Gilmore (2000-2007) es irónica y divertida pero cuando llegan esos momentos románticos que nos hacen suspirar, es ese tipo de serie que te derrite como si fueras un helado en pleno mes de julio. ¿Lo mejor? No sólo se trata de ships, si no también del amor y de la complicada relación entre madre e hija, dos mujeres que luchan por conseguir su independencia sin que eso las termine separando, al estilo de El baile de las luciérnagas (2021-2023). Este show te hace sentir que perteneces a esa gran familia que todos terminan formando. Si esto te gusta, échale un vistazo a Paraíso (Bunheads) (2012).

El baile de las luciérnagas (2021–2023)

El baile de las luciérnagas (2021-2023) no se trata sólo de romance, si no de dos mujeres fuertes y amigas íntimas que luchan por salir adelante en un mundo que no se lo pone fácil, muy al estilo de Las chicas Gilmore (2000-2007). Pero cuando llega el romance…¡madre mía, no vas a poder evitar obsesionarte! No son todo flores y corazones porque estas mujeres quieren ser más que floreros y quieren a alguien a su lado que las apoye en la tarea, pero precisamente eso lo hace más real y cuando finalmente llegan esas flores y esos corazones se sienten realmente ganados. Porque han evolucionado mucho hasta llegar ahí. Si te gustan estas historias, Good Trouble (2019-) va a encajar mucho contigo.

Friday Night Lights (2006–2011)

Al principio no piensas que Friday Night Lights (2006-2011) pueda ser una serie romántica, pero lo es. Precisamente porque muestra la forma en que el amor se trata de quedarse. De apoyarse. De elegir a la otra persona incluso cuando las cosas no son fáciles, especialmente cuando no son fáciles. Comparada con Mi vida con los chicos Walter (2023-), esta es más directa, más cruda. Pero igual de intensa y romántica cuando una pareja consigue seguir adelante. Cuando deciden que lo que tienen merece la pena. Si esto te va, Parenthood (2010-2015) te va a encantar.

Mi vida con los chicos Walter (2023-)

Mi vida con los chicos Walter (2023) te engancha sin darte cuenta. El triángulo amoroso está al fuego vivo y te va a hacer suspirar pero lo mejor para mi es cómo la serie capta esa sensación de llegar a un sitio nuevo y no saber muy bien dónde y cómo encajas…o si lo haces en absoluto, parecido a lo que sucede en Friday Night Lights (2006-2011). Pero, aún así, a pesar de ti misma, ese lugar tiene algo que hace que no te puedas ir. Y las personas que están a tu lado se ganan un hueco en tu corazón. Y el romance, ¡madre mía! Es impulsivo, intenso y te va a acelerar el corazón. Si te van estas montañas rusas de emociones, tienes que ver El verano que me enamoré (2022-).

El fracaso comercial en cines no siempre determina el destino de una película. En la era del streaming, muchos títulos que pasaron desapercibidos durante su estreno en la gran pantalla han encontrado una segunda vida en plataformas digitales, donde el boca a boca y la ausencia de presión por llenar salas han permitido que audiencias más amplias descubran joyas incomprendidas. 

Esta lista rescata 10 películas de la última década que, pese a decepcionar en taquilla, lograron conquistar a millones de espectadores desde la comodidad de sus hogares, demostrando que el éxito cinematográfico ya no se mide solo en dólares recaudados durante el fin de semana de estreno.

Assassin's Creed (2016)

La adaptación del popular videojuego protagonizada por Michael Fassbender y Marion Cotillard llegaba con ambiciones desmesuradas: rescatar el prestigio de las adaptaciones de videojuegos al cine. Costó 125 millones de dólares y apenas recuperó 240 millones a nivel mundial, cifras que parecen respetables hasta que se considera el presupuesto de marketing y la expectativa del estudio. La crítica fue implacable, señalando una trama confusa que alternaba entre el presente y el pasado sin coherencia narrativa.

Sin embargo, en streaming la película encontró su público. Los fans de la franquicia, que quizás evitaron el cine por las malas reseñas, le dieron una oportunidad en plataformas como Netflix y Amazon Prime, donde Assassin's Creed se mantuvo durante semanas entre los títulos más vistos. La dirección de Justin Kurzel ofrece secuencias de acción impresionantes que funcionan mejor en la pantalla de casa, donde el espectador puede pausar y procesar la mitología compleja del universo. 

Fassbender está comprometido a nivel físico, realizando muchas de sus propias acrobacias, aunque el guión nunca le da espacio para construir un personaje tridimensional.

Comparada con Warcraft, otra adaptación de videojuego fracasada del mismo año, Assassin's Creed es más seria y menos interesada en el espectáculo visual. Frente a Sonic: La película, mucho más exitosa a nivel comercial, esta película apuesta por un tono adulto que la diferencia pero también la condena a un nicho específico. No alcanza la coherencia narrativa de Detective Pikachu, pero su ambición formal merece reconocimiento.

Vaiana (2016)

Recaudar 643 millones de dólares a nivel mundial suena como un éxito rotundo, y lo es, pero para los estándares de Disney representó una decepción considerable. La película costó 150 millones de dólares y llegó en un momento donde Frozen había establecido un listón imposible de superar. En su estreno teatral, Vaiana quedó eclipsada por la competencia navideña y por las expectativas infladas que la compañía había generado. La crítica fue positiva pero no entusiasta, y el público pareció tibio durante las primeras semanas.

La historia cambió de forma drástica cuando la película llegó a Netflix. De repente, Vaiana se convirtió en el fenómeno que Disney había anticipado, acumulando visualizaciones de manera masiva y convirtiéndose en el contenido infantil más visto en múltiples países durante varios meses consecutivos. 

Las canciones de Lin-Manuel Miranda, que habían pasado relativamente desapercibidas en cines, se transformaron en himnos virales. La película funciona porque ofrece una protagonista carismática que escapa de los arquetipos tradicionales de princesa, además de una narrativa de autodescubrimiento que resuena de manera universal.

Comparada con Frozen, Vaiana está menos interesada en el drama fraternal y más en el viaje individual del héroe. No tiene el impacto cultural inmediato de Coco, estrenada un año después, pero su legado en streaming es superior. Frente a Encanto, que enfrentaría un destino similar de éxito tardío, Vaiana es más tradicional en su estructura narrativa pero igual de efectiva en lo emocional.

Dos buenos tipos (2016)

Shane Black regresaba al género detectivesco con Russell Crowe y Ryan Gosling como una pareja de investigadores privados en el Los Ángeles de los setenta. La película costó 50 millones de dólares y apenas recaudó 62 millones a nivel mundial, un fracaso comercial rotundo que mató cualquier posibilidad de secuela. 

El estreno coincidió con Capitán América: Civil War y Angry Birds: La película, quedando completamente sepultada en taquilla. La crítica fue positiva en su amplia mayoría, destacando la química entre los protagonistas y el humor negro característico de Black.

En streaming, Dos buenos tipos se convirtió en un clásico de culto instantáneo. La audiencia que la ignoró en cines descubrió una comedia negra inteligente que equilibra acción, humor y nostalgia setentera con maestría. Black, responsable de El último Boy Scout y Kiss Kiss Bang Bang, demuestra su habilidad para escribir diálogos chispeantes donde cada línea funciona como remate. Gosling, en particular, entrega una interpretación cómica brillante que desafía su imagen de galán serio.

Comparada con En el corazón del mar, otro fracaso de taquilla del mismo año, Dos buenos tipos es mucho más ligera y consciente de sus limitaciones. No tiene la ambición de Blade Runner 2049, pero es más accesible y menos interesada en el peso existencial. Por contra, frente a Deadpool, con un enorme éxito y muy irreverente, esta película es menos autoconsciente y más genuina en su amor por el cine de género de los setenta.

El muñeco de nieve (2017)

El thriller nórdico basado en la novela de Jo Nesbø llegaba con un pedigrí impresionante: Michael Fassbender como protagonista, Tomas Alfredson (Déjame entrar) en la dirección, y un presupuesto de 35 millones de dólares. Recaudó apenas 43 millones mundialmente y fue destrozada por la crítica, que señaló una narrativa incoherente y problemas evidentes de montaje. El propio Alfredson admitió en público que solo habían filmado el 80% del guión, una confesión devastadora que explica los huecos argumentales.

Pese a su fracaso catastrófico, El muñeco de nieve logró audiencias curiosas en plataformas de streaming, donde se convirtió en un fenómeno del tipo "es tan mala que es buena". Los espectadores fascinados por el desastre narrativo compartieron memes sobre su incoherencia, transformando la película en un entretenimiento involuntario. Hay momentos de verdadera atmósfera inquietante, en especial en las secuencias ambientadas en los paisajes nevados noruegos, y Fassbender hace lo que puede con un material fundamentalmente roto.

Comparada con La chica del tren, otro thriller fracasado del año anterior, El muñeco de nieve es más ambiciosa en lo visual pero desastrosa a nivel narrativo. No alcanza la tensión sostenida de Prisioneros, que también explora crímenes en ambientes fríos, ni tiene la coherencia de Perdida, referente del thriller psicológico moderno. Frente a Zodiac, otra investigación obsesiva de un asesino serial, esta película es un ejercicio de frustración narrativa.

Blade Runner 2049 (2017)

Denis Villeneuve se enfrentaba al desafío imposible de continuar una de las películas de ciencia ficción más celebradas de la historia. Con un presupuesto de 150-185 millones de dólares, Blade Runner 2049 recaudó solo 267 millones a nivel mundial, una cifra que representó pérdidas significativas para los estudios. La película es demasiado lenta, larga y filosófica para las audiencias masivas que esperaban acción futurista. La crítica fue excelente, reconociendo una obra maestra visual, pero el público general se mantuvo alejado.

En streaming, la película se reveló como la experiencia contemplativa que siempre pretendió ser. Los espectadores que la descubrieron en plataformas como Netflix o HBO Max pudieron apreciar la cinematografía extraordinaria de Roger Deakins, ganadora del Oscar, y la construcción meticulosa de un mundo distópico que expande el original sin traicionarlo. Ryan Gosling está magnífico como un replicante en búsqueda de humanidad, y Harrison Ford regresa con una vulnerabilidad que su personaje en la original jamás mostró. Villeneuve ofrece cada escena como si fuera una pintura en movimiento, creando una meditación sobre la memoria, la identidad y lo que significa ser humano.

Comparada con Mad Max: Furia en la carretera, otro triunfo visual que sí funcionó en lo comercial, Blade Runner 2049 es menos kinética y más cerebral. No tiene el ritmo frenético de La llegada, la anterior película de Villeneuve, pero es igual de ambiciosa a nivel temático. Frente a Dune, su siguiente proyecto y un éxito comercial, esta película es más íntima pese a su escala épica.

Aniquilación (2018)

Alex Garland adapta la novela de Jeff VanderMeer con Natalie Portman liderando un equipo científico que explora una zona alienígena en expansión. Paramount perdió la confianza en la película y la vendió a Netflix para distribución internacional, estrenándola solo en cines estadounidenses donde recaudó apenas 43 millones con un presupuesto de 40-55 millones. La película es densa, extraña y muy ambigua, rechazando explicaciones fáciles en favor de terror existencial y una belleza orgánica perturbadora.

Sin embargo, en Netflix, Aniquilación se convirtió en fenómeno de culto instantáneo, encontrando exactamente la audiencia que busca ciencia ficción intelectual y desafiante. La secuencia final, un ballet de horror cósmico entre Portman y una entidad alienígena que replica sus movimientos, se volvió legendaria en redes sociales. Garland, responsable de Ex Machina, confirma su capacidad para crear ciencia ficción que privilegia las ideas sobre el espectáculo, aunque aquí no escatima en imágenes de pesadilla hermosa.

Comparada con La llegada, otra ciencia ficción cerebral, Aniquilación es más visceral y menos interesada en el optimismo. No tiene la accesibilidad de Gravity, pero es mucho más ambiciosa temáticamente. Frente a Nope de Jordan Peele, que también explora lo incomprensible, esta película es más abstracta y menos preocupada por la narrativa tradicional. El resultado es algo extraordinario: terror de ciencia ficción que funciona como metáfora del cáncer, la autodestrucción y la transformación.

Pequeños detalles (2021)

John Lee Hancock reúne a Denzel Washington, Rami Malek y Jared Leto en un thriller policial ambientado en los noventa donde dos detectives persiguen a un asesino serial. Warner Bros., en plena pandemia, estrenó la película al mismo tiempo en HBO Max y cines, donde apenas generó taquilla (31 millones con presupuesto de 30 millones). La crítica fue mixta, señalando que el film reciclaba recursos del género sin aportar nada nuevo, aunque reconocía las interpretaciones sólidas del reparto.

En streaming, Pequeños detalles encontró su público como entretenimiento de medianoche, perfecta para espectadores que buscan thrillers atmosféricos sin pretensiones innovadoras. Washington y Malek construyen una dinámica interesante entre un veterano obsesivo y un detective ambicioso, mientras Leto desaparece en un papel secundario inquietante. 

Hancock representa el Los Ángeles de los noventa con una paleta que recuerda la paranoia de aquella década, y el giro final, aunque predecible, funciona porque está interpretado con convicción absoluta.

Comparada con Seven, referencia inevitable del género, Pequeños detalles es mucho menos impactante pero igual de sombría. No tiene la complejidad moral de Prisioneros, pero comparte su exploración de hasta dónde están dispuestos a llegar los hombres buenos. 

Frente a Zodiac, obra maestra del thriller de investigación, esta película es más convencional y menos interesada en la obsesión como enfermedad. El resultado es algo respetable: un thriller bien ejecutado que satisface sin revolucionar el género.

Encanto (2021)

La historia de la familia Madrigal y sus poderes mágicos recaudó 256 millones de dólares mundialmente, cifras sólidas en plena pandemia pero decepcionantes para las pretensiones de Disney. La película se estrenó en un momento complicado, con audiencias aún temerosas de los cines y competencia feroz de otras producciones navideñas. Encanto pasó desapercibida relativamente en su ventana teatral, con reseñas positivas pero sin el entusiasmo desbordante que caracteriza los grandes éxitos de Disney.

Todo cambió cuando la película llegó a Disney+. En semanas se convirtió en el fenómeno cultural más grande de Disney desde Frozen, con las canciones de Lin-Manuel Miranda dominando TikTok, Spotify y conversaciones globales. "We Don't Talk About Bruno" se transformó en un hit viral que superó incluso a "Let It Go" en reproducciones. La película funciona porque aborda dinámicas familiares complejas con honestidad emocional poco común en animación, explorando el trauma generacional y la presión de cumplir expectativas sin perder el humor ni la magia.

Comparada con Coco, que también celebra la cultura latinoamericana, Encanto está menos interesada en la muerte y más en la sanación familiar. No tiene la espectacularidad visual de Vaiana, pero su animación es igualmente impresionante en su representación de la arquitectura colombiana. 

Por último, frente a Raya y el último dragón, estrenada el mismo año, Encanto es más universal en sus temas pese a su especificidad cultural. 

Mortal Kombat (2021)

La adaptación del videojuego de lucha llegaba con expectativas moderadas: Warner Bros. la estrenó simultáneamente en cines y HBO Max durante la pandemia, recaudando solo 84 millones con presupuesto de 55 millones. La crítica fue mixta, reconociendo escenas de acción brutales pero señalando un guión débil que privilegia el espectáculo sobre la coherencia narrativa. El consenso general fue que funcionaba como entretenimiento desechable para fans del juego pero poco más.

Por contra, en HBO Max, la película se convirtió en una de las ficciones más vistas del año, encontrando de forma exacta la audiencia que buscaba violencia estilizada sin pretensiones artísticas. El director Simon McQuoid entiende que Mortal Kombat no necesita profundidad temática sino fatalities espectaculares y peleas coreografiadas con precisión. 

La película entrega ambas con generosidad, recreando los movimientos icónicos del juego con un nivel de gore que sorprendió por su clasificación R. El reparto, en su mayoría asiático, es un acierto que honra el origen del juego.

Comparada con la adaptación de 1995, esta versión es superior en todos los aspectos técnicos. No alcanza la diversión tonta de El Escuadrón Suicida, pero tampoco lo intenta. Frente a Assassin's Creed, que fracasó por tomarse demasiado en serio, Mortal Kombat triunfa en streaming precisamente porque conoce sus limitaciones y las abraza con entusiasmo. 

Babylon (2022)

Damien Chazelle, tras el éxito de La La Land, apostaba todo en una épica desenfrenada sobre Hollywood en la transición del cine mudo al sonoro. Con un presupuesto de 80-110 millones de dólares, Brad Pitt y Margot Robbie como estrellas, y una duración de 189 minutos, Babylon recaudó solo 63 millones en todo el mundo. Fue un desastre comercial absoluto que destruyó la reputación de Chazelle como director taquillero. La crítica estuvo dividida: algunos la consideraron una obra maestra excesiva, otros un ejercicio de indulgencia insoportable.

En Paramount+ y otras plataformas, la película encontró defensores apasionados que apreciaron su poca vergüenza. Chazelle representa el Hollywood de los años veinte como una bacanal apocalíptica, con sexo, drogas y violencia explícita que nunca se sienten gratuitos sino necesarios para capturar una era de libertad creativa desesperada. 

Robbie está extraordinaria como actriz en ascenso que simboliza la energía caótica del cine mudo, mientras Pitt interpreta a una estrella en declive con una melancolía devastadora. La secuencia final, un montaje que conecta el cine primitivo con el contemporáneo, es uno de los momentos más ambiciosos de la década cinematográfica.

Comparada con Érase una vez en... Hollywood de Tarantino, que también revisita el Hollywood clásico, Babylon es más frenética y menos nostálgica. No tiene la contención de The Artist, ganadora del Oscar que también explora la transición al cine sonoro, pero es mucho más salvaje. Frente a Ámsterdam, otro fracaso comercial de 2022, esta película tiene una visión clara y una ejecución brillante pese a sus excesos.

Convertida en una de las actrices más reconocibles de su generación gracias al fenómeno irrepetible de Juego de Tronos, Sophie Turner ha construido una carrera marcada por decisiones tan comerciales como arriesgadas. Desde la fantasía épica que la lanzó al estrellato hasta thrillers independientes, cine juvenil, animación y producciones televisivas recientes de corte más adulto, sus papeles dibujan un recorrido irregular pero interesante, lleno de intentos por escapar de una sombra muy alargada.

Este repaso ordena todas sus películas y series por fecha de estreno, analizando su papel en cada una, el contexto del título y cómo encaja —para bien o para mal— dentro de su trayectoria. 

Juego de Tronos (2011)

Hablar de Sophie Turner es, inevitablemente, empezar por Juego de Tronos. Su Sansa Stark arranca como un personaje ingenuo, casi irritante, para convertirse con el paso de las temporadas en una de las figuras más complejas y resistentes de la serie. Turner crece como actriz al mismo ritmo que su personaje, algo poco habitual en producciones de esta magnitud.

Su trabajo no tiene el impacto inmediato de otros intérpretes de la serie (incluidos algunos villanos), pero gana peso con el tiempo. A diferencia de arcos más explosivos como los de Daenerys o Arya, el de Sansa es lento, psicológico y muy político. En ese sentido, Turner conecta más con personajes como los de The Crown que con heroínas de fantasía épica tradicionales.

Por cierto, si eres fan de la serie, te recomendamos leer nuestra guía con 10 series similares a Game of Thrones.

El cuento número 13 (2013)

En esta adaptación televisiva de la novela de Diane Setterfield, Turner interpreta la versión joven de uno de los personajes clave del relato. El cuento número 13 es un drama gótico clásico, muy contenido, donde su papel es más atmosférico que protagonista.

Aquí, la actriz británica funciona como pieza de un engranaje mayor, algo similar a lo que ocurría con jóvenes actrices en miniseries británicas como Jane Eyre o Grandes esperanzas. No destaca en especial, pero demuestra que puede moverse en registros más sobrios fuera del universo de Juego de Tronos.

Mi otro yo (2013)

Mi otro yo es un thriller psicológico de bajo perfil en el que Turner tiene un papel secundario. La película pasó prácticamente desapercibida, y no ayudó demasiado a consolidar su carrera cinematográfica.

Comparada con otros thrillers juveniles de la época como Desde mi cielo o Presencias extrañas, esta producción se queda corta tanto en ambición como en ejecución. Turner cumple, pero el proyecto no le ofrece espacio real para brillar.

Barely Lethal (2015)

Esta comedia de acción adolescente buscaba mezclar instituto, espionaje y humor ligero. Turner interpreta a la típica chica popular, un rol muy alejado de Sansa Stark y claramente diseñado para romper con esa imagen.

El problema es que Barely Lethal nunca termina de encontrar su tono. Frente a propuestas similares como Kick-Ass o incluso Chicas malas, la película resulta inofensiva y olvidable. Turner demuestra soltura en la comedia, pero el material no está a la altura.

X-Men: Apocalipsis (2016)

El salto al cine de superhéroes llega con X-Men: Apocalipsis, donde Sophie Turner encarna a Jean Grey. Es un papel icónico dentro del universo Marvel, pero también uno muy maltratado por los guiones de esta etapa de la saga.

Turner aporta presencia y contención, aunque queda eclipsada por el caos narrativo de la película. A diferencia de versiones más sólidas del género como Logan o X-Men: Días del futuro pasado, esta entrega nunca sabe qué hacer con sus personajes, incluida Jean Grey.

Josie (2017)

Thriller oscuro y provocador, Josie ofrece a Sophie Turner uno de sus papeles más arriesgados. Aquí interpreta a una joven misteriosa que altera la vida de un hombre solitario, en una historia que juega con la manipulación y la ambigüedad moral.

La película recuerda a ciertos thrillers eróticos de los 90, aunque sin su potencia. Turner demuestra carisma y capacidad para sostener un personaje inquietante, algo que la acerca más a actrices como Rooney Mara que a sus contemporáneas del cine juvenil.

Amor de ida y vuelta (2018)

Este drama romántico indie es uno de los trabajos más discretos de su carrera. Amor de ida y vuelta apuesta por una narrativa fragmentada y emociones contenidas, pero nunca termina de despegar.

Turner está correcta, aunque la película se queda muy por debajo de referentes del género como Blue Valentine o Como locos. Es uno de esos títulos que pasan sin dejar huella, ni para bien ni para mal.

X-Men: Fénix Oscura (2019)

X-Men: Fénix Oscura debía ser la consagración definitiva de Turner como Jean Grey, pero acabó convirtiéndose en uno de los mayores tropiezos de la saga. A pesar de ser la protagonista absoluta, la película no consigue articular un conflicto emocional sólido.

Turner hace lo que puede con un guión errático. Comparada con la poderosa Dark Phoenix Saga de los cómics o incluso con la versión de X-Men: La decisión final, esta adaptación resulta fría y desaprovechada.

Heavy (2019)

En Heavy, Turner vuelve al cine independiente con un drama romántico poco convencional. La película explora relaciones marcadas por la inseguridad y el deseo de validación.

Su papel es más naturalista y cercano, recordando a ciertos dramas generacionales como Frances Ha, aunque sin ese nivel de frescura. Es una interpretación honesta en una película menor.

Survive (2020)

Esta serie de corta duración, estrenada en formato digital, muestra a Turner como superviviente de un accidente aéreo en un entorno hostil. Survive se apoya casi por completo en su presencia.

Aunque la comparación con series como Lost es inevitable, aquí el enfoque es mucho más íntimo. Turner sostiene bien el peso emocional, demostrando que puede liderar una producción, aunque el formato limita su impacto.

Princess Bride (2020)

Turner participó en una versión especial y benéfica de Princess Bride, reinterpretando uno de los clásicos más queridos del cine. Su aparición fue breve, pero simbólica.

Más que una actuación, fue un gesto lúdico y nostálgico, muy lejos de cualquier intento de reinterpretar el original. Funciona como curiosidad dentro de su filmografía.

La escalera (2022)

En La escalera, miniserie basada en un caso real, Turner aparece en un papel secundario dentro de un reparto coral liderado por Colin Firth y Toni Collette.

La serie destaca por su enfoque psicológico y su ambigüedad moral, más cercana a Mindhunter que al true crime sensacionalista. Turner cumple, aunque queda lógicamente en segundo plano.

Revancha ya (2022)

Esta comedia adolescente de venganza es uno de los proyectos más divertidos y conscientes de sí mismos en los que ha participado. Turner aparece en un rol breve pero eficaz.

Revancha ya conecta mejor con el espíritu de películas como Heathers: Escuela de jóvenes asesinos o Clueless, y demuestra que Turner encaja bien en registros más irónicos cuando el guión acompaña.

Los Storybots responden (2022)

En esta serie animada infantil, Turner participa como actriz de doblaje. Los Storybots responden es un proyecto educativo donde su aportación es puntual pero funcional.

No es un título clave en su carrera, pero sí muestra su versatilidad y disposición a explorar formatos muy distintos.

Joan (2024)

Joan marca uno de los regresos más interesantes de Turner a la televisión, con un personaje complejo en una serie de corte dramático y criminal.

Aquí se la ve más segura, más madura, alejándose de manera definitiva de los roles adolescentes. Es un paso en la dirección correcta, comparable al giro que dieron actrices como Jodie Comer o Ruth Wilson en su momento.

Cuestión de confianza (2025)

Thriller psicológico reciente, Cuestión de confianza apuesta por el suspense y las relaciones tóxicas. Turner lidera la historia con una interpretación más contenida y adulta.

Sin reinventar el género, la película funciona mejor que otros intentos similares, situándose por encima de muchos thrillers de consumo rápido.

The Dreadful (2026)

Este proyecto de terror promete ser uno de los más interesantes de su carrera reciente. The Dreadful busca un enfoque atmosférico, más cercano al terror psicológico que al susto fácil.

Si cumple lo que promete, podría situar a Turner en una línea similar a la de actrices como Florence Pugh en Midsommar.

El robo (2026)

En El robo, Turner se adentra en las series de atracos con un papel aún poco conocido. El género ofrece una buena oportunidad para explorar personajes más ambiguos.

Todo dependerá de si la serie apuesta por un enfoque estilizado tipo Ocean’s Eleven o por un realismo más crudo.

Serie de Tomb Raider sin título (2027)

Este proyecto televisivo es, a día de hoy, uno de los más ambiciosos de su carrera. La serie de Tomb Raider supone asumir un icono cultural con décadas de historia.

Si logra diferenciarse de las adaptaciones cinematográficas anteriores y ofrecer una Lara Croft con identidad propia, podría convertirse en el gran punto de inflexión que Sophie Turner lleva años buscando.

El primer tráiler de Spider-Noir aterrizó hace apenas unos días y, además de mostrarnos por primera vez a Nicolas Cage encarnando en carne y hueso a Ben Reilly (no a Peter Parker, ojo) vestido con su gabardina y balanceándose entre los rascacielos de una Nueva York de 1933, las imágenes nos permiten vislumbrar a varios de los villanos a los que se enfrentará "The Spider" a lo largo de los ocho episodios.

Lo curioso es que si revisas el tráiler fotograma a fotograma, te encontrarás con una imagen inquietante de una especie de hombre araña mutante. No es una versión alternativa de Spider-Man, sino una extraña criatura aracniforme del que sabremos más cuando llegue la serie el 27 de mayo a Amazon Prime Video. Aprovechemos el lanzamiento para intentar elucubrar si estamos ante una sorpresa oscura en el panorama del género de superhéroes.

Los villanos confirmados

El tráiler, para empezar, confirma que Spider-Noir no escatimará en villanos clásicos reimaginados para esta versión de los años 30. Aunque no aparece directamente en el tráiler,  Brendan Gleeson interpreta a Silvio Manfredi, alias Silvermane, el jefe mafioso que según las fuentes será el gran antagonista de la serie, investigado por Ben Reilly tras varios intentos de asesinato contra él. Hay una toma brevísima de un hombre con traje blanco brillante caminando por un callejón, lo que ha disparado especulaciones sobre una posible aparición de Mr. Negative. Claro que podría ser un personaje completamente diferente, pero está claro que Spider-Noir va a tener sorpresas para los fans de los cómics y para quienes solo conocen al personaje por Spider-Man: Un nuevo universo (2018).

Jack Huston encarna a Flint Marko, el Hombre de Arena, que en los cómics tradicionales es uno de los enemigos más antiguos de Spider-Man desde su aparición en 1963. Aquí se le presenta como un gángster con la piel transformándose en textura arenosa, capaz de manipular arena para crear trampas y armas. También está el incendiario misterioso que puede crear fuego con las manos, especulado como una versión de Molten Man adaptada al universo noir. Y en el tráiler se pueden distinguir brevísimas apariciones de lo que parece ser Electro y Vulture, villanos fundadores de los Seis Siniestros en los cómics originales. Pero lo verdaderamente perturbador aparece en un fotograma de apenas medio segundo: una criatura aracniforme monstruosa que no es Spider-Man. Luego hablaremos sobre ella.

Un tono que bebe de Sam Raimi, detectives pulp y terror retro

Lo fascinante de Spider-Noir no es solo que Nicolas Cage finalmente consiga protagonizar una serie de superhéroes tras décadas de proyectos frustrados como su Superman de Tim Burton, sino el tono que los creadores Oren Uziel y Steve Lightfoot han conseguido imprimir. El tráiler respira el espíritu de Darkman (1990), la olvidada película de Sam Raimi que mezclaba cine noir, terror gótico y superhéroes mucho antes de que dirigiera la trilogía de Spider-Man (2002) con Tobey Maguire. Esa conexión no es casual: Sony y no Marvel Studios tiene los derechos, lo que les da libertad creativa para ir hacia territorios más adultos.

La estética remite también a La sombra (1994), otra adaptación de un héroe pulp de los años 30, con Alec Baldwin como un vigilante con poderes psíquicos que se mueve entre las sombras de Nueva York. Algunos planos del tráiler recuerdan poderosamente al Rorschach de Watchmen (2009), especialmente en cómo Spider-Noir mira desde una cornisa con su máscara inquietante y su gabardina ondeando. También el Batman de The Batman (2022) hace rima con este estilo, con ese enfoque detectivesco, sucio y violento que Matt Reeves imprimió a su versión del Caballero Oscuro. Pero hay otra referencia que merece la pena mencionar: El sello de Satán (Cast a Deadly Spell, 1991), una joya del cine fantástico de HBO que mezclaba detectives, comedia y cine negro con terror lovecraftiano en un Los Ángeles de los años 40 donde la magia era real.

Man-Spider vs Dios Araña: ¿qué es esta criatura?

Volvamos al monstruo del fotograma. Las teorías apuntan a dos posibles identidades. La primera es Man-Spider, un villano que muta completamente en una araña gigante con ocho ojos, múltiples extremidades y pérdida total de su humanidad, un concepto aterrador que apareció en la serie animada de los 90. Estaríamos ante una pesadilla deforme donde un humano pierde toda su humanidad para convertirse en araña completa, body horror puro, algo que confirmaría el tono sombrío de la serie. La versión animada de los 90 mostró esta transformación como algo aterrador incluso para un público infantil, pero esto parece salido de la película Araña mutante (2001), una película de terror que ya exploró esta idea de un humano transformándose en monstruo araña.

La otra opción, Kwaku Anansi, sería aún más interesante narrativamente. En los cómics de Marvel, Anansi es el Dios Araña original, una deidad totémica del folklore africano que aparece en historias del Hombre Araña cuando se explora el origen místico de sus poderes. En vez de ser solo un accidente radioactivo, los poderes de Spider-Man estarían conectados a fuerzas ancestrales, a un panteón de dioses animales que incluye arañas o avispas (como Shathra, la villana rumoreada de Spider-Man: Brand New Day). Si Spider-Noir decide explorar esta mitología, podríamos estar ante una serie mucho más ambiciosa de lo que parece.

Lo que está claro es que esta criatura no es amigable y parece algo que ha perdido todo vestigio de humanidad, lo que en el fondo vuelve a un elemento clave en los tebeos de Spider-Man, que en realidad son una suerte de parada de los monstruos, con casi todos los enemigos siendo personajes que son mutados de alguna manera trágica y suelen “caer” en el lado oscuro, por lo que el enfoque de cine de monstruos clásico, con aroma de película Universal—el blanco y negro de la serie no es casual—, como lo fue la Darkman de Raimi, no es nada que no sea puro espíritu de la era dorada del personaje, siempre con ese toque de terror que daban el lagarto, morbius o el propio Venom original.

El salto de la interpretación a la dirección nunca ha sido un camino sencillo. Algunos actores fracasan de forma estrepitosa al intentarlo, otros construyen carreras paralelas sólidas y unos pocos terminan siendo mejores directores que intérpretes. 

Lo que está claro es que 2026 se perfila como un año muy interesante para este tipo de debuts, con nombres que van desde estrellas consolidadas de Hollywood hasta rostros emergentes con algo que contar. 

Cinco proyectos destacan por encima del resto, no solo por el perfil de quienes están detrás, sino por la ambición narrativa y visual que prometen. Aquí repasamos estos debuts, analizando qué los hace relevantes y cómo encajan dentro de una tradición cinematográfica cada vez más difusa entre actuación y dirección.

Kristen Stewart - La cronología del agua

Que Kristen Stewart diera el salto a la dirección era solo cuestión de tiempo. Después de años demostrando un instinto visual poco común en sus elecciones como actriz —desde Personal Shopper hasta Spencer—, su debut tras las cámaras llega con La cronología del agua, adaptación de las memorias de Lidia Yuknavitch. El proyecto promete ser tan visceral como literario, explorando trauma, identidad y supervivencia a través de una narrativa fragmentada y experimental.

Stewart no solo dirige, sino que también protagoniza esta historia de una mujer que encuentra en la natación y la escritura una forma de reconstruirse. La apuesta recuerda a ciertos debuts autorales de actrices como Greta Gerwig con Lady Bird o Olivia Wilde con Súper empollonas, aunque el tono aquí parece mucho más oscuro y personal. 

A diferencia de esos casos, Stewart no busca la comedia ni el coming-of-age luminoso, sino algo más cercano al cine europeo de autor, a directoras como Céline Sciamma o Mia Hansen-Løve.

Lo interesante es que Stewart lleva años preparándose para esto de manera casi inadvertida. Sus cortometrajes previos ya mostraban una sensibilidad visual muy definida, y su experiencia trabajando con directores como Assayas, Larraín o Cronenberg le ha dado herramientas narrativas poco comunes. 

Scarlett Johansson - Eleanor The Great

Tras décadas frente a los focos, Scarlett Johansson debuta en el largometraje con Eleanor The Great, una película que sorprende por su ternura y su enfoque en la tercera edad, un territorio poco explorado por las estrellas de su calibre. 

La historia de Eleanor Morgenstein, una mujer de 94 años que intenta reconstruir su vida tras una pérdida, es tratada por Johansson con una delicadeza exquisita. Lo que podría haber sido un drama lacrimógeno se convierte, bajo su batuta, en una comedia humana llena de ingenio y dignidad. La elección de June Squibb como protagonista es un acierto total, permitiendo que la dirección de Johansson brille a través de una interpretación contenida pero poderosa.

Al analizar la película, es inevitable pensar en otros debuts que exploran la vejez, como El padre de Florian Zeller. Sin embargo, donde Zeller utiliza el lenguaje del thriller psicológico para mostrar la desorientación, Johansson prefiere un realismo más luminoso y esperanzador. 

Comparada con el debut de Bradley Cooper en Ha nacido una estrella, la obra de Johansson es mucho menos grandilocuente y más centrada en los pequeños detalles de la cotidianidad. Es una película que demuestra que Scarlett tiene un ojo clínico para la emoción humana sin necesidad de artificios, situándola en una liga similar a la de directores como Alexander Payne por su capacidad para encontrar lo extraordinario en lo ordinario.

Eva Victor - Sorry, Baby

Eva Victor es probablemente el nombre menos conocido de esta lista, pero su debut como directora con Sorry, Baby podría ser el más fresco e impredecible. Comediante, actriz y creadora de contenido, Victor trae consigo una voz única que ya ha demostrado en formatos más breves. Sorry, Baby promete ser una comedia incómoda, llena de humor crudo y observaciones generacionales afiladas.

El proyecto se sitúa en la tradición de comedias indie escritas y dirigidas por mujeres que no temen ser desagradables o vulnerables, como Obvious Child de Gillian Robespierre o La peor persona del mundo de Joachim Trier. A diferencia de rom-coms más convencionales o incluso de propuestas aparentemente transgresoras como Barb y Star Go van a Vista Del Mar, Sorry, Baby parece apostar por una honestidad emocional sin concesiones.

Lo interesante de Victor es que viene del mundo digital, donde ha cultivado un público fiel con sketches que mezclan lo absurdo con lo cotidiano. Ese equilibrio entre humor y melancolía podría funcionar muy bien en formato largometraje, siempre que el guión sostenga el ritmo. 

Si lo consigue, estaríamos ante un debut comparable al de Bo Burnham con Eighth Grade, otro creador digital que supo trasladar su sensibilidad a la gran pantalla sin perder autenticidad. El desafío será evitar caer en el tono errático o disperso que lastra a tantas primeras películas de comediantes.

Harris Dickinson - Urchin

Harris Dickinson ha sido una de las revelaciones actorales de los últimos años, con papeles memorables en Beach Rats, El triángulo de la tristeza y Babygirl. Su salto a la dirección con Urchin promete ser tan crudo y visceral como su trabajo frente a la cámara. La película explora la masculinidad tóxica, la clase trabajadora británica y las dinámicas de poder en contextos marginales.

El tono de Urchin recuerda de forma inevitable al cine social británico de directores como Shane Meadows (This Is England) o Lynne Ramsay (Ratcatcher), aunque Dickinson parece querer aportar una mirada más contemporánea y menos nostálgica. A diferencia de debuts más seguros o pulidos a nivel estético, este proyecto apuesta por la inmediatez, la violencia contenida y los silencios incómodos.

Dickinson tiene a su favor haber trabajado con directores exigentes que le han dado una educación cinematográfica sólida. Su experiencia en producciones indie de bajo presupuesto también le permitirá moverse con soltura en un rodaje probablemente austero. 

El riesgo es que Urchin resulte demasiado derivativa o que se pierda en un realismo gris sin identidad propia, algo que le ocurrió a otros debuts británicos como La ciudad de la violencia, bien intencionado pero olvidable. Si Dickinson logra aportar una voz personal y evita los clichés del género, podríamos estar ante uno de los debuts más potentes del año, muy por encima de intentos más tibios de actores que buscan dirigir sin arriesgar demasiado.

Daniela Ruah - Nowhere Boy

Daniela Ruah es conocida principalmente por su largo recorrido en televisión, en especial por su papel en NCIS: Los Ángeles, donde ha pasado más de una década construyendo un personaje sólido dentro del mundo policial. Su salto a la dirección con Nowhere Boy marca un giro radical respecto a lo que el público espera de ella, apostando por un drama intimista que explora la paternidad, el abandono y la identidad en contextos de migración.

El proyecto se aleja por completo del entretenimiento formulaico de las series policiales y se adentra en territorios más cercanos al cine independiente europeo. Nowhere Boy promete una narrativa contenida, casi minimalista, donde los silencios pesan tanto como los diálogos. La premisa recuerda a ciertos dramas migratorios como The Rider de Chloé Zhao o Aftersun de Charlotte Wells, películas que construyen su potencia emocional desde la observación paciente y la economía narrativa.

Lo interesante del caso de Ruah es que viene de un entorno donde dirigir episodios es una práctica relativamente común para actores consolidados, pero dar el salto al cine requiere una ambición narrativa distinta. 

A diferencia de debuts televisivos convertidos en largometrajes, como el de Michael Chiklis con The Commish, Ruah parece haber optado por un proyecto personal que no busca replicar las fórmulas de su trabajo previo. El riesgo es que Nowhere Boy se pierda en un tono demasiado austero o que no logre diferenciarse de otros dramas indie sobre desplazamiento y soledad. 

Sin embargo, si Ruah consigue imprimir una mirada propia y evita caer en el didactismo o la solemnidad vacía que lastran tantos debuts con buenas intenciones, podríamos estar ante una revelación inesperada del año.

En mayo llega a Prime Video una de esas propuestas que despiertan curiosidad desde su primer avance: Spider Noir, una serie que promete mezclar el universo del superhéroe con el tono oscuro y estilizado de un misterio clásico. 

Esta serie, que se podrá ver tanto en blanco y negro como en color,  está ambientada en el Nueva York de los años treinta y su historia gira en torno a Ben Reilly, un detective privado con más pasado que futuro, obligado a enfrentarse a la etapa en la que fue el único justiciero de la ciudad. 

Desde que se mostraron las primeras imágenes, Spider Noir ya dio que hablar, pero antes de que se estrene y nos pongamos a analizar teorías, hay algo que a mí siempre me encanta hacer: ubicar caras. Porque sí, el elenco está lleno de actores que ya vimos en otros proyectos, a veces muy distintos entre sí. 

Encabezados por Nicolas Cage, el reparto mezcla grandes nombres y también algún que otro rostro que seguro reconoces aunque no recuerdes de dónde. Así que aquí vamos con una pequeña previa para esta serie de 2026 que promete en grande.  

Nicolas Cage 

Es casi imposible resumir la carrera de Cage en pocas líneas, pero lo intentaré. Él ha pasado de ganador del Oscar por Adiós a Las Vegas y héroe de acción de los 90 en La Roca y Con Air, a aventuras más mainstream como La búsqueda o películas independientes como Dream Scenario. La discusión eterna siempre gira en torno a si es buen o mal actor, pero yo, que soy bastante defensora de su filmografía, creo que esa es la pregunta equivocada. Cage tiene algo que muy pocos conservan en esta industria: es impredecible. Puede ser excesivo, extraño o todo a la vez, pero rara vez es aburrido. 

En Spider Noir, interpreta al detective Ben Reilly. Es importante saber que aunque ya había puesto voz a Spider-Man Noir en Spider-Man: Into the Spider-Verse, esta nueva serie no está conectada con ese universo. Aquí la inspiración viene directamente de los cómics de Spider-Man Noir, con un tono más adulto. Viendo el estilo de esta serie,  sinceramente cuesta imaginar a alguien más adecuado para esta versión sombría del héroe que Cage.

Li Jun Li 

Li Jun Li lleva años construyendo una carrera bastante sólida, aunque muchas veces desde papeles que no siempre son los más visibles. La hemos visto en series como Quantico y The Exorcist, moviéndose con naturalidad entre el thriller y el drama, y también en el cine más reciente, con películas galardonadas como Los Pecadores. 

En Spider Noir interpreta a Cat Hardy, un nombre que conecta con Felicia Hardy, más conocida como Black Cat. En los cómics, Felicia suele ser un personaje bastante ambiguo: ladrona brillante, aliada ocasional de Spider Man y, muchas veces, su interés romántico. Habrá que ver de que manera se integra en esta historia, pero sin duda en este género su arquetipo permite jugar con la femme fatale clásica, esa mujer que sabe más de lo que dice y nunca muestra todas sus cartas. 

Brendan Gleeson

Si en el reparto aparece Brendan Gleeson, yo ya estoy contenta. Es uno de esos actores que elevan cualquier proyecto sin esfuerzo. Lo hemos visto en papeles tan distintos como el terco policía de Escondidos en Brujas, el amigo melancólico en Almas en pena de Inisherin o el imponente Alastor Moody en Harry Potter y el caliz de fuego. Y en cada rol mantiene algo muy suyo: una mezcla de humanidad, ironía y presencia que pesa en pantalla (sobre todo si colabora con Martin McDonagh)

En Spider Noir interpretará al villano Silvermane, que en los cómics fue el gran jefe criminal de Nueva York antes de que Kingpin le arrebatara el trono. Es decir, no estamos hablando de un mal menor. En un universo ambientado en los años treinta, con mafias y corrupción, Gleeson parece perfecto para encarnar a ese tipo de poder silencioso que no necesita levantar la voz para imponer respeto. Solo imaginarlo en ese rol ya suma puntos a la serie.

Abraham Popoola

Si has visto Andor o te has enganchado con The Great, seguramente ya te has cruzado con Abraham Popoola. Es de esos actores que llevan tiempo construyendo su camino con paciencia, apareciendo en proyectos sólidos y dejando huella aún con papeles secundarios. Tiene una presencia muy natural, que encaja especialmente bien en historias donde el contexto social pesa tanto como la acción. 

En Spider Noir interpretará a un veterano de la Primera Guerra Mundial que intenta salir adelante en un Nueva York poco amable con quienes regresan del frente. Solo esa premisa ya habla de un personaje con heridas y contradicciones. Y si algo nos ha enseñado el noir, es que los antagonistas más interesantes no nacen villanos: suelen ser personas que buscaban una oportunidad y terminaron tomando el camino equivocado.

Karen Rodríguez

Si has visto series como El gran salto, Swarm o la segunda temporada de Acapulco, seguramente ya te has cruzado con Karen Rodríguez. En Spider Noir interpretará a Janet, la fiel secretaria de Ben y la persona que parece sostener el pequeño negocio cuando todo amenaza con venirse abajo. 

Aunque no sabemos bien el trasfondo de su personaje, podemos imaginar un poco por donde viene la mano. En el imaginario noir, la secretaria suele ser mucho más que alguien que toma notas: es cómplice, confidente y, a veces, la voz de la cordura. 

Jack Huston

Si conoces Boardwalk Empire, seguramente recuerdas a Jack Huston. Su Richard Harrow era uno de esos personajes que daban miedo y ternura al mismo tiempo, y eso no es fácil. También lo hemos visto en películas como American Hustle, moviéndose con soltura en historias de época y entornos cargados de ambigüedad moral. Tiene un rostro muy de otro tiempo, muy adecuado para una historia de los años treinta.

En Spider Noir interpretará a Flint Marko, mejor conocido como Sandman. En los cómics, Sandman es uno de los villanos clásicos de Spider Man, capaz de transformar su cuerpo en arena y casi indestructible. Pero aquí, me imagino una versión más humana y menos espectacular, más marcada por la necesidad que por la maldad pura.

Lamorne Morris

¿Conoces la serie New Girl? entonces seguro recuerdas a Lamorne Morris como Winston, ese personaje que empezaba en segundo plano y terminó robándose medio show. Tiene un timing cómico muy natural, pero lo interesante es que con los años ha demostrado que puede ir mucho más allá del humor ligero, como se vio en Fargo, donde exploró registros más oscuros y complejos.

En Spider Noir hace de Robbie Robertson, un periodista comprometido y mejor amigo de Ben Reilly. En los cómics de Spider Man, Robbie Robertson suele ser una figura íntegra dentro del Daily Bugle, alguien que representa la ética en medio del sensacionalismo. Me gusta especialmente este casting porque Morris tiene carisma y calidez y en un universo noir, siempre viene bien alguien que todavía cree en hacer lo correcto.

Ante el arte refinado, la cultura pide relajar la ceja. Por ello, en los años noventa, cuando El silencio de los corderos (1991) era el epítome del fantástico aceptable por la crítica, el slasher irrumpió a cuchilladas para devolver el terror a un mundo conocido y verdaderamente gozoso… Siempre que te guste saltar a sustos.

Hoy, tras el cansancio post-terror elevado, el slasher regresa para proponer una alternativa que, si no mejor, sí será para todos los públicos. Y las salas responden: sólo habrá que ver los resultados de Scream 7 (2026), que si son parecidos a los del reboot de la saga de Ghostface, nos harán temblar.

En cualquier caso, siempre es buen momento para recordarnos qué nos gusta de los villanos del subgénero de cuchilladas. Porque, no nos engañemos, son la razón última de que volvamos una y otra vez a la fórmula slasher. Entra nuestro ranking definitivo (o no) de antagonistas.

10. Ghostface en ‘Scream (Vigila quién llama)’ (1996)

Scream es una franquicia de terror bastante curiosa. Pensada como la carta de amor definitiva y autoconsciente al género slasher, Scream (Vigila quién llama) (1996) acabó por ser tan querida como las pelis que “parodiaba”, entre muchas comillas. Con un montón de secuelas a lo largo de dos generaciones, su villano, Ghostface, incluso sirvió de base para su propia parodia, Una película de miedo (2000) que, no, no ha envejecido tan bien.

Aunque es un collage de clichés del slasher, Ghostface tiene tanto carisma que termina siendo mucho más que la suma de sus partes, quizás por lo torpísimo que era. Con su traje negro sencillo, su cuchillo de cocina enorme y su máscara inconfundible, demuestra que lo simple casi siempre funciona mejor.

9. Norman Bates en ‘Psicosis’ (1960)

Pocos personajes pueden decir que dieron origen a todo un género, pero igual que James Bond es –sí o sí– el padre del cine de espías, Norman Bates es sin duda el abuelo de todos los slashers. Todos los asesinos del género son un homenaje o una respuesta a su protagonismo desquiciado en Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock.

Aunque fuera un pionero, muchos personajes posteriores replicaron su fórmula tan bien que casi ha quedado en segundo plano, él y a su obsesión por el sexo y las madres (ejem, Jason). Aun así, Bates merece estar en cualquier lista mínimamente rigurosa, y al abuelo siempre se le guarda un sitio privilegiado en la mesa.

8. Candyman en ‘Candyman’ (2021)

Hay tres requisitos para que un slasher se convierta en icónico: un buen nombre, un arma única y una estética inolvidable. La Candyman de Nia DaCosta (2021), así como la original de Clive Barker, tienen además un no sé qué extra: una historia de origen atemporal y consciente con los tiempos en qué surgía.

Y es que Daniel Robitaille, una víctima de violencia racial, vuelve como un poderoso espíritu que mata a quien lo invoca. Y cuando vuelve… Vuelve como Candyman. Interpretado por Tony Todd, su mano en forma de gancho y el enjambre de abejas que lo rodea aún persiguen las pesadillas de muchos millennials. Además, ¿le recordáis de Destino final (2000)?

7. Leatherface en ‘La matanza de Texas’ (1974)

Confieso: yo aún no puedo ver La matanza de Texas (1974) antes de dormir. Hay algo en la imagen de Leatherface (literal, “cara de cuero”, ya sabes por qué) que llega cargado de una energía punk y muy DIY. Muy como que la piel de la máscara podría ser la tuya.

De hecho, La matanza de Texas de Tobe Hooper y Kim Henkel fue tan revolucionaria que mucha gente creyó que estaba basada en hechos reales. Parte de esa sensación se debe a que Hooper lo fue afirmando a propósito, aunque fuera mentira. Para cuando llegó La matanza de Texas 2 (1986), bastante buena también, Leatherface (como su padrino Ed Gein) ya era una leyenda.

6. Jason (y mamá) en ‘Viernes 13’ (1980)

Si Chucky está en el extremo divertido del espectro del terror por su reducido tamaño y su excesiva mala leche, el muy querido Jason Voorhees está en el otro. Como un gigante vestido con ropa sucia y una máscara intimidante, el cadáver resurgido activa todas nuestras escarpias con sólo su presencia. Pero ey, recordad que en la primera película de la saga, él no es el asesino.

Su naturaleza casi indestructible, como la de Michael Myers, en cada entrega de Viernes 13 (1980) va convirtiendo su aura en cada vez más imponente. Aunque la saga no llega a los cines desde 2009, su impacto sigue vivo gracias a videojuegos como Until Dawn y a la inminente serie Crystal Lake.

5. El asesino de Blissfield en ‘Este cuerpo me sienta de muerte’ (2020)

El asesino de Blissfield en Este cuerpo me sienta de muerte (2020) es una de las reinvenciones más ingeniosas del slasher moderno. Interpretado por el grandullón Vince Vaughn, al principio de este slasher body-swap este brutal criminal se cambia de cuerpo con una adolescente, lo que da al personaje una capa inesperada de humor y, como con Ghostface, (casi) nos lleva a quererlo.

Aunque sigue siendo una máquina de matar imparable, veremos que adaptarse le pide bastante sentido del humor. El asesino de Blissfield, o homólogos como el de Feliz día de tu muerte (2017), prueba que el slasher todavía puede reinventarse sin perder su esencia sangrienta.

4. Pearl en ‘Pearl’ (2022)

En poco tiempo, A24 se ha convertido en una referencia del terror de calidad. Ahora, nadie esperaba que tras firmar clásicos modernos de la talla de Hereditary (2018) o Háblame (2023), la factoría A24 se atrevería con las fórmulas de la baja cultura del slasher, un subgénero de terror “de los de siempre”.

Pero con la saga iniciada por X (2022) de Ti West demostraron que también saben jugar en ese terreno… Con Mia Goth como Pearl, una granjera psicópata sedienta de sangre, la saga dio varios pasos agigantados en el camino del slasher actual. Y entre X y Pearl (2022), el personaje de Goth deja un buen número de cadáveres.

3. Chucky en ‘Muñeco diabólico’ (1988)

Chucky no debería funcionar. Porque aunque la idea de una muñeca asesina suena bien en teoría, a la práctica debería darnos risa, y no precisamente de la nerviosa. Y aunque Muñeco diabólico (1988) no tiene problemas en incorporar a su fórmula unas buenas cucharadas de humor, sus creadores se han forrado con ella a base de… Sustos.

Gracias a unos animatrónicos muy bien hechos y a la voz de Brad Dourif, Chucky se convirtió en una figura terrorífica en los años ochenta, que ha llegado hasta hoy gracias al espíritu revisionista de series tales que Chucky (2021). Mejores gráficos, pero la idea central sigue siendo igual de potente. Y si no, que se lo digan a la robot asesino de M3GAN (2022).

2. Art el Payaso en ‘Terrifier’ (2018)

Aunque llegara mucho después de la época dorada del slasher, Art se siente tan imprescindible como sus predecesores. Igual que Ghostface pero con el nivel de gore subido al máximo, el simpático Art the Clown, de Terrifier (2018), es a la vez un homenaje al slasher clásico y una visión renovada del género… O sólo mucho más extrema, pero en cualquier caso, diferente a todo lo que habíamos visto hasta el momento.

Con solo cinco películas, Art ya se ha ganado un lugar entre los grandes gracias a su traje en profundísimo blanco y negro y la brutalidad extrema, a pesar de la sonrisa inmaculada que viste. Y es que como el Freddy de Robert Englund, claro, gran parte de su atractivo viene de la actuación de David Howard Thornton.

1. Freddy Krueger en ‘Pesadilla en Elm Street’ (1984)

Mientras otros slashers se centran solo en dar miedo, Freddy Krueger se convirtió en icono por su carisma y su humor, y como hemos descubierto en esta guía, eso es el corazón del género. Teniendo en cuenta sus crímenes en Pesadilla en Elm Street (1984), es sorprendente lo mucho que el público llegó a quererlo en los años ochenta y noventa. Otra vez, resulta imposible hablar de Freddy sin mencionar el talento de Robert Englund, que lo interpretó durante años. Esta guía te la dedicamos, Robert.

Para quien quiera descubrir lo mejor de la saga, aunque no sea para recién iniciados, yo recomendaría Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño (1987): puro kitsch, con un corazón que no se lo acaba y con alguna imagen superior incluso a la más destralera Hellraiser: Los que traen el infierno (1987).

La Academia a veces tiene memoria selectiva. Cada año, decenas de películas compiten por el reconocimiento de la estatuilla, pero solo unas pocas se quedan en el imaginario colectivo. El resto, incluso las nominadas, desaparecen entre los titulares sobre quién ganó Mejor Película o qué vestido llevaba tal actriz. 

En esta guía rescatamos diez títulos que estuvieron ahí, en la conversación, pero que por distintas razones —distribución limitada, campañas tibias, competencia feroz— nunca recibieron la atención que merecían.

Mujeres del siglo XX (2016)

Una película profundamente personal sobre tres mujeres que ayudan a criar a un adolescente en la California de 1979, firma uno de los dramas más sutiles de la época. Annette Bening, Greta Gerwig y Elle Fanning construyen personajes complejos que escapan de los arquetipos fáciles, mientras la cámara observa sus vidas con una ternura que nunca se vuelve condescendiente. 

La película fue nominada a Mejor Guión Original, pero quedó completamente eclipsada por La La Land y Moonlight en una de las ceremonias más comentadas de la historia reciente.

Lo que distingue a Mujeres del siglo XX de otros dramas generacionales es su capacidad para capturar la textura específica de un momento histórico sin convertirse en un ejercicio nostálgico. La dirección no idealiza los años setenta ni los presenta como una era dorada perdida: solo los documenta con precisión y afecto. La estructura narrativa fragmentada, que alterna entre voces en off y saltos temporales, podría haber resultado pretenciosa, pero funciona porque está al servicio de la exploración emocional.

Comparada con El club de los cinco, que también retrata la adolescencia como un territorio de incertidumbre, esta película es mucho menos interesada en el drama y más en la observación. Frente a Lady Bird de Greta Gerwig, que comparte cierta sensibilidad sobre las relaciones materno-filiales, Mujeres del siglo XX es más dispersa pero también más ambiciosa en su retrato de la feminidad. Bening está extraordinaria en un papel que le valió nominaciones pero no premios. El resultado es algo que pocas películas consiguen: hacer que la introspección resulte cinematográfica sin recurrir a trucos visuales baratos.

Comanchería (2016)

David Mackenzie revitaliza el western con una historia de dos hermanos que roban bancos en el Texas profundo para salvar la granja familiar. Jeff Bridges, Chris Pine y Ben Foster construyen un triángulo dramático que funciona tanto como thriller como elegía por una América que está desapareciendo. La película recibió cuatro nominaciones, incluyendo Mejor Película, pero perdió frente a Moonlight en una ceremonia donde los westerns crepusculares ya no parecían tener espacio.

Lo más interesante de Comanchería es cómo actualiza el género sin traicionarlo. Mackenzie entiende que el western contemporáneo no puede ignorar las consecuencias económicas del capitalismo salvaje, pero tampoco puede convertirse en un panfleto. Los atracos están filmados con una tensión contenida que recuerda a Matar o morir, pero con menos estilización y más realismo sucio. El guión de Taylor Sheridan es económico y preciso, construyendo personajes en pocas líneas de diálogo sin caer en el exceso de explicación.

Comparada con Los odiosos ocho de Tarantino, Comanchería está mucho menos interesada en el espectáculo y más en la melancolía. No tiene la ambición formal de No es país para viejos, pero comparte su visión pesimista sobre la violencia y la codicia. 

Frente a Logan, que también explora el western como género moribundo, esta película es más terrenal y menos mitológica. Bridges entrega una de esas interpretaciones que parecen no requerir esfuerzo, convirtiendo a un Texas Ranger en retirada en algo más que un arquetipo. 

Lion (2016)

La historia real de Saroo Brierley, un niño indio que se pierde en Calcuta y es adoptado por una familia australiana, para luego buscar a su familia biológica usando Google Earth, se convierte en un drama emotivo que trasciende el melodrama fácil. Dev Patel y Nicole Kidman fueron nominados por sus interpretaciones, pero la película quedó sepultada bajo el peso de Moonlight, Manchester frente al mar y La La Land. Es una lástima, porque el film logra algo difícil: hacer que una historia que podría ser puro melodrama televisivo funcione como cine emotivo sin manipulación gratuita.

La primera mitad de la película, centrada en el niño Saroo interpretado por Sunny Pawar, es notable por su capacidad para mostrar el terror y la desorientación sin recurrir a la victimización. Las calles de Calcuta aparecen filmadas con una mezcla de fascinación y horror, capturando la escala imposible de una ciudad donde un niño puede simplemente desaparecer. La segunda mitad, con Patel asumiendo el papel, es más convencional pero igual de efectiva, explorando la culpa del sobreviviente y la identidad fracturada.

Comparada con Slumdog Millionaire, que también retrata la India desde una perspectiva occidental, Lion es mucho menos interesada en el espectáculo y más en la emoción contenida. 

No alcanza la complejidad de Un hombre llamado Ove, que también explora la adopción y la pérdida, pero es más ambiciosa a nivel visual. Frente a La habitación, otra película sobre separación familiar y trauma, Lion elige un tono más esperanzador sin perder de vista el dolor. Kidman está extraordinaria en un papel secundario que podría haber sido solo funcional, aportando capas de vulnerabilidad a una madre adoptiva que entiende que el amor no es posesión. 

The Florida Project (2017)

Un verano en la vida de una niña de seis años que vive con su madre en un motel barato a las afueras de Disney World se convierte en uno de los retratos más honestos sobre la pobreza americana. Willem Dafoe fue nominado a Mejor Actor de Reparto por su papel como el gerente del motel, pero la película misma fue ignorada en las categorías principales. La dirección de Sean Baker no ofrece soluciones fáciles ni moralejas reconfortantes: simplemente observa con una mezcla de ternura y rabia contenida.

Lo extraordinario de The Florida Project es cómo captura la perspectiva infantil sin condescendencia ni sentimentalismo. La cámara filma a la altura de los ojos de Moonee, la protagonista interpretada por Brooklynn Prince, convirtiendo el motel y sus alrededores en un territorio de aventuras donde la miseria adulta es solo un ruido de fondo. La película funciona porque confía en que la observación es suficiente: no necesita subrayar la injusticia ni explicar las dinámicas de clase para que el espectador las entienda.

Comparada con Precious, que también retrata la pobreza con una madre problemática, The Florida Project es mucho menos interesada en el trauma explícito y más en los momentos de gracia cotidiana. No tiene el naturalismo duro de Los olvidados de Buñuel, pero comparte su rechazo a romantizar la marginalidad. 

Frente a Lady Bird, mucho más celebrada, esta película es más incómoda y menos dispuesta a ofrecer consuelo. Dafoe está extraordinario en un papel que funciona porque es discreto, aportando una presencia adulta que protege sin juzgar. 

Yo, Tonya (2017)

Craig Gillespie convierte la historia de la patinadora Tonya Harding en un ataque furioso contra los medios, la familia disfuncional y el sueño americano. Margot Robbie fue nominada a Mejor Actriz y Allison Janney ganó como Mejor Actriz de Reparto por su interpretación de la madre abusiva de Tonya. La película rompe la cuarta pared de forma constante, utiliza música anacrónica y cambia de tono con una libertad que podría haber resultado caótica, pero funciona porque Gillespie nunca pierde de vista el núcleo emocional: una mujer atrapada entre su talento y las circunstancias que la destruyeron.

Lo más interesante de Yo, Tonya es cómo rechaza la narrativa única. Los personajes se contradicen entre sí, cuestionan lo que acabamos de ver y ofrecen versiones incompatibles de los mismos eventos. Gillespie utiliza este dispositivo no como un truco posmoderno vacío sino como una forma de explorar cómo la verdad se fragmenta cuando pasa por el filtro mediático. La película es muy divertida en sus primeros dos tercios, pero el humor nunca minimiza la violencia real que Tonya sufrió.

Comparada con Jackie de Pablo Larraín, que también juega con la construcción de la imagen pública, Yo, Tonya es mucho menos elegante pero igual de incisiva. No tiene la precisión formal de El escándalo, que también aborda el abuso y los medios, pero es más salvaje y menos controlada. 

Frente a biopics convencionales como Bohemian Rhapsody, estrenada un año después y mucho más exitosa, esta película se atreve a hacer que su protagonista sea antipática sin perder nuestra empatía. Robbie está espectacular, transformándose a nivel físico pero también capturando la rabia de alguien que nunca tuvo oportunidad de ganar. Gillespie logra que una historia que todos creían conocer vuelva a ser incómoda y necesaria.

El reverendo (2017)

Un pastor protestante en crisis existencial interpretado por Ethan Hawke se enfrenta a la desesperación, el activismo ambiental y la imposibilidad de la fe en un mundo condenado en lo que funciona como culminación de toda la obra de Paul Schrader. Hawke fue ignorado en las nominaciones actorales, aunque la película recibió una nominación a Mejor Guión Original. Es el tipo de cine sombrío y filosófico que la Academia reconoce pero rara vez premia, demasiado incómodo para las audiencias masivas.

La película está filmada con un ascetismo visual que recuerda a Pickpocket de Bresson y Los comulgantes de Bergman, dos influencias que el director reconoce de manera abierta. La cámara se mueve poco, los encuadres son simétricos y claustrofóbicos, y el ritmo es lento a propósito. Esta austeridad formal no es pretensión vacía sino coherencia absoluta con el viaje espiritual del protagonista. Hawke, en una de sus mejores interpretaciones, transmite la desintegración interior sin necesidad de grandes escenas dramáticas.

Comparada con Silencio de Scorsese, que también explora la crisis de fe, El reverendo es más contenida pero igual de devastadora. No tiene el espectáculo visual de Madre! de Aronofsky, que también aborda temas apocalípticos, pero es mucho más rigurosa y menos interesada en la provocación gratuita. 

Frente a Manchester frente al mar, otra exploración del dolor existencial, esta película elige el silencio donde otras elegirían el diálogo. El resultado es algo extraordinario: una película muy religiosa que funciona igual para creyentes y ateos, porque al final no habla de Dios sino de la imposibilidad de encontrar sentido en un mundo roto.

Un asunto de familia (2018)

Hirokazu Kore-eda retrata a una familia de delincuentes menores que acoge a una niña maltratada en su hogar precario. La película ganó la Palma de Oro en Cannes y fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Oscar, pero quedó ignorada al completo en la conversación cultural anglosajona. Kore-eda filma con una delicadeza engañosa: lo que parece una comedia costumbrista sobre la pobreza se revela como algo mucho más complejo y ambiguo a nivel moral.

Lo extraordinario de Un asunto de familia es su capacidad para suspender el juicio moral sin caer en el relativismo. Los personajes mienten, roban y secuestran, pero Kore-eda los filma con tanta humanidad que resulta imposible no empatizar con ellos. La película funciona porque el director entiende que la familia no es solo biología ni legalidad: es un constructo emocional que puede ser igual de real cuando está formado por extraños que se cuidan de forma mutua.

Comparada con Nadie sabe, otra película de Kore-eda sobre niños abandonados, Un asunto de familia es menos devastadora pero igual de precisa en su observación. No tiene el impacto visceral de Parásitos, que también explora la desigualdad y la familia disfuncional, pero es más sutil y menos interesada en el giro argumental. 

Frente a Los Miserables de Ladj Ly, otro retrato de la marginalidad, esta película elige la ternura donde otras elegirían la rabia. Kore-eda logra algo que el cine social rara vez consigue: mostrar que la bondad y la ilegalidad pueden coexistir sin contradicción, y que a veces el amor es suficiente incluso cuando todo lo demás falla.

El faro (2019)

Dos fareros atrapados en una isla remota descienden hacia la locura con una precisión formal que roza la perfección. Willem Dafoe y Robert Pattinson construyen un duelo actoral memorable, filmado en blanco y negro con formato casi cuadrado que acentúa la claustrofobia. La película fue nominada a Mejor Fotografía, pero ignorada en todas las demás categorías importantes.

La dirección funciona como si estuviera haciendo una película muda expresionista: la composición visual, el diseño sonoro opresivo y las interpretaciones teatrales crean una atmósfera de pesadilla que se vuelve más asfixiante con cada minuto. La película funciona como fábula sobre el poder, la masculinidad tóxica y la imposibilidad de la comunicación, pero también como ejercicio formal que demuestra que el cine puede ser simultáneamente accesible y experimental.

Comparada con La bruja, el debut de Robert Eggers, El faro es menos narrativa y más interesada en la atmósfera. No tiene el terror explícito de Midsommar, pero es mucho más perturbadora en su ambigüedad. 

Frente a Retrato de una mujer en llamas, que también utiliza el formato cuadrado con propósitos específicos, esta película es más violenta y menos contemplativa. Pattinson y Dafoe entregan interpretaciones tan comprometidas que bordean lo grotesco sin perder nunca la humanidad. El resultado es algo extraordinario: una película de terror psicológico que funciona igual como comedia negra, demostrando que el cine de género puede ser tan ambicioso a nivel formal como cualquier drama de prestigio.

Honeyland (2019)

Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov documentan la vida de Hatidze, la última recolectora de miel silvestre en Macedonia del Norte, en lo que parece un registro etnográfico pero funciona como fábula ecológica devastadora. La película fue nominada tanto a Mejor Documental como a Mejor Película Extranjera, un hecho histórico, pero desapareció de la conversación cultural apenas terminó la temporada de premios. Es el tipo de cine paciente y observacional que requiere atención absoluta del espectador, algo cada vez más raro en la era de las plataformas.

Lo extraordinario de Honeyland es cómo los directores logran construir una narrativa dramática sin intervenir en los eventos. La llegada de una familia nómada que rompe el equilibrio ecológico que Hatidze mantiene funciona como giro argumental orgánico, revelando que la realidad puede ser tan estructurada como la ficción si sabes dónde mirar. La fotografía es de una belleza apabullante, capturando paisajes áridos y rostros curtidos con la misma reverencia.

Comparada con Miel de Semih Kaplanoğlu, que también explora la apicultura con propósitos metafóricos, Honeyland es menos simbólica y más directa en su mensaje ecológico. 

Frente a Lo que el pulpo me enseñó, ganadora del Oscar al Mejor Documental dos años después, esta película es menos sentimental y más interesada en las dinámicas de poder. Kotevska y Stefanov logran algo extraordinario: hacer un documental sobre la explotación de recursos naturales que funciona como western, tragedia griega y advertencia apocalíptica al mismo tiempo.

Puñales por la espalda (2019)

El whodunit clásico revive con un elenco coral extraordinario y un guión que funciona tanto como homenaje al género, como comentario sobre la desigualdad americana. Daniel Craig interpreta a un detective excéntrico que investiga la muerte de un patriarca millonario, mientras Ana de Armas roba la película como la enfermera inmigrante atrapada en el centro de la conspiración. El film fue nominado a Mejor Guión Original, pero ignorado en todas las demás categorías.

La construcción narrativa es un mecanismo perfecto donde cada giro está ganado y cada revelación recontextualiza lo anterior sin hacer trampa. El guión es un ejemplo de arquitectura narrativa impecable: las pistas están todas ahí desde el principio, pero se ocultan a plena vista con una elegancia que recuerda a las mejores novelas de Agatha Christie. Lo más interesante es cómo la película funciona a nivel simultáneo como entretenimiento puro y como sátira política sin que ninguna de las dos dimensiones anule a la otra.

En comparación a Asesinato en el Orient Express de Kenneth Branagh, estrenada dos años antes, Puñales por la espalda es mucho más ágil y menos interesada en el espectáculo visual vacío. 

No tiene la complejidad estructural de Aguas oscuras, pero es mucho más divertida y accesible. Frente a El misterio de Glass Onion, su propia secuela, esta primera entrega es más contenida y mejor equilibrada. 

The Burbs (2026) acaba de estrenarse en Peacock este fin de semana y está siendo tendencia. La serie que reimagina el clásico de Tom Hanks No matarás… al vecino (1989) tiene a Keke Palmer como protagonista absoluta, demostrando que es de esas actrices capaces de cargar con ocho episodios enteros sobre sus hombros.

Palmer fue una niña prodigio y nunca paró. De Nickelodeon al cine de autor, pasando por Jordan Peele, musicales o terror psicológico, a sus 31 años tiene una filmografía que muchos actores con el doble de trayectoria quisieran: variada y arriesgada, también es cantante, presentadora, o productora. Con su última aparición en pantalla llegando a streaming, es un buen momento para repasar los siete trabajos que la consolidaron como una de las intérpretes más interesantes de su generación, y cómo encontrarlos en plataformas.

7. Scream: Resurrection (2019)

Después de dos temporadas bastante pochas producidas por la MTV, la serie de la franquicia iniciada con Scream (1996) parecía que no interesaba a nadie. El intento de VH1 por resucitar el proyecto no era la quintaesencia del género, pero al menos hizo muchas cosas bien. Primero, reducir el evento a seis episodios. Segundo, reset completo de personajes y localizaciones. Tercero, devolverle a Ghostface su máscara original. Palmer interpreta a Kym, una activista social con cero paciencia para tonterías y una actitud de no quedarse esperando a que la maten, poco común en el slasher promedio.

Scream: Resurrection (2019) no es quizá la mejor actuación de Palmer, ni tiene el prestigio de Alice (2022), por ejemplo, pero es una pequeña sorpresa oculta que nos enseña la vis de scream queen de la actriz, que precisamente labró en otra serie de terror llamada Scream Queens (2015). Tuvo malas críticas, pero tampoco era tan distinta a las Scream (2022-2023) recientes de Radio Silence, haciendo una especie de El club de los cinco (1985) con energía horror noire consciente de sus limitaciones.

6. Pimp (2018)

Un drama indie sobre una proxeneta lesbiana del Bronx que hereda el negocio de su padre y ahora debe controlar a sus “clientas” en la calle mientras cuida de su madre prostituta y su novia Nikki. Palmer se mete de lleno en un personaje duro, complejo, moralmente ambiguo, evitando caer en estereotipos.

No es una película fácil. Pimp (2018) es directa, sin filtros, mostrando la violencia y explotación del mundo de la prostitución callejera con una crudeza incómoda. Tiene puntos en común con Zola (2020)—que también trata la explotación sexual desde la perspectiva femenina—aunque esta es más oscura, menos estilizada, casi documental. Palmer sorprendió a todos con una imagen muy lejos de Akeelah contra todos (2006) y que allanó el camino para la más amable y comercial Hustlers (2019), que explora terrenos parecidos con la brillantina de Hollywood.

5. Alice (2022)

Un curioso thriller que mezcla drama de esclavitud con vueltecita temporal tipo Parentesco (2022)*. Palmer es una mujer que logra escapar de una plantación en Georgia y descubre que en realidad está en 1973, cuando la esclavitud lleva abolida más de un siglo, pero su dueño la ha mantenido engañada toda su vida. Una premisa loca que funciona gracias a Palmer y la dirección de Krystin Ver Linden, que sabe moverse entre thriller de explotación setentero y el drama social serio.

Sin ser nunca tan grave y solemne como Pimp, Alice a veces se toma demasiado en serio su concepto absurdo, pero la actriz vende cada segundo de la transformación de su personaje, de esclava aterrorizada a mujer empoderada que descubre la blaxploitation y a Pam Grier. Comparte ADN temático (y argumental) con Antebellum (2020), otra película que juega la misma idea de la esclavitud “tapada”.

4. Estafadoras de Wall Street (2019)

Un artículo viral de Jessica Pressler se convirtió en una de las películas más divertidas de 2019 gracias a Jennifer Lopez, que lidera a un grupo de strippers que drogan y estafan a ejecutivos de Wall Street tras la crisis del 2008. Palmer es Mercedes, parte del equipo, en un papel secundario que encaja en el puzle de las escenas corales.

No es su película—esto está diseñado a mayor gloria de J.Lo de principio a fin—pero Palmer aporta energía y complicidad femenina en una cinta que juega en la misma liga de la sororidad criminal de Ocean's 8 (2018), pero con más pole dance. Estafadoras de Wall Street (2019) se diferencia de Pimp en que celebra la venganza contra el sistema en lugar de mostrar su lado más oscuro.

3. Akeelah contra todos (2006)

La película que la puso en el mapa cuando solo era una niña. Doug Atchison dirigió esta “feel-good movie” sobre Akeelah Anderson, niña de 11 años del sur de Los Ángeles con un talento extraordinario para deletrear que llega a competir en una olimpiada nacional contra todo pronóstico.

Producida por Starbucks Entertainment—sí, la cadena de cafés—, Akeelah contra todos entra de lleno en el clásico cine inspiracional de la época, pero funciona más allá de sus corsés porque Palmer se come la pantalla y comparte espíritu con Billy Elliot (2000) y En busca de la felicidad (2006). Sin necesidad de cargar la misma densidad dramática de aquellas, la escena final del concurso es bastante emocionante y, aunque esté bastante alejada de la comedia negra The Burbs en tono, su presencia en ambas son un testamento de la versatilidad.

2. The Burbs (2026)

El clásico de Tom Hanks sirve de inicio para un reboot muy adecuado a los nuevos tiempos. Palmer y Jack Whitehall son una pareja joven que se muda al vecindario perfecto de él. Demasiado perfecto. Cuando un vecino misterioso se instala en la casa victoriana abandonada del barrio, Palmer se obsesiona con descubrir qué secretos esconde en un papel bastante alejado del de Estafadoras de Wall Street.

The Burbs confía en Palmer para llevar todos sus episodios porque capta muy bien el tono de paranoia suburbana llena de humor que busca sin caer nunca en la parodia. La forma en la que juega con el suspense de "detective amateur de la puerta de al lado" recuerda a la tendencia murder mystery de Solo asesinatos en el edificio (2021-presente), aunque es bastante más oscura, eso sí, sin llegar a algo como The Watcher (2022).

1. Nop (2022)

Jordan Peele escribió el papel de Emerald "Em" Haywood pensando en Palmer, que hace que su química con Daniel Kaluuya venda completamente la idea de que son dos hermanos. Ambos buscan capturar evidencia en vídeo de los fenómenos extraños de su rancho de caballos, pero lo que encuentran es bastante más aterrador de lo que parece.

Nop (2022) tiene capas de comentario social sobre el espectáculo, la explotación, y la obsesión con la celebridad y Palmer aporta la energía y humor necesarios para que la película no se ahogue en su propio caldo de ideas, una especie de versión western de Encuentros en la tercera fase (1977) con el terror de Señales (2002). La mejor interpretación de Palmer hasta la fecha, demostrando que el salto de Akeelah a Peele es la evolución natural de una actriz que siempre ha sabido esperar a buenos papeles.

La NBA ha dado al mundo jugadores que han redefinido los límites del deporte, pero algunos de ellos decidieron que la cancha de baloncesto se les quedaba pequeña. Desde los ochenta hasta hoy, una galería de gigantes ha probado suerte frente a las cámaras, con resultados que van de lo memorable a lo tan malo que resulta irresistible de ver. 

Esta guía repasa las apariciones más sonadas de estrellas de la NBA en el cine y la televisión, analiza qué funcionó y qué no, y responde, de una vez por todas, a la pregunta que nadie sabía que necesitaba hacerse: ¿quién es el mejor actor entre los mejores jugadores del mundo?

Kevin Garnett — Diamantes en bruto (2019)

Los hermanos Safdie tienen la habilidad de colocar a personas sin formación actoral en situaciones de tensión extrema y extraer de ellas algo que los actores profesionales tardan años en encontrar: autenticidad brutal. 

Kevin Garnett no interpreta a un personaje en Diamantes en bruto, se interpreta a sí mismo en una versión apenas ficcionada de su presente de entonces, y eso, lejos de restar mérito, lo multiplica. Su presencia en la película no es decorativa: el diamante en bruto del título —un ópalo etíope de valor incierto— pasa por sus manos, y la codicia que despierta en él es el motor que pone en marcha el caos que sigue. 

Garnett transmite una mezcla de superstición genuina, competitividad visceral y carisma natural que muy pocos actores de método habrían conseguido igualar. Si comparamos su aparición con la de Dennis Rodman en Double Team (1997), que co protagoniza con Jean Claude Van Damme, el contraste es revelador: Rodman actuaba como si supiera que estaba actuando, mientras que Garnett parece no haber recibido nunca ese memorándum.

Kareem Abdul-Jabbar — Aterriza como puedas (1980)

Hay algo muy subversivo en que uno de los jugadores más serios y cerebrales de la historia de la NBA decidiera su primera gran aparición en pantalla en una comedia de absurdo puro. 

Kareem Abdul-Jabbar aparece en Aterriza como puedas como el copiloto Roger Murdock, un hombre que niega ser quien todo el mundo sabe que es mientras ejecuta los movimientos de vuelo con la cara más impávida del cine de los ochenta. 

El chiste funciona por el foso entre su reputación de gravedad intelectual —estudiante de historia islámica, escritor, activista— y la disposición absoluta a dejarse ridiculizar ante las cámaras. La escena en la que un niño lo descubre y él rompe por un instante el personaje para defender a los Lakers es uno de los momentos más divertidos de la película. 

Si lo comparamos con Magic Johnson, que tuvo apariciones televisivas de aquella época que no resistían ningún análisis, la elección de Kareem de apostar por la comedia con plena conciencia de lo que estaba haciendo lo convierte en un caso singular: sabía a la perfección cuál era el chiste, y se lo tomaba con la seriedad justa.

Boban Marjanović — John Wick: Capítulo 3 - Parabellum (2019)

Boban Marjanović mide 2,24 metros. En cualquier contexto, eso es una enorme presencia. En el universo hiperviolento de John Wick, donde la coreografía de la acción está diseñada para hacer que los combatientes parezcan fuerzas de la naturaleza, Marjanović encaja con una lógica casi perfecta. 

Su papel como villano anónimo que enfrenta a Keanu Reeves en una de las secuencias de la película no exige profundidad psicológica, pero sí exige algo que él tiene en abundancia: fisicalidad genuina y una capacidad para hacer que cada movimiento resulte amenazante sin esfuerzo aparente. 

Boban no actúa en realidad, pero tampoco lo necesita: hay actores de acción consagrados que habrían dado cualquier cosa por tener esa presencia natural ante la cámara. Si lo ponemos junto a Shaquille O'Neal en sus peores momentos cinematográficos —que los hay, y los abordaremos— la diferencia es clara: Marjanović entendió que su trabajo no era hablar sino ocupar el espacio, y lo hizo con una eficacia que muchos veteranos del género envidiarían.

Ray Allen — Una mala jugada (1998)

Spike Lee lleva décadas construyendo su cine sobre la fricción entre la representación y la realidad, y Una mala jugada es quizás el ejercicio más honesto que ha hecho sobre la NBA como industria emocional. 

Ray Allen da vida a Jesús Shuttlesworth, un joven prodigio del baloncesto cuya libertad está en manos de un sistema que lo tiene como mercancía. Y lo hace con una contención que en otro contexto podría confundirse con frialdad, pero que en el de Lee funciona como la única respuesta lógica de un hombre que ha aprendido a no mostrar lo que siente porque mostrarlo tiene un coste. 

Allen no tenía formación actoral y comparte pantalla con Denzel Washington, que es uno de los actores americanos más completos de las últimas cuatro décadas. Salir indemne de esa comparación es, en sí mismo, un logro considerable. 

Si comparamos a Allen con otros deportistas que han intentado la transición al drama —Bo Jackson en alguna aparición puntual, por ejemplo— la diferencia de registro y de compromiso resulta evidente. Allen se tomó el trabajo en serio, y la película se beneficia de ello de manera sustancial.

LeBron James — Space Jam: Nuevas leyendas (2021)

Existe una diferencia fundamental entre una película construida alrededor de un deportista y una película que existe para servir los intereses de marca de ese deportista, y Space Jam: Nuevas leyendas pertenece con claridad a la segunda categoría. 

LeBron James no es un mal actor en el sentido técnico: sabe moverse, tiene conciencia de la cámara, su timing cómico no es desastroso. El problema es que la película no le exige nada que lo obligue a crecer, y él parece cómodo en esa realidad. Cada decisión narrativa está diseñada para construir el mito de LeBron, lo que convierte el resultado en algo más cercano a la publicidad de lujo que al cine familiar. 

Comparado con la entrega y el carisma natural que Garnett desplegó en Diamantes en bruto ese mismo año, o con la desprotegida vulnerabilidad de Ray Allen en Una mala jugada, la actuación de LeBron en Nuevas leyendas parece la de alguien que nunca salió de su zona de confort. 

Juancho Hernangómez — Garra (2022)

La aparición de Juancho Hernangómez en Garra —la película de Ben Affleck y Adam Sandler sobre un cazatalentos de la NBA que descubre a un jugador olvidado en España— es uno de los ejercicios más honestos y mejor ejecutados de esta lista. 

Hernangómez da vida a Bo Cruz, el jugador al que el personaje de Sandler decide apostar su carrera, y lo hace con una naturalidad que desmiente cualquier prejuicio sobre los deportistas como actores. La escena más exigente de su interpretación —una confrontación con su pasado y con las expectativas de su familia— tiene una emoción genuina que no parece fabricada. 

Sandler, que lleva años alternando comedias de consumo rápido con actuaciones de una intensidad devastadora (Diamantes en bruto, Embriagado de amor), le exige algo real, y Hernangómez responde. 

Si comparamos su trabajo con el de otros jugadores europeos que han tenido presencia en medios americanos, la distancia es considerable: Hernangómez entendió que estaba haciendo cine, no publicidad, y se preparó en consecuencia. Garra no habría funcionado sin un Bo Cruz creíble, y Juancho lo fue.

Shaquille O'Neal — Scary Movie 4 (2006)

Shaquille O'Neal tiene en su filmografía uno de los peores experimentos del cine de los noventa —Kazaam (1996), donde interpretaba a un genio del rap atrapado en una caja de cartón— y una trayectoria posterior de cameos y apariciones que ha frecuentado con la alegría de alguien que nunca ha fingido tener ambiciones artísticas. 

Su aparición en Scary Movie 4 es lo que parece: una estrella dispuesta a reírse de sí misma con la confianza que solo da haber ganado cuatro anillos de la NBA. No hay sutileza aquí, no hay intención de construir un personaje, y la película no lo pide. 

Comparado con lo que hizo Kareem en Aterriza como puedas —que también era comedia absurda pero tenía una arquitectura cómica más inteligente—, el trabajo de Shaq en Scary Movie 4 es el de alguien que aparece, hace el gag, y desaparece. Lo cual, conviene decirlo, es 100% legítimo. 

No toda participación de un deportista en el cine tiene que ser Diamantes en bruto. A veces basta con ser Shaq siendo Shaq, y él lo es con una eficacia que pocos podrían igualar.

Michael Jordan — Space Jam (1996)

Space Jam es una de esas películas que han sobrevivido a su propia calidad real gracias a la nostalgia, a la música, y al hecho de que Michael Jordan sea Michael Jordan. Su actuación en la película no es buena en ningún sentido técnico del término: Jordan habla como si estuviera leyendo un guión que ve por primera vez, sus reacciones ante los Monstars tienen la espontaneidad de alguien a quien no le han explicado qué va a pasar, y sus escenas con Bill Murray —que aparece como una versión hiperbolizada de sí mismo— ponen de manifiesto la distancia que hay entre un profesional del humor y alguien que simplemente comparte pantalla con él. 

Y sin embargo, Space Jam funciona, y Jordan tiene algo que ver con eso: la cámara lo quiere, su presencia física es magnética, y hay momentos —sobre todo en la cancha, donde era el mejor del mundo en lo que hacía— donde la película recuerda por qué estamos viendo todo esto. Comparado con LeBron en Nuevas leyendas, Jordan actúa peor pero su película es mejor, lo cual dice algo interesante sobre la relación entre carisma y técnica.

Wilt Chamberlain — Conan el destructor (1984)

Wilt Chamberlain apareció en Conan el destructor como Bombaata, el guardaespaldas enviado a vigilar a Arnold Schwarzenegger, en lo que representa uno de los ejercicios de casting más lógicos y menos reflexivos del cine de acción de los ochenta. 

Si necesitas a alguien que físicamente pueda parecer una amenaza creíble para el hombre que protagonizaba Terminator, Wilt Chamberlain —1,80 kilos, 2,16 metros, y uno de los atletas más imponentes que han pisado el planeta— es una elección obvia. 

Lo que la película no pedía, y Chamberlain no tenía por qué ofrecer, era matiz. Bombaata no es un personaje, es una presencia, y Chamberlain la ocupa con dignidad. Comparado con Jim Brown, que durante los sesenta y setenta construyó una carrera cinematográfica más sólida en el cine de acción aprovechando ese mismo tipo de fisicalidad, Chamberlain parece menos cómodo ante las cámaras, más consciente de que está actuando. No es su medio, pero tampoco lo ensucia, y a veces eso es suficiente.

Larry Johnson — Cosas de casa (1993)

Larry Johnson aparece en Cosas de casa como una versión de sí mismo que la serie usa con la misma lógica que un parque temático usa una atracción conocida: para que el público diga "ese es Larry Johnson" y sienta el pequeño placer de reconocer al famoso. 

No hay exigencia actoral aquí, no hay construcción de personaje, y Johnson no pretende que la haya. La diferencia entre este tipo de aparición y lo que hizo Ray Allen en Una mala jugada cinco años después ilustra a la perfección la distancia entre ser un jugador de la NBA que aparece en una película y ser un deportista que decide tomarse en serio lo que significa estar frente a una cámara. 

Johnson lo hace bien en sus propios términos —es simpático, tiene presencia, no destroza la escena—, pero sus propios términos son los de un cameo glorificado, no los de una actuación.

El veredicto: el rey de la interpretación entre las estrellas de la NBA

Si tuviéramos que elegir al mejor actor de esta lista con criterios cinematográficos —compromiso con el papel, capacidad para sostener escenas dramáticas, credibilidad ante actores profesionales y contribución real al relato de la película que habita—, la respuesta sería Ray Allen en Una mala jugada. Su trabajo junto a Denzel Washington es el único de esta lista que podría sobrevivir a la pregunta de qué habría pasado si lo hubiera hecho un actor de verdad, y la respuesta honesta es que probablemente habría perdido algo. Allen trajo a Jesús Shuttlesworth una experiencia vivida que ningún actor de método habría podido fabricar.

La mención de honor, sin embargo, pertenece a Kevin Garnett en Diamantes en bruto, por la misma razón y con el mismo argumento: los Safdie encontraron en él algo que el cine de género americano raramente ha sabido aprovechar en los deportistas, y Garnett respondió con una autenticidad que todavía se siente a varios visionados de distancia.

Michael Jordan tiene la mejor película. LeBron tiene la peor a pesar de haberlo intentado más. Y Kareem Abdul-Jabbar tiene el mejor sentido del humor de todos, lo cual también debería contar para algo.

Doctor Dolittle es una película que nos acompañó durante nuestra infancia. ¿Un doctor que habla con animales? ¿Y ese doctor es Eddie Murphy? Bueno, bueno, ahí estaba yo, lista para disfrutar de la película con un buen bol de palomitas en mano. No importaba cuántas veces la viera, siempre quería más. 

Pero lo mejor era verla en familia. Era un momento donde estábamos todos y sólo disfrutábamos de estar juntos. Conforme más creciendo, esos momentos van escaseando y los echas de menos. Por lo que si quieres disfrutar de un plan de cine algo nostálgico, es el momento perfecto para adentrarte en nuestra lista de todas las películas de Doctor Dolittle, en orden.

1. El extravagante Doctor Dolittle (1967)

El extravagante Doctor Dolittle (1967) es una versión clásica y se nota. Es un musical exagerado y muy marcado por su época, más interesado en el espectáculo que en hacerte reír a carcajadas. Este Dolittle es excéntrico, idealista y está convencido de que hablar con animales no es una rareza, sino su auténtica razón de ser. No tiene el humor de la versión de 1998, pero es como una montaña rusa. Si te gustan las películas que mezclan fantasía y música, Mary Poppins (1964) te encantará.

2. Dr. Dolittle (1998)

Dr. Dolittle (1998) es la versión con la que la mayoría crecimos y la que convirtió al personaje en un icono. La película sabe exactamente lo que quiere ser: una comedia familiar. Se centra en el conflicto del protagonista. Hablar con animales es solo el detonante pero lo importante es cómo Dolittle ha pasado años negando quién es y cómo eso afecta a su familia. A diferencia de Doctor Dolittle 2 (2001), en esta hay más equilibrio entre el humor y la exploración de los personajes. Es una película para volver a ver una y otra vez. Si este es tu rollo, La señora Doubtfire (1993) te gustará.

3. Dr. Dolittle 2 (2001)

Dr. Dolittle 2 (2001) apuesta por elevar al cubo lo que vimos en su predecesora. Más animales, más situaciones absurdas y un humor más desenfadado que la primera entrega. Dolittle ya ha aceptado quién es, así que aquí se trata de cómo Dolittle ayuda a los animales gracias a su don intentando que el resto del mundo no averigüe de lo que es capaz. Al contrario de lo que sucede con Doctor Dolittle 3 (2006), esta no intenta reinventar la historia. Es una secuela muy consciente de lo que se espera de ella. Si disfrutas este tipo de comedias, Ace Ventura, un detective diferente (1994) te va a encantar.

4. Dr. Dolittle 3 (2006)

Dr. Dolittle 3 (2006) cambia bastante con respecto a Doctor Dolittle 2 (2001), ya que centra la historia en Maya, la hija del doctor. Es una película para un público adolescente y se nota. La capacidad de hablar con animales de Maya es sólo una de las razones por las que se siente diferente y que no encaja en ningún sitio, algo con lo que todos nos podemos identificar. Así, esta película intenta abrir un nuevo camino dentro de la saga para seguir explorándola a través de una nueva generación. Y lo consigue. Si te gustan este tipo de historias, Aquamarine (2006) es para ti.

5. Dr. Dolittle 4 (2008)

En Dr. Dolittle 4 (2008), la saga vuelve a subir la apuesta colocando a los animales en el centro. Es una película que abraza el humor absurdo desde el principio y sin complejos y sí, es exagerada, pero eso marca la diferencia con Dr. Dolittle 3 (2006). Maya sigue siendo el eje de la historia, pero ya no se trata tanto de cómo equilibra su don con su vida normal, si no que la película apuesta más por el humor. Si este tipo de historias son lo que te va, Spy Kids (2001) encajará muy bien contigo.

6. Dr. Dolittle 5 (2009)

Dr. Dolittle 5 (2009) cierra esta etapa de remakes con su historia más sencilla. La película habla de la fama, el talento, la presión para triunfar…y el precio que pagas por ello. Es menos surrealista que Dr. Dolittle 4 (2008), lo que permite que la historia fluya mejor y puedas conectar más con los personajes. No reinventa la rueda, pero tampoco lo necesita. Es una de esas películas que dan lo que prometen. Si disfrutas de estas historias, Dando la nota (2012) te va a gustar un montón.

7. Las aventuras del Doctor Dolittle (2020)

Las aventuras del Doctor Dolittle (2020) te sorprende porque elige un camino totalmente distinto al que te esperas. La película se toma la aventura mucho más en serio que la comedia, parecido a lo que pasa en El extravagante Doctor Dolittle (1967). Así, este Dolittle es más serio, más encerrado en sí mismo y no puede ocultar que lo que ha perdido lo define. Si creciste con las películas de Eddie Murphy, como yo, el cambio se nota y puede que te choque. La sensación es la de estar viendo un intento de empezar de nuevo con el personaje, con todo lo bueno y lo malo que eso implica. Sí eso es lo que te va, prueba con Paddington (2014).

Pocas figuras de la literatura universal han sido tan adaptadas, reinterpretadas y maltratadas como Sherlock Holmes. Desde el cine mudo hasta las plataformas de streaming, el detective de Baker Street ha protagonizado más versiones de las que cualquier aficionado al cine podría contar en una sola tarde. 

Algunas de esas adaptaciones han elevado al personaje hasta convertirlo en iconografía pura; otras lo han reducido a una caricatura de sí mismo. Esta guía ordena de peor a mejor nueve de las más relevantes, desde los experimentos fallidos hasta las obras que han redefinido lo que significa llevar a Holmes a la pantalla. 

9. Los irregulares (2021)

La propuesta de Los irregulares sobre el papel tenía cierto atractivo: tomar a los niños de la calle que Holmes empleaba de manera ocasional en los relatos originales de Conan Doyle y convertirlos en los verdaderos protagonistas de una serie de terror sobrenatural victoriana. 

El problema es que la serie de Netflix olvida casi de inmediato su premisa más interesante para convertirse en un drama juvenil con estética dark que podría haber protagonizado cualquier grupo de adolescentes con habilidades especiales. Holmes, interpretado por Henry Lloyd-Hughes, aparece como un adicto al opio errático y secundario, una decisión que podría haber resultado transgresora si la serie tuviera algo más interesante que decir sobre él. 

Comparada con Penny Dreadful, que sí supo construir un universo victoriano oscuro con personajes literarios de manera convincente, Los irregulares se queda en la superficie de su propio concepto. No tiene la profundidad emocional de The Terror, otra serie de época con elementos sobrenaturales, ni la coherencia narrativa mínima que requiere cualquier historia de misterio. 

8. Basil, el ratón superdetective (1986)

Basil, el ratón superdetective es uno de los grandes títulos olvidados de forma injusta del catálogo clásico de Disney. La película, basada en la serie de novelas de Eve Titus, traslada la estructura holmesiana a un mundo en miniatura habitado por ratones que viven bajo los tablones del 221B de Baker Street. 

Basil es un detective meticuloso, excéntrico y brillante que debe detener al malvado Ratigan —uno de los villanos animados más carismáticos de la casa— antes de que arruine la celebración del jubileo de la reina. La película tiene una energía divertida y un respeto real por la mecánica deductiva que hace que su protagonista resulte reconocible pese a ser un roedor victoriano. 

El clímax en el interior del Big Ben sigue siendo una proeza de animación mecánica que combina lo tradicional con los primeros usos serios del CGI en Disney. Comparada con Robin Hood de la misma casa, que también traslada a personajes icónicos a un universo animal, Basil tiene una trama más sólida y un antagonista más elaborado. No alcanza la densidad emocional de El jorobado de Notre Dame o La sirenita, películas que llegarían poco después en el Renacimiento Disney, pero su energía de aventura ligera y su fidelidad al espíritu holmesiano la convierten en un clásico menor que merece ser reivindicado.

7. Enola Holmes (2020)

Enola Holmes llega con una premisa simpática: ¿qué pasa si Sherlock tuviera una hermana menor mucho más interesante que él? Millie Bobby Brown interpreta a Enola con una energía desbordante y una rotura de la cuarta pared que remite más a Ferris Bueller que a cualquier tradición victoriana, lo cual es exactamente la intención. 

La película funciona como entretenimiento desenfadado y tiene una protagonista carismática que sostiene cada escena con comodidad. El problema llega cuando intenta ser más de lo que es: las tramas políticas sobre el sufragismo se quedan en lo superficial, y Henry Cavill, en su primera aparición como Sherlock, interpreta a un Holmes tan guapo y comprensivo que resulta difícil de creer como el misántropo funcional que describe Conan Doyle. 

Comparada con Wonder Woman, otra película de acción con protagonista femenina que mezcla aventura con contexto histórico, Enola Holmes tiene menos ambición narrativa pero resulta más ligera y accesible. No tiene la complejidad de Mujercitas de Greta Gerwig, que también revisita el siglo XIX con una sensibilidad contemporánea sin traicionar su esencia, pero su carácter juvenil la distingue sin pretensión. 

6. Sherlock Holmes (2009)

Guy Ritchie convirtió a Sherlock Holmes en una franquicia de acción victoriana con Robert Downey Jr. como un Holmes físicamente ágil, excéntrico hasta el límite y con más carisma que inteligencia deductiva aparente. 

La película tiene un ritmo endiablado, una química genuina entre Downey Jr. y Jude Law como Watson, y una producción que recrea el Londres de finales del XIX con una suciedad y una energía que resultan refrescantes después de décadas de adaptaciones más solemnes. 

El problema de la película de Ritchie es que prioriza el espectáculo sobre la deducción: Holmes aquí es más un héroe de acción que un detective, y los momentos donde exhibe su capacidad analítica quedan enterrados bajo secuencias de combate que podrían pertenecer a cualquier blockbuster de la época. 

Si la comparamos con Iron Man, estrenada el año anterior con el mismo Downey Jr., la película de Holmes tiene una personalidad visual más definida pero menos coherente en su construcción de personaje. No tiene la elegancia narrativa de El truco final, otro thriller de época que sí sabe equilibrar espectáculo e inteligencia, pero su entretenimiento es innegable y su influencia sobre cómo Hollywood concibe los blockbusters de época ha sido considerable. Una adaptación que funciona mejor si se acepta como una reinvención que como una interpretación fiel.

5. Mr. Holmes (2015)

Mr. Holmes es la adaptación más inusual y, en ciertos aspectos, la más valiente de las que aparecen en esta lista. Bill Condon dirige a Ian McKellen como un Sherlock Holmes de 93 años que vive retirado en la costa de Sussex, cuidando abejas y lidiando con el deterioro de su memoria mientras intenta reconstruir los detalles de su último caso. 

El film no tiene villanos ni persecuciones ni una deducción espectacular: es una meditación serena sobre la vejez, el arrepentimiento y los límites de la razón pura como forma de entender la vida. 

McKellen está extraordinario, construyendo un Holmes que reconoce su propio fracaso emocional con una lucidez devastadora que ninguna otra interpretación del personaje se ha permitido explorar. 

En comparación con Nebraska de Alexander Payne, otra película sobre ancianos que confrontan el peso de sus decisiones pasadas, Mr. Holmes tiene una melancolía más literaria y menos irónica. No tiene el pulso narrativo de las mejores adaptaciones del detective, lo cual puede desesperar a quien llegue buscando misterio, pero su retrato de Holmes como hombre antes que como máquina de pensar la convierte en algo singular. 

4. Elementary (2012)

Elementary tuvo el coraje de trasladar a Sherlock Holmes al Nueva York contemporáneo y convertir a Watson en una mujer —Joan Watson, interpretada con precisión quirúrgica por Lucy Liu— sin que ninguna de las dos decisiones sonara a truco de marketing. 

Jonny Lee Miller construye un Holmes que funciona como genio en recuperación: un adicto que trabaja como consultor del NYPD y cuya brillantez está amenazada de forma constante por sus propios demonios. La serie tardó un par de temporadas en encontrar su ritmo, pero cuando lo hizo, construyó una de las relaciones de trabajo más complejas y genuinas de la televisión americana reciente. 

El formato procedural de caso-por-semana le jugó en contra en los momentos de menor inspiración, produciendo episodios anodinos que diluyeron la densidad del personaje. Si miramos a The Good Doctor, otra serie de procedural americano con protagonista de habilidades excepcionales y dificultades sociales, Elementary tiene más profundidad emocional y una pareja protagonista más equilibrada. 

No alcanza la audacia formal de la serie británica que la precedió, pero tiene siete temporadas de solidez narrativa que la distinguen de la mayoría de los procedurales de la CBS. 

3. El perro de los Baskerville (1939)

De todas las versiones que Basil Rathbone filmó como Sherlock Holmes entre 1939 y 1946, El perro de los Baskerville es la que mejor ha envejecido y la que con más justicia representa por qué Rathbone sigue siendo, para muchos, el Holmes cinematográfico definitivo. 

La película adapta la novela más famosa de Conan Doyle con una fidelidad relativa, priorizando la atmósfera gótica de los páramos ingleses y la tensión entre lo racional y lo sobrenatural. Rathbone tiene una presencia física y una dicción perfectas para el personaje: nariz afilada, mirada incisiva, un modo de hablar que convierte cada deducción en pequeño espectáculo teatral. Nigel Bruce como Watson resulta más cómico e incompetente de lo que la obra original sugiere, una elección que la tradición posterior ha corregido, pero que en el contexto de la época funcionaba para dar al público un punto de identificación menos intimidante que Holmes. 

Comparada con las versiones de Hammer de los años sesenta protagonizadas por Peter Cushing, la de Rathbone tiene menos producción pero más personalidad. No tiene la tensión psicológica de la versión televisiva de 1984 con Jeremy Brett, pero para su época representa un estándar de adaptación que tardó décadas en ser superado. Un documento histórico imprescindible que además se ve con placer genuino.

2. Las aventuras de Sherlock Holmes (1984)

La serie de Granada Televisión protagonizada por Jeremy Brett es, sencillamente, la adaptación más fiel al espíritu de los relatos originales de Conan Doyle que existe en cualquier formato. Brett construyó a Holmes durante más de una década con una entrega que roza la obsesión y acabó afectando su salud: estudiaba los textos originales con fanatismo académico, corregía los guiones cuando se alejaban del canon y desarrolló una interpretación que capturaba tanto el genio frío del detective como la melancolía oscura que Conan Doyle nunca dejó de insinuar entre líneas. 

Los episodios de la primera temporada, en particular, tienen una calidad consistente que pocas series de televisión han alcanzado antes o después: cada detalle de producción —el vestuario, los decorados, el ritmo narrativo— parece diseñado para honrar el material de origen sin convertirlo en museo. David Burke como Watson en las primeras temporadas ofrece el mejor Watson de la historia: inteligente, útil, con dignidad propia.

Si la comparamos con Poirot, la otra gran serie de detective de época británica de la misma época con David Suchet, Las aventuras de Sherlock Holmes tiene menos humor pero más intensidad. No tiene la ambición cinematográfica de la serie de Moffat y Gatiss que vendría décadas después, pero su honestidad con el material original la convierte en referencia obligatoria para cualquiera que quiera entender de verdad al personaje.

1. Sherlock (2010)

Steven Moffat y Mark Gatiss lograron lo que parecía imposible: trasladar a Sherlock Holmes al Londres del siglo XXI sin perder una sola de las cosas que hacen al personaje irresistible, y en el proceso crearon una de las series más influyentes de la televisión contemporánea. Benedict Cumberbatch interpreta a un Holmes que él mismo describe como un "sociópata de alto funcionamiento", un hombre con una inteligencia desquiciante que se aburre con la velocidad del pensamiento ordinario y encuentra en el crimen el único estímulo capaz de mantenerlo funcional. 

Martin Freeman es el Watson más equilibrado desde David Burke: veterano de Afganistán en lugar de la India victoriana, médico de urgencias reconvertido en biógrafo digital, con una paciencia infinita y una competencia propia que lo alejan del sidekick pasivo de tantas versiones anteriores. 

Los tres primeros episodios de la primera temporada —especialmente Un estudio en rosa, que adapta Estudio en escarlata con una elegancia formal impresionante— son algunos de los mejores noventa minutos de televisión de la última década. 

Comparada con True Detective en su primera temporada, otra serie que convirtió el procedural policial en ejercicio de autoría cinematográfica, Sherlock tiene más humor y más consciencia de sí misma, pero comparte esa capacidad de hacer que la inteligencia resulte magnética en pantalla. No tiene la consistencia entre temporadas de Las aventuras de Sherlock Holmes, y su caída de calidad en la cuarta temporada es uno de los descensos más dolorosos de la televisión reciente. Pero en sus mejores momentos, Sherlock es televisión que redefine los límites del personaje y del género.

Lo admito: llevo un tiempo pensando en la saga A por todas más de lo que debería. Empiezas recordando la primera, luego te viene a la cabeza otra, y de repente estás intentando acordarte de cuántas secuelas hay. Y no son pocas. Lo que empezó como una comedia adolescente algo diferente a las demás acabó convirtiéndose en una franquicia que se fue estirando entrega tras entrega. 

Algunas funcionan, otras no tanto, y varias existen únicamente porque el nombre seguía teniendo tirón. Así que, si te apetece un viaje nostálgico por el cheerleading, los 2000 y algunas secuelas que nadie pidió pero todos hemos visto alguna vez, este es el momento perfecto para adentrarte en nuestra lista de todas las películas de la saga A por todas, en orden.

1. A por todas (2000)

A por todas (2000) sigue siendo, con diferencia, la película que mejor entiende lo que quiere ser. Tiene personalidad, un ritmo muy bien medido y unos personajes que se sienten vivos y reconocibles incluso años después. La rivalidad entre institutos funciona porque está bien construida, el comentario sobre la apropiación cultural está integrado de forma natural y Kirsten Dunst sostiene la película con un carisma que marca la diferencia. Todo fluye con una soltura que hace que nada parezca forzado ni impostado. Por eso juega en otra liga dentro del cine adolescente: la misma en la que está Chicas malas (2004).

2. A por todas de nuevo (2004)

A por todas de nuevo (2004) tiene a su favor que intenta replicar el espíritu de A por todas (2000) sin desviarse demasiado del camino. Aunque no cuente con el reparto original, mantiene una estructura reconocible y un tono ligero que la hace fácil de ver. No tiene la misma chispa ni el mismo comentario social, pero se nota el esfuerzo por no romper del todo con lo anterior. Dentro de la saga, es de las secuelas que mejor conservan cierta coherencia y una sensación de continuidad. En ese sentido, encaja bien con películas como American Pie 2 (2001).

3. A por todas de nuevo, una vez más (2006)

A por todas de nuevo, una vez más (2006) destaca por intentar mover la saga a otro entorno y apostar por una protagonista con más peso que en A por todas de nuevo (2004). El cambio de contexto le da un aire distinto y, aunque el resultado no siempre es equilibrado, se agradece que busque algo más que repetir lo mismo. El conflicto está mejor definido que en otras entregas posteriores y los personajes tienen algo más de recorrido. No es revolucionaria, pero funciona como una evolución dentro de la saga. Si te gusta ese espíritu, Step Up (2006) es para ti.

4. A por todas: Vamos a triunfar (2007)

A por todas: Vamos a triunfar (2007) apuesta claramente por el espectáculo. Todo es más grande, más exagerado y más consciente de sí mismo que en A por todas de nuevo, una vez más (2006), y ahí es donde la película encuentra su principal punto fuerte. La competición internacional permite ampliar el escenario y subir el nivel de las coreografías, que es, al final, lo que muchos buscamos en este tipo de películas. No pretende ser profunda ni especialmente coherente, pero sí entretenida, como sucede en La puntuación perfecta (2004).

5. A por todas: La lucha final (2009)

A por todas: La lucha final (2009) tiene una idea interesante de base: el cruce cultural y el intento de mezclar estilos distintos dentro del cheerleading. Aunque no termina de explotar todo su potencial, sí aporta una sensación de cambio frente a A por todas: Vamos a triunfar (2007). Es una película que intenta abrir la saga a otros referentes y escenarios, aunque lo haga de forma algo superficial. Dentro del conjunto, funciona como un experimento que no acaba de cuajar, pero que al menos busca diferenciarse. Por su enfoque, recuerda a películas como Guerra de cheerleaders (2009), más centradas en la competición que en otra cosa.

6. A por todas: Enfrentamiento mundial (2017)

A por todas: Enfrentamiento mundial (2017) es probablemente el intento más claro de adaptar la saga a una época mucho más actual. Introduce redes sociales, viralidad y competiciones globales como eje central, y aunque el resultado es irregular, la intención de modernizar la saga desde A por todas: La lucha final (2009) es evidente. Al menos, entiende que el mundo había cambiado y que el cheerleading ya no se consume igual que en los 2000. Ese esfuerzo por actualizarse la eleva al nivel de sagas como Dando la nota (2012), que supieron evolucionar con su público.

7. A por todas: Anima o muere (2022)

A por todas: Anima o muere (2022) es, sin duda, la película más sorprendente de todas. El simple hecho de mezclar A por todas (2000) con el terror ya la convierte en una rareza. La combinación de comedia, gore y clichés de slasher es arriesgada y, aunque no siempre funcione, demuestra la voluntad de romper con todo lo anterior, especialmente lo que vimos en A por todas: Enfrentamiento mundial (2017). Es una película que se atreve a probar algo distinto cuando la fórmula ya estaba agotada. Por eso es bastante parecida a Destino final (2000).

Si creciste viendo Dawson crece disfrutaste de una época repleta de tardes que sabían a drama adolescente, a resolución de conflictos frente al mar, y a amores tan profundos como definitivos. Todo esto y mucho más lo encontrabas en una de las series más destacadas de finales de los años 90.

Como sabemos que la ficción protagonizada por James Van Der Beek supuso una cápsula del tiempo para toda una generación, en esta guía te traemos otras 10 series similares a Dawson crece que harán tus delicias si eres fan de la nostalgia, y que te traerán muchos recuerdos cuando las veas.

Felicity (1998)

A lo largo de cuatro temporadas pudimos ver la evolución de Felicity Porter en Felicity, una serie que pone el foco en el cambio vital de una chica que deja atrás la adolescencia para adentrarse en la universidad. 

Es más honesta que Dawson crece, y eso se nota desde el primer capítulo. También tiene un guión más sólido y sus interpretaciones alcanzan un nivel muy alto (sobre todo en el caso de Keri Russell). Ideal para mentes más profundas y paladares más exquisitos.

Si Dawson crece funcionaba como una prolongación idealizada del instituto (con diálogos casi literarios y conflictos emocionales algo sobredimensionados), Felicity se acerca más a la experiencia real del paso a la vida adulta. 

En este sentido, se sitúa más cerca de Girls que de Gossip Girl, apostando por la introspección antes que por el espectáculo. También comparte ADN con Es mi vida, aunque esta última se queda anclada en la adolescencia, mientras que Felicity se atreve a hablar de decisiones equivocadas, relaciones que no funcionan y vocaciones que se desmoronan. 

Si buscas una serie que envejezca bien contigo y no solo un chute de nostalgia, esta es una de las mejores puertas de entrada.

A dos metros bajo tierra (2001)

Puede que A dos metros bajo tierra sea la serie más laureada de esta guía, ya que su presencia en las ceremonias de premios fue asidua durante sus 5 temporadas y 63 episodios.

Por otro lado, también sirvió como trampolín en la carrera de Michael C. Hall (quién interpreta a David), que después protagonizó la serie Dexter. Su argumento es más tenebroso y su humor, mucho más negro que el resto de opciones que hay en la lista. Si entre tus amigos eres la persona que siempre se ríe de los chistes políticamente incorrectos, esta serie es para ti.

Aunque pueda parecer una elección extraña dentro de una lista de “series similares a Dawson crece”, A dos metros bajo tierra conecta con ella en lo esencial: la obsesión por verbalizar emociones. Eso sí, aquí el envoltorio es muy distinto. Donde Dawson hablaba de amores imposibles frente al mar, esta serie disecciona la muerte, la culpa y la identidad con una crudeza que la emparenta más con Los Soprano o Mad Men. 

Si This Is Us te pareció intensa pero digerible, aquí encontrarás una versión mucho menos complaciente. No es una serie amable, pero sí muy humana, y probablemente una de las mejores ficciones jamás escritas sobre el paso del tiempo.

Everwood (2002)

Ahora nos detenemos en Everwood, una serie que obtuvo varias nominaciones a los Premios Emmy y al Sindicato de Actores. En ella, un cirujano famoso abandona su vida en la ciudad de Nueva York tras el fallecimiento de su esposa y se muda con sus hijos a un pequeño pueblo de Colorado. 

Si después de leer esta breve sinopsis piensas que es un culebrón, estás en lo cierto: un drama multigeneracional con el que no vas a poder parpadear. Mucho más adictiva que Dawson crece.

Everwood comparte con Dawson crece el gusto por los silencios incómodos y los conflictos emocionales que se cuecen a fuego lento, pero añade una capa familiar que la hace más transversal. 

Podría verse como una versión más adulta de Las chicas Gilmore, aunque sin su ritmo de comedia ni su verborrea constante. También anticipa el tono de Friday Night Lights en su retrato de comunidades pequeñas donde todos se conocen y nada pasa desapercibido. Si Dawson te atrapó por sus dilemas sentimentales, aquí encontrarás dramas más complejos y relaciones menos idealizadas, lo que la convierte en una opción perfecta para revisitar el género con unos años más encima.

One Tree Hill (2003)

Nada menos que 187 episodios nos regaló One Tree Hill, una serie que gira en torno a dos medio hermanos que están enfrentados y que conviven en el mismo pueblo de Carolina del Norte. 

Si bien encontrarás en la serie mucho baloncesto, música, amistad y, por supuesto, secretos y dramas familiares, lo cierto es que te va a resultar más superflua que el resto de opciones de la guía. Ideal si lo que buscas es entretenimiento que exija pensar poco tras un día agotador.

A diferencia de Dawson crece, que tendía a tomarse muy en serio a sí misma, One Tree Hill abraza el melodrama sin complejos. Está más cerca de Crónicas vampíricas (sin elementos sobrenaturales) que de una serie de autor, y eso juega tanto a su favor como en su contra. 

Donde Dawson reflexionaba sobre el amor, aquí se dramatiza hasta el exceso. Sin embargo, esa falta de sutileza es precisamente lo que la convirtió en un fenómeno generacional. Si buscas algo menos introspectivo que Friday Night Lights y más emocionalmente exagerado que Everwood, esta es tu serie.

The O.C. (2003)

Llegamos a The O.C., una serie que al igual que Dawson crece destaca por ser muy introspectiva. La trama nos sitúa en el lujoso condado de Orange County, donde seguimos los pasos de Ryan Atwood, un joven inteligente que termina acogido por una familia adinerada de la zona. 

Si te gusta el contraste de clases y las historias ligeras y adictivas, The O.C. te va a gustar. Salvando las distancias, podemos considerarla como el Élite de la época.

The O.C. es, con toda probabilidad, la heredera más directa de Dawson crece en términos de impacto cultural. Donde una tenía monólogos frente al mar, la otra ofrecía fiestas en mansiones y bandas sonoras inolvidables. 

Comparada con Gossip Girl, resulta más emocional y menos cínica, y frente a Sensación de vivir - 90210, mucho más consciente de sus personajes. 

Si Dawson era idealismo noventero, The O.C. es cinismo millennial temprano: más ritmo, más ironía y menos solemnidad, pero igual de eficaz a la hora de construir vínculos con el espectador.

Viviendo con Derek (2005)

Seguimos en el mundo de la adolescencia, esta vez con Viviendo con Derek, una serie canadiense que relata la historia de dos jóvenes obligados a vivir en la misma casa cuando sus padres se casan (un argumento muy parecido a Los Serrano, como habrás notado).

La rivalidad entre Casey y Derek da lugar a situaciones tan cómicas como emotivas. Te vas a reír mucho si la ves, y le vas a pillar cariño a los personajes. Pero no esperes nada muy profundo, más bien al contrario.

Si Dawson crece apostaba por el drama romántico, Viviendo con Derek se mueve en una liga mucho más ligera y familiar. Está más cerca de Lizzie McGuire o Hannah Montana que de Skins, y su objetivo es el entretenimiento sin complicaciones. Aun así, sorprende por la química entre sus protagonistas y por cómo convierte conflictos cotidianos en pequeñas batallas emocionales. 

No es una serie para analizar, sino para dejarse llevar, ideal si buscas nostalgia amable sin la carga emocional de otras opciones de la lista.

Friday Night Lights (2006)

Otra de las series más galardonadas ha sido Friday Night Lights, donde el fútbol americano y las relaciones humanas se dan la mano para darnos una de las series dramáticas más destacadas de las últimas dos décadas.

La historia retrata cómo es la vida en un pequeño pueblo de Texas donde el deporte es muy importante, casi como una religión, y dónde la evolución de sus personajes te mantiene enganchado a lo largo de sus cinco temporadas. Recomendable para almas intensas que disfrutan de los vaivenes del amor en la ficción (ten pañuelos a mano).

Por cierto, si te gustan las historias sobre deporte pero no eres mucho de dramas, te recomendamos leer nuestra guía sobre las 10 comedias deportivas más divertidas.

Si Dawson crece hablaba de crecer de manera emocional, Friday Night Lights lo hace desde la responsabilidad, la presión social y las expectativas colectivas. Es una serie más cercana a This Is Us que a One Tree Hill, y mucho más contenida que The O.C.

Aquí los silencios pesan tanto como los diálogos, y los conflictos no siempre tienen una resolución clara. Si buscas una evolución natural del drama adolescente hacia algo más maduro y realista, esta es una de las mejores transiciones posibles.

Skins (2007)

Una serie que gozó de una gran recepción por parte de crítica y audiencia es Skins, que es bastante más cruda y directa que Dawson crece en su representación de la adolescencia Skins en Reino Unido. 

La historia está repleta de drogas, sexo, conflictos familiares… y todo contado desde una mirada fresca y honesta. Recuerda a Sex Education, aunque sin la ingenuidad y el humor de esta última. Es ideal para entender un poco más a los adolescentes. 

Donde Dawson crece romantizaba el sufrimiento adolescente, Skins lo expone sin filtros. Está más cerca de Euphoria que de cualquier serie noventera, aunque con menos estilización visual y más urgencia narrativa. 

No busca agradar ni tranquilizar, sino incomodar y reflejar una realidad mucho más áspera. Si creciste con Dawson y quieres comprobar cómo ha cambiado la forma de retratar la adolescencia en televisión, esta serie funciona casi como un choque generacional.

Doctora en Alabama (2011)

Con varios paralelismos con Everwood encontramos a Doctora en Alabama, una serie protagonizada por Rachel Bilson, quien da vida a la joven cirujana Zoe Hart, que hereda una consulta médica en un pequeño pueblo del sur de Estados Unidos, en Alabama.

A pesar de que Hart no llega con ganas de quedarse, la excentricidad de los habitantes de la zona y un inesperado triángulo amoroso le obligan a replantearse su futuro. Un poco más romántica que el resto de la lista, pero sin empalagar. Rachel Bilson está espléndida, por cierto.

Doctora en Alabama es la versión más luminosa y escapista del espíritu Dawson. Tiene el encanto de Gilmore Girls y el romance de Un lugar para soñar, pero sin caer en el dramatismo excesivo. Frente a la solemnidad noventera, aquí todo es más ligero, más consciente de sí mismo y pensado para el confort del espectador. 

Ideal si buscas nostalgia sin angustia y personajes con los que pasar tiempo sin sobresaltos.

Diseñando a Jane (2012)

Aunque la serie fue cancelada antes de producir su segunda temporada, lo cierto es que Diseñando a Jane dejó su huella a mediados en 2012 intentando reflejar el mundo de la moda a través de una adolescente que termina trabajando en el sector por accidente.

La trama combina a la perfección el drama propio de la edad con toques de comedia y un punto de cuento de hadas actual. La más infantil, pizpireta y feliciana de todas las opciones, así que si esos adjetivos resuenan contigo, mírala sin dudar.

Comparada con Dawson crece, Diseñando a Jane parece casi una fantasía juvenil, más cercana a Emily in Paris que al drama introspectivo noventero. Aquí los conflictos se resuelven rápido y el tono es muy optimista. 

No busca realismo, sino inspiración y evasión. Si Dawson era intensidad emocional, esta es ligereza pura. No es la más profunda de la lista, pero sí una de las más encantadoras si te apetece algo breve, amable y sin dramatismos excesivos.

Y si te gustan las historias sobre moda, seguro que has visto El diablo viste de Prada, sobre la que escribimos un artículo explicando qué ha hecho su reparto después de la película.

La fatiga de superhéroes existe. Después de años con cuatro o cinco estrenos anuales entre cine y streaming, muchos espectadores han levantado bandera blanca ante Marvel. Pero justo cuando creías con el universo cinematográfico más rentable de la historia no da para más en televisión, aparece Wonder Man (2025) como recordatorio de que algunas series del MCU siguen mereciendo atención. Y hay un patrón: las mejores propuestas televisivas de Marvel suelen ser autocontenidas, pequeñas joyas que funcionan sin exigirte haber visto las 47 películas previas ni conocer el paradero de cada Gema del Infinito.

Después de empaparte del todo sobre el nuevo héroe, te hemos preparado un menú de seis series que demuestran que Marvel puede hacer televisión de calidad cuando se lo propone, ordenadas de menos a más imprescindibles. Todas disponibles en las plataformas de streaming en España.

6. Daredevil: Born Again (2025-)

El Diablo de Hell's Kitchen repite la jugada de Netflix en Daredevil: Born Again, que recupera a Charlie Cox y Vincent D'Onofio para intentar ser dos cosas a la vez: Disney+ quiere violencia pero con límites. Quiere oscuridad pero que encaje con su público masivo del MCU. El resultado es... raro, pero los dos actores siguen teniendo la tensión magnética que hace funcionar la serie, especialmente ahora que Fisk es alcalde y Murdock debe enfrentarlo desde los juzgados en vez de los tejados.

Hay momentos, como el de la secuencia del pasillo en el tercer episodio, que alcanzan la gloria de Daredevil (2015) original, pero no deja de hacer guiños al MCU más extenso. Probablemente la menos autónoma de la lista, como Loki (2021-2024), se encamina solo a durar un par temporadas, pero si echas de menos el universo del Murdock de hace una década, mejor ponerte con The Punisher (2017), que realmente sí sube el límite de violencia con marca Marvel.

5. Loki (2021-2024)

Tom Hiddleston volvió a ponerse los cuernos en una serie que convierte al dios del engaño en protagonista de un thriller temporal. Loki arranca cuando el villano reconvertido en pícaro escapa con el Teseracto durante los eventos de Vengadores: Endgame (2019), siendo capturado inmediatamente por la Autoridad de Variación Temporal. Lo que sigue es una exploración del multiverso, variantes temporales y burocracia interdimensional con toques de ciencia ficción retro-futurista.

La química entre Hiddleston y Owen Wilson es el alma de una serie visualmente preciosa, con estética análoga a Terry Gilliam y espíritu del Doctor Who (1963-) clásico, aunque a veces se pierde en su propia mitología. Espiritualmente tiene algo del camp retro de La Bruja Escarlata y Vision (2021), también por sus formatos televisivos variantes, pero no tiene nada que ver con la “secuela” de aquella, Agatha ¿Quién si no? (2024), sino que es más para quienes disfruten de paradojas temporales, aunque sin llegar a los niveles de complejidad y deprimencia de Dark (2017).

4. Agatha ¿Quién si no? (2024)

Una continuación/spin-off de La Bruja Escarlata y Vision que viene a certificar que Kathryn Hahn robó la serie, y ahora literalmente. Agatha ¿Quién si no? (2024) sigue a Agatha Harkness formando un aquelarre de brujas marginales para recorrer el legendario “Camino de las Brujas”. Es básicamente El mago de Oz (1939) meets Las brujas de Eastwick (1987) con presupuesto Marvel, aunque podría funcionar completamente sola sin necesitar contexto del MCU.

Hahn está magnética, pero aquí es Aubrey Plaza quien le roba las escenas como Rio Vidal. Quizá su desparpajo es lo que se echaba de menos en Loki, que a veces se ponía muy seria—en contradicción con lo que gustaba del personaje—, abrazando un tono juguetón que ha aprendido algo de Lo que hacemos en las sombras (2019-2025). Una grata sorpresa que demuestra que Disney puede hacer comedia oscura y puede haber aprendido algo del fracaso de la secuela de El retorno de las brujas (1993).

3. X-Men 97 (2024)

Esta resurrección del clásico de dibujos animados de los noventa no tenía derecho a ser tan buena. X-Men 97 (2024) continúa directamente donde terminó X-Men: La serie animada (1992-1997), pero en vez de replicar la fórmula con nostalgia pocha, evoluciona con narrativas más oscuras, animación moderna que respeta los diseños originales, y temas que abordan discriminación e identidad con una profundidad que ya querría Daredevil: Born Again.

El episodio cinco, "Remember It", es de lo mejor que Marvel ha producido para televisión, un evento devastador que recontextualiza todo lo anterior y deja claro que esta no es una simple serie para niños. A pesar de ello, funciona tanto para quien creció con la original como para nuevos espectadores que se han enganchado al tren con Spider-Man: Un nuevo universo (2018) y no con Los Eternos (2021), o para aquellos que no aguanten más para ver en la gran pantalla a los X-Men, claro.

2. Caballero Luna (2022)

Ha ido quedando en el olvido, pero es la serie más extraña, oscura, rara, brillante y visualmente arriesgada del MCU. Caballero Luna (2022) es un thriller psicológico que explora el trastorno de identidad disociativo de su protagonista, un Oscar Isaac triplicando papeles. Si te suena a locura es porque lo es, con una sensibilidad visual bastante épica, mezclado mitología egipcia, fugas astrales, acción, kaiju y hasta un poquito de body horror.

Además, Ethan Hawke crea un villano carismático y aterrador como Arthur Harrow, así que al loro los fans de la saga Black Phone (2021). A diferencia de la asimilación de la aventura retro de Agente Carter (2015-2016), Caballero Luna se lanza al fantástico a lo bestia, con secuencias oníricas, narración no lineal, y violencia explícita. Es la serie más desconectada del MCU y precisamente por eso es tan disfrutable sin necesitad de ataduras, como lo fue en su momento Legion (2017), pero sin las dos temporadas que le sobraban.

1. Agent Carter

Hay eventos televisivos que te hacen explicarte por qué el MCU no acaba de levantar cabeza del todo desde Endgame: nadie echó al ejecutivo que canceló Agent Carter, la mejor serie de Marvel hasta el momento. Dos temporadas de oro puro oro con Hayley Atwell lidiando con la América de posguerra de 1946, y una oficina llena de hombres que la ven como una secretaria. Elegante, ingeniosa, y tan divertida como una comedia screwball entre la actriz y James D'Arcy.

Es algo así como un thriller de espías clásico con elementos tecnológicos cortesía del joven padre de Iron Man, pero sin las paradojas temporales y mitología de Loki. Básicamente en lo que se habría convertido la maravillosa Rocketeer (1991) de haber tenido formato serie; no por casualidad, aquella estaba dirigida por Joe Johnston, artífice del tono retro de… Capitán América: el primer Vengador (2011). Se cierra el círculo.

Aunque la mayoría de ellos han estado en nuestras pantallas (y sueños menos safe for work) durante largas décadas, pero las temporadas de premios –por decirlo fino– no siempre salen como une espera. Desde la destroza tardía de EMILIA PÉREZ (2024) al salseo entre los hermanos Safdie que podría acabar con todas las posibilidades de Timothée Chalamet en Marty Supreme (2025).

Ningún actor o cineasta se salva de volver a casa tras la gala de los Oscars con las manos vacías por un tropiezo. Y, en el campo de la interpretación, si uno se lleva la estatuilla como mínimo cuatro más salen perdiendo. Aunque… A veces, las derrotas y vacíos de la Academia son algo más sutiles.

Por ejemplo, hay nombres que jurarías que están forrados de premios de la Academia, pero en realidad no han ganado ni uno. ¿Es justo? No.

¿Deberías pasarte horas discutiendo en tu fiesta de los Oscar sobre por qué estas estrellas sí merecen el premio más importante de la industria? Pues sí, claro.

Porque, ¿cómo te va a entrar en la cabeza que Sir Ian McKellen derrotara al Balrog de Morgoth en El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001) y, en cambio, no haya logrado nunca llevarse la réplica diminuta del señor desnudo dorado tapándose con una espada? O, yo qué sé, ¿cómo se olvidaron de premiar el papelón acabado y autoconsciente de Bradley Cooper en Ha nacido una estrella (2018)?

Así que hoy hacemos ranking de actores –ellas vienen en el Top de actrices que nunca han ganado un Oscar– que merecerían, de una vez por todas, ser reconocidos con la dichosa estatuilla. Las películas que te recomiendo deberían probar, por sí solas, que estos actores sí merecían algo mejor. Y esta guía se ordena por nivel de incredulidad, de olvido menos a más impensable. ¿Arrancamos?

Colman Domingo

El primer puesto en el ranking lleva más forma de carta a los Reyes que de pleito serio. Porque él no lo es tanto, pero su popularidad y reconocimiento académico sí resultan bastante jóvenes. Con dos nominaciones seguidas como Mejor Actor, en 2024 y en 2025, Colman Domingo se ha asegurado ya un lugar entre los grandes de Hollywood, pero aún le queda algo de tiempo (¿cuánto? Que se lo diga Samuel L. Jackson) para alcanzar el Oscar soñado.

Que ya les gustaría a muchos premiados gozar de su popularidad indiscutible, también digo. Por ejemplo, yo muero más de ganas por ver la nueva temporada de Euphoria (2019) que por asistir a la gala de los Oscars. Sus nominaciones vienen de Rustin (2023) y Las vidas de Sing Sing (2024).

Sir Ian McKellen

Sí, SIR Ian McKellen –con el “sir” en mayúscula, siempre– ha trabajado más en teatro que en la gran pantalla, y ha tenido alguna elección de pura supervivencia en sus últimos papeles. Cats (2019), te miro a ti.

Pero seguirá costándote creerlo, porque este SIR Ian McKellen tampoco ha recibido ningún reconocimiento dorado de la Academia. Ha sido nominado dos veces: primero por Dioses y monstruos (1998) como Mejor Actor, perdiendo contra Roberto Benigni; y luego ¡por ser Gandalf! en  El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001), como Actor de Reparto. Que a Gandalf lo derrotara Jim Broadbent nos explica muchas cosas sobre las prioridades del mundo en que vivimos.

Johnny Depp

Ha sido el chico guapo desde Pesadilla en Elm Street (1984) y el ídolo sensible prácticamente desde Eduardo Manostijeras (1990), así que no es de extrañar que las alfombras lo adoren a pesar de lo muy-muy turbio de las acusaciones que sobre él se ciernen… Pero creo que será el espíritu pop –y no la mala conciencia– lo que lo ha apartado del máximo triunfo en Hollywood.

Johnny Depp ha sido nominado tres veces como Mejor Actor. La primera fue por Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (2003), que perdió contra Sean Penn. Luego fue nominado como coprotagonista con Kate Winslet en Descubriendo Nunca Jamás (2004) y perdió contra Jamie Foxx. Y la última fue por Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (2007), cuando ganó Daniel Day-Lewis.

Mark Ruffalo

Es el amigo que siempre acude a tus fiestas, aunque nunca es el rey de ninguna. Mark Ruffalo ha acumulado cuatro nominaciones como Actor de Reparto desde 2011, pero todavía no ha ganado. Fue nominado por Los chicos están bien (2010), Foxcatcher (2014), En primera plana (2015) y Pobres criaturas (2023), pero tuvo que ver cómo ganaban Christian Bale, J.K. Simmons, Mark Rylance y su colega del Universo Marvel, Robert Downey Jr… Este último, definitivamente sobrevalorado.

Y aunque Ruffalo todavía no tiene un Oscar, sí forma parte de un club muy exclusivo: con su cuarta nominación por Pobres criaturas, hoy día está empatado con otros siete actores como los más nominados de la historia en esta categoría. Ni tan mal.

Edward Norton

Edward Norton nunca ha ganado el Oscar a pesar de tener cuatro nominaciones. Recibió dos como Mejor Actor de Reparto, por Las dos caras de la verdad (1996) y Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) (2014), perdiendo contra Cuba Gooding Jr. y J.K. Simmons, respectivamente. Súmale otra como Mejor Actor en 1999 por American History X, cuando Roberto Benigni le ganó. Como veis, no es cuánto ha perdido Norton sino contra quién.

El año pasado, su suerte podía cambiar tras conseguir su cuarta nominación al Oscar, por su papel sensible como el cantante folk Pete Seeger en Un completo desconocido (2024). Su derrota fue aún más trágica, porque –siguiendo la tónica pero mayor el agravio– estaba nominado junto a los poco conocidos/antipáticos Yura Borisov (Anora) o Kieran Culkin (Un dolor real). Finalmente, Culkin se lo zafó.

Willem Dafoe

Entra en su página de IMDb, busca en el apartado de premios y flipa con el único vacío inexplicable. Es uno de los actores más prolíficos de hoy en día, tiene más de 150 trabajos en más de 40 años de carrera. 

Con las cuatro nominaciones de Willem Dafoe al Oscar, y las ha perdido todas: como Actor de Reparto por Pelotón (1986), que es pura Historia del cine, o por La sombra del vampiro (2000), en la que se convirtió en NOSFERATU, literalmente. Y claro, en registro más convencionalmente premiable, encontramos El Proyecto Florida (2017) o Van Gogh, a las puertas de la eternidad (2018). Lo que más rabia me provoca es que ni cortándose una oreja, ni convirtiéndose en meme, ha logrado nunca subir al escenario.

Ralph Fiennes

Como en el caso de Edward Norton, lo que cuenta para Ralph Fiennes no es cuánto sino contra quién ha perdido. Porque el británico se ha hecho con los siete Horrocruxes, pero también con cero Oscars. Perdió como Actor de Reparto por La lista de Schindler (1993) frente a Tommy Lee Jones, y como Mejor Actor por El paciente inglés (1996) contra Geoffrey Rush.

En 2025 conseguía su tercera nominación, como Mejor Actor por Cónclave (2024), y debería haber salido Dios a entregárselo, pero en su lugar apareció Adrien Brody en versión épica por El Brutalista y dijo –en polaco, hecho con IA– “trae para acá”.

Tom Cruise

El “salvador de la taquilla” Tom Cruise puede ser uno de los actores más icónicos de la historia del cine, pero ni siquiera él ha conseguido el Oscar a pesar de tener tres nominaciones como actor, y otra como productor. Fue nominado dos veces como Mejor Actor por Nacido el cuatro de julio (1989) y Jerry Maguire (1996), pero perdió contra Daniel Day-Lewis y Geoffrey Rush. También fue nominado como Actor de Reparto por Magnolia (1999), si bien ese año ganó Michael Caine.

Y ojo lo que tardaría en regresar: finalmente, 23 años después, volvió a ser nominado como productor por Top Gun (2022), que estuvo en la carrera a Mejor Película, aunque ganó Todo a la vez en todas partes. Opinión impopular… La de los Daniels no lo merecía.

Bradley Cooper

A la Academia le encanta, de verdad, Bradley Cooper… Aunque no lo suficiente como para darle un Oscar. Primero el actor consiguió tres nominaciones seguidas, a principios de los 2010, por El lado bueno de las cosas (2012), La gran estafa americana (2013) y El francotirador (2014). Después se dirigió a sí mismo en Ha nacido una estrella (2018) y Maestro (2023), logrando más nominaciones como actor, que también perdió frente a Rami Malek y Cillian Murphy. Y aquellas eran películas de Premio, con pe mayúscula.

Con cinco derrotas ya sería suficiente para decir que el Oscar lo tiene más que merecido, pero ahí no acaba la cosa. También ha conseguido siete otras nominaciones como productor y guionista. El francotirador, Ha nacido una estrella, Joker (2019), El callejón de las almas perdidas (2021) y Maestro estuvieron nominadas a Mejor Película, así como dos de los guiones que ha escrito. Cooper se retira lentamente, ¿caerá el de Honor?

Samuel L. Jackson

Samuel L. Jackson es uno de los actores más influyentes del cine contemporáneo aunque, por sorpresa de todo el mundo, aún no ha ganado ningún Oscar competitivo. A lo largo de cuatro décadas ha construido personajes icónicos, motherf-cker, pero la Academia sólo lo ha reconocido con un Oscar honorífico: el “ups” definitivo.

De hecho, sólo ha sido nominado una vez, por Pulp Fiction: Tiempos violentos (1994). Y ya.

Jackson merecía la estatuilla por Jules Winnfield en Pulp Fiction, también por Triple traición (1997), aquel villano magnético, aterrador. En Django desencadenado (2012) brilló como uno de los antagonistas más incómodos y valientes del cine reciente. Pero Tarantino no le ha dado alegrías ni por Los odiosos ocho (2015). En fin, a veces el universo escoge mal.

Todo indica que 2026 va a ser uno de esos años especialmente generosos para los que amamos el cine. Por la cantidad de títulos que se anuncian, por la variedad de propuestas, por el regreso de nombres que hace rato venimos esperando. Lo estamos viendo tanto en el terreno de las grandes producciones y franquicias internacionales, como en el cine de autor. Y mientras el mundo pone sus ojos en estas superproducciones y secuelas populares, el cine español también tiene mucho para ofrecer.

Este año, la cartelera local nos regalará muchísimos estrenos que valen la pena: historias íntimas, comedias afiladas, thrillers tensos y más de una sorpresa que promete dar que hablar. Directores y directoras reconocidos como Pedro Almodóvar, Isabel Coixet, Cesc Gay y Rodrigo Sorogoyen vuelven con nuevos proyectos, acompañados por voces nuevas que confirman que el cine español está en un gran momento creativo.

Como viene siendo costumbre, no todo va a pasar en la gran pantalla. Varias de estas historias se estrenarán directamente en plataformas como Netflix, mientras que otras buscarán su momento en una sala de cine. Este recorrido no pretende cubrirlo todo, pero sí reunir diez títulos que, por distintos motivos, merecen un lugar en tu lista de películas para ver este año.

Torrente presidente

Después de tantos años, no hace falta explicar quién es Torrente. El “brazo tonto de la ley” se convirtió, para bien o para mal, en un personaje clave del cine español reciente. Ahora, Santiago Segura vuelve a ponerse en la piel (y en la mugre) de su criatura con Torrente presidente, la sexta entrega de una saga que ya es prácticamente parte del folclore pop nacional.

Lo llamativo para mi es que, hasta ahora, no sabemos absolutamente nada. Pero apenas el título alcanza para que se active la emoción y expectativa. ¿Qué significa Torrente en 2026? ¿Puede volver a conectar con el público en un contexto tan distinto al de sus primeras entregas? No hay respuestas todavía, pero sí muchas ganas de saber qué se trae entre manos. 

Amarga Navidad

Pedro Almodóvar vuelve al cine en español con Amarga Navidad, y eso ya es una gran noticia. Después de su paso por el inglés con La habitación de al lado, retoma el idioma que mejor maneja para seguir explorando ese tono más íntimo que ya venía trabajando en películas como Madres paralelas o Dolor y gloria.

Esta película está ambientada entre Madrid y Lanzarote, y su historia se centra en personajes atravesados por el duelo, la culpa y la necesidad de seguir adelante. El elenco lo encabezan Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón, tres intérpretes que han demostrado saber moverse en terrenos emocionales complejos. A pesar del título, Amarga Navidad no llega con el turrón: su estreno está previsto para marzo del 2026.

Laponia

Y ya que hablamos de películas navideñas que no se estrenan en diciembre, acá va otra: Laponia llega en abril, aunque el espíritu festivo está bien presente. ¿De qué va? Imagina esto: una Nochebuena en Finlandia, dos hermanas que se reencuentran después de años sin verse y la típica cena familiar que promete ser tranquila... hasta que una niña dice la verdad sobre Papá Noel. A partir de ahí, lo que parecía una postal perfecta se transforma en una noche de reproches, silencios incómodos y emociones que hace rato estaban esperando salir.

La dirige David Serrano (Días de fútbol, Voy a pasármelo bien), basándose en una obra teatral que habla, en el fondo, sobre cómo cada familia encuentra sus propias formas de sostener la ilusión. El elenco de esta película que mezcla humor y tensión, está formado por Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjørn Enger.

Cada día nace un listo

Después de saltar entre el drama social de Carmen y Lola y la comedia más liviana de La familia perfecta, Arantxa Echevarría vuelve con una propuesta completamente distinta: una comedia negra sobre robos, ambición y personajes de dudosa moral. Cada día nace un listo tiene el ritmo de un golpe mal planificado y el tono justo para reírse con algo de resignación de las situaciones más absurdas.

La historia sigue a Toni Lomas, un ex famoso de talent show venido a menos que, por una de esas vueltas de la vida, se ve envuelto en el robo de un cuadro junto a Junior, el hijo mimado de un empresario millonario.  El elenco es bien variado: Hugo Silva, Susi Sánchez, Dafne Fernández, Jaime Olías, Ginés García Millán y Diego Anido, con apariciones especiales de Belén Rueda y Pedro Casablanc. Una historia de esas que, con suerte, nos hacen reír mientras nos dejan pensando.

El ser querido

Después de lo que significó As Bestas, era difícil imaginar con qué iba a volver Rodrigo Sorogoyen, y la respuesta es una película mucho más íntima, pero igual de incisiva. El ser querido gira en torno al reencuentro entre un director de cine y su hija, una actriz con la que arrastra años de distancia emocional y asuntos no resueltos. Lo interesante es que ese reencuentro ocurre en pleno rodaje, donde lo profesional y lo personal se mezclan hasta explotar como una bomba de tiempo.

La historia pone el foco en ese vínculo frágil entre padre e hija, similar a lo que pudimos ver en Valor sentimental.  Muchos silencios, algunos reproches y duras preguntas que nunca se hicieron del todo. Javier Bardem encabeza el elenco, en una colaboración que suma todavía más peso a una película que ya se perfila como uno de los grandes títulos del año.

La bola negra

Nueve años después de La llamada, Javier Calvo y Javier Ambrossi vuelven al cine con su proyecto más ambicioso hasta el momento. Todo parte de un fragmento: las únicas cuatro páginas que Federico García Lorca alcanzó a escribir de La bola negra antes de ser asesinado en 1936. Ese material, tan breve como cargado de intención, les sirve como punto de partida para construir una historia que busca cruzar épocas, emociones y heridas que todavía siguen latiendo a través del tiempo.

En concreto, La bola negra sigue la vida de tres hombres en tres momentos distintos 1932, 1937 y 2017, entrecruzando sus historias a medida que avanza la trama. El reparto es de esos que llaman la atención desde el primer minuto: Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Natalia de Molina, Penélope Cruz y Glenn Close. Todo indica que será una de las favoritas del 2026.

La cuidadora

Otro reconocido director que tendrá su momento de brillar este año es Álex de la Iglesia (El día de la bestia), quien vuelve al cine con un thriller familiar. La cuidadora, aunque se estrena en Netflix, está rodada íntegramente en 35 mm. La historia gira en torno a Carmen, una viuda de 80 años que, tras un accidente doméstico, necesita ayuda para seguir en su casa. Su hija contrata a Blanca, una asistenta que parece perfecta: educada, eficiente, amable. Pero, como pasa siempre en este tipo de relatos, algo no termina de cerrar. 

Pareciera ser de esas películas que no necesitan gritar para generar incomodidad. Basta con una mirada, un gesto fuera de lugar, una amenaza que va creciendo. Y con Álex de la Iglesia al mando, ya sabemos que la tensión nunca es sólo tensión: también hay crítica, ironía y un caos contenido esperando a estallar.

El niño

El 23 de octubre de 1980, una explosión de gas en una escuela pública de Ortuella, Vizcaya, mató a 50 niños y 3 adultos. Cuarenta años después, esa herida sigue abierta en la memoria de muchas familias. El niño es una película basada en la novela de Fernando Aramburu que

parte de ese hecho real para construir un relato íntimo y crudo.

La película sigue a Nicasio, un hombre que cada jueves sube al cementerio para visitar la tumba de su nieto. A través de su rutina, la película va narrando los ecos de una tragedia que marcó a toda una comunidad, concentrándose no en qué pasó sino en cómo se vive después de un hecho tan doloroso. Está dirigida por Mariano Barroso (Todas las mujeres), si te gustan las películas basadas en hechos reales, este año no puedes perderte El Niño. 

La desconocida

La desconocida arranca fuerte: una mujer aparece amordazada y maniatada dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona. No sabe quién es, no recuerda cómo llegó hasta ahí y, antes de poder empezar a reconstruir nada, alguien intenta matarla en el hospital.  La investigación queda en manos de la detective Anna Ripoll, interpretada por Candela Peña, y su compañero Quique Zárate, dando comienzo a una carrera contrarreloj digna de thriller psicológico. 

La película, dirigida por Gabe Ibáñez (Autómata), y basada en la novela de Rosa Montero y Olivier Truc, pasa directo a la plataforma de Netflix en la segunda mitad del año. El reparto incluye a Ana Rujas, Pol López, Manolo Solo y Kira Miró. 

53 domingos

La premisa de 53 domingos a primera vista es sencilla: tres hermanos se juntan para hablar sobre qué hacer con su padre de 86 años, que empieza a mostrar señales de deterioro. ¿Lo llevan a una residencia? ¿Se turnan para cuidarlo? ¿Lo asume uno solo? Pero, como suele pasar, detrás de esa conversación educada se esconden reproches, tensiones acumuladas y un montón de cosas que nunca se dijeron.

Cesc Gay, la mente detrás de películas como Truman y Mi amiga Eva, aquí dirige y escribe una adaptación de su propia obra de teatro. Claro que lo hace con ese estilo que ya es suyo: diálogos filosos, situaciones con las que podemos relacionarnos y personajes que se sienten muy reales incluso dentro de la exageración. Sin duda una propuesta interesante para este 2026.

No importa cuántas veces las veamos ni cuánto las adoremos,  algunas películas y series tienen errores de edición que, una vez que los notamos, son imposibles de olvidar. Todos estos son detalles que por alguna razón se colaron en el montaje final y ahora viven en nuestras cabezas sin pagar renta. Desde croissants que se transforman en tortitas hasta dobles de actores que quedan demasiado expuestos, hay de todo.

No siempre se trata de un simple despiste. Parte de la razón por la que hoy notamos tantos errores de edición en películas y series tiene que ver con algo tan básico como el tamaño (y la nitidez) de nuestras pantallas. Muchas de estas escenas fueron pensadas para verse en televisores más chicos, o incluso en cine, con encuadres más recortados y definición limitada. Pero ahora, entre la resolución 4K, y la pausa fácil, esos detalles que antes pasaban de largo saltan a la vista en un segundo. ¿Los perdonamos? Por supuesto. ¿Nos echamos unas risas igual? También.

Pretty Woman y el desayuno mutante

Mujer Bonita es un clásico que ha visto la mayoría, pero no todos han captado el fallo de campeonato detrás de una simple comida. En la escena del desayuno en el hotel, Vivian está comiendo un croissant, hasta que entre un plano y otro, el croissant se convierte en una tortita. Y no es solo un cambio de alimento: también varían los mordiscos y el tamaño, como si el desayuno tuviera vida propia. El propio director, Garry Marshall, contó alguna vez que priorizó las tomas de Julia Roberts donde la actuación funcionaba mejor, aunque eso implicara sacrificar la continuidad de la escena. Y la verdad es que, incluso con ese error, la escena sigue siendo igual de brillante.

Clueless y el espejo fantasma

¿Existe una película con más espíritu noventero que Clueless? Lamentablemente ni los outfits ni el encanto de Cher pueden distraernos de un error que salta a la vista (si sabés dónde mirar).  En la escena en la que Cher estaciona su icónico Jeep, el espejo lateral del lado del conductor aparece y desaparece de plano como por arte de magia. Está, no está, vuelve a estar. Este fallo en su momento pasó desapercibido, pero con las versiones en alta definición y pantallas más grandes, dio que hablar. Uno de esos detalles que ahora nos hacen reír… y seguir viendo igual con cariño.

Bridgerton y sus anacronismos con estilo

Que Los Bridgerton no apunta al realismo histórico ya lo sabemos. Pero hay descuidos que igual llaman la atención. En una escena, un espectador con ojo afilado notó algo que no debería estar ahí: líneas pintadas en una carretera, del tipo que no se empezó a usar hasta la década de 1950, es decir más de 130 años después de la época en que transcurre la serie. Y no fue el único desliz: en la cuarta temporada, el personaje Lady Araminta aparece con una curita color piel en la oreja, posiblemente para cubrir un piercing. Igual, a Bridgerton se lo perdonamos todo. El drama es más fuerte.

Juego de tronos y el infame vaso de Starbucks

De todas las cosas que podían romper la ilusión en Game of Thrones, nadie esperaba que fuera ¡un vaso de café! En un episodio de la última temporada, durante una escena en Winterfell, aparece un vaso descartable típico de Starbucks justo frente a Daenerys. El error no tardó en hacerse viral y, aunque HBO lo editó después, ya era tarde: el vaso pasó a la historia. ¡Vaya que lo único que faltaba era que el dragón pidiera uno con leche de avena!

Corazón valiente y el coche sorpresa

Uno pensaría que lo último que podría colarse en una batalla del siglo XIII es… un coche. Pero en Braveheart, si pausas en el momento justo durante una escena de combate, ahí está: un coche blanco aparcado al fondo como si nada. Fue un descuido mínimo, pero lo suficiente (si tienes el ojo entrenado) para romper por un segundo la épica de la escena. Es cierto que entre gritos, caballos y espadas nadie está mirando el fondo con lupa, pero hoy con la alta resolución y el poder de las redes, estos detalles no pasan desapercibidos. Solo esperamos que al responsable no le tocara limpiar las armaduras ese día.

Friends y los dobles a la vista

Friends es una de esas series que vimos tantas veces que aunque nos la sabemos de memoria, siempre podemos encontrar algo nuevo, un chiste sutil, un detalle del set y ahora también lo que quedó en el fondo. Como los dobles de Jennifer Aniston y Courteney Cox, que aparecen claramente en algunos episodios si puedes enganchar el momento justo. Uno de los más comentados está en la temporada 9, episodio 15 (The One With the Mugging): Rachel entra a escena, y en el siguiente plano no es Rachel, sino alguien con el mismo peinado. Dura segundos, pero una vez que lo ves, empezás a buscarlos como si fuera un juego. Y te aseguro que no son pocos.

Gladiador y su tecnología anticipada

Entre tanta épica, espadas y discursos memorables, Gladiator también tiene sus pequeños deslices. El más famoso está en plena escena de combate: cuando uno de los carros vuelca, se ve claramente un tanque de gas en la parte trasera. No, no es parte del Imperio romano. Pero no es el único: en otra escena vas a notar a alguien entre el público con ropa moderna. ¿Un turista accidental del siglo XXI? Quién sabe. Lo cierto es que, esta vez, lo que nos sacó de la película no fue Russell Crowe gritando sino un vaquero y camiseta blanca en la tribuna.

Emily en París y la Torre Eiffel duplicada

En Emily in Paris, todo es un poco exagerado: los looks, los dramas, los romances y al parecer también el paisaje. En el tercer episodio de la tercera temporada, Emily pasea cabizbaja por la habitación de hotel de Madeline, justo después de enterarse de que la oficina va a cerrar. Todo muy emotivo, hasta que miramos por la ventana y vemos no una, sino dos Torres Eiffel. Cada una por un ventanal distinto. Un fallo de edición gigante, aunque siendo honestos, en el universo de Emily tener dos Torres Eiffel no suena tan descabellado.

Crepúsculo y la cánula rebelde

Es verdad que Twilight nunca fue famosa por su precisión médica, y esta escena lo confirma. Después de la pelea con el villano James, Bella se despierta en el hospital, recuperándose de la batalla. Hasta ahí, todo “normal”. Pero si prestas atención, su cánula nasal cambia de lugar en cada plano: a veces está bien puesta, a veces baja, a veces le tapa medio ojo, como si tuviera voluntad propia. Y mientras Edward la acompaña con su clásico silencio intenso, una lámpara al costado de la cama también decide moverse de lugar sin explicación. Al final va a resultar que lo sobrenatural no eran los vampiros, sino el mobiliario del hospital.

No hay otra opción (2025) acaba de llegar a cines, y con ella, Park Chan-wook vuelve en forma. Desde finales de los noventa, el coreano ha levantado una filmografía donde la venganza es un ballet sangriento y la violencia poesía, un equilibrio no al alcance de la mayoría de directores. Un cine que exige estómago, paciencia y ganas de mirar de frente a las zonas más oscuras del alma humana. 

Aquí van sus ocho mejores películas, desde las que le pusieron en el mapa como uno de los cineastas más singulares (y perturbadores) del siglo XXI hasta sus últimos éxitos, imprescindibles para entender la expansión del cine asiático en el siglo XXI.

8. La doncella (2016)

Park miró a occidente por primera vez para adaptar la novela ‘Fingersmith’ de Sarah Waters, que ya conoció una versión con Cambio de Identidad (2005), en una operación parecida a la de No hay otra opción, que ya tuvo su película de Costa-Gavras antes que llegara la nueva. Aquí cambia la ambientación victoriana y la planta en la Corea ocupada por Japón de los treinta, cuando una sirvienta entra a trabajar para una heredera japonesa y todo se tuerce, y se vuelve a retorcer hasta que ya no sabes quién se la está jugando a quién.

La doncella (2016) es un thriller erótico que funciona como una muñeca rusa de engaño, deseo y traición; visualmente, lo más exuberante que ha hecho Park en su vida, con una dirección de arte obsesiva y preciosista bajo la que late su habitual pulso perverso. Si te gustó Retrato de una mujer en llamas (2019) es del mismo palo, ambas exploran el deseo lésbico en contextos históricos que lo reprimen, aunque en esta ocasión tenemos varias dosis extra de humor negro marca del chef.

7. Stoker (2013)

Su debut americano fue bastante raro, un coming of age de tintes góticos donde el despertar sexual también lo es a la violencia. Mia Wasikowska hace de una adolescente cuya vida se tuerce cuando su tío aparece justo después de que muera el padre. Empieza como un thriller hitchcockiano y acaba siendo un estudio sobre el mal que se hereda y la atracción por lo oscuro.

La secuencia del piano muestra lo bien que se le da el subtexto erótico al coreano, aunque en general es más contenida que sus anteriores trabajos, con una frialdad que le da un poder hipnótico infravalorado. Si Old Boy (2003) puede ser demasiado salvaje para según qué público, Stoker (2013) es un aperitivo elegante a la obra del autor, con violencia más sugerida pero su perversión psicológica intacta. En cierto modo adelanta detalles del Lanthimos de El sacrificio de un ciervo sagrado (2017), también con Nicole Kidman.

6. Thirst (2009)

Probablemente ya te huelas qué pasa cuando un cura católico se convierte en vampiro si has visto Misa de Medianoche (2021), pero Park ya tuvo esa idea en una forma más chunga y perturbadora. Song Kang-ho—sí, el padre de Parásitos (2019)—interpreta a un sacerdote cuya transformación en no-muerto le desata una crisis de fe brutal y un hambre que no distingue entre sangre y sexo, cayendo en una espiral autodestructiva de lujuria, culpa católica y asesinato.

Thirst (2009) está alejada de la acción de Sympathy for Lady Vengeance (2005), y es algo así como un melodrama católico con comedia negra y body horror corporal que examina la contradicción entre los impulsos carnales más básicos y la aspiración espiritual, una mezcla imposible entre Déjame entrar (2008) y El reverendo (2018).

5. Joint Security Area (2000)

Es curioso que la peli que puso a Park en el mapa internacional sea todavía una de sus grandes desconocidas para el público. Ambientada en la Zona Desmilitarizada entre las dos Coreas, cuenta una historia de amistad secreta entre soldados del Norte y del Sur que desafía décadas de propaganda y odio institucionalizado. Todavía no tiene la estética barroca y la violencia extrema que caracterizan sus trabajos posteriores, pero es el más humano y está muy bien escrito.

Un thriller político que acaba funcionando como tragedia sobre la división artificial de un pueblo. Si Sympathy for Mr. Vengeance (2002) es un poco nihilista, Joint Security Area (2000) todavía ofrece algo de esperanza. Comparte ADN con 1987: When the Day Comes (2017), otra peli coreana donde el contexto político define los destinos individuales, aunque JSA es más íntima, más pequeña en escala.

4. Three... Extremes (2004) - segmento "Cut"

Una muy célebre antología de la era dorada del terror asiático, donde el segmento de Park destaca como una gran pesadilla meta-cinematográfica. "Cut" presenta a un director de cine secuestrado en su propia casa por un extra psicópata. Una obra de cámara claustrofóbica de cuarenta minutos en los que al director le da tiempo a desplegar más ideas que muchos en dos horas.

Three... Extremes (2004) es una masterclass de economía narrativa en un set surrealista dentro del hogar del protagonista, igual de retorcida psicológicamente que el final de Old Boy (2003), aunque su premisa moral recuerda los dilemas imposibles de Saw (2004), aunque con una sofisticación más acorde a la de Audition (1999), que a veces le hace sombra y hace que se olvide lo buena que es.

3. Sympathy for Lady Vengeance (2005)

Su mejor obra es su “Trilogía de la Venganza” en conjunto, aunque hay que empezar por su cierre, quizá el más hermoso y triste. Una mujer que pasa 13 años en la cárcel por el secuestro y asesinato de un crío (que no cometió), ejecuta meticulosamente su venganza contra el verdadero culpable, curiosamente Choi Min-sik, el prota de Old Boy (2003). Pero Sympathy for Lady Vengeance (2005) es más estilizada, menos cruda, y le interesa menos la venganza en sí que sus consecuencias emocionales.

Estéticamente es un tour de force en el que Park juega con la saturación de color para reflejar la corrupción moral de la protagonista, con una secuencia final, insoportablemente tensa y moralmente ambigua. ¿La venganza trae paz o solo más vacío? Park no da respuestas fáciles porque probablemente no las tiene, como hace luego The Nightingale (2018) de Jennifer Kent, que no romantizaba ni un poquito la venganza femenina.

2. Sympathy for Mr. Vengeance (2002)

La primera de la trilogía también es la más brutal y despiadada, cuenta cómo un joven sordomudo que necesita dinero para el trasplante de riñón de su hermana, acaba secuestrando a la hija de su ex-jefe, lo que desencadena una espiral imparable de venganza y contra-venganza donde sin ganadores. Un Park crudo y nihilista que expone sin muchos subrayados cómo la violencia genera más violencia en un ciclo infinito.

La fotografía aún no estaba tan estilizada como en Old Boy (2003) o Lady Vengeance (2005), pero le da un toque realista, que la hace perturbadora y difícil de tragar. Sympathy for Mr. Vengeance (2002) va sin filtro, y como Blue Ruin (2013), hace un retrato de gente ordinaria completamente destruida por la venganza, aunque añade capas extra de comentario social sobre discapacidad y explotación laboral, y más sangre también: la escena del talón de Aquiles es de las que no se olvidan.

1. Old Boy (2003)

La obra maestra. La peli que definió a Park Chan-wook y lucha con Kill Bill (2003) por el puesto de ser la venganza en el cine más influyente de lo que llevamos de siglo. Choi Min-sik hizo la interpretación de su vida como un hombre secuestrado y encerrado en una habitación durante 15 años sin explicación, a lo que sigue una búsqueda con un secreto tan horrible que te deja sin ganas de salir de casa en una semana.

Old Boy es perfecta, una experiencia llena de escenas icónicas como la del pasillo con el martillo: un plano secuencia de violencia coreografiada como ballet que ha sido imitada hasta el agotamiento. Pero es su guión el que hace que funcione como un reloj, donde cada revelación golpea, y lo que la hace también tan diferente a La doncella, pero es que, ante esta tragedia griega moderna sobre la culpa y las consecuencias de nuestras acciones, ni el propio Park Chan-wook puede competir contra sí mismo.

A lo largo de sus múltiples versiones internacionales, Mira quién baila —o Dancing with the Stars en su formato original— se ha convertido en un escaparate inesperado para celebridades de todo tipo. Actores consagrados, deportistas de élite, figuras mediáticas y estrellas en ebullición han pasado por la pista de baile con resultados tan dispares como sorprendentes.

Algunos buscaban reinventarse, otros humanizar su imagen pública y unos cuantos simplemente aceptar un reto fuera de su zona de confort. En esta lista repasamos diez famosos cuya participación quizá habías olvidado —o directamente nunca supiste—, analizando qué supuso el programa para su carrera y qué tal les fue realmente sobre la pista. 

Floyd Mayweather (Estados Unidos, 2005)

Antes de consolidarse de manera definitiva como una de las mayores leyendas del boxeo, Floyd Mayweather sorprendió al participar en Dancing with the Stars en 2005. Su fichaje fue toda una declaración de intenciones por parte del programa: demostrar que incluso los deportistas más asociados a la fuerza bruta podían enfrentarse a una disciplina tan técnica como el baile.

Sobre la pista, Mayweather mostró una sorprendente disciplina, algo lógico teniendo en cuenta su mentalidad competitiva. Sin embargo, su rigidez corporal y cierta falta de conexión emocional con las coreografías jugaron en su contra. Aguantó varias galas, pero nunca llegó a perfilarse como favorito.

Su paso por el programa fue más anecdótico que transformador. No cambió su imagen pública ni amplió su público de forma significativa, pero sí dejó claro que el formato sabía atraer nombres potentes incluso fuera del mundo del espectáculo.

Chris Hemsworth (Australia, 2006)

Mucho antes de empuñar el martillo de Thor en el Universo Cinematográfico de Marvel, Chris Hemsworth participó en la versión australiana de Dancing with the Stars en 2006. En aquel momento era un actor joven, conocido principalmente por series locales, y el programa funcionó para él como una plataforma de visibilidad clave.

Hemsworth destacó rápidamente por su presencia escénica, carisma natural y una sorprendente soltura física. Aunque no era el mejor a nivel técnico, su progresión fue constante y conectó muy bien con el público. Llegó lejos en la competición, consolidándose como uno de los concursantes más populares de su edición.

Visto con perspectiva, su participación resulta fascinante: es un ejemplo claro de cómo el programa puede servir como trampolín previo a una carrera internacional. Es uno de los casos donde Mira quién baila supo detectar —quizá sin saberlo— a una futura superestrella.

Kim Kardashian (Estados Unidos, 2008)

En 2008, Kim Kardashian todavía no era el fenómeno global en el que acabaría convirtiéndose, pero ya era una figura mediática en ascenso. Su participación en Dancing with the Stars fue breve, pero muy comentada, en gran parte por la enorme atención mediática que generaba todo lo que la rodeaba.

En lo estrictamente competitivo, Kardashian tuvo una actuación discreta. Su falta de experiencia y cierta inseguridad escénica hicieron que fuera una de las primeras eliminadas. A nivel técnico, estuvo lejos del nivel exigido por el programa, y el jurado no dudó en señalarlo.

Sin embargo, su paso por el concurso fue irrelevante solo en apariencia. Kim utilizó el programa como un escaparate más dentro de su estrategia de exposición mediática. No triunfó bailando, pero reforzó su presencia en la cultura popular, algo que acabaría siendo mucho más determinante para su carrera que cualquier trofeo.

Denise Richards (Estados Unidos, 2009)

Denise Richards llegó a Dancing with the Stars en 2009 como una actriz conocida por títulos como Juegos salvajes o su paso por la saga de James Bond. Su fichaje respondía al perfil clásico del programa: una estrella reconocible que buscaba reconectar con el gran público.

En pista, Richards mostró elegancia y compromiso, aunque sin llegar a deslumbrar. Su estilo era correcto, pero a menudo acusado de ser demasiado contenido, algo que le restó impacto frente a concursantes más explosivos. Aun así, logró avanzar varias semanas, ganándose el respeto del jurado.

Su participación fue digna y honesta, pero poco memorable. No hubo una reinvención clara ni un gran arco narrativo dentro del programa. Aun así, cumplió su función: recordarle al público que Richards seguía ahí, dispuesta a asumir retos más allá de la interpretación.

Belén Esteban (España, 2010)

La participación de Belén Esteban en ¡Mira quién baila! en 2010 fue, ante todo, un fenómeno televisivo. Figura omnipresente de la prensa del corazón en España, su fichaje generó tanta expectación como escepticismo.

En lo artístico, Esteban mostró una evolución limitada. Sus actuaciones estaban lejos de ser brillantes y las carencias técnicas eran evidentes. Sin embargo, compensaba con esfuerzo, perseverancia y una conexión muy fuerte con una parte del público. Llegó más lejos de lo que muchos esperaban, en gran medida gracias al apoyo popular.

Su paso por el programa es un ejemplo perfecto de cómo Mira quién baila no es solo un concurso de baile, sino también de narrativa televisiva. Belén no ganó por talento, pero sí por relato: el de alguien que, sin las herramientas, se expone y resiste.

Pamela Anderson (Estados Unidos, 2010)

Pamela Anderson se unió a Dancing with the Stars en 2010 como una de las grandes estrellas internacionales del elenco. Icono absoluto de los 90, su presencia evocaba nostalgia y glamour a partes iguales.

En la pista, Anderson destacó por su actitud y sensualidad, aunque técnicamente fue irregular. Algunas coreografías funcionaron muy bien gracias a su carisma natural, mientras que en otras quedó patente cierta falta de precisión. Aun así, avanzó varias rondas y dejó actuaciones memorables.

Pamela representa el espíritu más clásico del programa: una celebridad que no necesita ganar para justificar su presencia. Su participación fue más emocional que competitiva, reforzando su estatus icónico y demostrando que, incluso sin perfección técnica, el magnetismo sigue siendo una poderosa arma televisiva.

Larissa Riquelme (Argentina, 2011)

Larissa Riquelme llegó a Showmatch en 2011 en pleno auge mediático, tras convertirse en un fenómeno viral durante el Mundial de 2010. Su fichaje buscaba capitalizar esa popularidad inmediata.

En cuanto al baile, Riquelme mostró actitud y energía, pero también claras limitaciones técnicas. Su rendimiento fue irregular y dependía mucho del tipo de coreografía. A pesar de ello, consiguió mantener varias galas gracias al apoyo del público y al interés mediático que generaba.

Su participación en el programa fue un caso paradigmático de fama fugaz trasladada a un formato de largo recorrido. No logró reinventarse ni consolidar una carrera artística sólida, pero su participación refleja cómo Mira quién baila también funciona como termómetro de la popularidad del momento.

Mike Tyson (Argentina, 2011)

La aparición de Mike Tyson en Showmatch en 2011 fue uno de los cruces más improbables entre deporte y entretenimiento televisivo. La imagen del ex campeón mundial de boxeo enfrentándose a una coreografía de baile era, por sí sola, irresistible.

Sobre la pista, Tyson estaba claramente fuera de su elemento. Sus movimientos eran rígidos y su falta de técnica evidente. Sin embargo, su disposición a reírse de sí mismo y aceptar el reto generó simpatía. No duró muchas galas, pero dejó una huella mediática innegable.

Su participación no buscaba excelencia artística, sino redención pública. Fue un gesto de vulnerabilidad televisiva que, sin ser brillante, sí resultó humano y honesto dentro de un formato que vive de esos contrastes.

Zendaya (Estados Unidos, 2013)

Zendaya participó en Dancing with the Stars en 2013 cuando todavía era conocida solo por su trabajo en Disney Channel. Su fichaje, sin embargo, marcó un antes y un después en la percepción del público hacia ella.

Desde la primera gala, destacó por su talento natural, precisión técnica y madurez artística. Semana tras semana se consolidó como una de las mejores concursantes de su edición, llegando a la final y quedándose muy cerca de la victoria.

Se trata de uno de los más exitosos de la lista. No solo le fue bien en términos competitivos, sino que reforzó su credibilidad como artista completa. 

Mr. T (Estados Unidos, 2017)

Mr. T se unió a Dancing with the Stars en 2017 como una auténtica leyenda televisiva. Icono de El equipo A y del cine de los 80, su presencia era más simbólica que competitiva.

En el baile, Mr. T mostró muchas limitaciones físicas, comprensibles por su edad y condición. Sus coreografías eran simples y su técnica básica, lo que provocó una eliminación temprana. Sin embargo, cada actuación estaba cargada de carisma y actitud.

Su participación es un recordatorio de que no todos los concursantes están ahí para ganar. Mr. T aportó espectáculo, nostalgia y personalidad, demostrando que en Mira quién baila también hay espacio para celebrar trayectorias legendarias, aunque el baile no sea lo suyo.

Bad Bunny o Benito Antonio Martínez Ocasio—aunque seguramente solo lo llame así su madre cuando está realmente enfadada—es una estrella. Todos conocemos su faceta musical pero desde su increíble actuación en el show de medio tiempo de la Super Bowl, reivindicando sus raíces latinas, todo el mundo quiere conocer más de él. Y la verdad es que ser cantante es sólo una de las cosas que se le da de maravilla. 

Bad Bunny ha participado en varias series y películas, además de ser un luchador ocasional en la WWE. Así que si quieres conocer todas las facetas de Benito, es el momento perfecto para adentrarte en nuestra lista de las series y películas de Bad Bunny.

Narcos: México (2018–2021)

En Narcos: México (2018-2021), Bad Bunny demuestra que sabe ponerse en la piel de un personaje mucho más oscuro, parecido al de Bala perdida (2025). Everardo Arturo “Kitty” Páez es prepotente, violento y te da escalofríos en el peor sentido de la palabra. Y eso es justo lo que lo hace interesante. Como un choque de trenes. Sabes que va a salir mal, sabes que es malo, pero necesitas saber qué va a hacer a continuación. Lo mejor es que el show no trata de justificar sus acciones. Le da una historia de fondo, sí, pero no trata de excusarlo debido a ella. Si te atraen este tipo de historias, El Chapo (2017–2018) encaja muy bien contigo.

Bullet Train (2022)

Bullet Train (2022) obliga a Bad Bunny a sacar todo su encanto—y eso, en una película con Brad Pitt como protagonista no es moco de pavo. Y le encanta. En un viaje en tren frenético donde cada pasajero tiene que fingir, el personaje de Martínez Ocasio, The Wolf, juega con su rival como un depredador con su comida. La venganza es un plato que se sirve frío y The Wolf espera a que esté helado…pero no lo va a tener fácil. Lo mejor de este papel de Bad Bunny es la escena de acción que se marca. Como que no te esperas que puedas hacer eso y te quedas con la cabeza loca. Eso sí, no se os ocurra intentar este truco en casa. En comparación con su papel en Cassandro (2023), en esta película tiene que tirar más de físico pero también explora una parte de él bastante desconocida. Si este tipo de películas de acción son lo tuyo, prueba con John Wick (2014).

Cassandro (2023)

En Cassandro (2023), Bad Bunny se atreve con todo, bastante en la línea de su personaje en Bullet Train (2022). Comparte escenas con Gael García Bernal y eso son palabras mayores. Así que es complicado estar a la altura, pero Benito lo consigue. La película no se corta en retratar la desgarradora historia de Saúl Armendáriz, y la forma en que luchó para conseguir hacerse un nombre en la lucha libre, a pesar de que ser homosexual en un mundo así es motivo de burla. Y el precio que pagó para lograrlo. Benito interpreta a Felipe, pareja de Saúl. Y me encanta la forma en que su personaje consigue hacer que Saúl se lo cuestione todo, incluido el concepto de masculinidad…y quién realmente lleva máscara, su personaje en la lucha libre o él mismo. Si te gustan este tipo de películas, El luchador (2008) te va a encantar.

Saturday Night Live (1975– )

Ver a Bad Bunny en Saturday Night Live (1975-) es super divertido porque no tiene miedo a nada. ¿Ridículo? ¿Qué es eso? No le importa. Y eso se nota. Me encanta cómo se entrega a los sketches y cómo se ríe de sí mismo, como pasa en Terminagolf 2 (2025). No todos los cantantes saben adaptarse a este formato y él lo hace a la perfección. Le encanta esto y se siente cómodo con ello. De hecho, aparte de participar como invitado, participó en sketches en las temporadas 46, 49 y 50 del show. 

Pero lo que no te puedes perder es su participación como anfitrión en el estreno de la temporada 51, en 2025. En su monólogo de inicio, empezó en inglés pero Bad Bunny no tuvo miedo de hablar en español y de dejarle claro a quien tuviera un problema con su selección para el show del medio tiempo del Super Bowl—presidente incluido—que él había llegado para quedarse y que si querían enterarse de su show, más les valía aprender español. Un rey si nos preguntas. Por cierto, hazte un favor y echa un vistazo a su sketch con Pedro Pascal, ¡te va a encantar! Y si te gustan esta clase de programas, The Tonight Show Starring Jimmy Fallon (2014– ), es para ti.

Bala perdida (2025)

Bala perdida (2025) es otra de esas películas donde Bad Bunny explora un personaje gris, parecido a lo que pasa en Narcos: México (2018-2021). Y me encanta porque es impredecible. Nunca sabes si va a invitarte a una copa de vino…o a torturarte despiadadamente. Porque en un abrir y cerrar de ojos puedes pasar de una situación a la otra. ¿Y la presencia de Bad Bunny? De otro mundo. No puedes dejar de mirarlo. Es magnético. Y si te gustan este tipo de películas, disfrutarás mucho con Good Time: Viviendo al límite (2017).

Terminagolf 2 (2025)

Terminagolf 2 (2025) hace que Bad Bunny saque su lado más cómico, el mismo que le vimos en Saturday Night Live (1975-), para hacer dupla con un Adam Sandler que está en su salsa. Oscar, el personaje de Benito, es humilde y no teme los retos…pero también sabe reírse de sí mismo y no tomarse en serio. Y cuando él y Sandler comparten escena es una maravilla. Los dos tienen una conexión, una complicidad, que traspasa la pantalla, como dos colegas idiotas diciendo cosas tan absurdas que no te queda más remedio que reírte. Si te gustan este tipo de comedias, El aguador (1998) es una muy buena opción para ti.

Llega San Valentín y tú, analfabeta de mi corazón, que te vas a ver la película más romántica de tu cartelera… Escoges por el póster y el reparto, claro. Cumbres Borrascosas (2026) parece la elección perfecta: Margot Robbie, Jacob Elordi, besitos, rayos y truenos. Pero quizás hayas pasado por alto que esta es una adaptación de Emmerald Fennell sobre la novela de Emily Brontë.

Cuando estés bien adentro de la sala, de la mano de tu amante, descubrirás que has escogido mal. Porque aquí sí hay caricias y retoños, pero la película convierte asimismo el amor en una experiencia tóxica, obsesiva y emocionalmente agotadora. ¿Por qué te crees que la referenciaban una y otra vez en Crepúsculo (2008)?

Celos, resentimiento, pasión destructiva y tristeza envuelta en paisajes bonitos. Es justo lo contrario de lo que uno espera en una noche “romántica”. Pero ya tienes al amor de tu vida preguntándose, igual que tú, qué hacéis ante un espectáculo de tales dimensiones.

Aunque, ¿y qué pasa si quieres mojarte un poquito en la salsa de la desgracia? Si, pongamos, tienes un picor que el color rosa no puede aliviarte, aquí van cinco películas que no venden falsos cuentos sobre el amor romántico y que, en cambio, pueden darle una vuelta a cómo miras esto del “buen amar”... Las cinco comparten una visión trágica o descreída del romance, porque todes necesitamos una crisis de vez en cuando.

Y sí, probablemente las veas igualmente.

Ha nacido una estrella (2018)

Cada una de las cuatro versiones de esta historia en particular, hasta la Ha nacido una estrella de 1937, transmite una idea clarísima. Todas giran en torno a jóvenes artistas femeninas en ascenso que, al principio, reciben apoyo y luego acaban siendo frenadas por los hombres adictos, de los que se enamoran. Y dirás, “bueno, seguro que los arreglan”. ¡JA!

En la versión de Ha nacido una estrella (2018) son Lady Gaga y Bradley Cooper quienes se lanzan en una espiral descendente, y el final no es mucho mejor para ellos de lo que fue para Janet Gaynor y Fredric March aquel 1937. O para Judy Garland y James Mason, en Ha nacido una estrella de 1954. O Barbra Streisand y Kris Kristofferson, en Ha nacido una estrella (1976). ¿Por qué repetir la misma historia una vez y otra? Porque nos encanta sufrir. Y ya.

La favorita (2018)

¿Podrías vivir con alguien que no cobra lo mismo que tú? ¿Las relaciones con sugar mamas funcionan de verdad? La favorita (2018) te sienta en su regazo y te pide que lo pienses un minuto. De forma parecida a cómo Shame - Deseos culpables (2011) contempla la filia y los juegos de poder de su protagonista ninfómano, Yorgos Lanthimos escribe un triángulo amoroso histórico entre la temperamental e inestable reina Ana, su poderosa confidente y la empobrecida cortesana, con la que se encapricha. Ana tiene todo el poder, en teoría, pero no la voluntad para usarlo. Y mientras tanto el juego de la silla va rotando.

Todo es un enredo inteligente, bien filmado y con un humor negro muy marcado. Eso sí: desde luego no defiende la idea de que el amor lo puede todo. Crema, pero agria y con regustillo de ajo.

Sólo un sueño (2008)

Sólo un sueño (2008) adelantó una visión sobre el mundo que luego pareció sorprendernos a todos en Historia de un matrimonio (2019). Es una de esas historias que no buscan consolar, que no ofrecen redención fácil ni aprendizaje luminoso, que no se dejan domesticar por la moralina y, sobre todo, que creen en las personas por encima de las ideas… La del “amor” inclusive. Lo vemos clarísimo excepto durante el 14 de febrero: el matrimonio es una institución emocional, económica y simbólica que exige (a las mujeres en especial) una coreografía de gratitud constante, incluso cuando las cosas van peor que nunca.

Gracias a la dirección contenidísima de Sam Mendes, este drama de pareja de los años cincuenta, con su suburbio perfecto, su casa correcta, su césped y sus vecinos. Pero en realidad es una película sobre el fracaso del “sueño americano”, un mundo donde el deseo femenino aparece como capricho, amenaza o histeria. ¿Hay San Valentines que valgan en un mundo así? Para dejarte pensando un buen rato.

Deseando amar (2000)

La elegante Deseando amar (2000) de Wong Kar-Wai es una de esas películas tan llenas de las imágenes y sonidos de otra época que parece que pudieras atravesar la pantalla y pasearte por ella. Ambientada en Hong Kong a principios de los sesenta, cuenta la historia de dos vecinos que, negligidos por sus parejas, empiezan a fijarse el uno en el otro.

El romance empieza con el peor timing o motivo posible, cuando se dan cuenta de que sus parejas tienen una aventura y deciden tenerla ellos también, un poco porque sí. Sin embargo, y a diferencia de otras joyas igual de sexies del cine asiático como La doncella (2016), nunca terminan de dar el paso y la cosa va quedándose más en el “y si” que en nada. ¿Es una buena opción de veras para San Valentín? No. ¿Es una cura necesaria al exceso de idealismo romántico? Totalmente sí.

Un cálido diciembre (1973)

Dirigida y protagonizada por (el aún infrarreconocido) Sidney Poitier, Un cálido diciembre (1973) recoge las pasiones más puras del melodrama clásico y las trae a la modernidad de los setenta. Y ahí tienes lo mejor de cada casa, treinta años antes de Siempre Alice (2014), con la que comparte ese amor que es purísimo pero que no quita los finales amargos.

La carismatiquísima Esther Anderson hace las de una diplomática de un país africano, clave en las negociaciones con la Unión Soviética, pero que sufre una enfermedad terminal y muy dolorosa. El romance con un apuesto viudo (Poitier) nace, por lo tanto, lacrado por la falta de tiempo y por un dilema: ella tiene que elegir cómo quiere pasar los años que le quedan, al lado del doctor o trabajando de lo que la apasiona. Y amigas: La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016) nos enseñó algo sobre las prioridades.

No, amiga: Heathcliff no te conviene y no te va a dar un “fueron felices y comieron perdices”. Que sí, puedes desear ver a Jacob Elordi y a Margot Robbie retozar en las Cumbres Borrascosas (2026) de Emmerald Fennell, pero eso no lo convierte en un prototipo de hombre ideal, ni mucho menos. Es más, y eso nada tiene que ver con el heteropesimismo: toma la mitad de los romances febriles en el cine con pinzas.

Por suerte, y las compañeras de Fotogramas lo señalaron con atino, la ficción es cada vez más crítica con los “amantes imperfectos”, e incluso películas arrebatadas como Hamnet (2025) dejan a William Shakespeare como un padre ausente y preocupado, pero no muy dado a la conciliación.

Pero no seré le únique que, en estos días de frío, sueña con escapar a un paisaje nublado digno de una novela de Jane Austen o con vivir dentro de un episodio de La reina Carlota: Una historia de Los Bridgerton (2023). Incluso siendo lesbiana, imaginar una taza de té humeante entre las manos, sentirse protagonista de una historia donde todo gira en torno a un anhelo romántico –ese anhelo por un hombre de porte serio, mandíbula perfecta y acento irresistible– resulta… Tentador.

Así que aquí van seis hombres llegados de la literatura victoriana por los que puedes derretirte, sin tener que negociar con lo sano o lo pertinente de tu deseo. Es decir, seis hombres que sí valen la pena, y que en la vida real no te decepcionarían.

George Knightley, en ‘Emma.’ (2020)

Demos puntos extra a los hombres que no le tienen miedo a una mujer con carácter. George es de los pocos que se atreve a llevarle la contraria a Emma cuando hace falta, pero siempre con argumentos. Además, es atento, tiene sentido del humor; tanto, que Paul Rudd se lo hizo suyo para Clueless (Fuera de onda) (1995). Vamos, que en mi cabeza es prácticamente perfecto.

La última versión de Emma. (2020) es fresca, elegante y muy divertida. Eso es, el espíritu de Jane Austen, pero métele ritmo ágil y una estética preciosa. Anya Taylor-Joy está brillante como Emma, y la relación con Knightley tiene chispa, ironía y mucha química. Es todo lo que podías esperar de la literatura victoriana en la era de Fleabag (2016).

Sherlock Holmes en ‘Sherlock’ (2010)

Holmes es absurdamente listo, carismático y brillante. Además, contra todo pronóstico también cae bien (es el típico tío que te da rabia como compañero de piso, pero regala anécdotas como nadie). Vale, es raro, arrogante y un poco insoportable, aunque justo por ello resulta tan atractivo: it’s all for the plot, que decimos los Aries.

Siguiendo el hilo de la fascinación que despierta, Sherlock (2010) moderniza al detective poniendo el acento en el atractivo –y la peculiaridad– del dúo formado por Benedict Cumberbatch y Martin Freeman (en mi cabeza, son novios). Si te la dejaste por ver, apunta: resulta perfecta para estos días de frío en que sólo quieres ver a una entrañable pareja jugar, semana tras semana, al El juego de la sospecha (Cluedo) (1985).

Sr. Darcy en ‘Orgullo y prejuicio’ (2005)

¡Un clásico! Entiendo perfectamente la obsesión colectiva con el señor Darcy. Al final, representa el icono romántico ideal para gente emocionalmente torpe alrededor de todo el mundo y a mí me encantaría que alguien me declarara su amor mientras enumera todos mis defectos. Que se lo digan al reparto de Join Me for Breakfast (2025). No sabe ligar, no sabe socializar y no tiene filtro, pero justo esa incomodidad suya lo hace irresistible.

La versión de 2005 de Orgullo y prejuicio, con Keira Knightley y Matthew Macfadyen, es probablemente una de las adaptaciones más populares de Jane Austen, pero por si alguien no la ha visto: sabed que encontraréis en ella una comedia romántica-que-no-empalagosa, elegante sin ser aburrida y ante todo, muy icónica.

El coronel Brandon en ‘Sentido y sensibilidad’ (1995)

El interés romántico más recordado de las adaptaciones de Austen es Darcy o, en su defecto, Willoughby. Y sí, este puede ser dicharachero, sí, pero Brandon es un hombre con mayúsculas. Marianne no supo ver que era como el buen vino, y que mejoraría con los años. Rico, sensible, fiel y no va jugando con los sentimientos de nadie (como, ejem, Willoughby). Y claro, ayuda mucho que lo interprete Alan Rickman, voz y plante.

Sentido y sensibilidad (1995) suele recordarse más por sus dos protagonistas femeninas, Emma Thompson y Kate Winslet (¡cómo no!) que por el papel de Rickman, si bien para mí es la forma perfecta de recordar al histórico profesor Snape. Sólo te digo, el coronel Brandon tiene todo el aura del gentleman sin sus defectos.

Simon Bassett en ‘Los Bridgerton’ (2020)

No hay objeciones en la sala, entiendo, porque Regé-Jean Page convirtió al Simon Bassett de Los Bridgerton (2020) en una fantasía colectiva, eufórica por un sueño común. El duque de Hastings arranca como el típico macarrilla distante, pero poco a poco se va abriendo, volviéndose vulnerable, inseguro y real. El falso noviazgo, las miradas intensas y el drama emocional hacen el resto. Resultado: medio mundo suspirando por él.

Todas mis amigas certifican: Los Bridgerton es el placer culpable en forma de serie. Es perfecta para maratonear sin pensar demasiado, dejarte llevar por el cotilleo, el romance y los personajes intensos, y qué menos para San Valentín.

El monstruo de ‘Frankenstein’ (2025)

Esta quizás no te la esperabas, aunque tiene todo el sentido del mundo: piensa, el monstruo de Frankenstein es una obra esculpida a medida para superar todas las barreras de la humanidad. Por ello, y como ya dijo Guillermo del Toro, nunca lo fabricarían tan poco agraciado como en El doctor Frankenstein (1931).

Yo lo visualizo más bien como Jacob Elordi en Frankenstein (2025), es decir, marmóreo y con un corazón que –importante– no se ha criado en sociedad. Por lo tanto, un hombre que no tiene que deconstruirse. ¡Ojo al dato! Suma aún más puntos si lo comparas con el doctor que lo engendra, un tipo engreído y tóxico a matar. Un Heathcliff más.

Los Bridgerton (2020-) siempre ha tenido claro que el deseo no va solo de lo físico. Va de esas miradas, esas caricias prohibidas, de lo que se va acumulando mientras esperas a que todo explote. Por eso, sus escenas más sexys no son las más explícitas, sino esas que te dejan pegada a la pantalla, sin respirar, con un nudo en el corazón. Las que te emocionan por lo que significan. Y todas sabemos cuáles son. 

Si eres de las que vuelve a esas escenas una y otra vez —sobre todo ahora, con la parte 1 de la temporada 4 recién salida y la parte 2 asomando—, este es el momento perfecto para meterte de lleno en nuestra lista de las 10 escenas más sexys de Los Bridgerton, en orden.

1. Penélope & Colin en el espejo – Temporada 3, Episodio 5

Esta escena es pura intimidad. No es solo lo que hacen, es cómo se miran, cómo se tocan, cómo se sienten. Colin necesita que Penélope se vea como él la ve. Preciosa. Penélope jamás se vio así. Todo el mundo, sobre todo su familia, le dejó claro que era demasiado grande para los estándares de la alta sociedad. Demasiado grande, demasiado lista, simplemente demasiado. Así que Penélope aprendió a esconderse. Ella aprendió a apegarse a los rincones, a esconder sus sueños, sus anhelos, su fuerza y su personalidad. Sólo siendo Lady Whistledown se sentía libre para ser ella misma. 

Pero Colin, mirándola a través de ese espejo, desnudándola, mientras le dice lo preciosa que es y lo mucho que la ama, borrando cada burla, cada recuerdo doloroso. Eso lo cambia todo. Eso hace que por primera vez Penélope sienta que es hermosa. Y la forma en que Colin está totalmente perdido por ella, solo por ella. Me encanta esta escena porque está llena de vulnerabilidad, de nervios, de inseguridad…pero también de amor y valentía. También de aceptación hacia una misma. 

Penélope deja que Colin la mire, la desee, la descubra. Y ella siente cada gramo de ese deseo, de ese poder que tiene sobre él. Y eso es increíblemente sexy. Comparada con la escena del carruaje, esta es más lenta, llena de fragilidad, pero igual de sensual. Es una de esas escenas que te hacen suspirar sin darte cuenta. Si este tipo de momentos te funcionan tanto como a mí, tienes que ver Outlander (2014–2026), porque sabe hacer esto como pocas.

2. Penelope & Colin en el carruaje – Temporada 3, Episodio 4

Si la escena del espejo es la definición de intimidad, esta es la definición de pasión. Aquí no hay tiempo para pensar, solo para sentir. Colin ya no puede contener lo que siente por Penélope ni lo desesperado que está por tocarla, por volverla tan loca como ella lo ha vuelto a él. Y Penelope, por primera vez en su vida, deja de esconder lo que siente. Ya no se frena. Ya no duda. Así que se desean, se buscan y se dejan llevar por todo lo que han estado reprimiendo durante tanto tiempo. Es imposible que no se te acelere el corazón viéndolos. Esta escena marca un antes y un después para Polin, porque a partir de aquí ya no hay vuelta atrás. Y si este tipo de escenas te gustan, Normal People (2020) te va a encantar.

3. El primer beso de Kate & Anthony – Temporada 2, Episodio 6

Este beso entre Kate y Anthony es la liberación de una tensión acumulada entre ellos durante media temporada explotando en el peor lugar posible. Y por eso me encanta. Es impulsivo, prohibido y completamente inevitable. Anthony y Kate llevan tanto tiempo reprimiéndose que cuando por fin se besan, todo se les va de las manos. Se necesitan, se necesitan tanto que duele. No pueden estar juntos. Lo saben. Pero sólo se permiten este momento, estos segundos, para hacer lo que realmente desean. 

En ese momento no son el Vizconde ni la hermana de su prometida. Son Kate y Anthony. Y se desean con locura. Comparada con lo que sucede entre ellos en el jardín, en esta escena todo es más salvaje, más desesperado, pero igual de intenso. Si te gustan este tipo de historias, The Great (2020–2023) te va a dar muchas alegrías.

4. Penelope & Colin consuman su matrimonio– Temporada 3, Episodio 8

Esta escena es el premio a la espera. A todo. A las miradas, a los silencios, a la distancia que había entre ellos desde que Colin descubrió la verdadera identidad de Penélope pero, sobre todo, a los años de Penelope queriendo ser vista y a Colin dándose cuenta, por fin, de que siempre fue ella. Penélope se siente deseada de verdad y Colin está completamente rendido a ella. No hay prisas, no hay juegos, solo dos personas que por fin pueden amarse sin que haya nada entre ellos. Se siente íntima e intensa. Y adoro la forma en que muestra cómo Penélope tiene la confianza que siempre le faltó, algo parecido a lo que le sucede a Sophie con Benedict. Es como el broche de oro a la temporada. Y si te gustan estas historias de amor, Downton Abbey (2010-2015) te va a romper un poco el corazón.

5. Kate & Anthony en el jardín – Temporada 2, Episodio 7

Si el beso en la iglesia entre ellos es un impulso, esta escena se trata de rendición. Anthony y Kate ya no pueden seguir fingiendo. Me gusta tanto porque se siente inevitable. No hay marcha atrás y ambos lo saben. La escena es intensa, es apasionada y está cargada de todo lo que no se atrevieron a decir antes. Ya no se esconden. Se aman y se dejan llevar por toda esa pasión reprimida, por cada ves que pensaron que se iban a perder el uno al otro, que tenían que dejarse ir. Es una de esas escenas que te hacen sentir que estás invadiendo algo muy privado. Y eso la hace todavía mejor. Si este tipo de tensión es lo tuyo, tienes que ver La emperatriz (2022–).

6. Daphne & Simon consuman su matrimonio – Temporada 1, Episodio 5

Esta escena es acalorada. Mucho. Daphne y Simon no saben cómo parar porque no esperaban sentirse así cada vez que están juntos, cada vez que se unen. Y eso se nota. Daphne apenas sabe lo que está haciendo, al contrario que Simon, pero para las dos es un descubrimiento porque ninguno había sentido algo tan intenso, tan poderoso, nunca. Comparada con su primer beso, esta escena es aún más pasional. Es una escena que no se corta y que deja muy claro que el show no iba a temer mostrar la parte física de la historia, más allá del romance. Si este tipo de historias es lo que te va, Poldark (2015–2019) te va a gustar mucho.

7. Brimsley & Reynolds están juntos – Temporada 1, Episodio 2

La relación de la reina Charlotte con su mano derecha, Brimsley, se amplió en La reina Carlota: Una historia de Los Bridgerton (2023). Y nunca olvidaremos la forma en que Brimsley y Reynolds discutían sobre Charlotte y George mientras se quitaban la ropa desesperados. Es una escena explosiva y te hace sentir esa necesidad cruda de estar juntos, esa chispa, ese fuego en la discursión que los hace querer saltar el uno sobre el otro, parecido a lo que sucede entre Charlotte y George en la bañera. Tienen prisa pero, a la misma vez, no la tienen, porque lo que ellos sienten es algo más que físico. Te deja con el pecho apretado y una sonrisa tonta. Si este tipo de historias te llegan, Fellow Travelers (2023) es para ti.

8. El primer beso de Daphne & Simon – Temporada 1, Episodio 4

Este beso es el inicio de todo. Literalmente. Y se siente como un descubrimiento. Daphne no sabe muy bien qué está pasando, pero sabe que lo quiere, que lo desea, que se muere si Simon para de besarla. Y Simon… bueno, Simon se rinde en ese momento. A ella. A lo que está empezando a sentir a pesar de sí mismo. Comparada con el momento en que consuman su matrimonio, esta escena es más desordenada, más desesperada, pero no por eso menos sexy. Tiene esa chispa de lo prohibido, de lo nuevo, de cruzar una línea sin saber muy bien qué viene después. Es una escena que te engancha a la serie sin darte cuenta. Si te gustan estos romances, Reign (2013–2017) te va a gustar más de lo que te esperas.

9. Charlotte & George en la bañera – Temporada 1, Episodio 3

Esta escena entre Charlotte y George de La reina Carlota: Una historia de Los Bridgerton (2023) no estaba destinada a ser algo romántico. Pero lo es. Porque cada vez que ellos intimaban, se sentían más cerca el uno del otro, a pesar de resistirse a ello. Y Charlotte se saltó el plan establecido, decidió que quería a su marido, que lo deseaba, y fue a por él. Y me encanta. Me encanta porque demuestra cuánto crecieron como pareja y la forma en que están empezando a abaratar lo que sienten el uno por el otro. Además, nos hacen sentir las ganas de devorarse que tienen, la intimidad que creció entre ellos, parecido a lo que sucede con Brimsley y Reynolds, aunque esta escena sea menos desesperada. Si te atraen estas historias de amor, The Crown (2016–2023) te va a encantar.

10. Benedict & Sophie en las escaleras – Temporada 4, Episodio 4

Esta escena es sexy precisamente porque no intenta serlo. Al menos al principio. Es pura tensión. La tensión no resuelta acumulada entre ellos por 4 capítulos. Son las miradas que duran demasiado, las palabras que no se atreven a decir, la forma en la que, aunque intenten negar lo que desean, sus cuerpos hablan por ellos. Se desean, se necesitan como respirar. Pero más allá de eso, también hay nervios, inseguridad y muchísimas ganas de cruzar una línea que saben que va a cambiarlo todo. Y aún así, lo hacen. Porque es inevitable. Ellos son inevitables. Si te gusta este tipo de tensión, Versailles (2015-2018) es para ti.

Hablar de las películas más esperadas de este año es, en el fondo, una excusa para volver a pensar en el cine como un pequeño evento extraordinario y, de paso, como una experiencia colectiva bastante irremplazable. En un momento donde el streaming ya forma parte de la rutina diaria, algo sigue pasando cuando ciertos títulos aparecen en el horizonte y automáticamente pensamos en una sala oscura, un cubo de palomitas recién hechas y ese silencio compartido justo antes de que empiece todo.

Este 2026 mezcla un poco de todo: franquicias que se siguen expandiendo, apuestas autorales y algunas secuelas que nadie pidió en voz alta, pero que igual despiertan curiosidad. No es un ranking de hype ni una promesa de obras maestras, aunque varias seguramente lo serán. Son, más bien, diez películas que por distintos motivos nos dan una buena razón para salir de casa y sentarnos frente a la gran pantalla. 

Y con tantos estrenos pensados para verse en sala, nuestra asistencia al cine está prácticamente garantizada. Tom Cruise, eterno defensor de la experiencia cinematográfica y las butacas ocupadas, probablemente estaría orgulloso de nosotros.

Hail Mary

Hail Mary me ilusiona muchísimo, pero como fan del libro debo reconocer que llega con una mochila pesada. Lo último que vimos relacionado con este universo fue The Martian, si bien no forman parte del mismo universo ambas historias nacen de una novela de Andy Weir. Además de ser del mismo autor, comparten el concepto de la ciencia como acto de supervivencia. En Hail Mary, Ryan Gosling interpreta a un hombre que despierta solo en una nave espacial, sin recordar quién es ni por qué está ahí, y poco a poco entiende que el destino de la humanidad depende de él. 

Detrás de cámara están Phil Lord y Christopher Miller, lo que suma una expectativa extra después de lo que hicieron con Spider-Man: Into the Spider-Verse. Ciencia dura, emoción y espectáculo pensado para pantalla grande. Una de esas películas que prometen recordarnos por qué nos gusta tanto perdernos en el espacio e ideal para ver en una sala IMAX.

Dune: Parte tres

Este año nos trae varias adaptaciones de exitosos libros, específicamente Dune: Parte tres llega después de que la segunda entrega dejara la vara altísima y, al mismo tiempo, cerrara un arco muy claro dentro de la historia de Paul Atreides. Lo último que vimos fue una película más oscura, más política y mucho más consciente del poder y sus consecuencias. Ahora la expectativa pasa por otro lado, retomando años después de los eventos de la segunda parte. 

Esta tercera película adapta Dune Messiah, el libro más incómodo de la saga, y eso ya dice bastante. Denis Villeneuve nunca ocultó que no le interesa el viaje del héroe tradicional, y todo indica que acá va a ir todavía más lejos, cuestionando al propio mito que construyó. Sin duda esta es una de las propuestas más interesantes del cine para 2026.

The super mario galaxy movie

The Super Mario Galaxy Movie no es el lanzamiento más ambicioso del año, pero probablemente sea uno de los más divertidos. Eso es si mantienen el espíritu que supo construir la película anterior. The Super Mario Bros. Movie, estrenada en 2023, no intentó ser más de lo que era y ahí estuvo su mayor acierto. Fue una película que apostó al color, al ritmo y al recuerdo compartido, y logró que ir al cine a ver a Mario volviera a sentirse como un plan de la niñez. 

Ver el avance de esta nueva entrega ya es de por sí excitante: la aparición de Yoshi, mundos flotando, desafíos dignos de un nivel de Mario, ritmo frenético y esa sensación de aventura interactiva trasladada a la gran pantalla. ¿Qué más podemos pedir?  Será un plan ideal para ver en familia, compartir entre generaciones y salir del cine con una sonrisa que dure todo el fin de semana.

Star Wars: The Mandalorian and Grogu

Star Wars: The Mandalorian and Grogu es, sin dudas, uno de los estrenos que más emoción me generan de toda esta lista. Venimos de The Mandalorian, una serie que logró devolverle a Star Wars la frescura y el sentido de aventura simple, casi artesanal, centrado en personajes antes que en mitología pesada. Por si eso era poco, nos dio al maravilloso baby Yoda. Desde que anunciaron este film no puedo evitar preguntarme ¿Qué va a pasar con Din Djarin después de la película? ¿Este será un cierre, un punto y aparte o apenas una expansión del camino que ya conocemos? 

No sabemos en detalle su trama, y su tráiler no revela mucha información. Lo que nos deja también con la inevitable curiosidad por los cameos y las conexiones con otros personajes del universo. Más allá de eso, lo que realmente espero es que no pierda lo que la hizo especial: ese vínculo entre Din y Grogu, el tono de western espacial y la sensación de estar acompañando a dos personajes que ya sentimos como parte de nuestro clan.

Spiderman brand new day

¿El mundo ha olvidado a Peter Parker? Spider-Man: Brand New Day despierta expectativa, sobre todo, por el punto exacto en el que dejamos al personaje. Lo último que vimos fue Spider-Man: No Way Home, una despedida emocional que redefinió a Peter por completo y lo dejó, literalmente, solo en el mundo. Brand New Day promete partir desde ahí, con un Spider-Man universitario, más anónimo y, en teoría, más cercano a sus orígenes. 

Hay muchas especulaciones alrededor de este estreno, pero lo que sabemos con seguridad es que Tom Holland vuelve al traje y que Zendaya también forma parte del regreso, aunque el vínculo entre sus personajes es ahora una incógnita emocional. A eso se suman nuevos nombres al elenco como Sadie Fink, lo que abre la puerta a caras frescas y posibles villanos todavía no confirmados. Tendremos que esperar hasta Julio para ver qué tipo de héroe puede ser Peter cuando ya no tiene red de contención.

The Drama

The Drama es otro de los estrenos que más espero este año, y en este caso la emoción viene menos del qué y más del quién. Lo último que vimos de Kristoffer Borgli fue Dream Scenario, una película incómoda, extraña y muy entretenida sobre la fama involuntaria y la ansiedad contemporánea de la mano de Nicolas Cage. 

No sabemos demasiado de The Drama, justo lo suficiente para despertar curiosidad: una pareja felizmente comprometida, interpretada por Zendaya y Robert Pattinson, cuya relación entra en crisis durante la semana previa a su casamiento. Por mi parte y con semejante elenco, espero una película tensa, incómoda, muy hablada, donde la tensión se siente en el aire. De esas que se disfrutan más saliendo del cine y discutiendo su significado hasta el cansancio.

Devil wears prada 2

The Devil Wears Prada 2 debe ser uno de los estrenos más esperados y con más peso cultural.  Y es que The Devil Wears Prada no fue solo una comedia exitosa: se volvió referencia, meme antes de los memes, cita obligada y punto de entrada para hablar de trabajo, ambición y jefes insoportables. Miranda Priestly quedó instalada en el imaginario colectivo como un símbolo de poder, mientras Andy representaba ese dilema entre crecer profesionalmente y no perder su norte en el intento. Y, por supuesto, está ese debate colectivo que nunca termina de aclararse: si el verdadero villano de la historia no era, en realidad, el novio de Andy. 

Pensar una secuela tantos años después despierta, como mínimo, curiosidad. ¿Cómo se ve hoy ese mundo atravesado por redes sociales, nuevas jerarquías y otras formas de prestigio? Más que la nostalgia, lo que me interesa es volver a esos personajes desde otro momento vital, con preguntas distintas. El tiempo dirá si esta secuela logra algo similar a su antecesora: seguir dando conversación muchos años después.

Disclosure Day

Disclosure Day me intriga especialmente por un nombre propio que pesa, y mucho: Steven Spielberg. Es imposible no escuchar que sale un nuevo film de Spielberg y no tener ciertas expectativas. Lo último que vimos de él fue una historia más íntima y autobiográfica con The Fabelmans, pero a lo largo de su carrera demostró que nadie como él para convertir una gran revelación en un evento cinematográfico. 

¿De qué va esta película? No sabemos mucho, por suerte su tráiler no revela la trama completa. Pero todo indica que la historia gira en torno a una revelación capaz de alterar la percepción colectiva, algo que conecta con su interés histórico por el asombro, el miedo y la reacción humana frente a lo desconocido. 

Espero que esta sea una de esas películas que se sienten clásicas y actuales al mismo tiempo, y que recuerdan por qué Spielberg sigue siendo una figura central del cine moderno.

The odyssey

The Odyssey es, probablemente, uno de los proyectos más fascinantes de este 2026, empezando por la combinación de figuras inmensas que propone y su alto presupuesto. Lo último que vimos de Christopher Nolan fue Oppenheimer, una película que confirmó su interés por los grandes relatos y las figuras atravesadas por el peso de sus decisiones. Ahora elige volver todavía más atrás y adaptar La Odisea, uno de los relatos fundacionales de la narrativa occidental. 

El elenco ya genera expectativa por sí solo, con nombres como Matt Damon, Tom Holland y Robert Pattinson, lo que anticipa una mezcla interesante entre épica clásica y aventura contemporánea. Me intriga especialmente cómo Nolan va a abordar el viaje, el tiempo y la espera, temas que siempre estuvieron presentes en su cine. 

Todo indica que será una experiencia pensada para la gran pantalla, de esas que buscan recuperar el sentido del mito y del espectáculo cinematográfico en su forma más pura. ¡No veo la hora de sentarme a verla en el cine!

Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday llega a fin del 2026 envuelta en hype, pero no solo por el título o la escala que promete, sino por una noticia puntual (o varias) que volvieron a encender algo que parecía apagado para el MCU: el regreso de figuras clave como Capitán América y Thor, entre otros nombres históricos del equipo. Después de años de inicios frustrados, expansión desordenada y caminos paralelos, la sola idea de volver a ver a estos personajes compartiendo pantalla reactiva la sensación de evento colectivo. 

La gran pregunta es si podrán entregar lo  que prometen. Lo último que realmente unificó al público fue Avengers: Endgame en 2019, y desde entonces Marvel ha estado buscando cómo reconstruir ese impacto emocional. Doomsday parece apuntar a eso: a recuperar la épica de superhéroes, el cruce de historias y esa adrenalina compartida que solo los Avengers supieron generar en su mejor momento. 

Aunque los remakes no suelen estar a la altura del original, hay excepciones que confirman la regla. A veces, una nueva visión, un punto de vista diferente, consiguen hacer que descubramos algo que no esperamos en una historia que ya conocíamos. Y Hollywood ha tomado nota de ello porque los remakes están a la orden del día. Así, en un momento donde la nostalgia se ha adueñado de nuestras pantallas, es hora de adentrarse en nuestra guía de los 10 remakes que superaron a la versión original. 

Infiltrados (2006)

Infiltrados (2006), dirigida por Martin Scorsese, es un remake de la cinta hongkonesa Juego sucio (Infernal Affairs) (2002). Aunque la original es muy buena, lo que más me gusta de esta versión es que siempre hay alguien mintiendo, alguien escondiendo algo, y tú estás constantemente dudando de todos. Y DiCaprio hace uno de sus mejores papeles en esta porque consigue que conectes con él incluso cuando toma decisiones cuestionables. Matt Damon juega a lo contrario, y por eso funciona tan bien el choque entre ambos. En esta película no hay un héroe claro, ya que juega con los grises, como hace Suspiria (2018). Si te atrapó, te encantará  Zodiac (2007).

La Sirenita (2023)

Aunque la versión animada de La Sirenita (1989) es un clásico de Disney, el live-action de 2023 me ganó sobre todo por Ariel. Halle Bailey consigue que el personaje se sienta más curioso, más inquieto, más vivo, y eso es justo lo que necesitaba esta historia. Me gusta que en La Sirenita (2023) Ariel ya no sea solo alguien que reacciona a lo que pasa, sino que toma decisiones, se equivoca y aprende. Eric, además, por fin tiene algo que decir, y eso hace que su relación funcione mejor que en la animada. En ese sentido, conecta bastante con lo que hace Blancanieves (2025), dando más espacio a sus protagonistas femeninas. Si te gusta esto, creo que Encantada: la historia de Giselle (2007) también te gustará. 

La mosca (1986)

El clásico de 1958 fue innovador en su momento, pero La mosca (1986) es de esas películas que te dejan mal cuerpo, pero en el mejor sentido. Lo que más me impacta es ver cómo Seth va perdiéndose a sí mismo poco a poco, y cómo eso afecta a la gente que le quiere. Jeff Goldblum está tan metido en el personaje que duele verlo, y Geena Davis aporta ese punto que hace que todo sea más difícil de ver y te deja con un nudo en la garganta. Comparte eso con Desafío Total (2012), aunque desde una perspectiva distinta. Si te marcó, te recomiendo Cisne negro (2010), que también juegan con la pérdida de identidad.

Ocean’s Eleven. Hagan Juego (2001)

Ocean’s Eleven. Hagan Juego (2001) toma la base de la película homónima de 1960 y la eleva. Esta película es pura diversión. Lo que más me gusta es cómo cada personaje tiene su momento y su personalidad sin que nada se sienta forzado. Clooney y Pitt parecen estar pasándoselo genial y eso se nota en cada escena. Todo fluye, es ligero  y cada escena está coreografiada como una pieza de relojería, parecido a lo que sucede con Cobra Kai (2018-2025). ¿Y la química de los actores? BRUTAL. Si te quedas con ganas de más, La suerte de los Logan (2017) son opciones perfectas para ti.

Blancanieves (2025)

Lo que me gusta de esta nueva versión de Blancanieves (2025) es que la protagonista deja de ser un símbolo de perfección y pasa a ser una persona. Rachel Zegler consigue que se sienta cercana, con dudas, con carácter, con ganas de hacer algo más que esperar a que la rescaten. Me encanta que la historia le dé espacio para equivocarse y crecer, porque eso la hace mucho más interesante que la versión de 1937. En ese sentido, va muy de la mano con La Sirenita (2023), ya que ambas buscan redefinir a sus protagonistas sin romper del todo con el pasado. Si conectas con esto, Cenicienta (2015) te va a gustar muchísimo.

Desafío Total (2012)

Siempre me ha gustado más la versión moderna de Desafío Total (2012), ya que la original es demasiado exagerada y absurda a momentos. Así que la nueva versión me convence porque se toma en serio al protagonista y no intenta distraerte constantemente. Colin Farrell no busca imitar a Schwarzenegger, y eso se agradece, porque hace suyo el conflicto de no saber quién es realmente. Eso es lo que más me atrapa, que el enfoque es más adulto, más maduro y más íntimo al mismo tiempo. En ese sentido de obsesionarse con descubrir la identidad se parece bastante a La mosca (1986). Si te van estas historias, Código fuente (2011) te atrapará.

Las Brujas (de Roald Dahl) (2020)

El remake de Las Brujas (de Roald Dahl) (2020) me parece más atrevida y oscura que la versión original de 1990. Y me encanta. Anne Hathaway esta maravillosa, como siempre, y hace que su personaje enganche desde el primer momento. Y me gusta mucho que la película no intente replicar la nostalgia de la versión del 90, sino ir por otro lado, más cercano al espíritu extraño del libro. Es una historia incómoda que también tiene unos tintes sociales que son el beso del chef y eso la conecta de cierta manera con Pinocho de Guillermo del Toro (2022). Si te quedas con ganas de más, Matilda the Musical (2022) te va a encantar.

Suspiria (2018)

El remake de Suspiria (2018) de Luca Guadagnino transforma el clásico de Dario Argento de 1977 en algo mucho más ambicioso. Me gusta cómo los personajes femeninos llevan el peso absoluto de la historia, y cómo todo gira en torno a decisiones, culpa y una herencia difícil de cargar. Dakota Johnson sorprende en un papel totalmente alejado de lo que estamos acostumbrados a ver y Tilda Swinton juega en otra liga. Pero lo mejor es que la película te obliga a estar atento a cada segundo porque aquí el diablo está en los detalles y, si pestañeas, te puedes perder algo vital. Parecido a lo que sucede en Infiltrados (2006). Si esta te gustó, La bruja (2015) es para ti.

Cobra Kai (2018–2025)

Cobra Kai (2018-2025) retoma el universo de Karate Kid desde una nueva perspectiva. Y lo que destaca de este remake es que entiende a sus personajes mejor que nadie. Me encanta cómo te hace cambiar de opinión constantemente sobre quién tiene razón y quién no. Johnny, sobre todo, es el alma de la serie, con todas sus contradicciones, y eso la hace muy fácil de seguir temporada tras temporada. A diferencia de las películas originales, aquí todo es más gris, y por eso engancha tanto. Comparte con Ocean’s Eleven. Hagan Juego (2001) esa sensación de familia encontrada donde cada uno aporta algo distinto y encaja a la perfección con el resto, como las piezas de un puzzle. Si te van estas historias, tienes que ver Ted Lasso (2020-).

Pinocho de Guillermo del Toro (2022)

Esta es, sin duda, mi versión favorita de Pinocho. Aunque el clásico animado de 1940 sigue siendo entrañable, Pinocho de Guillermo del Toro (2022) es mas oscuras, más compleja y más ambiciosa, tanto es así que se llevó a casa el Óscar a Mejor Película de Animación. La película no intenta suavizar nada y, así, la relación entre padre e hijo es complicada, incómoda, tensa y muy arisca en los bordes. Pinocho no busca portarse bien, busca entender el mundo y eso lo hace mucho más interesante. Me encanta cómo Del Toro convierte una historia que todos conocemos en algo completamente suyo, parecido a lo que sucede con Las Brujas (de Roald Dahl) (2020). Si te van estas historias, El laberinto del fauno (2006) te va a encantar.

Se acercan los Óscar y es momento de reflexionar sobre una de las injusticias más llamativas de Hollywood: los maestros del cine que nunca se llevaron la estatuilla dorada a mejor director. Parece que la Academia tuviera memoria selectiva y a veces premia genialidades, otras lo va dejando hasta que es demasiado tarde.

Hay demasiados nombres que deberían estar aquí, pero estos son los más sorprendentes, alternando un poco los olvidos históricos con algún genio en activo. Tenemos visionarios del suspense, revolucionarios narrativos, y hasta maestros imitados por todos los demás: ocho directores cuyas filmografías han redefinido el séptimo arte con sus películas esenciales que merecían el reconocimiento máximo.

8. Quentin Tarantino

Tarantino es un caso excepcional de esta lista. Con dos Óscars al mejor guion original por Pulp Fiction (1994) y Django desencadenado (2012), parecería que la Academia le adora, pero nunca le ha dado el premio gordo. Pulp Fiction fue su oportunidad más clara: revolucionó el cine de los noventa con su antología fragmentada, diálogos punzantes y una banda sonora legendaria. Perdió ante Robert Zemeckis por Forrest Gump (1994), una película que, seamos honestos, se ha convertido en un clásico pese a ser más tradicional.

Tarantino es pura adrenalina verbal frente a la frialdad calculada de su amigo Fincher, pero ha creado un lenguaje cinematográfico único que ha influenciado a unas cuantas generaciones de cineastas que admiran su ballet de la violencia y la lírica de sus diálogos triviales. Un estilo que se han seguido perpetuando en películas como Snatch: Cerdos y diamantes (2000) de Guy Ritchie.

7. David Fincher

Fincher es un caso similar a DiCaprio en el mundo de los actores. Ha sido nominado tres veces—por El curioso caso de Benjamin Button (2008), La red social (2010) y Mank (2020)—sin llevarse ni una estatuilla. Es algo desconcertante verlo con el tiempo, cuando cada vez está más claro que la estética visual del thriller psicológico moderno lleva su nombre. Con Benjamin Button estuvo cerca, pero perdió ante Danny Boyle y su Slumdog Millionaire (2008).

La perfección técnica de Fincher, su obsesión por el detalle y su capacidad para crear atmósferas opresivas quedan patentes en obras como Zodiac (2007) o Perdida (2014). Cine meticuloso, casi quirúrgico, diferente al de Tarantino pero que no le impedirá rodar la secuela de Érase una vez… en Hollywood (2019). Si te gustan sus encuadres perfectos y silencios inquietantes circulando alrededor de asesinos en serie, prueba con Memories of Murder (2003) de Bong Joon-ho.

6. Robert Altman

Un caso clínico de estos desaires es el de Robert Altman, que recibió nada menos que cinco nominaciones a lo largo de su carrera—por MASH (1970), Nashville (1975), El juego de Hollywood (1992), Vidas cruzadas (1993) y Gosford Park (2001)—sin conseguir ninguna. Murió en 2006 sin el reconocimiento que merecía, habiendo estado en lo más alto de las apuestas por Gosford Park, su última nominación. Perdió ante Ron Howard y, ejem, Una mente maravillosa (2001).

Altman es el maestro indiscutible del reparto coral, mucha verborrea brillante frente a la introspección de Bergman, y una cualidad atemporal que hace que películas como Nashville (1975) sigan siendo un retrato devastador de Estados Unidos. Si disfrutaste de Vidas cruzadas (1993), te fascinará Magnolia (1999) de Paul Thomas Anderson.

5. David Lynch

Lynch iguala a FIncher con sus tres nominaciones—por El hombre elefante (1980), Terciopelo azul (1986) y Mulholland Drive (2001)—aunque, paradójicamente, su trabajo más convencional, El hombre elefante, fue su mejor oportunidad. Perdió ante Robert Redford por Gente corriente (1980). Poeta supremo de lo extraño, que convertía pesadillas en arte y encontraba belleza en la decadencia, rompió su marca con Mulholland Drive, un enigma perfecto más de dos décadas después.

El terror suburbano de Terciopelo azul, o la falta de explicación racional de Carretera perdida (1997) nos demuestran que el cine de Lynch no se entiende, se experimenta. Los espectadores dispuestos a abandonar la lógica narrativa tradicional, pueden probar también Under the Skin (2013) de Jonathan Glazer, con una capacidad de hipnotizar heredera del mago del tupé canoso.

4. Ingmar Bergman

Un dato que te va enfadar. Alejandro González Iñárritu tiene dos Óscars y Bergman, ninguno. El sueco nunca ganó como mejor director pese a haber sido nominado tres veces. Vale, recibió tres Óscars a mejor film de habla no inglesa, pero el de mejor dirección se le escapó sistemáticamente. Su momento clave fue con Gritos y susurros (1972), que perdió ante Bob Fosse por Cabaret (1972).

Bergman exploró la condición humana, la fe, la muerte y el silencio de Dios como pocos, a través de una “meditación visual” que se hizo un sello en éxitos como El séptimo sello (1957), con su partida de ajedrez contra la Muerte, o Persona (1966) que sigue desconcertando con una exploración de la identidad de la que Lynch es un gran alumno, aunque quien busque un cine exigente con su mismo sello, pueden buscar El piano (1993) de Jane Campion, que ofrece una intensidad emocional similar.

3. Brian De Palma

Cuesta creerlo, pero un esteta como Brian De Palma nunca ha sido nominado al Óscar como mejor director, con el agravante criminal de su influencia a lo largo de las décadas. Los intocables de Eliot Ness (1987) fue su trabajo más comercial, el más aclamado, pero ni siquiera logró una sola nominación en el año que ganó Bernardo Bertolucci por El último emperador (1987). De Palma es el heredero directo de Hitchcock, y mentor virtual de Tarantino, obsesionado con el voyeurismo, el suspense y las secuencias sin diálogos que se construyen como sinfonías visuales, como la escena de la escalera en Los intocables.

Vestida para matar (1980), El precio del poder (1983), o Atrapado por su pasado (1993) son algunos de sus clásicos, una brizna de su estilo barroco, operístico, y gloriosamente excesivo. Si no lo has probado nunca, y te gusta Uno de los nuestros (1990) de Scorsese, deberías empezar por alguna de esas tres.

2. Alfred Hitchcock

Hitchcock, el maestro del suspense, también tuvo cinco nominaciones—por Rebeca (1940), Náufragos (1944), La sombra de una duda (1943), La ventana indiscreta (1954) y Psicosis (1960)—y ningún premio. El momento clave pudo ser cuando Rebeca ganó mejor película, pero el Óscar a dirección se fue para John Ford por Las uvas de la ira (1940). En general, es quizá la omisión más escandalosa de la historia de los premios, ya que Hitchcock es el sinónimo del lenguaje del thriller cinematográfico moderno.

Probablemente incomparable con el resto de nominados, la lista de sus hitos se nos queda corta.Vértigo (1958) es considerada la mejor película de todos los tiempos por muchos críticos, La ventana indiscreta ha sido repetida e imitada cientos de veces, Psicosis cambió el cine de terror para siempre, sin Con la muerte en los talones (1959) no habría blockbuster moderno, definió los géneros krimi y giallo… se pueden rescatar obras de miles de sus acólitos, aunque La mujer en la ventana (2021) es un gran homenaje a su voyeurismo.

1. Stanley Kubrick

El perfeccionista absoluto. Nominado cuatro veces—por Teléfono rojo, volamos hacia Moscú (1964), 2001: Una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971) y Barry Lyndon (1975)—sin conseguir ningún Óscar como director. Con 2001 estuvo muy cerca, pero perdió ante Carol Reed por Oliver! (1968), lo que explica mucho cómo funciona la Academia, que siempre va a premiar un musical antes que a la película de ciencia ficción más influyente jamás creada.

Ahora llegan las facturas, claro, con herederos de su obsesión como David Fincher o Paul Thomas Anderson, que parte como favorito para la presente edición, ¿Cómo no vas a premiar al tío que hizo Barry Lyndon,  con fotogramas que parecen cuadros del siglo XVIII, o la película de horror más citada como influencia, como El resplandor (1980)? Una muestra de su legado lo tenemos en La llegada (2016) de Denis Villeneuve, en un concepto de ciencia ficción cerebral que hemos asumido sin que tuviera su premio.

Antes de protagonizar una de las películas de terror más esperadas del año junto a Dylan O’Brien, la survival negrísima SEND HELP (Enviad ayuda) (2026), Rachel McAdams se ha labrado una carrera haciendo un poco de todo con muy poca visibilidad a cambio. Hoy venimos a arreglar el desarreglado.

McAdams debutó en Hollywood en 2002 con la comedia ¡Este cuerpo no es el mío! (2002), junto a Rob Schneider, antes de pegar el gran salto en 2004, cuando participó en Chicas malas (2004) y protagonizó El diario de Noa (2004) junto a Ryan Gosling, ambas incontestadas e incontestables.

Pero ni los taquillazos de De boda en boda (2005) o Sherlock Holmes (2009), junto a Robert Downey Jr. y Jude Law, ni las películas académicamente correctas que los seguirían –como la ganadora del Oscar, En primera plana (2015)–, y ni su papel en Doctor Strange. Doctor Extraño (2016) le han ganado la aprobación de la crítica como la Gran Actriz que sí es.

En realidad, Rachel McAdams ocupa un lugar curioso en el cine actual: todo el mundo la reconoce, cae bien a casi cualquiera, y aun así sigue estando infravalorada. Existe la idea de que básicamente está ahí para suspirar por hombres que sí son “interesantes” y “complejos”, borrando por conveniencia el hecho de que lleva años haciendo un trabajo excelente y bastante discreto en comedias, thrillers e incluso en el musical.

En JustWatch reivindicamos su carrera menos conocida con esta selección de títulos que debes ver antes de darla por sentado con SEND HELP (Enviad ayuda).

Noche de juegos (2018)

Noche de juegos (2018) debería haber cerrado para siempre el debate sobre si Rachel McAdams sabe hacer comedia: es OBVIO que sí. He aquí la comedia más física y exigente de su carrera. Sobre el papel, su personaje parece sencillo: forma parte de un matrimonio cuya rutinaria noche de juegos se convierte en una pesadilla criminal. Pero díselo a ella.

Mientras Jason Bateman tiene sólo chistes verbales, a ella le toca ir más lejos: bailar en medio de un secuestro, blandir una pistola que cree falsa con una confianza inquietante, curar una herida grave con tiritas baratas y un optimismo imposible. Todo, emocionalmente creíble. McAdams, sí, es la mejor heredera del slapstick de Kathryn Hepburn en La fiera de mi niña (1938).

Una cuestión de tiempo (2013)

Piensa en una mezcla entre Como Dios (2003) y Atrapado en el tiempo (1993), y lo tienes. Una cuestión de tiempo (2013) es una comedia romántica tan suave y acogedora como ¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret, pero con un giro al género. Tim (Domhnall Gleeson), un chico tan mono como introvertido, que descubre que los hombres de su familia pueden viajar en el tiempo.

Con la ayuda de su padre (un Bill Nighy devastador), Tim usa ese poder para arreglar conversaciones incómodas, forzar finales románticos y borrar arrepentimientos… Hasta que aprende, un poco por las malas, que tocar el pasado tiene sus consecuencias. La Mary de McAdams, pareja del protagonista, vive cada versión de su vida con total sinceridad, sin saber que él está editando la realidad constantemente. Y sí, nos rompe el corazón.

Desobediencia (2018)

Mucho más que una historia de amor prohibido entre dos mujeres judías, Desobediencia (2018) supone un drama asfixiante sobre la fe, la represión y el precio de elegirte a ti misme en un mundo que ya decidió por ti. (Y sí, también tiene un romance lento, intenso, muy digno de Más que rivales, si cambias la pista de hielo por los bancos de rezo).

Epítome del anhelo, el miedo y la vergüenza, sin necesidad de palabras, Esti (McAdams) trata de compaginar su deseo por Ronit (Rachel Weisz) con la vida acomodaticia pero enclaustrante de la fe y la familia tradicional. Uf. Si la ves, te recomiendo continuar con una comedia romántica del estilo de Una cuestión de tiempo, para bajar el amargo.

Tipos con suerte (2008)

Tipos con suerte (2008) es la típica road movie modesta de los 2000: imperfecta, pero reconfortante y bastante divertida, sobre todo gracias a McAdams. Interpreta a Colee Dunn, una joven soldado que vuelve de Irak y acaba en un viaje por carretera con dos veteranos más. Básicamente, un Green Book (2018) diez años antes de que le entregaran el Oscar.

La recomiendo, en fin, porque aquí McAdams eleva cada escena hasta reconciliarnos con la historia, y con la vida en general. Colee es habladora, entrometida y muy “de pueblo”, pero la tremenda bondad genuina que exuda la hace irresistible. Su química con Michael Peña y Tim Robbins logra que el melodrama resulte creíble y emotivo, algo aún más impresionante teniendo en cuenta lo temprano que apareció en su carrera.

Vuelo nocturno (2005)

Gracias a Cillian Murphy y a sus pómulos de Oscar, Vuelo nocturno (2005) se ha convertido en un clásico de culto para los amantes del suspense directo y sin vergüenzas, sostenido por únicamente dos actores brillantes, enfrentados a nueve mil metros de altura. Viajazo que comienza en un registro a lo La boda de mi mejor amiga (2011), el vuelo en que van montados McAdams y Murphy deviene palestra agudísima y terrorífica. Sólo digo: hay un asesinato con pintalabios y un bolígrafo.

Da qué pensar qué mal hemos tratado a las actrices que, como ella, practican la acción sin prejuicios ni prerrogativas. A Keanu nunca le hemos puesto tantos “peros” por John Wick (Otro día para matar) (2014) como a McAdams por Noche de juegos.

Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga (2020)

Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga (2020) parece, a simple vista, una comedia exagerada y colorida sobre dos islandeses intentando triunfar en Eurovisión, y en cierto sentido lo es. Pero lo será tanto como Zoolander (Un descerebrado de moda) (2001) es sólo una comedia sobre la moda, ¿me explico? Will Ferrell es Lars, un soñador ingenuo; McAdams es Sigrit, su compañera y arma secreta.

Ya estamos otra vez, dirás. Pero lo que podría haber sido un personaje de relleno exuda el espíritu de toda la película: el acento, el peinado, la mitología élfica, las vomitonas melódicas cantadas con total seriedad… Eso es compromiso.

¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret (2023)

Una de las perlitas indie estadounidenses con más corazón, ¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret (2023) adapta el famoso libro de Judy Blume con tanta luz y honestidad como la crónica en primera persona de Matilda (1996), eso sí, sin dejarse un solo punto sobre las íes. McAdams interpreta a Barbara Simon, la madre comprensiva de Margaret, una niña de 11 años que se muda de Nueva York a Nueva Jersey y empieza a hablar con Dios sobre sus miedos y sus dudas. Cute.

En una vibra similar a Un despertar glorioso, pero mucho más amable si cabe, la historia de Margaret es tan tradicional que resulta fresca a la vez. Fue un injusto fracaso en taquilla, pero un éxito enorme de crítica… Pero al tratarse de una comedia, McAdams ni aspiró a tocar un premio por ella.

Un despertar glorioso (2010)

Con perdón a Diane Keaton y al gruñón Harrison Ford, pero esta comedia romántica sería bastante olvidable sin Rachel McAdams. En Un despertar glorioso (2010), McAdams hace las de una productora de televisión decidida a salvar un programa matinal en decadencia con la ayuda de un famoso periodista caído en el olvido y adicto al alcohol.

Olvídate del descreimiento muy supuestamente adulto y masculino de The Newsroom (2012), esto es pura comedia –eso sí– con el ritmo que asegura una producción de marca J.J. Abrams. Y claro, McAdams destaca como protagonista absoluta. Está llena de energía, se entrega al humor físico y transmite una positividad casi indestructible. Decía, sin ella, Un despertar glorioso sería otro del montón.

Con tanto contenido estrenándose sin pausa, la idea de una serie que marque de verdad la infancia resulta cada vez más rara. Pero hubo un tiempo en que cada episodio se vivía casi como un pequeño acontecimiento cultural, compartido en el patio del colegio o delante del televisor en familia. 

Si miramos atrás, pocas series nos han dejado tantos recuerdos cálidos como Los Rugrats. Su impacto fue tan profundo que, hoy, para muchos adultos, sigue siendo un refugio emocional al que volver cuando necesitamos la sencillez y la calidez de una etapa en la que la mayor preocupación era terminar los deberes.

¿Por qué funcionó tan bien? Para muchos niños de los noventa, fue la primera serie que entendió de verdad cómo se sentía ser pequeño: el miedo exagerado, la imaginación sin fronteras y la sensación constante de que los adultos hablaban un idioma incomprensible. Con el tiempo, la franquicia creció en películas, spin-offs y hasta un reinicio moderno en 3D. Esta es una guía para volver a ese universo (o descubrirlo por primera vez) en orden, con todo lo que eso implica emocionalmente.

Rugrats: Aventuras en pañales (1991)

Allá por 1991 llegó al cable una serie animada que convertía los malentendidos más cotidianos en aventuras épicas: ir al médico, bajar unas escaleras o quedarse solos cinco minutos podían ser auténticas odiseas. Rugrats: Aventuras en pañales nos acompañó durante diez temporadas y, en España, muchos la descubrimos gracias a Nickelodeon y a sus incontables repeticiones, que terminaron formando parte de la rutina diaria de toda una generación. 

Durante años fuimos parte del grupo de Tommy, Chuckie, Phil y Lil, explorando el mundo desde una lógica puramente infantil, mientras Angelica se convertía en la primera gran villana que muchos vimos en televisión. Volver a ver la serie hoy es darme cuenta de algo bonito: sigue siendo una de las mejores aproximaciones animadas a lo que se siente al ser pequeño en un mundo diseñado por adultos.

Rugrats: La película (1998)

Cuando Rugrats dio el salto al cine, para quienes ya seguíamos la serie fue un auténtico acontecimiento generacional. Algo parecido a lo que, años después, se sentiría con la llegada de Power Rangers a la gran pantalla: no era solo una película, era ver algo muy nuestro crecer. 

Rugrats: La película volvió a hacer lo que la serie dominaba tan bien: tomar un tema universal, en este caso, los celos entre hermanos, y convertirlo en una aventura tan divertida como emocionalmente reconocible. 

La introducción de Dill Pickles cambió para siempre la dinámica del grupo y marcó un antes y un después en la franquicia. Además, fue la confirmación definitiva de que Rugrats podía existir más allá de Nickelodeon y funcionar igual de bien, abriendo el camino a otras adaptaciones cinematográficas del canal como Bob Esponja: la película.

Rugrats en París: La película (2000)

Si piensas ver Rugrats en París: La película por primera vez, te aviso desde ya que prepares los pañuelos. Porque a diferencia de la película que hablaba de crecer, esta se atreve a ir un paso más allá y hablar directamente de la pérdida y de lo que significa volver a empezar.

Esta es una historia sobre el duelo y la construcción de nuevas familias que pocas películas infantiles se atrevieron a abordar con tanta honestidad en su momento, especialmente para Nickelodeon. El resultado fue una línea más cercana a títulos como Bambi o El rey león, siendo también el punto emocional más alto de toda la franquicia. 

Además el film suma nuevos personajes de una manera orgánica, donde por ejemplo la introducción de Kimi se siente completamente natural. ¿Y ya mencioné que transcurre en París? Sin exagerar, es una de las películas infantiles más tiernas y tristes de su época.

Los Rugrats: Vacaciones salvajes (2003)

¿Cómo olvidar aquella obsesión de los años 2000 por cruzar universos y audiencias? 

Los Rugrats: Vacaciones salvajes es uno de esos experimentos que, visto hoy, resulta inentendible. La película une el universo de Rugrats con el de The Wild Thornberrys, llevando a los bebés a una selva llena de animales, situaciones de riesgo y malentendidos divertidos. No tiene nada que ver con la carga emocional de Rugrats en París y conviene llegar a ella sin esas expectativas. 

Si te quedaban dudas, aquí el objetivo es claro: aventura y descontrol en un entorno completamente nuevo. Es una película pensada para quienes crecieron con la serie original y disfrutan de los crossovers sin complejos ni demasiadas preguntas.

¡Más grandes y traviesos! (2003)

Quizá el mayor desacierto de ¡Más grandes y traviesos! fue el momento en que llegó. Para cuando se estrenó, muchos de los que habíamos crecido con Los Rugrats ya habíamos pasado página, y la serie se encontró con una audiencia que no estaba del todo ahí. Aun así, el salto temporal tenía todo el sentido del mundo. 

Esta serie spin-off abandona parte de la magia ingenua del original para explorar conflictos más propios de la edad, como la amistad, la inseguridad o la búsqueda de identidad. Si bien no tiene la misma naturalidad que la entrega original, la intención es clara: la audiencia había crecido y la serie decidió crecer con ella. Su estilo me recuerda a La banda del patio o ¡Oye, Arnold!, y aunque no tuvo tanto éxito merece la pena ya que permite ver brillar, ahora en cuerpos adolescentes, a las mismas personalidades que conocimos de bebés.

Los Rugrats (2021)

Con la intención de sumar nuevas generaciones y ofrecer una puerta de entrada a la franquicia desde un lenguaje más moderno, en 2021 llegó el reinicio de Los Rugrats. La apuesta por la animación en 3D dejaba claro que no se trataba de reemplazar a la serie original ni de competir con la nostalgia, algo que, en sí mismo, fue un acierto. 

Creo que se trató de un interesante ejercicio de adaptación: una franquicia profundamente ligada a los años noventa intentando encontrar su lugar en el presente sin perder del todo su identidad. ¿Podía lograrlo con otro estilo de animación? Durante un tiempo pareció que sí, pero en números no terminó de funcionar y el 28 de marzo de 2024 la serie fue retirada de Paramount. Dos temporadas que aportaron algo fresco y distinto al universo Rugrats y que, con algo de suerte, quizá algún día encuentren continuidad.

Se acerca el 14 de febrero y las parejas ya planean sus veladas románticas, el Corte Inglés tiene listas sus ofertas y las floristerías cargan sus almacenes, pero hay quienes preferirían saltarse el día. Si San Valentín te provoca más náuseas que emoción, ven con nosotros, aquí no habrá final feliz envuelto en papel celofán rosa. 

Hemos reunido ocho películas que celebran el lado oscuro, tóxico o devastador del amor, desde rupturas brutales hasta relaciones que deberían haberse terminado antes de empezar. Un puñado de joyas anti-románticas para reafirmarte en que estar solo no es tan malo después de todo.

8. (500) días juntos (2009)

(500) Días juntos es la peli perfecta para recordar que no todas las historias de amor tienen que acabar bien. Tom se enamora perdidamente de Summer, pese a que ella le deja claro desde el principio que no cree en el amor verdadero. Marc Webb deconstruye la comedia romántica típica mostrando cómo la obsesión puede disfrazarse de amor, y cómo esta proyecta nuestras fantasías sobre personas que no nacieron para ser nuestro "destino".

Cualquiera que haya idealizado a alguien hasta el punto de perder el contacto con la realidad puede verse reflejado, pero también quien haya “sufrido” a romeos insistentes. No es tan fuerte como Los que conectan con ¡Olvidate de mí! (2024) o La La Land (2016) también experimentarán esa sensación agridulce de relaciones sin solución, aunque con menos ciencia ficción o números musicales y más hipsters en Los Ángeles. Sin ser tan devastadora como Kramer contra Kramer (1979), es igualmente efectiva para destruir ilusiones románticas.

7. Midsommar (2019)

Midsommar convierte una ruptura de pareja en una pesadilla folk horror bañada en luz solar. Y es que los rituales paganos no ayudan precisamente a arreglar los problemas de comunicación de una relación que ya estaba muerta antes de tratar de salvarla viajando a un festival de verano sueco que resulta ser más ancestral de la cuenta. El genio de Ari Aster crea una experiencia visual donde el horror se debate entre los sacrificios humanos, o ver cómo dos personas son incapaces de dejarse ir.

Terror psicológico comulgando con el drama, muy distinto al del slasher gore de San Valentín sangriento (1981), que disfruta haciendo sufrir lentamente, como una mala relación. En realidad es casi una versión poco disimulada de la toxicidad en pareja con cultos asesinos de la española The Birthday (2005), pero cambia la mitología lovecraftiana por la tradición “real” de las praderas escandinavas.

6. San Valentín sangriento (1981)

San Valentín sangriento es exactamente lo que promete su título: convertir la festividad más cursi del año en un baño de sangre. Un minero psicópata asesina a jóvenes parejas en un pueblo que cometió el error de celebrar San Valentín después de que él lo prohibiera. Nada mejor que un slasher de los 80—ojo, el favorito de Tarantino—para pasar sinsabores del corazón.

No esperes la complejidad de Midsommar, porque tampoco intenta tenerla, esto es puro entretenimiento sangriento para arruinar cualquier 14 de febrero, una forma literal de "matar" lo sentimentaloide, perfecta para una maratón con Un San Valentín de muerte (2001) y El asesino con ojos de corazón (2025).

5. Sid y Nancy (1986)

Sid and Nancy retrata la autodestructiva historia de amor entre Sid Vicious (bajista de Sex Pistols) y Nancy Spungen con la mirada única del cineasta punk, Alex Cox. La crónica brutal de una relación alimentada por heroína, caos y codependencia tóxica que termina exactamente como esperarías: fatal. Gary Oldman hace suyo a Sid, con toda la vulnerabilidad y nihilismo que definió su idilio condenado.

Es el recordatorio perfecto de por qué no deberíamos romantizar la autodestrucción, como (500) días juntos avisa de la trampa del amor unilateral, aunque aquí ambos están igual de perdidos, entre drogas duras y música legendaria. Es un pequeño precedente de lo que Trainspotting (1996) lograba como la cara b de la soflama generacional, escondiendo un crudo diario de la adicción, la miseria suburbana, y el underground punk de Nueva York.

4. Kramer contra Kramer (1979)

Kramer vs. Kramer es probablemente la película sobre un divorcio más desgarradora jamás filmada. Dustin Hoffman y Meryl Streep interpretan a una pareja que se separa, dejando a su hijo en medio del campo de batalla legal. La dirección de Robert Benton va dejando pequeños bocetos de cómo el amor puede transformarse en resentimiento y cómo las buenas intenciones se evaporan cuando los abogados entran en juego.

No le hace falta la guerra verbal tóxica de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), pero su realismo ordinario la hace igualmente devastadora, pero además con custodia infantil de por medio. Delinea lo que luego desarrolló Historia de un matrimonio (2019) de Noah Baumbach, básicamente una versión moderna y más masoquista de esta premisa.

3. ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)

¿Quién teme a Virginia Woolf? Son dos horas con Elizabeth Taylor y Richard Burton destrozándose verbalmente entre ellos, mientras una pareja más joven observa con horror ¿su futuro? Mike Nichols adaptó la obra de Edward Albee creando un retrato claustrofóbico de un matrimonio donde el amor, el odio y el alcohol ya son indistinguibles, y donde los juegos psicológicos crueles son el único entretenimiento que les queda.

Saca lo mejor del teatro filmado con diálogos afilados como cuchillos que hacen que las relaciones de Happiness parezcan saludables. Tiene ecos de Un dios salvaje de Polanski en su uso del espacio cerrado y tensión verbal creciente mientras explora la disfunción desde múltiples ángulos, pero parece más indicada a quitar la ingenuidad de los primeros días de noviazgo de un plumazo.

2. Happiness (1998)

Happiness de Todd Solondz es una de las películas más incómodas sobre las relaciones humanas, con varias personas miserables en Nueva Jersey buscando—y fracasando en encontrar— la felicidad. Entre sus múltiples tramas chungas—incluyendo una que sigue siendo controvertida décadas después—tenemos matrimonios más muertos que vivos, obsesiones patéticas y soledad urbana en su forma más deprimente.

No para todos los públicos, quizá si buscas un cine provocador, con el que puedes reírte aun sintiéndote mal, quizá no se separa tanto de las películas de Ari Aster, aunque se parece al fresco humano de En la habitación (2001), es mucho más cáustica, nada de romantizar la melancolía con banda sonora indie como (500) días juntos, Solondz no deja títere con cabeza, impensable en la era de la dramedia indie de Sundance actual.

1. Kill Bill Vol. 1 y Vol. 2 (2003-2004)

Kill Bill: Volumen 1 y Kill Bill: Volumen 2 es una obra épica sobre el despecho, donde llama la atención la venganza sangrienta, pero en esencia es una representación operística de una post-ruptura. Uma Thurman interpreta a La Novia, quien despierta de un coma de cuatro años causado por su ex el día de su boda. Un recordatorio de que no hay que fiarse de nadie por mucha intimidad compartida, como el que la reciente Keeper nos ha enseñado con sustos.

Tarantino mezcla artes marciales, spaghetti western, chambara japonés y melodrama para crear la fantasía definitiva sobre la catarsis del desengaño. A diferencia del realismo devastador de Kramer contra Kramer, esta es pura acción estilizada, violenta, y excesiva. Terapia con sangre para agnósticos de los flechazos que nos atan para siempre a quienes quizá no lo merezcan.

La química romántica es el corazón palpitante de Los Bridgerton. Desde su estreno en Netflix, la serie de Shonda Rhimes ha convertido el drama de época en un fenómeno global gracias a su capacidad para construir relaciones que oscilan entre la tensión sexual contenida y el melodrama desbordado. 

Pero no todas las parejas funcionan igual: algunas encienden la pantalla con miradas cargadas de deseo, mientras otras se sienten tibias o funcionales dentro del engranaje narrativo. En esta guía evaluamos las seis parejas centrales de la serie, ordenándolas de peor a mejor según la intensidad de su química en pantalla, la complejidad de sus dinámicas y su capacidad para trascender los arquetipos del romance de época. 

6. Francesca Bridgerton y John Stirling

Una de las parejas más recientes de Los Bridgerton es también la más difícil de evaluar, precisamente porque apenas ha tenido tiempo de desarrollarse en pantalla. Francesca y John aparecen en la tercera temporada como una historia paralela que funciona más como promesa que como realización. 

La química entre ambos existe, pero es tan contenida, tan silenciosa, que resulta casi invisible comparada con el ruido emocional del resto de la serie. Hannah Dodd interpreta a Francesca con una reserva que contrasta de manera radical con la extroversión de sus hermanos, mientras que Victor Alli construye a John como un hombre muy introvertido que encuentra en el silencio compartido una forma de conexión.

El problema no es que la relación sea mala, sino que la serie no le dedica suficiente espacio para que funcione. Comparada con la pareja de Orgullo y Prejuicio formada por Jane Bennet y Charles Bingley, que también son discretos y menos dramáticos que los protagonistas, Francesca y John carecen de los momentos pequeños que harían creíble su enamoramiento. 

Frente a Emma de Jane Austen, donde Harriet Smith y Robert Martin construyen una relación periférica pero genuina, esta pareja se siente más como un dispositivo argumental que como una exploración emocional. La serie intenta vender su conexión como algo puro y anticlimático, un amor que no necesita grandes gestos, pero sin el desarrollo necesario, el resultado es una relación que simplemente no genera suficiente interés. 

Quizás en futuras temporadas esta pareja demuestre su potencial, pero por ahora, Francesca y John ocupan el último lugar porque la química, por muy auténtica que sea, necesita tiempo en pantalla para respirar.

5. Benedict Bridgerton y Sophie Baek

Benedict ha sido durante tres temporadas el hermano bohemio, el artista en busca de identidad que coquetea con modelos, viudas y la posibilidad de una vida fuera de las convenciones aristocráticas. La llegada de Sophie Baek en la cuarta temporada promete darle su propia historia romántica, pero por ahora solo podemos juzgar por los indicios narrativos y las dinámicas establecidas. 

Luke Thompson construye a Benedict como un personaje consciente de su privilegio pero incapaz de renunciar de manera completa a él, lo que genera una tensión interesante cuando se enfrenta a Sophie, una mujer de clase trabajadora interpretada por Yerin Ha.

El problema es que esta pareja aún no ha tenido oportunidad de demostrar su química en pantalla de manera completa. Los avances y episodios iniciales sugieren una dinámica tipo Cenicienta, con Benedict obsesionado por una mujer que conoció en un baile de máscaras y que desapareció dejándolo fascinado. 

Comparada con la relación entre Elizabeth Bennet y Darcy en Orgullo y Prejuicio, donde las diferencias de clase generan fricción intelectual constante, Benedict y Sophie parecen apostar más por el romance idealizado que por el conflicto genuino. Frente a Jane Eyre, donde Rochester y Jane negocian constantemente su desigualdad social, esta pareja se siente más segura y menos dispuesta a incomodar al espectador.

Lo que salva a Benedict y Sophie del último lugar es el potencial: Thompson tiene carisma de sobra y Yerin Ha aporta una presencia que podría funcionar si el guión les da espacio para desarrollar tensión real. Pero hasta que la química se materialice de forma completa en pantalla, esta pareja ocupa el quinto puesto por ser más una apuesta futura que una realidad presente.

4. Daphne Bridgerton y Simon Basset

La pareja que inició todo el fenómeno Los Bridgerton ocupa el cuarto lugar en este ranking. Daphne y Simon tienen química innegable: Phoebe Dynevor y Regé-Jean Page generan una tensión sexual que justificó el éxito explosivo de la primera temporada. Las escenas entre ambos funcionan porque están construidas sobre una dinámica clara: él es un duque traumatizado que ha jurado no tener hijos, ella es una joven inocente decidida a encontrar el amor. El problema no es la química, sino lo que sucede cuando profundizas en la relación.

La primera temporada vendió el romance entre Daphne y Simon como algo liberador y apasionado, pero una mirada más atenta revela dinámicas problemáticas que la serie nunca aborda de frente. Comparada con Jane Eyre, donde Rochester intenta manipular a Jane y la novela lo señala de forma clara como comportamiento reprochable, Los Bridgerton no tiene el coraje narrativo de nombrar la toxicidad cuando proviene de su heroína.

Frente a la relación entre Marianne y el Coronel Brandon en Sentido y sensibilidad, donde la madurez emocional y el respeto mutuo son la base del romance, Daphne y Simon se sienten como una fantasía adolescente disfrazada de sofisticación adulta. La química es real, Page y Dynevor están extraordinarios vendiendo la atracción, pero la relación colapsa bajo el peso de sus propias contradicciones. 

El resultado es una pareja que funciona en escenas aisladas pero que no resiste el análisis como construcción romántica saludable. Ocupan el cuarto lugar porque la pasión no es suficiente cuando la base moral es tan endeble.

3. Reina Charlotte y Rey George

La miniserie La Reina Carlota convirtió lo que era un subplot ocasional en Los Bridgerton en una de las historias de amor más devastadoras de todo el universo narrativo (aunque su importancia en los libros es mucho menor). 

India Amarteifio y Corey Mylchreest interpretan a las versiones jóvenes de Charlotte y George con una química que combina pasión, ternura y tragedia en proporciones perfectas. La serie funciona porque no romantiza la enfermedad mental de George ni la convierte en obstáculo romántico superficial: el deterioro del rey es tratado con seriedad y compasión, mientras Charlotte debe aprender a amar a un hombre que a veces no puede ni reconocerla.

Lo extraordinario de esta pareja es cómo la serie construye su conexión sobre pequeños gestos de intimidad: George enseñándole a Charlotte sobre astronomía, Charlotte negándose a abandonarlo cuando todos le aconsejan hacerlo, ambos creando un lenguaje privado de miradas y silencios que trasciende las palabras. 

Comparada con la relación entre el rey Jorge III y la reina Charlotte en La locura del rey Jorge, donde el enfoque es político y la enfermedad es espectáculo, La Reina Carlota de Shonda Rhimes elige la empatía sin sacrificar la honestidad. 

Por otro lado, frente a The Crown, donde las relaciones reales son diseccionadas con frialdad casi clínica, esta versión es mucho más interesada en la emoción que en el análisis histórico.

Golda Rosheuvel y James Fleet, que interpretan a las versiones mayores de Charlotte y George, aportan una dimensión adicional de melancolía: su amor ha sobrevivido décadas pero el precio ha sido altísimo. El resultado es una pareja que funciona en múltiples niveles temporales, demostrando que el romance puede ser simultáneamente esperanzador y desgarrador. 

Ocupan el tercer lugar porque, aunque su química es indiscutible, su historia existe fuera de la serie principal, al igual que otras ficciones similares a Los Bridgerton, funcionando como satélite emocional más que como núcleo narrativo.

2. Colin Bridgerton y Penelope Featherington

La tercera temporada de Los Bridgerton al final entregó la historia que muchos lectores de los libros originales esperaban: el romance entre el Bridgerton más encantador y su mejor amiga. Luke Newton y Nicola Coughlan tienen una química que funciona porque no es obvia desde el principio. La serie dedica temporadas enteras a construir su amistad, permitiendo que la tensión sexual se desarrolle de manera orgánica hasta explotar en la tercera temporada con una intensidad que se siente real, no impuesta.

Lo más interesante de Colin y Penélope es cómo la serie invierte las dinámicas tradicionales del romance de época. Penélope no es la heroína pasiva esperando ser rescatada: es Lady Whistledown, la columnista anónima que controla la narrativa social de todo Londres. 

Colin no es el seductor experimentado: es un hombre que está descubriendo qué quiere realmente de la vida y que encuentra en Penélope no solo amor romántico sino también propósito. La revelación de la identidad secreta de Penélope genera el tipo de conflicto dramático que otras parejas de la serie nunca alcanzan, porque las apuestas son genuinas y las consecuencias, reales.

En comparación con Anne Elliot y el Capitán Wentworth en Persuasión, otra pareja de amigos que se reencuentran años después, Colin y Penélope tienen más humor y menos melancolía, pero comparten esa sensación de segunda oportunidad que hace que el romance sea más satisfactorio. 

Frente a Emma Woodhouse y el señor Knightley en Emma, donde la amistad también evoluciona hacia el amor, Colin y Penélope son más jóvenes y menos seguros de sí mismos, lo que los hace más imperfectos pero también más interesantes. Newton y Coughlan construyen personajes que se sienten como personas reales atrapadas en las convenciones del drama de época, y esa autenticidad es lo que los coloca en el segundo lugar. Su química no es la más explosiva de la serie, pero es la más compleja y la más honesta a nivel emocional.

1. Anthony Bridgerton y Kate Sharma

La segunda temporada de Los Bridgerton entregó lo que la primera prometió pero no cumplió del todo: una pareja cuya química es tan intensa que resulta casi violenta en su contención. Jonathan Bailey y Simone Ashley construyen a Anthony y Kate como adversarios que se desean desde el primer momento pero que están atrapados por el deber, el orgullo y las expectativas familiares. La tensión entre ambos no es sutil: es una guerra declarada donde cada mirada, cada roce accidental, cada palabra funciona como preludio de algo que la etiqueta de la época les prohíbe consumar.

Lo extraordinario de esta pareja es cómo la serie utiliza la negación del deseo como motor narrativo. Anthony está comprometido con Edwina, la hermana menor de Kate, pero es incapaz de apartar los ojos de Kate. Ella sabe que enamorarse de él sería traicionar a su hermana, pero tampoco puede evitar la atracción. La serie estira esta tensión durante episodios enteros, construyendo escenas que funcionan como puro erotismo contenido: el momento donde Anthony retira un insecto del pecho de Kate y ambos casi colapsan por el contacto físico mínimo, la escena de la tormenta donde se refugian juntos empapados y temblorosos, el baile donde sus manos se encuentran y el mundo desaparece.

Bailey y Ashley tienen una química tan palpable que trasciende el guión. Comparada con Elizabeth Bennet y el señor Darcy en cualquier adaptación de Orgullo y Prejuicio, la relación más icónica del romance de época, Anthony y Kate son más sexuales y menos cerebrales, pero igual de efectivos en demostrar que el amor verdadero requiere que ambas partes abandonen el orgullo. Frente a Cathy y Heathcliff en Cumbres Borrascosas, otra pareja destruida por el orgullo y la clase social, Anthony y Kate son mucho menos autodestructivos pero igual de intensos en su pasión.

La segunda temporada entiende algo fundamental que otras temporadas olvidan: el romance funciona cuando las apuestas son altas y los obstáculos, genuinos. Anthony no es solo un galán: es un hombre traumatizado por la muerte de su padre que se niega a permitirse amar porque teme la pérdida. Kate no es solo la hermana mayor protectora: es una mujer que ha renunciado a sus propios deseos durante tanto tiempo que ya no sabe cómo articularlos. Cuando al final se permiten estar juntos, el alivio es palpable no solo para ellos sino para el espectador que ha esperado varios episodios para que consumen lo inevitable.

El resultado es la pareja más completa de Los Bridgerton: tienen química explosiva, dinámicas complejas, conflictos genuinos y una resolución que se siente ganada. Ocupan el primer lugar porque demuestran que el romance de época puede ser al mismo tiempo clásico y contemporáneo. Bailey y Ashley no solo crean la mejor pareja de la serie, sino que establecen el estándar contra el cual todas las futuras parejas serán medidas de forma inevitable.

Ganar un Oscar no lo es todo. Sin duda, representa un gran honor, pero no conseguir uno no convierte a un intérprete mediocre en un derroche de talento. De hecho, me atrevo a apostar que algunas estrellas sin Oscar resistirán el paso del tiempo mucho mejor que otras que sí ganaron la estatuilla (y cuyos nombres, por supuesto, quedarán en el anonimato).

Así que hoy hacemos ranking de actrices –los actores vienen en el Top de actores que nunca han ganado un Oscar– que merecerían, de una vez por todas, ser reconocidas con un señor desnudo, dorado y con espada. Las películas que te recomiendo deberían probar, por sí solas, que estas actrices sí merecían algo mejor.

Esta guía se ordena por nivel de incredulidad. Porque, bueno, puedo comprar que la Academia de Hollywood haya pasado por alto el cine arriesgado de Isabelle Huppert, que hasta Elle: abuso y seducción (2016) quedaba un poco lejana de la cartelera comercial. Pero resulta bastante menos comprensible el caso de Glenn Close, que vio cómo su octava nominación se esfumaba a manos de Yuh-jung Youn, la abuelita de Minari. Historia de mi familia (2021).

Isabelle Huppert

A pesar de haber escrito los anales del cine de la mano de directores como Jean-Luc Godard, Maurice Pialat, Michael Haneke, Claire Denis y Hong Sang-soo, y por mucho que su cara sea reconocible a cualquier cinéfilo nacido los últimos cincuenta años, Isabelle Huppert solo ha sido nominada una vez al Oscar, por su papel en el thriller erótico Elle: abuso y seducción (2016), de Paul Verhoeven.

Pero cualquiera de las secuencias de La pianista (2001), desde la normalidad más absoluta hasta la tortura masoquista por vidrio roto, es carne de cañón para el premio… Más allá de representar un peliculón de los que te mantienen al borde de la butaca casi tan erguido como con la acción mutante de Aliens. ¿Quién dijo que el cine europeo es aburrido?

Isabella Rossellini

En la parte cinéfila de la familia, no estamos contentos con lo ignorada que se tiene a la gran dama Isabella Rossellini. Su madre, la gran estrella del cine clásico Ingrid Bergman, ganó tres premios Oscar –por la correcta Luz que agoniza (1944), por el hito de las tacitas Anastasia (1956) y por sentar las bases del whodunit con Asesinato en el Orient Express (1974), al nivel de la Bacall–. Incluso su padre, el legendario pero nada complaciente Roberto Rossellini, fue nominado por coescribir Paisà (Camarada) (1946).

Aun así, la estrella de Terciopelo azul (1986) Isabella Rossellini nunca había sido reconocida por la Academia… Hasta este año, cuando consiguió su primera nominación por su papel secundario en Cónclave (2024). Ya ves. Toda una carrera nominada por siete minutos exactos de pantalla.

Angela Bassett

Angela Bassett acabó recibiendo un Oscar honorífico en 2023 por toda su trayectoria, algo que muchos ven como una forma de reconocer que la Academia la había ignorado demasiadas veces antes. Además de ese premio honorífico, solo tiene dos nominaciones “estándares”: como Mejor Actriz por interpretar a Tina Turner en Tina (1993) y como Mejor Actriz de Reparto por la reina de Wakanda en Pantera Negra: Wakanda por siempre (2022). Que vale, no era un papel de gran calado emocional, pero tampoco lo era el de Jamie Lee Curtis, contra quien perdió la última vez.

Ahora queda por ver si consigue lo mismo que otros artistas como Spike Lee, Paul Newman o Henry Fonda: ganar primero un Oscar honorífico y luego uno competitivo poco después.  Seguramente, es lo que sucederá con Glenn Close en unos años.

Laura Linney

Vamos sumando. Laura Linney tiene tres nominaciones al Oscar, pero todavía no ha subido ninguna vez a recoger el caballero dorado. Que sus simpatiquísimos hoyuelos sonrieron (y mucho) cuando la nominaron Mejor Actriz por Puedes contar conmigo (2000) y La familia Savages (2007), y como Mejor Actriz de Reparto por Kinsey: El científico del sexo (2004), pero perdió contra Julia Roberts, Marion Cotillard y Cate Blanchett, respectivamente… Pero este vacío empieza a doler.

Por suerte, no le faltan premios en general. Cara indispensable de la historia de la televisión gracias a series como Ozark (2017), ha ganado cuatro Emmy, entre los que se cuentan sus papeles en Frasier (1993), en John Adams (2008) –¡a reivindicar!– y Con C mayúscula (2010).

Saoirse Ronan

Quizás no te creas la cadena de decepciones de Saoirse Ronan porque hace muchísimo que la tenemos localizada. De hecho, consiguió su primera nominación con solo 13 años por Expiación, más allá de la pasión (2007), que perdió contra Tilda Swinton. Quién iba a decir que antes de cumplir 25 ya tendría tres nominaciones más, todas como actriz principal. Hacemos lista: fue nominada como Mejor Actriz por Brooklyn (2015), por Lady Bird: Vuela a casa (2017) y por Mujercitas (2019), pero volvió a perder frente a Brie Larson, Frances McDormand y Renée Zellweger, respectivamente.

Eso sí, un dato curioso es que todas las películas por las que fue nominada también estuvieron nominadas a Mejor Película, algo bastante excepcional y que demuestra que, como Michelle Williams, tiene buen gusto.

Sigourney Weaver

Sigourney Weaver ha sido nominada tres veces, dos de ellas en el mismo año. Y no, la rompecorazones de la comunidad bisexual y lesbiana, con permiso de mi querida Susan Sarandon, no ha materializado ninguna. En 1988 estuvo nominada como Mejor Actriz por Gorilas en la niebla y como Mejor Actriz de Reparto por Armas de mujer, pero perdió contra Jodie Foster y Geena Davis.

Eso pasó solo dos años después de su primera nominación por Aliens: El regreso (1986), cuando perdió frente a Marlee Matlin. Que yo entiendo la falta de premio por una película de ciencia ficción, pero no la culparía si soltara algo de la rabia que aprendió en aquella contra estos olvidos repetidos.

Michelle Williams

A pesar de tener cinco nominaciones, Michelle Williams nunca ha ganado un Oscar. Aquí yo me pregunto: ¿de verdad? ¿En serio no ha tenido ni un papel lo suficientemente dramático, de aquellos jugososos, que destacara ante la Academia? Porque las dos últimas nominaciones son de libro (de premios): como Actriz de Reparto con Manchester frente al mar (2016), que ganó Viola Davis, y como protagonista por Los Fabelman (2022), aunque perdió contra Michelle Yeoh.

Aunque antes fue nominada como Actriz de Reparto por Brokeback Mountain: En terreno vedado (2005), aplastada por una Rachel Weisz con bastante más solera, luego como Mejor Actriz por Corazones rotos (2010) –¡dramón muy premiable!– y por Mi semana con Marilyn (2011). Hay misterios que no logro comprender.

Annette Bening

Annette Bening ha tenido cinco nominaciones al Oscar y tampoco ha ganado nunca. La primera derrota fue frente a Whoopi Goldberg como Actriz de Reparto por Los timadores (1990). Las otras cuatro fueron como protagonista, lo cual en cierta forma añade peso a la injuria…

Especialmente, porque ninguna de las cuatro películas que le valieron la nominación sería na-da sin ella. Haced memoria: American Beauty (1999), Conociendo a Julia (2004), Los chicos están bien (2010) y Nyad (2023), que es especialmente mediocre sin sus brazos de nadadora compulsiva. Y lo peor es que ha perdido contra Hilary Swank hasta en dos ocasiones. Que a la tercera dé la vencida.

Amy Adams

El día en que Amy Adams entre en contacto con un Oscar, parecerá la escena de la primera comunicación alienígena de La llegada (2016). Por suerte, Kornél Mundruczó la ha fichado para una película que promete ser la nueva Si pudiera, te patearía (2025), que huele muchísimo a Oscar.

En fin, con seis nominaciones y ninguna victoria, Amy Adams se ha convertido casi en la representante de pleno derecho de este grupo. Cinco de sus nominaciones fueron como Actriz de Reparto; entre ellas, yo destaco la primera, Junebug (2005) y la última, El vicio del poder (2018). Su única nominación como protagonista fue por La gran estafa americana (2013), con la que se hizo Cate Blanchett.

Glenn Close

Glenn Close tiene el récord de más nominaciones sin haber ganado nunca: ocho en total. La derrota más sonada fue como Actriz de Reparto por Hillbilly, una elegía rural (2020), que estaba hecha para que ganara el Oscar a pesar de las malas críticas que recabó la película. Pero perdió contra Yuh-Jung Youn, sí, la abuelita de Minari. Historia de mi familia.

Antes de eso, sus tres primeras nominaciones seguidas fueron como Actriz de Reparto por El mundo según Garp (1982), Reencuentro (1983) y El mejor (1984). No has leído mal, eso son más de cuarenta años perdiendo. Las otras cuatro fueron como protagonista, por Atracción fatal (1987), que marcó una época, por Las amistades peligrosas (1988), por la perla de época Albert Nobbs (2011) –recogiendo la torcha de la madre de Isabella Rossellini, si me apuras– y por La buena esposa (2018). En todas perdió. ¡Amigaaa!

San Valentín es la excusa perfecta para volver a ver los grandes clásicos del romance cinematográfico, esos títulos que funcionan tanto para una primera cita como para una noche de nostalgia en pareja. Pero no todas las películas románticas envejecen igual: algunas se vuelven más profundas con el tiempo, otras revelan sus costuras y unas pocas siguen siendo tan efectivas como el día de su estreno.

En esta guía reunimos diez títulos imprescindibles que definen distintas formas de entender el amor en el cine, desde la comedia romántica clásica hasta el drama desgarrador, pasando por adaptaciones literarias y propuestas más contemporáneas. 

Cuando Harry encontró a Sally (1989)

Rob Reiner firma una de las comedias románticas más inteligentes y mencionadas de la historia del cine. La película plantea una pregunta simple: ¿pueden hombres y mujeres ser solo amigos? Y la explora durante más de una década de encuentros, desencuentros y conversaciones brillantemente escritas por Nora Ephron. 

Billy Crystal y Meg Ryan construyen una química tan natural que resulta imposible no creer en su relación, incluso cuando el guión los mantiene separados durante largos tramos.

Lo que distingue a Cuando Harry encontró a Sally de otras rom-coms de su época, como la olvidable Armas de mujer o incluso la más ambiciosa Algo para recordar, es su capacidad para ser cínica y romántica al mismo tiempo. No hay grandes gestos vacíos ni reconciliaciones forzadas: todo fluye de forma orgánica a través del diálogo. La famosa escena del restaurante sigue siendo un ejemplo perfecto de comedia física integrada en una narrativa realista.

Reiner logra algo que pocas comedias románticas consiguen: envejecer bien. Mientras que propuestas más recientes como A dos metros de ti se sienten datadas apenas cinco años después de su estreno, esta película mantiene su frescura gracias a su honestidad emocional y a un guión que respeta la inteligencia del espectador. Es el tipo de película que te hace reír y pensar a partes iguales, algo cada vez más raro en el género.

Romeo + Julieta de William Shakespeare (1996)

Baz Luhrmann toma la obra más famosa de Shakespeare y la traslada a un Miami Beach ficticio lleno de violencia, neón y MTV. El resultado es una de las adaptaciones más audaces y divisivas de la historia del cine. Leonardo DiCaprio y Claire Danes encarnan a los amantes más célebres de la literatura con una intensidad adolescente que funciona precisamente porque Luhrmann no intenta sofisticar su romance, sino presentarlo como lo que es: pasión irracional y arrebatadora.

La película es puro estilo, para bien y para mal. Donde la adaptación de Kenneth Branagh de Hamlet (1996) optaba por el clasicismo, Luhrmann prefiere la saturación visual y el montaje frenético. Algunos planos son de una belleza apabullante —la primera vez que Romeo y Julieta se ven a través del acuario— mientras que otros caen en el exceso gratuito. Lo interesante es que ese maximalismo es coherente con la naturaleza trágica y extrema de la historia original.

Comparada con adaptaciones más recientes como Cyrano de Joe Wright, que intenta modernizar el romance clásico con musicales, Romeo + Julieta sigue siendo mucho más arriesgada y memorable. 

No busca la aprobación fácil del público ni suaviza los bordes afilados de la tragedia. Es una película que entiende que el amor adolescente es tan legítimo como doloroso, y que no necesita condescendencia para funcionar. Luhrmann crea un universo propio donde Shakespeare y el hip-hop conviven sin ironía, y eso sigue siendo impresionante tres décadas después.

Titanic (1997)

James Cameron no necesitaba demostrar nada después de Terminator 2, pero decidió jugársela con una superproducción romántica ambientada en el hundimiento del transatlántico más famoso de la historia. 

El resultado fue un fenómeno cultural que arrasó en taquilla y se llevó once Oscars, incluyendo Mejor Película. Titanic funciona porque Cameron entiende que el espectáculo y la emoción no son incompatibles: la historia de amor entre Jack y Rose tiene el peso dramático suficiente para sostener tres horas de metraje.

Leonardo DiCaprio y Kate Winslet crean una pareja imposible que funciona precisamente por sus diferencias de clase. La película no romantiza la pobreza ni la riqueza, sino que usa el contraste social para explorar la libertad, el deseo y las limitaciones impuestas por la sociedad. La química entre ambos actores es innegable, y Cameron sabe cuándo dejarlos brillar y cuándo recurrir al espectáculo visual para mantener el ritmo.

Comparada con otros desastres románticos como Pearl Harbor de Michael Bay, que convierte la tragedia en un videoclip patriótico, Titanic respeta la magnitud del evento histórico sin perder de vista la historia humana. 

No es tan íntima como La forma del agua de Guillermo del Toro, pero tampoco lo pretende: es cine de gran formato que busca emocionar a través de la escala y la tragedia inevitable. Cameron logra que nos importe el destino de dos personajes ficticios en medio de una catástrofe real, y eso no es poca cosa.

Notting Hill (1999)

Richard Curtis firma el guión de una de las comedias románticas más encantadoras y autoconscientes de los noventa. Hugh Grant interpreta a un librero londinense que se enamora de la actriz más famosa del mundo, interpretada por Julia Roberts con un carisma apabullante. La premisa es puro cuento de hadas moderno, pero Curtis la aterriza con suficiente humor británico y situaciones incómodas como para que funcione sin resultar empalagosa.

Lo mejor de Notting Hill es su capacidad para jugar con las convenciones del género sin destruirlas. Grant es el típico protagonista torpe y adorable, pero el guión le da suficientes capas como para no convertirlo en un arquetipo vacío. 

Roberts, por su parte, aporta vulnerabilidad a un personaje que podría haber sido solo una fantasía masculina. La escena en la que ella le pide que la ame "tal como es" podría haber sonado cursi en otras manos, pero aquí funciona porque Curtis ha construido la relación con paciencia y detalle.

Comparada con Cuatro bodas y un funeral, también escrita por Curtis, Notting Hill es más ligera y menos interesada en explorar las complejidades del compromiso. Frente a propuestas más ácidas como El diario de Bridget Jones, esta película elige el optimismo sin ironía. 

No es tan inteligente como Cuando Harry encontró a Sally ni tan memorable a nivel visual como Amélie, pero tiene un encanto propio que la ha convertido en un clásico del género. Curtis entiende que a veces el cine romántico no necesita reinventar la rueda, solo girarla con gracia.

El otro lado de la cama (2002)

Emilio Martínez-Lázaro entrega una comedia musical española que funciona tanto como farsa romántica como retrato generacional. La película sigue las infidelidades cruzadas de dos parejas de treintañeros madrileños con un tono ligero que nunca cae en el cinismo. Los números musicales están integrados de forma natural en la narrativa, y el reparto —Ernesto Alterio, Paz Vega, Guillermo Toledo y Natalia Verbeke— tiene una química grupal que sostiene incluso las situaciones más absurdas.

Lo interesante de El otro lado de la cama es cómo logra ser una comedia de enredos sin perder de vista las emociones reales de sus personajes. No es tan sofisticada como Los amantes del círculo polar de Julio Medem ni tan gamberra como Airbag, pero encuentra un equilibrio perfecto entre ambos extremos. 

Los números musicales podrían haber resultado forzados, pero Martínez-Lázaro los utiliza como expresión de los pensamientos internos de los personajes, siguiendo la tradición de musicales clásicos como Cantando bajo la lluvia.

Comparada con otras comedias románticas españolas de la época como A mi madre le gustan las mujeres, esta película tiene más energía y mejores canciones. No alcanza la profundidad emocional de Te doy mis ojos, pero tampoco lo pretende: es entretenimiento puro con suficiente corazón como para no resultar vacío. 

Martínez-Lázaro demuestra que el cine español puede hacer comedias románticas con personalidad propia sin copiar fórmulas de Hollywood. La película envejeció mejor que muchas de sus contemporáneas precisamente porque nunca intentó ser más de lo que era.

El diario de Noa (2004)

Nick Cassavetes adapta la novela de Nicholas Sparks con una honestidad emocional que eleva el material por encima de otras adaptaciones del mismo autor. Ryan Gosling y Rachel McAdams interpretan a dos jóvenes de clases sociales opuestas que se enamoran en la Carolina del Norte de los años cuarenta. 

La estructura narrativa, que alterna entre pasado y presente, añade una capa de melancolía que convierte lo que podría haber sido otro romance adolescente en algo más profundo.

La película funciona porque Cassavetes no tiene miedo de la sentimentalidad. Donde otros directores podrían haber optado por la ironía o el distanciamiento, él abraza las emociones sin complejos. 

La química entre Gosling y McAdams es tan palpable que su romance fuera de la pantalla durante el rodaje solo confirmó lo que ya era evidente. La versión actual de los personajes, interpretada por James Garner y Gena Rowlands, aporta peso dramático y convierte la historia en una meditación sobre la memoria y el amor duradero.

Comparada con Un paseo para recordar, otra adaptación de Sparks, El diario de Noa tiene más ambición narrativa y mejor dirección. No alcanza la complejidad de Revolutionary Road, que también explora las tensiones de clase y las expectativas sociales, pero es mucho más accesible y emotiva. 

Frente a propuestas más cínicas como Blue Valentine, que desmonta el romance, esta película elige creer en él sin reservas. Cassavetes logra que una historia previsible resulte genuinamente conmovedora, y eso requiere tanto oficio como convicción.

10 razones para odiarte (1999)

Gil Junger adapta La fierecilla domada de Shakespeare al contexto de un instituto americano de los noventa con resultados sorprendentemente efectivos. Julia Stiles interpreta a Kat Stratford, una feminista antisocial que se convierte en el objetivo romántico de Patrick, interpretado por Heath Ledger en uno de sus papeles más carismáticos. La película funciona porque respeta tanto la fuente original como las convenciones del teen movie sin traicionar ninguna de las dos.

Lo mejor de 10 razones para odiarte es su guión, que está lleno de diálogos afilados y referencias culturales que no se sienten forzadas. Stiles y Ledger tienen una química explosiva que convierte lo que podría haber sido otro romance adolescente genérico en algo memorable. 

La famosa escena musical en las gradas del estadio es uno de esos momentos de cine romántico que funcionan porque son ridículos y sinceros al mismo tiempo.

Comparada con otras teen movies de la época como Crueles intenciones, que optaba por el drama y la manipulación, esta película elige el humor y la ligereza. No tiene la profundidad de Election ni la transgresión de American Pie, pero es mucho más romántica y menos cínica que ambas. 

Frente a adaptaciones shakespearianas más literales como Ella es el chico, 10 razones para odiarte entiende que actualizar un clásico no significa reproducirlo palabra por palabra, sino capturar su espíritu. Junger logra una comedia romántica juvenil que entretiene sin subestimar a su audiencia.

Pretty Woman (1990)

Garry Marshall convierte lo que podría haber sido un drama social sobre prostitución en un cuento de hadas capitalista que funciona gracias al carisma desbordante de Julia Roberts. Richard Gere interpreta al millonario que la contrata por una semana y, como era de esperar, termina enamorándose de ella. La premisa es muy problemática desde cualquier perspectiva feminista, pero la película la ejecuta con tanta convicción que resulta difícil resistirse a su encanto superficial.

Roberts está espectacular, y su química con Gere sostiene incluso las escenas más inverosímiles. El guión, escrito en un primer momento como un drama mucho más oscuro, fue reescrito para convertirse en esta fantasía romántica donde el dinero soluciona todo y las diferencias de clase desaparecen con un cambio de vestuario. La famosa escena de la ópera, donde Vivian llora al ver La Traviata, es un ejemplo perfecto de cómo Marshall manipula las emociones del espectador con efectividad calculada.

Comparada con Armas de mujer, que al menos intentaba decir algo sobre las mujeres en el mundo corporativo, Pretty Woman es puro escapismo sin pretensiones. No tiene la complejidad de Bella de día de Buñuel ni la crudeza de Adiós a Las Vegas, pero tampoco busca eso. 

Frente a comedias románticas más recientes como Crazy Rich Asians, que también celebran la riqueza pero con más diversidad, Pretty Woman se siente problemática. Sin embargo, Roberts logra que Vivian sea algo más que un objeto de rescate, y eso salva a la película de ser descartable.

(500) días juntos (2009)

Marc Webb deconstruye la comedia romántica tradicional con una narrativa fragmentada que salta en el tiempo para mostrar el ascenso y caída de una relación. Joseph Gordon-Levitt interpreta a Tom, un escritor de tarjetas de felicitación que se enamora perdidamente de Summer, interpretada por Zooey Deschanel. La película es honesta sobre las dinámicas de poder, las expectativas irreales y cómo el amor no correspondido puede convertirse en obsesión.

Lo más interesante de (500) días juntos es que no toma partido por ninguno de sus protagonistas. Tom es presentado de manera inicial como el héroe romántico incomprendido, pero a medida que avanza la película queda claro que su visión del romance es tan problemática como la supuesta frialdad de Summer. 

Webb utiliza trucos visuales —la secuencia de expectativa vs. realidad es memorable— para mostrar cómo nuestra percepción del amor está mediada por fantasías culturales imposibles de cumplir.

Comparada con Annie Hall de Woody Allen, que también juega con la narrativa no lineal para explorar una relación fallida, (500) días juntos es menos cínica pero igual de lúcida. No tiene la profundidad de ¡Olvídate de mí!, que usa la ciencia ficción para explorar la memoria romántica, pero es más accesible. Frente a comedias románticas convencionales como Crazy, Stupid, Love, esta película se atreve a cuestionar los principios del género sin abandonarlo completamente. Webb logra algo difícil: hacer una película romántica anti-romántica que sigue siendo muy emotiva.

Antes de ti (2016)

Thea Sharrock adapta la novela de Jojo Moyes con más sensibilidad de la esperada para un material tan manipulador. Emilia Clarke interpreta a Louisa, una joven de pueblo sin grandes aspiraciones que se convierte en cuidadora de Will, un banquero tetrapléjico interpretado por Sam Claflin. La premisa podría haber derivado en puro melodrama lacrimógeno, pero Sharrock encuentra momentos de humor y ternura genuina que elevan el material final.

La película es profundamente problemática en su tratamiento de la discapacidad, presentando el suicidio asistido como la única salida digna para alguien en la condición de Will. Esto la aleja de propuestas más honestas como La teoría del todo, que al menos intenta mostrar la vida con discapacidad sin reducirla a una tragedia romántica. Sin embargo, la química entre Clarke y Claflin es innegable, y algunos momentos —como la escena del concierto— funcionan a pesar de las limitaciones del guión.

Comparada con A todos los chicos de los que me enamoré, otra adaptación contemporánea, Antes de ti tiene más ambición dramática pero menos honestidad emocional. No alcanza la complejidad de Manchester frente al mar, que también trata sobre el duelo y la culpa, pero al menos intenta ser algo más que un romance adolescente genérico. 

Sharrock logra que una historia manipuladora resulte mínimamente creíble gracias a sus protagonistas, aunque no puede ocultar los problemas éticos de su planteamiento central.

Se ha estrenado Wonder Man (2026) en Disney+, la nueva serie de Marvel que coloca a Yahya Abdul-Mateen II en el centro del UCM. El actor de Oakland lleva una década construyendo una carrera donde parece darle lo mismo aparecer en blockbusters multimillonarios que en propuestas de autor arriesgadas.

Desde hacer de mafioso en el Bronx de los setenta hasta el icónico Cal Abar de Watchmen (2019), Abdul-Mateen ha demostrado versatilidad para construir personajes complejos o secundarios de lujo. Con su nueva serie instalándose en nuestras pantallas, repasamos sus diez mejores trabajos disponibles en plataformas de streaming españolas, ordenados de menor a mayor impacto en una filmografía que promete mucho más por venir.

10. Matrix Resurrections (2021)

No es el momento álgido de la lista, pero es importante para Abdul-Mateen, porque heredó el papel de Morfeo, aunque técnicamente interpreta a un programa diferente con los recuerdos del original, permitiéndole crear algo nuevo en lugar de imitar a Laurence Fishburne. Lana Wachowski es consciente de que revolucionó el cine de ciencia ficción y por ello quiso hacer algo totalmente diferente, precisamente una película sobre hacer secuelas y el peso de regresar a mundos que ya no puedes controlar como autor.

Matrix Resurrections tiene briznas de locura enterradas bajo capas de metacomentario y nostalgia. A diferencia de Aquaman (2018), donde Abdul-Mateen abraza completamente el camp y la diversión descerebrada, aquí está atrapado entre homenajear el pasado y destruirlo, aunque él le da a su Morfeo una energía juguetona que no existía en la trilogía original. Aunque no lo parezca, quiere ser más una secuela-reboot meta a estilo Anaconda (2025) que formar parte de las Matrix clásicas.

9. Aquaman (2018)

Antes de ser un super héroe, Abdul-Mateen se lanzó de cabeza al mundo del cómic como villano del DCEU. Su Black Manta podría ser uno de los enemigos de los Bioman—antecedentes de Power Rangers—, un vehículo de las filias de un James Wan desatado, convirtiendo la película en un espectáculo visual delirante donde todo es excesivo, desde los colores y las batallas submarinas, a los diálogos grandilocuentes.

Abdul-Mateen consigue que un personaje que parece sacado directamente de un tebeo de los sesenta (casco gigante incluido) funcione con el peso dramático de a venganza. A diferencia de El juicio de los 7 de Chicago (2020), donde Aaron Sorkin le pide contención, en Aquaman puede desatar una teatralidad inusual en el género.

8. El gran Showman (2017)

El musical sobre P.T. Barnum por el que nadie daba un duro y se convirtió en un éxito, y eso que pasaba de tener precisión histórica. Quizá llegó a la gente porque se esmeró en hacer números pegadizos que hicieran más divertido su mensaje inspiracional sobre aceptar a los marginados se ha convertido en un título muy querido. No es el papel más extenso de Abdul-Mateen, que aparece como W.D. Wheeler, uno de los miembros del circo de "rarezas" que Barnum reúne y exhibe, hermano del personaje de Zendaya.

El gran Showman no es el vehículo perfecto para mostrar su talento dramático, cierto, a diferencia de Wonder Man, donde lleva todo el peso narrativo, aquí forma parte de un engranaje de química colectiva pero la película es más redonda que las dos comentadas, aunque si buscas algo más sustancioso como Chicago o Cabaret, puede resultar demasiado Disney Channel.

7. Wonder Man (2026)

La nueva serie de Marvel para Disney+ nos presenta a Simon Williams, un actor en decadencia que recibe poderes cósmicos de origen misterioso. Abdul-Mateen navega entre la comedia satírica del showbiz en el Hollywood actual, al estilo The Studio, y la acción superheróica de siempre.

Lo que diferencia Wonder Man de otras propuestas del UCM es el enfoque meta: Williams es literalmente un actor interpretando a un superhéroe que es actor, permitiendo a Abdul-Mateen jugar con capas en su actuación, aunque no alcanza las alturas dramáticas ni de calidad de Watchmen, su otra aventura en el mundo del cómic, pero para ser honestos, tampoco pretende hacerlo, acercándose más bien a lo que pretendía  She-Hulk: abogada Hulka

6. El juicio de los 7 de Chicago (2020)

El juicio político más importante de finales de los sesenta, donde activistas contraculturales fueron acusados de conspiración tras las protestas de la Convención Demócrata de 1968, fue llevado al cine por Aaron Sorkin contando con Abdul-Mateen como Bobby Seale, cofundador de los Panteras Negras. Es una película coral, pero tiene algunas de las escenas más brutales de la película, ya que, literalmente, es amordazado y encadenado en la sala del tribunal.

El juicio de los 7 de Chicago resulta hasta ingenua en tiempos del ICE, aunque sigue siendo relevante por cómo trata el racismo institucional, aunque Abdul-Mateen no tenga ninguno de los habituales diálogos brillantes del guionista, pues su personaje debe comunicarse con miradas y lenguaje corporal. Si veremos que Candyman también trata el racismo, eso sí, a través del folklore y lo sobrenatural, aquí el horror es completamente humano y político, más dirigido a quien apreciara el retrato del activismo negro y la represión estatal de Selma o Malcolm X, aunque esta tenga mucho más sentido del humor.

5. The Get Down (2016-2017)

La serie sobre el nacimiento del hip-hop en el Bronx de los setenta en la que Baz Luhrmann mezclaba realismo urbano con números musicales propios de su estilo extravagante. Solo duró una temporada (técnicamente dos partes), pero le dio a Abdul-Mateen la oportunidad de interpretar a Cadillac, un gángster aspirante a empresario musical con estilo para los tratos sucios y debilidad por el talento auténtico.

The Get Down era caótica y desigual, pero cuando funciona es puro Luhrmann maximalista, con su típica ambición desmedida que la emparenta con otros retratos del Nueva York underground como Pose. Cadillac era un personaje complejo que, por una parte era antagonista, con un carisma peligroso de villano, pero por otra parte era el mentor y motor del nuevo estilo de música, quizá haría una buena buddy movie con el Michael B. Jordan de Creed, con la dualidad de un mundo en donde el esfuerzo o la violencia son la única salida.

4. Ambulance. Plan de Huida (2022)

Abdul-Mateen es Will Sharp, un veterano de guerra desesperado por dinero para el tratamiento médico de su esposa que decide robar un banco, secuestrar una ambulancia y embarcarse en la persecución más larga del cine reciente junto a Jake Gyllenhaal, su hermano adoptivo. Michael Bay volvió a su mejor versión en esta odisea en marcha por Los Ángeles durante 136 minutos de acción incesante.

Con el tono desesperado de Diamantes en bruto y la velocidad de Baby Driver, Ambulance es más que el típico thriller de atracos gracias a la química entre Abdul-Mateen y Gyllenhaal, que son capaces de crear tensión dramática entre tiroteos y helicópteros persiguiéndoles por los canales, en un estilo de acción mucho más terrenal y frente a la cámara que el desfile de pantalla verde y píxeles de Aquaman.

3. Candyman (2021)

Ahora un nombre con valor en el horror, gracias a 28 años después: El templo de los huesos, Nia DaCosta dio sus primeros pasos reviviendo la franquicia de terror de los noventa de la mano de Jordan Peele, para convertirla en un ensayo sobre gentrificación, arte y trauma generacional de raza. Abdul-Mateen interpreta a Anthony McCoy, artista visual que se obsesiona con la leyenda urbana de Candyman y descubre conexiones personales con el mito que desencadenan su descenso a la locura.

Candyman habla las comunidades negras de Chicago desplazadas por el desarrollo urbano, entablando una conversación interesante con la idea de familia afroamericana acomodada de Nosotros, con la que Peele parece estar equilibrando un discurso acerca de la posición de su comunidad en los guetos y su paso a otras zonas. Para completar el trío temático es interesante echar un ojo a la serie Ellos.

2. Nosotros (2019)

Jordan Peele siguió el éxito de Déjame salir con esta pesadilla kafkiana sobre una familia de clase media atacada por sus doppelgängers malvados durante unas vacaciones. Abdul-Mateen tiene un pequeño papel como el padre de Lupita Nyong'o en el pasado, en una escena pequeña pero significativa.

Como hemos visto, Nosotros tiene una fuerte relación temática con Candyman, pese a que apenas se parecen en tono, completando una subespecie de “horror noire” geográfico que nos introdujo al Peele más críptico y simbólico, el que desarrollaría en ¡Nop!, aunque, en sus mejores momentos, esté más cercana a la ambigüedad de la pesadilla de dobles del Enemy de Villeneuve.

1. Watchmen (2019)

Parecía imposible crear una secuela digna del cómic de Alan Moore, pero Damon Lindelof  lo hizo adaptando las ideas del cómic al presente, hoy más que nunca, estadounidense. Abdul-Mateen interpreta a Cal Abar, el marido aparentemente anodino de la detective interpretada por Regina King, cuya verdadera identidad como Doctor Manhattan se revela a mitad de temporada. Puede que su mejor interpretación, Abdul-Mateen consigue que creamos tanto en el tipo normal como en el dios azul todopoderoso atrapado en cuerpo humano.

El episodio seis, donde descubrimos su historia con Angela contada no linealmente, desde la perspectiva de un ser que experimenta el tiempo simultáneamente, el actor muestra una delicadeza fría que contiene vulnerabilidad, poder cósmico, y química con Regina King. Diferente del romance trágico de La llegada pero igual de devastadora, Watchmen certifica que el formato televisivo de los superhéroes puede servir para hablar de Hollywood, como en Wonder Man, como de racismo, trauma y justicia.

Cuando Toy Story 4 llegó a los cines en 2019, muchos pensamos que ese sería el cierre definitivo de la franquicia. Tenía un final dulce, emotivo y perfectamente redondeado, pero siendo sinceros, era ingenuo creer que Disney iba a despedirse tan fácilmente de una de sus sagas más queridas y exitosas. 

Y aquí estamos, con Toy Story 5 que llegará en 2026. Con el regreso de las voces originales viene también la promesa de reencontrarnos con personajes que llevan décadas formando parte de nuestra vida. Porque Toy Story no es solo una serie de películas, es un puente entre generaciones.  

Si, como a mí, te vuelve a entrar la nostalgia y te da ganas de revisar todos los títulos desde el principio (no solo las películas principales, sino también los cortos y especiales), puedes seguir esta guía con todas las entregas de Toy Story en orden. Es perfecta para un maratón si quieres volver a acompañar a Woody y Buzz y viajar, una vez más, al infinito y más allá.

Toy Story (1991)

Aquí comenzó todo y si, a estas alturas, todos sabemos de qué va Toy Story: Woody, Buzz, celos, aventura y una amistad que se gana el corazón incluso del espectador más cínico. Pero volver a verla siempre sorprende. No solo porque fue un antes y un después en el terreno técnico sino porque mantiene una calidad narrativa que muchas películas actuales ya quisieran lograr. Tiene ese espíritu de comedia de rivalidad clásica, pero con juguetes que sienten más que muchos humanos en pantalla. Es de esas películas que puedes ver mil veces y no cansa.

Toy Story 2 (1999)

A lo largo de los años, Toy Story demostró que podía superarse en calidad y diversión con cada entrega. Es así que Toy Story 2 terminó siendo para muchos incluso mejor que la original. En esta secuela seguimos a Woody tras ser robado por un coleccionista, lo que abre una historia más enfocada en temas como la identidad, pertenencia y el miedo a volverse irrelevante. Creo que es la película donde la saga empieza a tomar más profundidad, haciéndonos saber que esta ya no es una simple película infantil.

Lamp Life (2020)

Para seguir en el orden cronológico dentro de la franquicia, llegamos al primer corto de la lista. Lamp Life es un pequeño film que básicamente responde a una pregunta que quedó abierta entre Toy Story 2 y Toy Story 4: ¿qué pasó realmente con Bo Peep? Un personaje que a simple  vista no captaba nuestra atención, pero vaya que es un gustazo verla tomar protagonismo. Si quieres ver una mini-aventura dentro del universo con un humor muy relajado, no te pierdas este corto. Aquí se cuenta muy bien como Bo pasó de ser una figura olvidada en una lámpara a convertirse en la heroína autosuficiente que vemos en la cuarta película. Me gusta porque  añade un matiz que la saga necesitaba, el de una mirada femenina más autónoma dentro del mundo de los juguetes. 

Toy Story 3 (2010)

Dejame decirte que si no te has emocionado con esta película, tienes un corazón de piedra. En Toy Story 3 Andy crece, los juguetes enfrentan un futuro incierto y al final todos terminamos con un nudo en la garganta. No deja de sorprenderme como Pixar logró llevar una historia infantil a un nivel emocional que roza lo existencial, con momentos que parecen sacados de un drama adulto. Es de esas películas disfrutables a cualquier edad, porque aunque es más oscura y más madura que las anteriores, su tono no deja de ser universal. Fue un cierre perfecto… al menos hasta que llegó el siguiente capítulo.

Toy Story Toons: Hawaiian Vacation (2011)

Algo que hizo muy bien Toy Story 3 es ampliar el universo con nuevos personajes basados en populares juguetes para niños. Barbie y Ken fueron dos de los que más destacaron en la película y era cuestión de tiempo hasta que volvieran a dominar la pantalla. En Toy Story Toons: Hawaiian Vacation la parejita quiere tener unas vacaciones románticas en Hawái, pero terminan atrapados en el dormitorio de Bonnie con el resto de los juguetes intentando recrear el paraíso con materiales improvisados. Si bien no agrega nada distinto a la saga, el corto es entretenimiento puro. La recomiendo para sacarte el trago amargo después de la tercera película. 

Toy Story Toons: Small Fry (2011)

Ya de por sí el concepto de Toy Story Toons: Small Fry me parece muy gracioso: Buzz es reemplazado accidentalmente por una versión de juguete de comida rápida, mientras el Buzz “mini” intenta asumir su vida.  El corto no solo destaca por su humor visual sino también por revelar un rincón del universo Toy Story que nunca habíamos imaginado: el grupo de apoyo para juguetes descartados. Si alguna vez rescataste un muñeco olvidado del fondo de un cajón, este film va a llegar a tu corazón.

Toy Story Toons: Partysaurus Rex (2012)

Probablemente Rex sea dentro de la franquicia uno de los personajes más queridos. Pero además de ser adorable, siempre fue el rey de la inseguridad y aquí se enfocan justamente en esto y lo convierten  en un héroe inesperado dentro de un ambiente totalmente distinto. Si quieres ver al pequeño dino convertido en el alma de una fiesta acuática, no te pierdas Toy Story Toons: Partysaurus Rex. Es el corto más fiestero y visualmente extravagante. Perfecto para ver sin pensar demasiado, especialmente junto a los más pequeños cuando la paciencia no abunda.

Toy Story of Terror (2013)

En el catálogo de contenido de Toy Story no podía faltar su versión de “noche de Halloween”. 

Por eso en 2013 se estrenó Toy Story of Terror, para reírse de todos los clichés del terror clásico. Por supuesto aquí están adaptados al mundo de los juguetes: desapariciones, pasillos oscuros, criaturas misteriosas, entre otros fenómenos. La recomiendo para una maratón de Halloween apta para toda la familia ya que tiene suficiente tensión para enganchar a adultos sin asustar a los más pequeños. Dentro de la categoría de especiales, es uno de los que más expanden la saga, porque mezcla aventura, susto y corazón sin perder el tono Pixar que tanto adoramos.

Toy Story That Time Forgot (2014)

Tras el éxito de Wreck it Ralph, la saga de Toy Story también quiso sumergirse en el mundo de los videojuegos con Toy Story That Time Forgot. Este especial es uno de los más creativos visualmente, con diseños que parecen sacados de una línea de juguetes que de verdad podría haber existido en los 80. Lo recomiendo a cualquiera que disfrute de las películas que hacen sátira a la cultura gamer y a las colecciones de acción sobredimensionadas. Otro punto a favor de este corto es que le dan protagonismo a Trixie, la tierna triceratops fan de los juegos como Rex. 

Toy Story 4 (2019)

Confieso que cuando me enteré que estaban haciendo una cuarta Toy Story, no creía posible superar la calidad tanto visual como narrativa de la tercera. Pero aunque Toy Story 4 fue la película que nadie pidió, nos ha cerrado el pico a todos. La trama sigue a Woody en un viaje de identidad que lo separa del grupo y lo enfrenta a su propio propósito ahora que ya no pertenece a un niño. Nunca imaginé encontrarme con una entrega tan filosófica de este universo, pero vaya que sorpresa grata ha sido. Aunque Forky no es de mis personajes favoritos, la película brilla de principio a fin. Si las primeras Toy Story hablaban de amistad, esta habla de una inspiradora libertad. 

Lightyear (2022)

Lightyear fue una apuesta arriesgada, tanto en tono como en estilo, y por eso recibió criticas de todos los colores.  El concepto me parece interesante, ya que Lightyear es básicamente la película que Andy habría visto y que lo hizo enamorarse del juguete Buzz. Este film es un spin-off dentro del universo que juega con la ciencia ficción clásica: viajes espaciales, paradojas temporales y un villano que explica mucho sobre quién es en verdad el protagonista. Es ideal para quienes disfrutan el sci-fi y quieren verlo en un formato animado. Como pieza dentro del rompecabezas Toy Story, funciona más como curiosidad que como continuidad, pero sí que aporta variedad al universo.

Las segundas partes tienen mala fama, pero el cine de terror nunca ha jugado con las mismas reglas que los demás géneros y ha parido algunas excepciones doradas donde la continuación no solo iguala a la original, sino que la supera. Desde premoniciones mortales hasta muñecas poseídas, pasando por noches de purga sin ley, hay momentos en los que Hollywood dio en el clavo en el intento número dos.

Repasamos ocho secuelas que demuestran que las reglas de las secuelas que Kevin Williamson nos enseñó en Scream 2 — mayor número de muertos, las escenas de asesinato son más elaboradas y sangrientas—, a veces se traducen en mejor cine, con esta lista que también te ayuda a localizar cómo verlas en las plataformas de streaming.

8. Destino Final 2 (2003)

El accidente de autopista con el que arranca esta secuela—camiones madereros, cristales volando, cuerpos aplastados— creó un trauma generacional a más gente que el desastre aéreo de Destino Final. David R. Ellis convirtió las muertes en un episodio de ‘Rasca y Pica’, una coreografía de la parca con ascensores, dentistas y tuberías letales, con un guion que no muestra piedad ni con los supervivientes de la primera.

Las limitaciones de concepto del primer capítulo ya están superadas, Destino Final 2 abraza el absurdo con una sonrisa macabra, set pieces más elaboradas un ritmo frenético, una montaña rusa sin descanso que, como Halloween Kills incrementa los litros de sangre, ideal para los que apreciaron el sadismo creativo de Cube y el gore inventivo con gente hecha pedacitos.

7. Halloween Kills (2021)

La trilogía de “secuelas legado” que David Gordon Green orquestó a partir de La noche de Halloween no fue la panacea, pero al menos la segunda convertía a Michael Myers es la fuerza de la naturaleza imparable que debe ser. Donde Halloween de 2018 jugaba con la nostalgia y el suspense, Halloween Kills opta por la masacre a lo loco, con asesinatos más viscerales —sobre todo en su imprescindible unrated cut— y sangre a litros. El trauma colectivo de Haddonfield, con turbas de vigilantes desatados, reflejan la cultura reaccionaria de EE.UU, pero a nivel de trama poco importa.

Lo que nos interesa son sus secuencias antológicas como la matanza de los bomberos, el logradísimo flashback a la noche que empezó todo o el enfrentamiento en el hospital. Como Anarchy: La noche de las bestias, comparte esa idea de comunidades respondiendo a la violencia con más violencia. Si sigues con hambre de slasher clásico de los 70, X también juega con las convenciones del género desde un ángulo revisionista juguetón.

6. Amityville 2: La posesión (1982)

La saga iniciada por Terror en Amityville tiene muy mala fama, pero Damiano Damiani se sacó de la manga lo que técnicamente es una precuela que funciona mejor como capítulo independiente. Basada libremente en los asesinatos DeFeo que precedieron la pesadilla de los Lutz, la recreación no se anda con rodeos: violencia doméstica, incesto, posesión demoníaca y un exorcismo que mejora la mayoría de copias del de Friedkin.

Amityville 2: La posesión es una exploitation descarada envuelta en gran producción de estudio, con una disposición a ir a lugares oscuros que sigue impactando a día de hoy. A diferencia de Ouija: el origen del mal, que refinaba el concepto de la posesión con Mike Flanagan, esta apuesta por la brutalidad italiana setentera, adelantando futuras marranadas de Lamberto Bava, pero todavía con el tono de catolicismo perverso de La profecía, puro placer nada culpable a pesar de su reputación cuestionable.

5. Expediente Warren 2: el caso Enfield (2016)

James Wan traslada la acción de los Warren al Londres de los setenta, tomando como punto de partida el caso Enfield para elevar esta entrega sobre Expediente Warren en todos los aspectos, desde la ampliación del peso del matrimonio, que ya no son solo cazafantasmas, a la creación de Valak, la monja maligna que se ha convertido en el estandarte del conjuringverso.

Expediente Warren 2: el caso Enfield perfecciona la gramática visual de Wan con planos secuencia imposibles, uso magistral del espacio fuera de plano y la geografía para construir las mejores escenas de terror de su carrera, como la secuencia del cuadro cobrando vida. Curiosamente, tiene la misma recreación del caso DeFeo, una Amityville 2 en miniatura en su fantástico prólogo. Un perfeccionamiento del terror arquitectónico desarrollado en Insidious del que bebieron luego hasta series como La maldición de Hill House.

4. Ouija: el origen del mal (2016)

Puede que el mayor rescate a una franquicia muerta que haya vivido el género, consagrando a Mike Flanagan como creador de milagros en una precuela ambientada en los sesenta a la infumable Ouija. Un drama familiar de época sobre posesión demoníaca que sirve de ensayo perfecto para la maniobra que el director está ejecutando ahora, salvando de nuevo a Blumhouse con la secuela de El Exorcista: creyente.

Aunque es un Flanagan temprano, Ouija: el origen del mal tiene suficientes sustos, y un demonio del sótano de pesadilla, pero nunca eclipsan el núcleo emocional. Comparte ADN con Expediente Warren 2 en su aproximación a la posesión de una niña en una década cercana, pasando de jump scares adolescentes al estilo Verdad o reto, con más melancolía y técnicas de la época como zoom ópticos, marcas de cambio de rollo y ese tipo de detalles.

3. Annabelle: Creation (2017)

La fallida Annabelle resucitó gracias a esta precuela que retrocede a los cincuenta para mostrar cómo un fabricante de muñecas y su esposa, destrozados por la muerte de su hija, abren su casa a huérfanas, atrayendo a una presencia demoníaca. David F. Sandberg tomó el relevo tras haber demostrado su talento con Nunca apagues la luz, concibiendo pasajes sublimes como el de la joven en silla de ruedas explorando habitaciones prohibidas, una masterclass de tensión espacial.

Annabelle: Creation es, a su manera, un cuento gótico clásico en la América rural, con ecos del horror sobrenatural al sol de El espinazo del diablo y algunos puntos en común con Ouija: el origen del mal, ya que esta utilizó estrategia similar para rescatar una franquicia mediocre con directores emergentes y, por supuesto, la presencia común de Lulu Wilson como protagonista absoluta, la niña de moda de la era dorada del terror de sustos.

2. Anarchy: La noche de las bestias (2014)

El concepto claustrofóbico de The Purge iba en contra de su propia naturaleza apocalíptica ¿Cómo vas a convertir un concepto tener 12 horas en las que el crimen es legal en un home invasion? James DeMonaco transformó la idea en un thriller urbano de supervivencia que saca la acción a las calles de Los Ángeles, mostrándonos el caos sistémico que la primera solo insinuaba. Frank Grillo como Leo, el justiciero que busca venganza es un antihéroe al estilo de los del Carpenter distópico de Escape de Nueva York y el ritmo no cesa ni un minuto.

Como Halloween Kills, Anarchy: La noche de las bestias tampoco disimula sus intenciones políticas tras las turbas y el caos: los ricos cazan pobres por deporte y el gobierno usa la Purga para control de población, es ciencia ficción exploitation con mensaje anticapitalista, similar The Running Man, con persecuciones, tiroteos, y encuentros con bandas enmascaradas que podrían participar en La carrera de la muerte de Paul W.S. Anderson. Las siguientes entregas seguirían esa misma filosofía, pero ninguna se acerca a esta segunda parte.

1. Terroríficamente muertos (1987)

La perfección de la comedia de horror tiene el molde de esta secuela/remake de Posesión infernal en la que Sam Raimi equilibra el registro de sangre y gags de trompazos ayudado de Bruce Campbell, quien se convirtió en leyenda del género interpretando a Ash Williams, el antihéroe de la mano-motosierra.

Raimi desplegó todo su arsenal técnico: cámara subjetiva demencial, aceleraciones imposibles, stop-motion artesanal, y gore surrealista que convierte la cabina maldita en un parque de atracciones infernal. Más grande, más loca y más sangrienta que la original, Terroríficamente muertos es la antecedente clara de secuelas como Destino Final 2 por sus muertes cada vez más inventivas, convirtiéndose en la biblia del slapstick gore, influenciando directamente la apoteosis final de Braindead de Peter Jackson. Número uno indiscutible.

Qué es “San Galentín”, te preguntas. San Galentín, que santifica la amistad (a priori femenina, de ahí el “gal”), es el mejor remedio al día más triste del año para solteros, solteras y solteres. Así que, si no quieres pasar San Valentín de bajona, reúne a tus colegas, abastécete de palomitas y disponte a cerrar tu día con una película que te diga lo que ya sabes: que aunque plátano no sea, la amistad sí vale oro.

Ahora, ni se te ocurra ver Thelma y Louise (1991) por enésima vez. Y no, no propongas compartir Frances Ha (2013), porque quizás levanta alguna ampolla que no quieras tratar en la fiesta del colegueo. También puedes ponerte Buscando a Nemo (2003), claro, pero no te quejes si alguien se duerme por el camino, de tan vista que la tenemos.

Por ello, en JustWatch te propongo unas cuantas películas no tan conocidas –o directamente infravaloradas– que abordan la amistad desde lugares muy diferentes. Y como hoy la cosa va de vibras, que no de calidad estricta, te las he clasificado según si creo que las conocerás o no. Lee hasta el final... ¿Vamos?

Dos torpes galanes (1996)

El término “comedia bromántica” aún tardaría años en existir, pero la relación en el centro de Dos torpes galanes (1996), el éxito indie que definió una época, se siente ya como una amistad masculina realmente intensa. Y es así porque lo es fuera de cámara: Jon Favreau y Vince Vaughn eran amigos desde hacía años. Aquí, claro, brillaron juntos interpretando a dos actores fracasados, amigos, a pesar de ser radicalmente distintos.

Una canta, la otra no, en versión male buddies mucho menos reivindicada que otros clásicos de la amistad que –por mucho que nos encanten– quizás sean incluso algo tóxicos, como Dos policías rebeldes (1995) o Resacón en Las Vegas (2009). En fin, estos dos torpes galanes harían cualquier cosa el uno por el otro, todo lo que en un viaje loco a la capital del casino puede ofrecernos.

Romy & Michele (1997)

La abuela rubia y tonta de Súper empollonas (2019), Romy & Michele (1997) son almas gemelas y, para la otra, “la persona más divertida del mundo”. Mejores amigas desde el instituto, regresan al pueblo decididas a demostrar que sus vidas han sido un éxito y, claro, cuando el resto del mundo fracasa en ver lo increíbles que son, ellas optan por piropearse mutuamente.

Ojo a un nivel de compromiso mutuo que ni el reparto protagonista de Chicas malas (2004), ni el romance entre Michele y Sandy, un empollón convertido en rico, llega a compararse nunca con la amistad entre nuestras heroínas. Esta es la película ideal por si quieres reírte con ternura de los extremos a los que nos lleva el “mejoramiguismo”, o tenéis simplemente el cuerpo para el humor dosmilero a lo Scooby Doo (2002).

Crashing (2016)

Vale, esto es hacer trampas, pero la serie Crashing (2016) se puede consumir perfectamente en un maratón de apenas unas horas y apenas la conoce nadie, aunque lo valga todo. Cuenta conmigo en versión deslenguada y millennial, o como Friends (1994), sólo que divertida y actualizada en tiempos de crisis de la vivienda: antes de que la aclamada escritora y actriz Phoebe Waller-Bridge ganara todos los premios por Fleabag (2016), creó esta joya de seis episodios en la que un variopinto grupo de veinteañeros se muda a un solo piso, en un hospital en desuso que ocupan, a cambio de cuidarlo.

Hay líos, cenas de auténtico tiroteo verbal y aventuras autoconclusivas dignas de una búsqueda del tesoro. Y otra razón para verla: el reparto incluye a Jonathan Bailey, que más tarde el mundo descubriría en Los Bridgerton (2020).

Cuenta conmigo (1986)

Nadie esperaba una reflexión tan conmovedora sobre los vínculos de la juventud a partir de un cuentito de Stephen King, y sin embargo Cuenta conmigo (1986), dirigida por Rob Reiner es una representación especialmente cálida y cercana de la amistad preadolescente. (Es, claro, una de las mejores adaptaciones de Stephen King que nos ha regalado el cine)

Nostálgica como Stranger Things (2016) aunque antes de tiempo, la trama implica a un grupo de amigos en el Oregón rural de los cincuenta que buscan el cadáver de un compañero al que se rumorea que atropelló un tren. Sonará tan macabro como It (Eso) (2017), pero el camino que atraviesan acaba siendo lo más importante: las conversaciones, los insultos, las discusiones y reconciliaciones. Y claro, el susto que te pegas en compañía acaba uniendo.

El profesional (Léon) (1994)

Siempre les decimos a los niños que no acepten regalos de desconocidos, pero –mecachis– nunca pensamos en advertirles sobre hacerse amigos de asesinos a sueldo. Y casi que mejor, o eso nos demuestra El profesional (Léon) (1994).

Súmale a las formas noir de El silencio de un hombre (El samurái) (1967) el buen corazón de El verano de Kikujiro (1999), y tienes una amistad particular, sanguinaria y preciosa. Porque… Al final del día, la vida de la joven Mathilda (Natalie Portman, muy, pero que muy intensa a sus doce años) mejora gracias a la amabilidad y el cuidado reticente del mercenario Léon, ¿no? Que ella termine convirtiéndose en una implacable aprendiz, eso es un efecto secundario de la amistad. Qué monooos.

Una canta, la otra no (1977)

Una canta, la otra no (1977) es tu amiga francesa intelectual que un día llora contigo y al otro te lee un ensayo sobre los nuevos modelos de familia. Agnès Varda, la gran cineasta de la Nueva Ola francesa, sigue la amistad entre dos amigas a lo largo de los años y con el telón de fondo de las reivindicaciones sobre el derecho al aborto en los setenta. Vamos, que es un retrato extremadamente valioso de un tiempo muy concreto, así como un homenaje a una relación que no ha envejecido ni un día (y que, al contrario de películas como Romy & Michele, hoy no se lee con un ápice de ironía).

Varda fue revolucionaria de veras, tanto que incluso propuso un modelo de familia poliamorosa factible en la pre-cio-sa La felicidad (1965). Pueden hacer un programa doble fantástico con amigas.

Hasta el final (1996)

Te he dicho que leyeras hasta el final, ¿no? En efecto, Hasta el final (1996) ha permanecido oculta bajo la alargada sombra de Thelma y Louise, por mucho que a mis ojos sea igual de buena, si no mejor. Adaptación de la novela homónima de Terry McMillan, esta dramedia con reverso criminal tiene a Angela Bassett como una corredora de bolsa que viaja con sus amigas –nada más y nada menos que Whoopi Goldberg y Regina King– se enamora de un joven de veintipocos (Taye Diggs en su debut en el cine) durante unas vacaciones en Jamaica… Y que se lía, con menos tiros pero tanta mala baba como El profesional (Léon).

En breve, suma el rollazo de Estafadoras de Wall Street (2019) con la mirada cariñosa a un tontolabas de Anora (2024), mucho antes que ambas. Dirigida por F. Gary Gray (Straight Outta Compton: Letras Explicitas, 2015), veinticinco años después sigue funcionando como un ejemplo superior del género, con personajes memorables, bien desarrollados y muy fáciles de querer. Con razón muchos la comparan con la de Ridley Scott, aunque tenga mucho más carácter.

Hay más de una razón por la que la Renaissance Era de Disney vive en la memoria colectiva, sobre todo para quienes crecimos en los 90. Estas fueron historias que supieron mezclar emoción, canciones que todavía recordamos y una calidad de animación que marcó un antes y un después en el cine. Me enorgullece haber crecido en una década mágica en la que cada estreno de Disney se sentía como un pequeño evento cultural. 

Y ahora me pregunto, ¿por qué no repasar esos títulos que marcaron nuestra infancia? Siguiendo el orden de su estreno original, aquí están todas las películas del Renacimiento Disney y cómo verlas en Disney+. 

La Sirenita (1989)

Esta fue la película que abrió la puerta a la era dorada de Disney, recuperando la apuesta por cuentos clásicos pero con un toque más moderno y emocional. La Sirenita fue el despertar de algo nunca antes visto: una princesa inquieta, curiosa, que no esperaba que nadie viniera a salvarla. La película nos dio mucho, animación vibrante, números musicales pegadizos y una villana inolvidable. Mi favorita de esta lista y una invitación a mirar hacia arriba, a explorar y buscar otros mundos incluso cuando parecen imposibles. En 2023 llegó La Sirenita live action, tal vez innecesaria (¿quién necesita otra versión teniendo la joya original animada?) pero no por eso menos entretenida.

Los rescatadores en Cangurolandia (1990)

No muchos saben que esta fue la primera película completamente digital de Disney. Tampoco es el film más citado, pero para toda una generación que vio Los rescatadores en Cangurolandia en VHS, fue la primera gran aventura animada.  La animación digital sorprendía sin que supiéramos por qué, y Bernard y Bianca nos enseñaron que los héroes podían ser pequeños, educados y aun así increíblemente valientes. Siempre me gustó su mensaje y creo 

que logra muy bien representar esa fascinación por explorar mundos lejanos (Australia parecía otro planeta). Puede que no tenga canciones, pero sí su energía anticipa el tono épico que vendría después con Aladdin y El Rey León.

La Bella y la Bestia (1991)

Trás el éxito de La Sirenita y su amplio repertorio de canciones originales, con La Bella y la Bestia, el estudio elevó la fórmula del musical hasta niveles casi teatrales, mezclando tecnología pionera (ese baile en 3D memorable) con una historia emotiva sobre identidad y redención. Aunque con el paso del tiempo ha recibido muchas críticas , no podemos negar el impacto que tuvo en nuestra generación. Belle fue la heroína que muchos millennials adoptamos como modelo: lectora, independiente, inconformista. La Bestia, en cambio, retrató la vulnerabilidad masculina antes de que supiéramos ponerle nombre. Desde su estreno la película no solo se convirtió en símbolo de sensibilidad y sofisticación, sino que fue la primera cinta animada nominada al Óscar a Mejor Película.

Aladdin (1992)

En 1992 llegó a los cines un torbellino de color, humor y musicalidad, más conocido como Aladdín. Aladdin en ese año le dio a los millennials algo nuevo: humor animado, personajes descarados y un protagonista que parecía más un amigo mayor que un príncipe. Pero sobre todo, nos regaló al Genio de Robin Williams, que cambió para siempre nuestra idea de lo que podía ser un personaje animado. A diferencia del tono más solemne de La Bella y la Bestia, aquí se siente el salto al género de travesura, y es una aventura que no envejece. Los niños de la época repetíamos las bromas, las voces, las canciones, todo lo que hizo de Aladdin una comedia clave de nuestra infancia.

El Rey León (1994)

Llegamos al punto más épico del renacimiento de Disney. El Rey León es la  película que une a casi todos los millennials. ¿Por qué fue tan importante en nuestra vida? ¡Fue nuestra primera tragedia cinematográfica! No solo fue un salto en términos de animación y storytelling para el estudio, fue un fenómeno que trascendió generaciones, y sigue siendo un despliegue emocional difícil de replicar. Timón y Pumba nos dieron humor, Mufasa nos dio filosofía y Simba nos dio el viaje del héroe, un héroe muy tierno y noble. Este es otro de los clásicos que tuvo su remake en versión live action, tal vez con el objetivo de capturar nuevas generaciones. Pero sinceramente, con la original es más que suficiente.

Pocahontas (1995)

En su momento esta película no capturó mi atención, pero con el pasar de los años entendí su enfoque y pude apreciarla mucho mas. Pocahontas fue el despertar de una sensibilidad más ecológica y espiritual.  Esta historia iba más allá de la aventura, era conexión con la naturaleza y con la diferencia cultural, algo bastante inesperado en el cine de animación. Sus canciones eran más contemplativas y su historia más adulta, con “Colores en el viento” como una de las piezas más ambiciosas de Disney hasta la actualidad. Es una película que deberíamos ver al menos una vez en la adultez. Invita a la calma, a la reflexión, siendo más cercana a un poema animado que a una aventura tradicional. 

El jorobado de Notre Dame (1996)

Millennials o no, todos recordamos el impacto de esta película. Fue la primera vez que Disney nos habló de temas incómodos: discriminación, abuso de poder, deseo reprimido, fe… todo envuelto en una estética gótica que nos resultaba completamente nueva. Para muchos (me incluyo), El jorobado de Notre Dame fue la primera película Disney que nos hizo sentir mayores. El dilema moral de Frollo, la marginación de Quasimodo y la fuerza de Esmeralda crean un relato que roza lo trágico y por eso me fascina. A nivel musical es igual de buena, y aunque no sea la más popular entre los niños, para mi es una de las mejores de esa época. Un éxito extraño y fascinante dentro del canon Disney.

Hércules (1997)

Por definición, esta es la comedia animada de esta etapa de Disney. Está claro que Hércules llegó como una explosión pop, llena de referencias culturales y con un humor que funciona igual hoy que en los 90. Fue la peli de las “mujeres geniales” antes de que existiera ese concepto: las musas, Megara y hasta las moiras tenían más personalidad que muchos protagonistas de otras películas de la época. Sus canciones eran gospel, algo totalmente nuevo para nuestra generación, y hasta la voz de Ricky Martin en el doblaje latino. Su humor referencial siempre me pareció genial y es una película que puedes de adulto y aún pasartelo en grande. 

Mulán (1998)

Con Mulán, el estudio rompió la idea tradicional de lo que era una película “de princesas”, y regaló una heroína que no buscaba un príncipe, sino proteger a su familia y encontrar su propio lugar. Esta es otra historia que logra muy bien el balance entre aventura y emoción, con un mensaje que resonó, y sigue resonando, en varias generaciones. No solo es una historia sobre fuerza y autenticidad, también deja espacio para el humor (imposible olvidar las escenas de Mushu) y una banda sonora inolvidable. Incluso ya estando en el final de esta etapa, es una película que demuestra que Disney aún sabía reinventar su propia fórmula. 

Tarzán (1999) 

Cuando muchos millennials entrábamos en la preadolescencia llegó el último gran impacto del Renacimiento Disney. Tarzán supo combinar acción vertiginosa con una sensibilidad emocional que simplemente no esperábamos encontrar en un film de este estilo. Visualmente era una pasada, pero lo que más se quedaba con nosotros eran los temas en los que la película profundiza: identidad, pertenencia, familia. Además, cuando hablamos de Tarzán, no podemos dejar de lado el impacto que tuvo la banda sonora de Phil Collins, convirtiendo cada secuencia en un himno. Si bien no es de mis favoritas de la era, para muchos fue el cierre perfecto de una infancia marcada por las pelis animadas.

Si 2026 se perfila como un año dominado por grandes títulos, también lo será por el regreso de algunos de los directores más influyentes del cine contemporáneo. Tras firmar auténticos fenómenos culturales en la gran pantalla, estos cineastas vuelven con proyectos que no solo generan expectación, sino que también dialogan de forma directa con sus filmografías previas.

En esta guía repasamos 5 regresos clave, ordenados por fecha de estreno en España, analizando qué podemos esperar de sus nuevas películas, cómo se conectan con su último gran éxito y en qué punto se encuentran dentro de sus carreras. 

Emerald Fennell – Cumbres borrascosas (estreno en España: 13 de febrero de 2026)

Después del fenómeno provocador que fue Saltburn, Emerald Fennell da un salto inesperado hacia el clasicismo literario con Cumbres borrascosas. Sin embargo, pensar que se trata de un giro conservador sería un error. Todo apunta a que Fennell utilizará la novela de Emily Brontë como un vehículo para seguir explorando la obsesión, el deseo y las dinámicas de poder que ya estaban presentes en Una joven prometedora y en su último éxito.

Frente a adaptaciones más románticas y contenidas, como la versión de 1992 dirigida por Peter Kosminsky, esta nueva lectura promete ser más incómoda y visceral. Comparada con Saltburn, el escándalo aquí no vendrá del exceso moderno, sino de la intensidad emocional llevada al límite. 

2026 puede confirmar a Fennell como una autora capaz de apropiarse tanto de historias originales como de grandes clásicos, siempre desde una mirada incómoda y muy contemporánea.

Christopher Nolan – La Odisea (estreno en España: 17 de julio de 2026)

Después de arrasar en crítica y premios con Oppenheimer, Christopher Nolan regresa con una de las adaptaciones más ambiciosas que se recuerdan: La Odisea. El poema de Homero parece un material ideal para un director obsesionado con el tiempo, la memoria y el viaje como estructura narrativa. A diferencia de su último éxito, anclado en la historia reciente, aquí Nolan se sumerge en el mito fundacional de la narrativa occidental.

Comparada con epopeyas clásicas como Ben-Hur o incluso con propuestas más modernas como Troya, esta versión promete una aproximación menos heroica y más fragmentada. 

En contraste con la contundencia casi académica de Oppenheimer, La Odisea puede ser una película más libre y experimental. 2026 podría marcar un nuevo punto de inflexión en la carrera de Nolan: menos biografía, más leyenda, pero siempre con la ambición de convertir el cine en una experiencia total.

Greta Gerwig – Las crónicas de Narnia: El sobrino del mago (estreno en España: 26 de noviembre de 2026)

Tras convertir Barbie en un fenómeno cultural global, Greta Gerwig afronta uno de los mayores retos de su carrera con Las crónicas de Narnia: El sobrino del mago. Este regreso al cine fantástico no solo implica trabajar con una franquicia querida por varias generaciones, sino también definir el tono de un nuevo universo cinematográfico. A diferencia del enfoque más clásico de las adaptaciones anteriores, Gerwig parece interesada en subrayar el componente mítico y emocional del relato.

Comparada con su filmografía previa, desde Lady Bird hasta Mujercitas, esta película supone una escala completamente distinta. Sin embargo, el interés por los personajes jóvenes y los conflictos morales conecta este proyecto con su cine más íntimo. 

Frente a fantasías más espectaculares pero impersonales, como Animales fantásticos, Gerwig tiene la oportunidad de ofrecer una Narnia con identidad propia. Después de Barbie, 2026 será la prueba definitiva de si puede mantener su voz autoral dentro de una gran maquinaria industrial.

Denis Villeneuve – Dune: Messiah (estreno en España: 18 de diciembre de 2026)

Con Dune: Parte Dos, Denis Villeneuve demostró que era posible convertir una saga literaria compleja en un espectáculo cinematográfico de primer nivel sin traicionar su densidad temática. Dune: Messiah supone un giro aún más arriesgado: menos épica de conquista y más introspección política y moral. Aquí, el mito de Paul Atreides se deconstruye desde dentro, algo que encaja a la perfección con el cine frío y reflexivo del director canadiense.

En comparación con títulos como La llegada o Blade Runner 2049, esta nueva entrega parece más cercana a un drama psicológico que a una superproducción convencional. A diferencia de Dune, que aún tenía el aroma del viaje del héroe, Dune: Messiah se mueve en terrenos más ambiguos y oscuros. 

Villeneuve no busca repetir el éxito, sino tensarlo, ofreciendo una película menos complaciente que podría dividir al público, pero reforzar su prestigio como uno de los pocos autores capaces de hacer cine adulto dentro del blockbuster.

Robert Eggers – Werwulf (estreno en España: 25 de diciembre de 2026)

Tras el impacto visual y atmosférico de Nosferatu, Robert Eggers continúa explorando el terror desde una perspectiva autoral con Werwulf. Si su reinterpretación del mito vampírico destacaba por su rigor formal y su obsesión por el detalle histórico, aquí el director parece profundizar aún más en lo primitivo y lo salvaje. El hombre lobo no es solo una criatura de género, sino una excusa perfecta para seguir diseccionando la culpa, la violencia y la superstición, temas recurrentes en su cine.

Comparada con La bruja o El faro, Werwulf promete ser más directa en lo narrativo, pero no por ello más accesible. A diferencia de aproximaciones más comerciales al mito, como Un hombre lobo americano en Londres, Eggers sigue apostando por un terror incómodo, más cercano a la experiencia sensorial que al sobresalto fácil. 

Después de Nosferatu, esta película puede consolidarlo de manera definitiva como el gran arquitecto del terror elevado contemporáneo, incluso si eso implica mantenerse al margen del gran público.

Entre las más aplaudidas por el público y la crítica en Sundance 2026 se cuentan The Invite, remake estadounidense de Sentimental (2020) de Cesc Gay, o The Musical (2026), epítome del posthumor con Rob Lowe al frente de un tupido catálogo de comedias negras y musicales. Pero la 42ª edición del certamen fundado por Robert Redford se recordará por el triunfo de Josephine (2026), un sólido drama con Chaning Tatum que ha sido Premio del Público y el Gran Premio del Jurado.

El Festival de Sundance es una máquina de fabricar éxitos. Antes que un altavoz del glamur, el mercado sirve de laboratorio donde avalar la compra por parte de las grandes agencias de los que serán –de su mano– los fenómenos indie del año. En pasadas ediciones, se han fraguado los incipientes mitos de Hannah y sus hermanas (1986), Reservoir Dogs (1992), El proyecto de la bruja de Blair (1999) o Pequeña Miss Sunshine (2006), por hacer una breve cronología de hits en Salt Lake, que podríamos concluir con las recientes Hereditary (2018) o Vidas pasadas (2023).

En JustWatch España, hemos cubierto el catálogo online del certamen y nos quedamos con las siguientes cinco películas y series, que he ordenado de más a menos evidente. Lee hasta el final si quieres descubrir aquella perla indie que dará de qué hablar durante el resto de la temporada cinéfila.

‘Josephine’, de Beth de Araújo (2026)

Si a Dwayne Johnson le flaqueó su intentona en un registro serio con la nada desdeñable La Máquina: The Smashing Machine (2025), es porque estaba reservando el sitio a Chaning Tatum, que en Josephine (2026) se descubre como un magnífico actor de drama. La segunda película de Beth de Araújo apenas recuerda al histrionismo excesivo de El club del odio (2022), más bien lo contrario.

Aquí seguimos los coletazos traumáticos que vive una niña (Mason Reeves) tras ser testigo de una violación, ante la mirada atónita y las intentonas de justicia de unos padres desesperados (Tatum, junto a Gemma Chang). Josephine rima bien con la primera persona asfixiante de On vous croit (2025), así como con los escollos emocionales de otro retrato sobre una familia “muy normal”, la de Chris Pine y Jenny Slate en Carousel (2026). También dará de qué hablar.

‘Ha-Chan, Shake Your Booty!’, de Josef Kubota (2026)

Nada más gratificante que una película que sólo puede ir cuesta arriba, es decir, del drama a una sonrisa pletórica. Es el caso de Ha-Chan, Shake Your Booty! (2026), por la que este debutante forjado en series como Tokyo Vice (2022) ganó el premio a la Mejor Dirección. Fantástica comedia romántica musical: nos enamoramos sin remedio de Rinko Kikuchi (Mapa de los sonidos de Tokio, 2009), una bailarina de salón de expresividad muy japonesa que trata de compaginar el duelo de su pareja con los fogonazos incontrolables que le provoca un nuevo profesor de tango argentino.

Desde Japón, sólo queda recomendar BURN (2026), en la que el director de Somos los Little Zombies (2019) nos sumerge en los interiores más recónditos de una tribu de desamparados en Shinjuku para expiar sus sueños y pesadillas. Una relectura tan mareante como genial, con aires de Love exposure (Exposición de amor) (2009).

‘Run Amok’, de NB Mager (2026)

Se hablará más de The Musical (2026), ópera prima de Giselle Bonilla y un ejercicio de post-humor negrísimo, liderado por Rob Lowe y Will Brill (The OA) sobre el musical del 11S que un dramaturgo fracasado con aires de Gargamel monta en una escuela primaria. Pero la mejor comedia negra en esta edición de Sundance es, sin duda, Run Amok (2026).

La incomodidad y la ternura reinan en el rebut de NB Mager, donde son los mismos alumnos quienes recrean en versión musicada el tiroteo escolar que trastocó su instituto diez años atrás. Se trata de una intersección realmente emotiva entre la sátira y el drama genuino, que expone las neurosis de la nación Bowling for Columbine: Un país en armas (2002) mientras abraza lo raro con tanto amor como Captain Fantastic (2016).

‘Worried’, de Nicole Holofcener (2026)

Más risotadas medio torcidas, ahora televisivas, en dos geniales herederas de la crónica joven y urbana que Lena Dunham acuñó en Girls (2012). En Worried (2026), Nicole Holofcener (Sobran las palabras, 2013) recluta a dos guionistas de Brooklyn, precinto 99 (2013) y de la propia Girls, Tanner y Lesley Arfin, para abrazar el histrionismo cariñoso entre dos hermanas millennial con una vida arreglada, pero que sienten que el mundo les cae encima. Porque no es fácil contener la ansiedad bajo el mismo techo que el genocidio en Gaza o el brainrot.

Sobre la histeria mal contenida avanza también el piloto de Soft Boil (2026), torpeza y corazón a cuatro manos entre Alec Goldberg y la cómica Camille Wormser, sobre una sincericida aspirante a actriz mal-metida a niñera. Recuerda en el mejor sentido a Shiva Baby (2021), con Rachel Sennot. Ganísimas de continuarlas.

‘Filipiñana’, de Rafael Manuel (2026)

Si lo tuyo es fascinarte por mundos extraños, con las películas por ventana privilegiada, quédate con el documental To Hold a Mountain (2026), Gran Premio del Jurado en la sección World Cinema. Se trata de un retrato cotidiano y gustoso sobre una comunidad de mujeres jinetes en las cordilleras de Montenegro, con más biografías increíbles y quesos por minuto incluso que Agent of Happiness (2024).

Pero si la pantalla es para ti un cuadro, asómbrate con la surreal Filipiñana (2026). El debut de Rafael Manuel, heredero del turismo extrañado de Jessica Hausner en El milagro de Lourdes (2009), es lo que una pintura de Magritte desvela sobre las dinámicas en sombra de los campos de golf; un espacio versallesco donde los hombres ricos juegan con caddies jóvenes, mujeres. Súmale la humedad asfixiante del verano filipino y tienes una película moderna en la que caer al vacío.

Estarás de acuerdo conmigo que pocas cosas pueden resultar menos emocionante que ver a un puntito desplazándose por una pista blanca enorme. Pero también te acordarás del vértigo incomparable que sentiste al lanzarte por una pista de esquí, o al practicar cualquier otro deporte donde el frío te cortaba la cara y eras uno con tu cuerpo.

El cine hace milagros recreando estas sensaciones, por lo que si la gente a tu alrededor está empecinada con ver las Olimpiadas de Invierno, y a ti la idea no te entusiasma, propón una película. Si quieres disfrutar de una gema desconocida sobre deportes de invierno, te recomiendo de entrada The Blizzard of AAHHH's (1988), un rockumental sobre los jóvenes que cambiaron el ski en los ochenta a base de rollo.

Pero afinamos aún más y, para recomendarte diez películas que miran de frente a las Olimpiadas de Invierno, en JustWatch hemos tomado por referencia las recomendaciones de la Global Sports Development, especialistas en el tema. Aquí encontrarás un poco de todo y de cada deporte. ¡Lee bien hasta el final!

Eddie el Águila (2016)

Del cero al todo: el En busca de la felicidad (2006) con raquetas. Eddie el Águila (2016) supo que Inglaterra no tenía representante olímpico desde 1929 y, sin apoyo ni perfil atlético, decidió cambiarlo todo. A su lado estaba el mentor Bronson Peary, un exsaltador derrotado, que lo entrenó más (y casi mejor) que Apollo Creed a Stallone en Rocky 3 (1982). El resultado es casi tan inspirador como aquella.

En Calgary 1988 quedó último, pero conquistó al público y quedó para la historia, aunque fuera del cine. Si el cándido retrato del entrenador de Somos los mejores te enterneció el corazón, esta es tu película.

El milagro (Miracle) (2004)

La película más edificante y nacionalista de toda la guía, vedla si necesitáis un boost en valores. El milagro (Miracle) (2004) se desarrolla en un momento en que Estados Unidos necesitaba desesperadamente una victoria: en plena Guerra Fría, con la moral estadounidense por los suelos, el hockey olímpico se convirtió en el escenario perfecto para recuperar el orgullo perdido.

A diferencia de otras, aquí el foco no está en llegar a los Juegos sino en mantenerse unidos una vez dentro. El carisma de Kurt Russell como entrenador ayuda lo suyo, claro. Es un relato inspirador, ideal para quienes buscan una carga lacrimógena real (casi tanto como Alaska ardiente, otro canto a la comunidad) o una fotografía algo más esperanzada de los Estados Unidos.

Patinazo a la gloria (2007)

Si pensáis que esta guía va a pecar de ñoñería, aquí va Patinazo a la gloria (2007). Will Ferrell y Jon Heder en mallas (no, no hablamos de Enchantada Christmas) hacen las de dos patinadores rivales que protagonizan una pelea bochornosa en el Mundial, son despojados de sus medallas de oro y acaban expulsados del deporte de por vida.

Años después descubren una laguna en el reglamento: pueden volver a competir si lo hacen como pareja, así que… Deberán aprender a trabajar juntos. Esta comedia resulta ideal para quienes buscan humor irreverente, ritmo ágil y una sátira divertida sobre el ego, la rivalidad y el trabajo en equipo. La cura definitiva para el mal cuerpo que te deja Yo, Tonya.

Yo, Tonya (2017)

Ella, Yo, Tonya (2017), fue celebérrima por un infame ataque a su rival, pero nunca vimos qué la llevó hasta ese extremo. Por ello, la película con Margot Robbie resulta imprescindible para entender el lado menos idealizado de las Olimpiadas de Invierno, y todo lo que implican. Craig Gillespie demuestra con Tonya Harding cómo el talento excepcional puede verse condicionado por el origen social, por la prensa y por la presión del éxito.

Porque no todos –y menos todas– parten de las mismas oportunidades. Sus ingredientes son el humor negro, una mirada crítica y lo más feo del precio de la ambición. La versión nevada de Cisne negro (2010), que querrás ver en programa doble con la edificante Pasión por el triunfo.

Alaska ardiente (1999)

Si el pueblo de Doctor en Alaska (1990) te gusta tanto como deslizar discos por una pista resbaladiza, Alaska ardiente (1999) es tu siguiente película favorita. Ponte en situación: en un pequeño pueblo de Alaska, donde cada sábado se celebra un partido amateur en el lago congelado, con un equipo formado por vecinos de distintas edades y oficios, nace una oportunidad. Exacto: un partido de exhibición contra los New York Rangers de la NHL.

A partir de aquí, en la línea de El milagro, el film combina humor, emoción y orgullete local, y celebra el deporte tradición y punto de encuentro colectivo. Te advierto, no te sentías tan amarrado a la pantalla desde High School Musical (2006).

El castañazo (1977)

Si unes Patinazo a la gloria y Alaska ardiente, es posible que aparezca El castañazo (1977), que es anterior y hoy se ve con el plus de la nostalgia setentera… Y de Paul Newman, dirigido por George Roy Hill. Una pista: antes colaboraron en Dos hombres y un destino (1969) y El golpe (1973). ¿Suena bien?

El castañazo es una comedia irreverente que sigue a un equipo de jugadores inadaptados de hockey profesional que recurren a la violencia y al ingenio para ganar, porque oye, si no es a ganar, a qué hemos venido. Aun así, lo entrañable del equipo pasará a la historia. Así que es perfecta para quienes quieren ver cómo el hockey puede ser a la vez espectáculo, desafío y reflejo de la determinación (y las trampillas) olímpicas.

Somos los mejores (1992)

De todas las películas de la saga (nos olvidamos de que existe una serie), quédate con Somos los mejores (1992), o en inglés, “los patitos valerosos”. Igual que a Javier Gutiérrez en Campeones (2018), al duro abogado que encarna Emilio Estévez se le asigna un servicio a la comunidad: debe entrenar a un equipo de pequeños jugadores de hockey, digamos, “heterogéneo”.

Es decir, que no pueden patinar, marcar ni ganar. O sea, como Eddie el Águila pero siendo muchos. Versión invernal de Taika Waititi en El peor equipo del mundo (Next Goal Wins) (2023), este coach –cómo no– pronto se dará cuenta de que hay cosas más importantes que ganar.

Pasión por el triunfo (1992)

Esta es pura nostalgia retro y, de hecho, la dirige Paul Michael Glaser, el actor tras Starsky de Starsky y Hutch (1975). En Pasión por el triunfo (1992), la cara femenina de Patinazo a la gloria, una patinadora “acabada” y una niña de papá tienen que hacer pareja para competir en las Olimpiadas de Alberta… Contra dos gigantes soviéticas.

Lo que viene a continuación son entrenamientos a muerte, lesiones serias y una presión descomunal, pero los valores deportivos básicos acaban imperando con la fuerza del cine, supongo. Aun así, puede hacer programa doble cuqui-cómico con Soñando, soñando... triunfé patinando (2005).

Elegidos para el triunfo (1993)

Lo realmente increíble es que Elegidos para el triunfo (1993) esté basada en hechos reales. Aquí seguimos a cuatro jóvenes jamaicanos deciden participar en los Juegos Olímpicos de invierno sin tener la menor idea de cómo funciona el deporte en el que compiten: el bobsleigh.

Sí, efectivamente, Jamaica participó en los Juegos Olímpicos de Calgary de 1988. A pesar de que se trata de un país tremendamente cálido, con una temperatura media de unos 25º, y en el que jamás han visto la nieve, estuvo presente en unos Juegos de Invierno. El “cómo” sucedió aquello, lo dejamos a una película casi igual de divertida que El castañazo.

Red Army (2014)

Red Army (2014) es la perla escondida en la guía. Presentado por Werner Herzog, este documental equipara la historia de la Unión Soviética con la de su equipo de hockey sobre hielo, conocido como “ejército rojo”, una dinastía única en la historia del deporte cuyo capitán fue primero adulado como un héroe nacional y luego condenado como enemigo político.

Si las perogrulladas sociales de Good bye, Lenin! (2003) te fascinaron, y te mueres de ganas de las maniobras publicitarias de El mago del Kremlin (2026), empieza por aquí. Te aseguro que la historia de Gabe Polsky te flipará. Y si ya la has visto, sigue con la secuela Red Penguins (2019).

Patrick Dempsey formó parte de nuestra adolescencia para la mayoría de nosotros. Da igual si lo vimos mil veces más después de Anatomía de Grey (2005–), porque  siempre lo veremos como el Dr. Dereck Shepherd y nunca dejaremos de decir que él y Meredith se merecían mucho más. Sin embargo, Dempsey ha interpretado muchos papeles a lo largo de su carrera y todos nos han encantado. 

Nos ha hecho reír, llorar y emocionarnos. Y ahora que Dempsey volvió a nuestras pantallas como un frío asesino a sueldo en Memory of a Killer (2026-) es el momento perfecto para adentrarte en nuestra lista de las 10 mejores películas y series de Patrick Dempsey, en orden.

1. Anatomía de Grey (2005–)

Derek Shepherd no es solo el personaje más conocido de Patrick Dempsey, es una de las razones por las que la serie se convirtió en un icono. El Dr. Shepherd nos vuelve locas porque no es imperfecto. Es brillante, pero también egoísta, contradictorio y muy cerrado. Y eso lo hace humano. Eso hace que sientas que quieres derribar sus muros para conocer al hombre que hay detrás de ellos. A diferencia de su papel en Encantada: La historia de Giselle (2007), en Anatomía de Grey (2005–), el personaje de Dempsey Derek cambia, crece. Esta es una de esas series que te acompañan durante años y se convierten en parte de tu rutina. En tu confort show. Si conectas con estas historias, This Is Us (2016–2022) te encantará.

2. Encantada: La historia de Giselle (2007)

En Encantada: La historia de Giselle (2007), Dempsey juega con el arquetipo del príncipe… para desmontarlo poco a poco. Robert Philip empieza como el típico abogado serio y escéptico, pero termina siendo alguien capaz de creer en la magia y en los cuentos de hadas. La película es una de las mejores de Disney porque se ríe de sí misma y de sus propios clichés. ¡Y nos encanta!. Y lo más interesante es cómo este papel contrasta con Derek Shepherd en Anatomía de Grey (2005–): ambos son racionales, pero mientras uno lucha contra sus emociones, el otro aprende a abrazarlas. Si te gustan estas historias, Una cuestión de tiempo (2013) encaja perfectamente contigo.

3. Sweet Home Alabama (2002)

Sweet Home Alabama (2002) es una comedia romántica de las clásicas, y Patrick Dempsey es gran parte de la razón por la que funciona. La película es una historia sobre las segundas oportunidades y sobre aceptar de dónde vienes. No reinventa la rueda, pero tampoco lo necesita. Andrew no compite con el pasado de la protagonista, simplemente entiende que no están hechos el uno para el otro. Y eso es clave. Frente a personajes más intensos como Jack Qwant en Bridget Jones’s Baby (2016), el papel de Dempsey en esta película es de alguien que sí sabe perder. Si te gustan este tipo de películas románticas, Notting Hill (1999) es una apuesta segura.

4. Bridget Jones’s Baby (2016)

Intentar repetir la fórmula del éxito de una franquicia siempre es arriesgado, pero Bridget Jones’s Baby (2016) lo consigue en gran parte gracias a Patrick Dempsey. Jack Qwant no intenta emular a Mark Darcy, si no ser todo lo contrario, lo que en parte es lo que engancha a Bridget de él. Jack es carismático, seguro de sí mismo y no tiene miedo a mostrar sus emociones, justo lo opuesto al personaje de Dempsey en Sweet Home Alabama (2002). En esta película Dempsey se divierte, y se nota. Su personaje representa una alternativa real para Bridget de elegir otro camino en su vida y se aleja de la típica tercera persona que no tiene nada que hacer en medio de dos almas gemelas. Y eso hace que el triángulo amoroso funcione. Si disfrutas de comedias románticas de este tipo, Los imprevistos del amor (2014) debería estar en tu radar.

5. Devils (2020–2022)

Devils (2020–2022) muestra una faceta mucho más oscura de Patrick Dempsey. Su personaje, Dominic Morgan, es frío, calculador y siempre va varios pasos por delante. Algo parecido a lo que sucede con su personaje en Transformers: El lado oscuro de la Luna (2011). Por lo que Dominic no busca hacer amigos, para él el poder lo es todo. Y esa diferencia es lo que hace más interesante este papel dentro de su carrera. Dempsey está excelso. Y la serie serie te volverá loca y no podrás dejar de mirar y, a veces, te revolverá el estómago al ver de lo que es capaz la gente por dinero. Si te gustan estas historias, Succession (2018–2023) es para ti.

6. Transformers: El lado oscuro de la Luna (2011)

Transformers: El lado oscuro de la Luna (2011) es puro exceso, y no intenta disimularlo. Explosiones, robots gigantes y una trama que va siempre un paso más allá de lo necesario. Y, aun así, funciona. En parte, gracias a Patrick Dempsey. Su Dylan Gould es un villano seguro de sí mismo y peligrosamente convencido de que siempre está jugando un juego que puede ganar, muy al estilo de su personaje en Devils (2020-2022). Lo mejor es que Dempsey deja muy claro que este personaje disfruta del poder y del caos que genera a su paso. Es una faceta distinta a la que muchos asocian con él, pero precisamente por eso destaca. Si te gustan este tipo de películas, Pacific Rim (2013) te encantará.

7. Estallido (1995)

Estallido (1995) es puro thriller de los 90, de esos que no se andan con rodeos y que funcionan mejor después de volver a verlos que cuando los vimos por primera vez. La premisa es sencilla, pero la tensión está tan bien medida que te mantiene enganchada sin necesidad de nada más. Patrick Dempsey interpreta a Jimbo Scott, un personaje que no busca ser el héroe perfecto, sino alguien normal atrapado en una situación que se le va completamente de las manos. Y ahí está la gracia: Dempsey aporta cercanía, algo que hace que todo resulte más creíble. Al igual que en No puedes comprar mi amor (1987), aquí vemos una versión más joven de Dempsey, pero se nota que ya apuntaba maneras de estrella. Si te van este tipo de thrillers, Contagio (2011) te va a gustar un montón.

8. No puedes comprar mi amor (1987)

En No puedes comprar mi amor (1987) el personaje de Dempsey, Ronald Miller, es torpe, inseguro y está desesperado por encajar, así que intenta hacer lo que sea para conseguirlo, un poco al estilo de Jimbo Scott en Estallido (1995). La película no se corta al desgranar el precio de ser popular y lo fácil que es perderte a ti mismo, tu identidad, intentando agradar a todo el mundo. La película no envejeció demasiado bien en algunos aspectos, pero sigue es clave para entender de dónde viene Dempsey como actor. Si te atraen este tipo de historias, Las ventajas de ser un marginado (2012) es para ti.

9. La boda de mi novia (2008)

La boda de mi novia (2008) no es la comedia romántica más original del mundo, pero no lo necesita. No se trata de reinventar la rueda, se trata de hacer que conectes con los personajes y que te identifiques con ellos. El personaje de Patrick Dempsey, Tom, es inmaduro, encantador, tiene miedo al compromiso y está totalmente perdido. Un poco al estilo de su personaje en Ferrari (2023). Y es imposible no emocionarse ver a Tom madurar e ir a por lo que realmente quiere conseguir, a pesar de que siempre se lo había negado. Si buscas romances así, Cómo deshacerte de tu jefe (2018) es una opción para ti.

10. Ferrari (2023)

Ferrari (2023) no es una película fácil y tampoco pretende serlo. No es una historia de coches y de carreras para disfrutar del espectáculo, sino una de esas historias que te dejan con un nudo en el estómago casi todo el tiempo. Patrick Dempsey interpreta a Piero Taruffi, un piloto experimentado que ya ha visto suficiente como para saber que cada carrera puede ser la última para él. Así que sabe exactamente a lo que se expone. Y nos lleva con él. Este personaje es el contrapunto al que interpretó en La boda de mi novia (2008). Si esta película te gusta, Rush (2013) te va a encantar.

Tras el enorme éxito de El corredor del laberinto, Dylan O’Brien parecía destinado a convertirse en una de las grandes estrellas de su generación. Recuerdo entrevistarle en 2017 y decirle con toda seguridad: “Esto lo tienes encaminado”. También recuerdo tragarme mis propias palabras, porque apenas un año después, desapareció por completo de las carteleras.

Un grave accidente durante el rodaje de El corredor del laberinto: La cura mortal (2018) lo había obligado a detener su carrera temporalmente, y por un momento el mundo pareció olvidarlo. Durante varios años, O’Brien se encaminó por entre películas indies o de género, así como por papeles secundarios, y no fuimos pocas las voces que vaticinamos el fin próxima de la carrera de este actor de 34 años. Nos equivocamos otra vez.

Desde 2022, O’Brien ha experimentado un claro renacimiento, una “O’Brienaissance” en que ha pasado de un secundario en 2021, en Infinito de Antoine Fuqua a tres papeles por año en repartos de series y películas de lo más variopinto, incluidas varias dramedias indie sobre la amistad disfuncional, como Saturday Night (2024) o Mi mitad perdida (2025).

Así que, por el estreno de SEND HELP (Enviad ayuda) (2026), en la que interpreta a un gerente con serios excesos en la microgestión que queda atrapado en una isla desierta. Su compañera queda absolutamente harta de él, pero tras tantísimos años sin verle, yo te aseguro que no.

Por ello, he recopilado una lista de todas las películas y series con Dylan O’Brien que debes haber visto antes de decir que conoces la carrera de este actor. ¿Vamos?

Lobo Adolescente (2011)

En Lobo Adolescente (2011), Dylan O’Brien interpreta a Stiles Stilinski, el mejor amigo del protagonista y uno de los personajes más importantes de toda la serie. El equivalente a Xander en Buffy, Vampirehunter (1997), no tiene poderes pero sí aporta corazón y un par de manos agradecidas para salvar el día. Uno de los más queridos por los fans, a lo largo de seis temporadas O’Brien agudizaba su astucia, resolvía algunos daddy issues y acababa dando claridad y confianza a un grupúsculo, por otro lado, sin mucho futuro.

Lobo Adolescente no abandona en ningún momento su espíritu de serie teenager, eso sí, con algún momento bastante más inspirado y camp que la posterior El corredor del laberinto.

La primera vez (2012)

Por los looks de chico guapo no lo creerás, pero Dave es un adolescente inseguro, sensible, reflexivo y romántico, que se enamora de Aubrey, una chica insegura, sensible, reflexiva y romántica, pero el amor en La primera vez (2012) nunca es tan sencillo. Diez años antes de Heartstopper (2022), Dave/O’Brien aprende a comunicarse mejor, a ser honesto con sus sentimientos y a equilibrar sus expectativas con la realidad de la relación.

Quizás nunca lo volveremos a ver en un papel tan deliberadamente mono, por lo que conservamos esta dramedia con más corazón que estómago como una cápsula inocente del amor romántico feel good que, si tuviéramos catorce años, seguramente también nos habría encandilado.

El corredor del laberinto (2014)

En El corredor del laberinto (2014), Dylan O’Brien da vida a Thomas, un joven que despierta sin recuerdos en una comunidad atrapada dentro de un gigantesco laberinto. Desde su llegada, el liderazgo impulsa a los demás a desafiar el sistema impuesto y buscar una salida, lo cual –y por ello hay tres películas– no resulta tan sencillo.

Si no visteis la saga por su estreno, quizás no queráis maratonear El corredor del laberinto: Las pruebas (2015) y El corredor del laberinto: La cura mortal (2018); al fin y al cabo, ni en lo retro o lo camp resultan tan atractivas como Lobo Adolescente. Sin embargo, para O’Brien, este papel significó su consagración de ídolo adolescente…

El asesino americano (2017)

En el fondo, El asesino americano (2017) es un noir de acción muy clásico, y si la hubiera interpretado Liam Neeson, se habría titulado Venganza (2008). El gran qué de la propuesta es, justamente, que no está liderada por Neeson, sino por un Dylan O’Brien no tan joven, que quiso volver al mundo del acting dando un patadón por la puerta grande. Olvídate de La primera vez, incluso de El corredor del laberinto. O’Brien ya no es un júnior.

Para demostrarlo, se une a otro actor de reservado perpetuo en el mundo del blockbuster de aventuras, Michael Keaton, con el que hace una dupla de maestro-aprendiz casi tan icónica como la de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008).

De amor y monstruos (2020)

En pleno auge de Ataque a los titanes (2013), Dylan O’Brien reaparecía en un universo postapocalíptico dominado por gigantes asesinos, pero con un giro. De amor y monstruos (2020) se parece más a Stranger Things (2016) que a The Walking Dead (2010), es decir, resulta ideal para quienes disfrutan de historias apocalípticas accesibles y entretenidas. 

O’Brien, en la película un héroe con un viaje bastante optimista, interpreta a un joven inseguro que decide abandonar su refugio “anti-monstruos” (la expresión es mía) para reencontrarse con la persona que ama. Y así, yo creo, supera esa seriedad algo excesiva que fabricó para El asesino americano.

El sastre de la mafia (2022)

El sastre de la mafia (2022) representa una de las propuestas más maduras en la filmografía de Dylan O’Brien. Este thriller se desarrolla casi por completo en una sastrería de Chicago durante los años cincuenta, donde se cruzan complots y traiciones de las que sólo pueden acabar en sangría. Ponte, Los intocables de Eliot Ness (1987), pero en versión claustrofóbica.

O’Brien interpreta a Richie Boyle, un joven mafioso de gatillo demasiado fácil y encerrado en un sótano-taller de sastrería planea un golpe. Richie actúa como antagonista secundario, un niño sin escrúpulos listo para robar escenas sin abandonar nunca su máscara. O sea, como un actor de pleno derecho.

Ponyboi (2025)

Si la antigua estrella juvenil Robert Pattinson consolidó su autoridad interpretativa en Good Time: Viviendo al límite (2017), ¿por qué no iba a hacerlo Dylan O’Brien? Los codos esenciales de Ponyboi (2025) recuerdan al cine social de directores como Sean Baker o los Safdie, con la experiencia de los personajes puesta bien en el centro mareante de una acción que no se detiene nunca.

En la filmografía de O’Brien, Ponyboi representa un giro hacia roles más adultos y de autor, que se alejan del cine comercial para abrazar lo feo (y único) del cine indie. Para mí, representó la prueba definitiva de que el actor puede interpretar lo que quiera, incluso al tipo más desdeñable del universo… Como en SEND HELP.